Als florierende KunstArztPraxis haben wir ja Geld wie Heu, deshalb schließen wir hin und wieder die Patientenpforte und reisen komplett ins befreundete Ausland. Diesmal ging’s nach Bayern, ins Haus der Kunst: zu Sandra Vásquez de la Horra. Hier das Ausflugsprotokoll* unserer Schülerpraktikantin Lucija.

^{*Naja, „Ausflugsprotokoll“ trifft es diesmal nicht so wirklich.
Lucija hat es anders angepackt als unsere Schülerpraktikantinnen bisher.
Aber lesen Sie selbst.}

Letzte Woche ist meine Baka Zora gestorben, mit 94 Jahren. Sie ist aus Zagreb nach Deutschland gekommen, da war sie fast so jung wie ich. Sie hat sich hier nie richtig wohl gefühlt, von den Deutschen ungeliebt, auch missverstanden. 

Aber sie war trotzdem eine starke Frau.

Jugend in Diktaturen

Meine Baka hat zwei Kriege erlebt, den ersten in Zagreb, den zweiten in Kroatien aus der Ferne.

Und sie ist unter Tito groß geworden, dem jugoslawischen Diktator. Im Vergleich zu Pinochet, unter dem Sandra Vasquez de la Horra groß geworden ist, war Tito allerdings ein Waisenknabe.

Die Jugend in der Diktatur, das Unwohlsein in der Fremde: Ich glaube, das sind zwei Sachen, was beide verbindet. Das habe ich aber erst in München begriffen, weil wir eine sehr gute Führung hatten. 

Da lebte meine Baka noch.

^{Foto oben: Sandra Vásquez de la Horra, „Der Sprung des Herrn Maus“ (2008),
Haus der Kunst, München 2026; © an der Kunst: VG Bild Kunst 2025}

Die Haut der Zeichnung

Ich mag die starken Frauen und Müttern auf den Bildern, die in München nicht nur an den Wänden hängen, sondern witzig aufgefaltet auf Tischen stehen. Die Farben, aber auch die tiefschwarze Dunkelheit der Gespenster.

Ich mag, dass das Papier, weil es in Bienenwachs getränkt ist, so was von Haut hat. Ich mag das Geheimnisvolle, das zum Teil ja aus indigenen Mythen stammt. Dass Pflanzen und Vulkane und Menschen magisch ineinander übergehen wie in einem fernen Paradies.

So zu zeichnen muss viel Kraft und Ruhe geben. Energie. „Soy Energía“: So heißt die Ausstellung ja auch.

^{Foto oben: Sandra Vásquez de la Horra, „Schöpfer der Kreatur“ (2015),
Haus der Kunst, München 2026; © an der Kunst: VG Bild Kunst 2025}

Schönheit. Grausamkeit. Geheimnis.

Ich glaube, dass Sandra Vásquez de la Horra ihre Heimat Chile auf ihren Zeichnungen mitgenommen hat. Dass sie die Heimat, die sie im Kopf hat, in ihre Zeichenhand hat fließen lassen.

Mit ihrer ganzen Schönheit, aber auch mit all der Grausamkeit. Und mit ihrem Geheimnis, das gut und böse sein kann.

Da ist sehr viel Sehnsucht in den Bildern. Aber auch Verzweiflung, finde ich.

Aber vielleicht kommt mir das alles auch nur so vor, weil es meine Baka gab.*

^{*Nein, dass ist alles drin, liebe Lucija! Aber
noch mehr. Das wirst du später merken.
Wenn dein Körper andere Erinnerungen
gespeichert hat.}

^{Foto oben: Sandra Vásquez de la Horra, „Geknebeltes Fräulein“ (2015),
Haus der Kunst, München 2026; © an der Kunst: VG Bild Kunst 2025}

Tito hat Bakas Mama mal ein Grundstück am Meer gestohlen, einen Kühlschrank gab es dafür im Tausch, damit sind wir quitt, hat Tito gesagt. Der Kühlschrank ist natürlich längst kaputt.

Aber das war nur ein Grundstück am Meer! Pinochet hat den Menschen ihre Leben gestohlen. Er hat sie umgebracht, ihre Kinder verschleppt. Die waren plötzlich weg.

Und er hat ihnen ihre Geschichte gestohlen. So wie Hitler. Und wie Putin gerade in der Ukraine.

Wer findet die Geschichten?

Deshalb glaube ich, dass die Figuren bei Sandra Vásquez de la Horra auf dem Papier im Leeren schweben.

^{Foto oben: Sandra Vásquez de la Horra, „Soy Energía“,
Ausstellungsansicht, Haus der Kunst, München 2026};
^{© an der Kunst: VG Bild Kunst 2025}

Da ist keine Geschichte mehr, aber man weiß natürlich, dass da eine sein müsste. Denn die Figuren sind viel zu spannend gezeichnet, um keine Geschichte zu haben.

Ich wünschte, ich könnte den Figuren ihre Geschichten zurückgeben.*

^{*Kannst du doch, liebe Lucija! Wir wissen, dass dich der „Spruch“ von uns nervt,
aber: Kunst ist im Idealfall magische Verheißung! Auch für Geschichten.}

Dass die Bilder von Sandra Vásquez de la Horra jetzt im Haus der Kunst hängen, finde ich gut. Hitler hat das Haus ja bauen lassen, um kitschige Bilder hineinzuhängen, die er gut fand und die alle Deutschen gefälligst gut zu finden hatten. Er war ja Hobbymaler.

Die Bilder von Sandra Vásquez de la Horra hätte sich Hitler niemals in sein Haus der Kunst gehängt. Sie hätten ihn geärgert. Vielleicht sogar Angst gemacht. Auch deshalb ist es gut, dass sie da hängen.

Kunst als Heimat

Überhaupt: Die Bilder, die ich mag aus dieser Zeit, als Hitler an der Macht war, hat Hitler lächerlich gemacht. Die sie gemalt haben, sind ins KZ gekommen oder haben fliehen müssen an Orte, wo sie sich nicht zu Hause fühlten. Auch Deutsche. Und viele hatten dann nur noch ihre Kunst als Heimat.

Dazu passt, dass Sandra Vásquez de la Horra viele ihrer Bilder in München einfach mit Nadeln ungerahmt in die Wand gesteckt hat: Damit sie notfalls schnell zusammenpackt werden können, wenn sie aus Deutschland fliehen muss? Zu sowas könnte es ja bald schon wieder kommen. 

Vielleicht ist meine Baka Zora gerade noch rechtzeitig gestorben. Ich lebe ja in einer Zeit, in der Hass und Verachtung für Andere wieder ausreicht, um die Macht zu übernehmen.

Was bitte ist mit diesem Deutschland los? (05.04.2026)

^{„Sandra Vásquez de la Horra. Soy Energía“ ist noch bis zum 17. Mai 2026 im Haus der Kunst in München zu sehen.}

Betriebsausflüge in der KunstArztPraxis:
6: „Honiggelb“ in Wiesbaden
5: Nick Cave in Wassenaar
4: „Kafka: 1924“ in München
3: Nicole Eisenman in München
2:“Geordnete Verhältnisse“ in Nürnberg
1: „Kunst für Tiere“ in Rüsselsheim

Homepage vom Haus der Kunst

Der Beitrag Betriebsausflüge 7: Vásquez de la Horra in München erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Als florierende KunstArztPraxis verdienen wir naturgemäß Unsummsummen Geldes. Deshalb schließen wir bisweilen die Einflugschneisen für Patienten und schwärmen aus ins befreundete Ausland. Diesmal ging’s nach Wiesbaden, zu den Bienen. Ein Ausflugsprotokoll unserer Schülerpraktikantin Sarah.

^{Für David Lynch (1946-2025). Nicht von Sarah. Von uns.}

In der KunstArztPraxis gab es lange einen leeren Nagel, an dem hing vorher Cole. Der leere Nagel hat die KunstÄrzte ganz depri gemacht, deshalb bin ich froh, dass dort jetzt gerade ein neues Bild hängt. Eigentlich gehört es jemand Anderem, einem ECHTEN Doktor nämlich. Für den bauen die KunstÄrzte gerade eine Sammlung auf.

Das Bild heißt „Box of bees“. Es stammt von David Lynch, der früher angeblich mal ein berühmter Regisseur gewesen sein soll. Vielleicht hat das Bild deshalb einen Vorhang an den Seiten? Und auf der Bühne sieht man eine ziemlich schlecht gemalte Box.

Neben Talent kann ich beim besten Willen auch keine Bienen entdecken.*

^{*Ach, liebe Sarah: Für diesen Satz verzeihen wir dir alles,
was du gleich über Joseph Beuys schreiben wirst!}

Ich mag die „Box of Bees“ nicht sonderlich. Für mich erzählt sie keine Geschichte. Ich mag eben lieber Bilder, die Geschichten erzählen. Da bin ich Kind des Mittelalters.

Deshalb sagt mir auch dieser komische Beuys nichts, den die KunstÄrzte abgöttisch verehren. Weil der mal eine „Honigpumpe“ gebastelt hat, in die man alles Mögliche von Schöpferkraft bis Demokratie hineingeheimnissen kann, darf er natürlich auch in „Honiggelb“ nicht fehlen. Allerdings nur mit Fotos statt der albernen Pumpe.

Durch den Beuys-Raum bin ich ganz schnell durchgegangen. Die KunstÄrzte natürlich nicht. DIE schmieren Herrn Beuys ja bei jeder sich bietenden Gelegenheit Honig ums Maul.*

^{*Weil er es verdient, liebe Sarah! Weil er es verdient.
Das wirst du auch noch merken, wenn du erstmal so alt bist wie wir.}

Ansonsten war für mich aber ziemlich viel in Wiesbaden dabei. Die meisten Werke erzählen nämlich tatsächlich Geschichten. Als ob sie Bücher wären.

Vielleicht hat das etwas damit zu tun, dass Bienen in der Antike gern um junge Männer schwirrten, die mal berühmte Dichter werden sollten, also Biene und Geschichte zwei Seiten einer Wabe sind? Auch das habe ich in „Honiggelb“ gelernt.

Es gibt sie eben, die Geschichten

Ist aber auch egal. Es gibt sie eben, die Geschichten. Vom Kaiser, der die Biene in sein Wappen nahm. Von Jupiter, der mit Milch & Honig großgezogen wurde. Von der Verteidigung einer Festung mit Hilfe des Schwarms. Von der Eintracht des Korbes – und von der Eifersucht (wenn er brennt).

Die fabelhafte Geschichte von der Biene und dem Drachen (oder dem Bären (oder der Spinne)). Vom Bienenwunder des heiligen Ambrosius. Und von der Honigmadonna, die eine Prophezeiung des Jesaja wahr werden ließ.

Ich finde, das kann man sich alles sehr gut ansehen. Und über QR-Codes viel dazu lesen.

Am liebsten mochte ich übrigens einen Kinderkopf aus Holz, der ziemlich am Anfang von der Ausstellung hängt: ich glaube, im zweiten oder dritten Raum. Und der war ziemlich gut gehangen.

Was hat es bloß?

Man kommt nämlich durch die Tür und denkt: Das ist aber ein krass weinendes Kind da! Was hat es bloß? Und dann geht man um das Kind herum und sieht, dass auf der Wange auf der anderen Seite eine Biene sitzt.

Das arme Kind schreit also vor Schmerz, und das ist schon brutal lebensecht dargestellt! Für mich jedenfalls war das ein Schock.

Die KunstÄrzte haben mir dann zu erklären versucht, dass das kein normaler Kindskopf ist, sondern der von Amor, dem griechischen Liebesgott. Der war nämlich ein Honigdieb, das hatte ich bisher nicht gewusst. Und das haben sich die Bienen natürlich nicht gefallen lassen.

Das mit dem Amor nehme ich den KunstÄrzten aber nicht ab. Woher wollen sie das wissen? Alle Nas‘ lang werden kleine Kinder von Bienen gestochen, da braucht man keinen Liebesgott zur Überhöhung eines Kunstwerks.

Mich zum Beispiel hat auch mal eine Biene gestochen, da war ich sechs. Vermutlich habe ich genauso schmerzverzerrt ausgesehen.

Aber die Geschichte mit Amor ist natürlich trotzdem hübsch. Und bei einem anderen, sehr berühmten Bild in „Honiggelb“ stimmt sie auf jeden Fall. Weil: Dieses Kind hat Flügel.

Und dann gibt es ja auch noch die „Biene Maja“, mit der nicht nur die KunstÄrzte groß geworden sind, sondern Jahrzehnte später auch noch ich! Sie mit der Biene Maja als japanische Zeichentrick-Figur im Fernsehen, und ich mit der Biene Maja als 3D-Animation zum Streamen bei Netflix und Disney+.

Davor aber war die Biene Maja mal ein komplett analoges Buch: mit Scherenschnitten, die in der Ausstellung hängen! Und mit dem sind auch ganz viele groß und sogar tot geworden.

Groß und TOT geworden?

Kustarzt3 hat dieses Buch sogar gelesen, allerdings ohne Scherenschnitte. Wer schwarzen Humor mag, sagt er, für den ist das toll. Aber er sagt auch, dass die Nazis den Soldaten die „Biene Maja“ mit in die Schützengräben gegeben haben, für den Endsieg. Wegen dem Kampf der Bienen gegen die Hornissen im letzten Kapitel. So viel zum Thema Kinderbuch.

Und dass Adolf Hitler ein Riesen-Fan der Bienen gewesen ist, weil sich im Stock im Grunde Alle für Eine*n aufopfern. Also für Adolf Hitler. Äh: für die Königin.

Von DIESER Bienengeschichte erzählt die Ausstellung leider gar nichts. Nicht mal im Katalog.

Neben Beuys ist das mit der Nazi-Biene aber die einzige Sache, die mir nicht so gut gefallen hat in „Honiggelb“. Ansonsten hat mir dort eigentlich alles sehr gut gefallen. Deshalb bin ich froh, dass die KunstÄrzte mich mitgenommen haben. Danke, liebe KunstÄrzte!*

^{*Gern geschehen, liebe Sarah!}

Bienenstich für David Lynch

Ach ja, das darf ich nicht vergessen: Am Ende unseres Ausflugs haben die KunstÄrzte in einer Bäckerei in Wiesbaden natürlich noch unbedingt vier Stücke BIENENSTICH holen müssen, das ist so ihr Humor! Derlei Wortspiele finden alle Drei irgendwie riesig.

Den Bienenstich haben wir am nächsten Tag in der KunstArztPraxis unter der „Box of Bees“ an Coles Nagel gegessen. Im Gedenken an David Lynch, haben die Drei gesagt. Weil der doch dieses Jahr gestorben ist. Und wegen der Bienenstiche auf seinem Bild.

Ein bisschen spinnen tun in der KunstArztPraxis irgendwie alle. (18.05.2025)

^{Honiggelb. Die Biene in der Kunst von der Renaissance bis in die Gegenwart“ ist noch bis zum 22. Juni 2025 im Museum Wiesbaden zu sehen.}

<sup>Anmerkung 1: Danke für dein Ausflugsprotokoll, liebe Sarah: trotz deiner Sticheleien –  und trotz des einen falschen Dativs, den Jede*r, der oder die ihn findet, gern behalten darf. Dein Sprachtalent ist bewundernswert, nie hatte eine Schülerpraktikantin größeres; eigentlich müssten Myriaden von Bienen-Schwärmen dich umschwirren.

ABER: Dein Blick auf Kunst geht fehl, denn: Na-TÜR-lich erzählt auch die „Box of Bees“ eine Geschichte! David Lynch, ohne den es übrigens viele deiner Lieblings-Mystery-Serien auf Netflix und Disney+ nicht gäbe, hat sie uns kurz vor seinem Tod noch per E-Mail von Los Angeles aus zukommen lassen. Diese Geschichte geht so:

„There is a story for ‚Box of Bees‘: For a while, Jack Nance (best known for his role in ‚Eraserhead‘) dropped out of the film business. He got a job as a hotel manager and worked the night shift. One day he went to a room that had been vacant for some time. In that room, he found hundreds of dead bees. He took an empty Kleenex box and filled it with these bees. He know that I liked this sort of thing, so one day he gave this to me. I literally named the watercolor after this gift from Jack Nance. Hope this helps! David Lynch.“

Anmerkung 2: Wir kuratieren tatsächlich gerade eine Sammlung für einen Gastroenterologen, der, das muss der Neid ihm lassen, mit Magenspiegelungen noch mehr Unsummsummen Geldes verdient als wir. Das eigentliche Thema der Sammlung ist „Werden und Vergehen“, aber „Honiggelb“ hat uns gezeigt, wie viel Biene darin stecken wird. Neben der „Box of Bees“ gibt es jetzt schon ein Waben-Objekt von Mary Bauermeister, zwei in Wachs getunkte Zeichnungen von Sandra Vasquez de la Horra, eine alte Schul-Schautafel zur Honigbiene – und ein „Bee-o-Top“ von Gundula Weber, sprich: ein Wiesenstück à la Albrecht Dürer samt Nektar saugender Bienen – und alles, den Sockel inklusive, aus Papier.

Vielleicht berichten wir mal darüber, wenn die Sammlung komplett ist. Was meint Ihr? Schreibt es in die Kommentare! Und sagt uns, in welcher Stadt Ihr unseren Beitrag gerade lest.</sup>

Betriebsausflüge in der KunstArztPraxis:
5; Nick Cave in Wassenaar
4: „Kafka: 1924“ in München
3: Nicole Eisenman in München
2:“Geordnete Verhältnisse“ in Nürnberg
1: „Kunst für Tiere“ in Rüsselsheim

Exklusiv: Honig. Vorabdruck aus „Hapke“

Homepage des Museums Wiesbaden

Der Beitrag Betriebsausflüge 6: „Honiggelb“ in Wiesbaden erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Die KunstÄrzte sind riesige Fanboys von Nick Cave, er ist ihr Priester, wie sie sagen. Hier in der Praxis laufen seine Alben rauf und runter.

Ich bin erst drei Wochen hier, aber eigentlich kann ich Nick Cave schon fast nicht mehr hören. Die KunstÄrzte hören nämlich nicht die Songs, die so ein bisschen gothic sind und Post Punk, sondern eher so das kitschige Zeug mit der Liebe und den Mermaids. 

Noch schlimmer finde ich, dass bei „Jubilee Street“ immer Einer mit hochgereckten Händen durch die Praxis-Zimmer hüpft, und wenn Nick Cave bei „No More Shall We Part“ „My beautiful heart“ singt, liegen sich die Drei garantiert heulend in den Armen.

Bei „Love Letter“ übrigens auch.

Das ist alles ziemlich cringe. Da bin ich froh, dass im dritten Stock niemand durchs Fenster spinksen kann. Aber auf die Reise nach Den Haag habe ich mich trotzdem gefreut.

Da sind gerade Figuren von Nick Cave ausgestellt. Und da geht’s auch mal nicht um Gott und den Glauben an die Mermaids, sondern um den Teufel und den Tod. Und das interessiert mich als Gothic Girl dann schon.

Nick Cave ist nämlich eigentlich Künstler, die Musik ist ihm nur immer „dazwischengekommen“. Ausgerechnet die KunstÄrzte behaupten das!

Und dann bei „Love Letter“ heulen.

Ach, eins habe ich noch vergessen zu erwähnen, das könnte wichtig sein. Vielleicht wären wir nämlich sonst gar nicht so weit gefahren! 2020 hatten die KunstÄrzte nämlich Karten für Nick Cave & The Bad Seeds in München und hatten sich wohl auch schon unbändig gefreut darauf.

Aber dann kam Corona und das Konzert wurde abgesagt.

Und jetzt kommt’s: Zur SELBEN Zeit, als die KunstÄrzte im Lockdown in der Praxis bei den „Murder Ballads“ Trübsal bliesen, saß Nick Cave irgendwo in Australien in seinem Haus fest und hat statt der Tournee diese Teufels-Figuren aus Ton gemacht!

Die KunstÄrzte würden sagen: Weil ihm die Musik endlich einmal nicht dazwischengekommen ist. 

^{Ein objektiver Zufall, wie wir ihn lieben: Eigentlich wollte Nick Cave uns mit den Bad Seeds & zehn Gospelsängern am 06.06.2020 „Ghosteen“ präsentieren. Stattdessen modellierte er im Atelier seiner Frau Susie Bick einen Teil jener Teufels-Figuren, die wir nun gesehen haben! Vielleicht exakt zur selben Stunde. © für alle Atelier-Fotos: Sian Davey}

Vermutlich lag es an „Higgs Boson Blues“, denn fast wären die KunstÄrzte bei unserem Betriebsausflug bei einer Ausfahrt aus Versehen nach Genf abgebogen, aber dann sind wir doch noch mit „Abattoir Blues“ im Jaguar Richtung Niederlande. Und da gab es dann erstmal zwei Enttäuschungen. 

Denn das Museum ist gar nicht in Den Haag, sondern in einem Kaff namens Wassenaar ein paar Kilometer weiter am Meer. Und die Teufel von Nick Cave hätte ich mir viel größer vorgestellt! Aber das Museum ist echt eine Wucht. Im Garten steht eine riesige Spinne, von der das Spinnenkind in „Needle Boy“ stammen könnte. Und in einem Kunstwerk kann man sich sogar ein wenig wie eine Mermaid unter Wasser fühlen.*

Man kommt aus dem Stauen nicht heraus. 

^{*Die Spinne ist von der unvergleichlichen Louise Bourgeois, 
der optisch täuschende Swimming Pool von Leandro Erlich.} 

In einem Raum stehen dann Nick Caves Teufel auf einem langen Sockel wie auf dem schneeweißen Altar einer schwarzen Messe. 17 sind es, ich habe nachgezählt. Unsere Führerin hat gesagt, dass sie von ziemlich kitschigen Keramikfiguren inspiriert sind, die Nick Cave selber sammelt.

Den Namen habe ich leider vergessen.* 

^{*Ach Anne! Es handelt sich um die in England populären
Staffordshire-Keramiken aus dem 18. und 19. Jahrhundert.
Das sollte man als angehende Kunststudentin wissen.}

Unsere Führerin hat dann erklärt, dass die Figuren gar nicht viele Teufel sind, sondern vom Leben eines Teufels erzählen, der wie Nick Cave seinen Sohn verloren hat*, und zwar von seiner Kindheit bis zum ziemlich blutigen Tod. 

Den Teufel hatte ich mir trotz der Hörner auf jeden Fall ganz anders vorgestellt. Weniger elegant, oder: weniger menschlich vielleicht?

Für mich kann der Teufel nämlich nicht älter werden, oder sich verlieben, oder Gewissensbisse haben, oder traurig sein. Aber bei Nick Cave ist das nun mal so. Und einmal verbirgt er sein Gesicht mit den Händen wie auf einem Gemälde von Edvard Munch. 

^{*Nick Cave hat 2016 bzw. 2022 zwei seiner vier Söhne verloren,
der Tod von Ex-Bad-Seeds-Mitglied und Freundin Anita Lane 2021war ein weiterer Schicksalsschlag.}

Und noch etwas kann ich sagen: Je länger man die Figuren betrachtet, umso mehr Mitleid bekommt man mit dem Teufel. Und dann verwandelt sich wieder der ganze biedere Kitsch wie bei einem Kipp-Bild in Anarchie & Punk. Ein bisschen so, als würde The Birthday Party „Wild Roses“ spielen. Ja, vielleicht so in der Art.

Und dann hat die Führerin noch etwas gesagt, das mir, glaube ich, auch die KunstÄrzte irgendwie haben sagen wollen: Dass nämlich auch Nick Caves Musik eigentlich Kunst ist.

Weil Nick Cave mit seinen Songs Bilder und Gefühle macht im Kopf wie ein Maler mit Farbe, und weil seine Konzerte eigentlich Performances sind, bei denen es um Leid und Verlust und Erlösung und Vergebung geht wie bei seinem armen Teufel auch. Oder um Überwinden wie bei Marina Abramović und Hermann Nitsch. Nur eben nicht mit Stillsitzen oder Körperflüssigkeit, sondern mit Text und Musik. Und beim Teufel eben mit Glasur.

Tut mir leid, Jungs, aber: Wenn man das SO erklärt, dann kann man das wenigstens verstehen. (23.02.2025)

^{Anmerkung 1: Nein nein, liebe Anne, das mit Nick Cave , der Kunst & der Musik haben wir schon anders gemeint! Cave hat es im Museum Voorlinden im Gespräch übrigens nochmal gesagt: „Als Musiker habe ich mich immer als Hochstapler gefühlt. Meine eigentliche Bestimmung ist immer die eines Künstlers gewesen.“ Aber was Lieke uns da so unbekümmert in der Ausstellung erzählt hat, stimmt natürlich trotzdem, siehe Appendix unten. Danke, liebe Lieke!}

^{Anmerkung2: Ach ja: Vor lauter Aufregung hatte KunstArzt1 beim Betriebsausflug leider ZUM ERSTEN MAL seine Kamera zuhause liegengelassen. Wir mussten deshalb ausnahmsweise mal auf Fremdfotos zur Ausstellung zurückgreifen, die Thomas Merle gemacht hat. Danke, Thomas Merle! Und: Danke, Sian Davey, für die Fotos aus dem Atelier. Und nur noch kurz, zwecks Transparenz: Über den Text von Anne sind wir auch noch einmal stark redigierend drübergegangen. Der war uns viel zu gothic,}

Appendix: Nick Cave performt „Jubilee Street“, Hamburg, 8. Oktober 2024

„Jubilee Street“ ist der vierte Track auf „Push the Sky Away“ von Nick Cave und den Bad Seeds aus dem Jahr 2013. Jeder von uns Dreien weiß noch, wo er dieses Album zum ersten Mal gehört hat, und für Einen von uns war es das erste Nick-Cave-Album überhaupt. 

Dieser Eine ist beim Hören kurz vor Mitternacht bei Eiseskälte durch einen schneehellen Park gegangen, auf den das Licht der Kreißsäle eines großen Krankenhauses lange Baumschatten warf, und hat dabei dank „Jubilee Street“ erkannt, dass er die Frau liebt, die ihm das Album schenkte. Wenn also jemals ein musikalischer Liebestrank gelang, dann ist es dieses über acht Minuten lange Stück. 

Dabei ist „Jubilee Street“ vermutlich kein Liebeslied. Es handelt von einem feigen Freier, der einem leichten Mädchen namens Bee – oder B.? – eventuell ein Kind gemacht hat. Vielleicht ist Cave – wie er so oft behauptet – wie alle seine Helden, dieser Freier selbst? Egal. Bee jedenfalls ist schon nach zwei Zeilen erschossen, die Russen fallen in den Laden ein, Caves Name steht in einem schwarzen Buch auf jeder Seite.

Irgendwann wird er mit seinem Liebesbauch und Liebesrad – äh, also doch ein Liebeslied? – wohl auch Bees vermutlich abgetriebenen Fötus durch die Straße an der Leine Gassi führen. Aber das alles ist nicht sicher: Cave singt ja in Bildern. Fest steht nur: Liebe und Verlust, Sehnsucht und Trauer, Sünde und Erlösung, Gott und Teufel. Das alte Spiel.

Das Heilige der Live-Musik

Der Held von „Jubilee Street“ könnte aber auch ein falscher Priester sein, der mit Jesus gleichzieht, indem er am Ende in mystischem Leuchten verglüht und in Verzückung gen Himmel fährt. Das ist das Ende vom Lied, das wie Bee eine Geschichte hat, aber keine Vergangenheit: auch in Hamburg nicht. Am Ende geht alles in einem Rausch aus Klängen tranceartig in dem auf, was Cage in seinem Buch „Glaube, Hoffnung und Gemetzel“ (2022) mehrfach heilig nennt, spirituell: in der Musik. Genauer: in der Live-Musik vor Menschen. 

Gen Himmel fahren, erlöst werden von Zehn-Tonnen-Katastrophen, transformieren wie im Ritual der Messe: Das ist das, was Nick Cave während des ganzen Konzerts in Hamburg will. In „Jubilee Street“ ist es nur besonders offensichtlich. Neben den Bad Seeds sitzt noch eine weitere Pianistin da oben, auch die Percussions sind inklusive Marimbaphon satt bestückt. Im musikalischen Zentrum, an der rechten Bühnenseite, natürlich: der Freund und Teufelsgeiger Warren Ellis, mit dem gemeinsam Cave „Jubilee Street“ geschrieben hat.

Zudem stehen drei Gospel-Sängerinnen in liturgisch glitzernden Gewändern auf der Bühne, und ein Gospel-Sänger in Priesterschwarz. Das sind sechs Gospel-Sänger*innen weniger als bei der abgesagten „Ghosteen“-Tour, zu der wir Karten hatten, 2020 geplant war – aber es zeigt, wohin die Reise auch in Hamburg gehen soll: Nach oben, wo die seidenen Lichtkegel der Bühnenbeleuchtung hervorbrechen wie die göttlichen Sonnenstrahlen auf einem romantischen Gemälde aus einer Wolkendecke.

Hand- und Bauchauflegen

Caves Musik steckt voller Beschwörungsformeln. Bei „Jubilee Street“ ist das weniger offensichtlich als bei „Sweetheart Come“, aber es gibt sie doch, auf andere Weise: „I’m transforming, I’m vibrating, I’m glowing, I’m flying, look at me now!“ lautet diese Beschwörungsformel, das Mantra.

Und Jede*r , der hinschaut, kann es in Hamburg sehen, nachdem Cave mit einer Art Veitstanz auch das Tempo der Bad Seeds ebenso plötzlich wie radikal gesteigert hat: Cave vibriert, er glüht, die Welle der Klänge von Warren Ellis‘ E-Gitarre (dieses Mal: nicht die Geige), vom Schlagwerk Martin Caseys und vom Drumpad, auf das Jim Sclavunos mit dem Tamburin lässig eindrischt – peitscht ihn, unterstützt vom Gospelchor, nach oben.

Hier gilt die Beschwörungsformel keiner Liebe, mit der Nick Cave unter den Sternen wandern will: In Hamburg zielt sie eindeutig aufs Publikum. Nachdem Bee erschossen worden ist, rollt sein „wheel of love“ vor allem für die armereckenden Fans in den ersten Reihen. Cave wandert zwischen Klavier und seiner Gemeinde hin und her, schreitet die Bühne ab wie ein Tier im Käfig. Aber er greift zwischen den Stäben durch ins Meer der Hände, taucht beizeiten hinein. Wilde Energie aus dieser Masse, übertragen durch Hand- und Liebesbauchauflegen.

Bei einem der letzten Mantra-Flügen wirft sich Cave auf die hochgestreckten Arme seiner Fans und breitet die eigenen Arme aus zu Flügeln: Die Himmelfahrt gelingt bei „Jubilee Street“ in Hamburg nur, weil die Gemeinde ihren Priester stützt. Das ist das Bild, das uns auf ewig im Gedächtnis bleiben wird, der für uns seelenbewegende, Cave würde sagen: „heilige“ Augenblick. Oder, mit den Worten von „Song of the Lake“, der in Hamburg ebenfalls gespielt wird: „The Moment was worth saving.“

Was verstörend wirkte

Manches wirkt verstörend bei der Performance von „Jubilee Street“ an diesem Abend: eigentlich Vieles für die achteinhalb Minuten.

Gerade erst hat Cave beim Geständnis, nach dem Mord an Bee zu viel Angst gehabt zu haben zum Weitergehen, besonders lang die hochgereckte Hand eines Fans gedrückt, da bricht er plötzlich ab, weil er sich – wohl wegen eines Zurufs – dem Anschein nach im Text vertan hat  (er wird nach dem Lied zum Rufer zurückkehren und sich beschweren). Dann wandert er von links nach rechts, um einem anderen Fan etwas zu sagen. Oder ist dies der Rufer gewesen?

Cave spuckt in Anzug und Krawatte auf die Bühne, als wäre er noch bei „The Birthday Party“. Einmal findet er sein achtlos auf den Boden geworfenes Mikrophon erst im letzten Moment wieder, weil ein aufmerksamer Roadie es inzwischen aufs Klavier gelegt hat – offenbar war er selbst zu sehr ins Spiel versunken, um es zu bemerken. Aber all dies tut diesem Zauber von „Jubilee Street“ in Hamburg keinen Abbruch. Im Gegenteil. Verstörung gehört ja dazu.

Nein: „Jubilee Street“ in Hamburg, das war keine musikalische Unterhaltung, keine modische Deko-Protzigkeit wie bei manchem dieser anderen Konzerte anderer Stars: „Jubilee Street“ in Hamburg, das war Performance-Kunst, die wir immer noch im Herzen tragen, jetzt, da vier Monate vergangen sind. Die unsere Seele gesund gemacht hat.

„Jubilee Street“ in Hamburg war zum Niederknien, mehr noch als „Jubilee Street“ 2017 in der Frankfurter Jahrhunderthalle. Im Ansatz spürt man das sogar noch auf jenen verwackelten, unscharfen, akustisch verzerrenden Videos, die im Netz kursieren. Zumindest ein bisschen.

Ach ja, eines sollen wir der großen Liebe von Einem von uns noch ausrichten: Er hat Deine Karte nicht verkauft. Der Platz neben ihm blieb für Dich frei.

^{„Nick Cave. The Devil: A Life“ ist noch bis zum 16. März 2025 im Museum Voorlinden in in Wassenaar bei Den Haag zu sehen. Neben einem Skyspace von James Turrell besitzt das Haus Werke von Ai Weiwei,  Marcel Broodthaers, Tracey Emin, Damien Hirst, Roni Horn, Anselm Kiefer, Bridget Riley und Cindy Sherman. Auch Nick Caves Serie hat es inzwischen angekauft.}

^{Und bis zum 23. März 2025 läuft auch noch die tolle Schau von Michaël Borremans! Also nichts wie hin.}

Die legendären Betriebsausflüge der KunstArztPraxis:
Betriebsausflüge 1: „Kunst für Tiere“ in Rüsselsheim
Betriebsausflüge 2: „Geordnete Verhältnisse“
Betriebsausflüge 3: Nicole Eisenman in München
Betriebsausflüge 4: „Kafka: 1924“ in München

Homepage des Museums Voorlinden

Der Beitrag Betriebsausflüge 5: Nick Cave in Wassenaar erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Auf der Fahrt zu „Kafka“ hat mir einer der KunstÄrzte eine komische Geschichte erzählt, die mir jetzt, wo ich Kafka sogar gelesen habe, fast schon etwas kafkaesk erscheint. Über drei Jahrzehnte hat sich der KunstArzt nicht in eine Geisterbahn hineingetraut, hat er mir verraten: aus Angst vor dem, was darin lauern könnte.

Und als er dann endlich mit einer Freundin in eine Geisterbahn hineingefahren sei, mit fast 40 Jahren, nach einer Mutmaß Bier auf dem Münchner Oktoberfest, da ist er aus dem Lachen gar nicht mehr herausgekommen. Ich glaube, vor Erleichterung.

Inzwischen habe ich Kafka wie gerade schon gesagt sogar gelesen, und ich glaube, dass die Welt als Ganzes eine Geisterbahn für ihn gewesen ist – auch die Welt in seinem Kopf. Aber im Unterschied zum KunstArzt hat Kafka sich in diese Geisterbahn immer wieder hineingetraut, und ist dann aus dem Gruseln und dem Lachen gar nicht mehr herausgekommen.

Der Vater und die Offiziere

Ich denke nämlich, dass das, was Kafka in dieser Geisterbahn erlebt hat, schrecklich und komisch zugleich für ihn gewesen ist. Und seine Gespenster, das waren vor allem der Vater und die Beamten. Und die Türhüter und die Schlossverwalter und die Offiziere. Der ganze Spuk.

„Kafka“ in München war auch ein bisschen Geisterbahn, aber eine helle. Auf jeden Fall ich bin froh, dass keine Triggerwarnung mich vor dem erschreckt hat, was mich dort erwartet hat. Sonst wäre ich vielleicht gar nicht reingegangen.

Da gibt es zum Beispiel zwei Tötungsmaschinen, wie sie Kafka in seiner Geschichte „In der Strafkolonie“ beschrieben hat. In der Geschichte tätowieren Nadeln einem Gefangenen sein Verbrechen in den Rücken. Da hätte ich mich bei einer Triggerwarnung schon gefragt, ob ich das aushalte.

Die eine Tötungsmaschine hat ein berühmter Museumsdirektor für eine Ausstellung vor vielen Jahren einmal nachbauen lassen, die andere stammt von einem Künstlerpärchen. Beide sind harmlos.

Spannend fand ich aber, wie unterschiedlich man sich die Tötungsmaschine von Kafka vorstellen kann. Die eine ist ganz still und klar, die andere ganz laut und muffig.

Wenn man bei der muffigen Maschine auf einen roten Buzzer drückt, dann tanzen Roboterarme über einem Zahnarztstuhl, und eine Discokugel wirft Lichter an die Wände. Man ist dann selbst die Böse. Fand ich ganz witzig.

Genauso wie den Gefangenen im Pyjama, den die Polizei Klavier spielen lässt – nur vergisst sie, ihm vorher die Handschellen abzunehmen, deshalb kann er nur klimpern. Darüber gibt es in München einen Film.

Bilder, Geschichten weiterspinnen

Am besten hat mir eine Installation mit einem Krankenbett gefallen, das mit Tausenden von Fäden mit dem Zimmer versponnen ist.

Die KunstÄrzte haben mir erklärt, dass Kafka unter Schlaflosigkeit und Angst vor Enge gelitten hat, deshalb die Fäden. Das Fremdwort dazu habe ich vergessen, aber das war meiner Meinung nach ohnehin nur Angeberwissen. Die KunstÄrzte eben.

Das Bett mit den Fäden hat mir gefallen, weil es eine Geschichte in mir aufgeweckt hat, die ich weiterspinnen konnte, so irgendwie. Weil es mir etwas über mich gesagt hat.

Der Krieg, das Klima & die Nazis

Mein Leben fühlt sich seit Corona nämlich auch so an wie eine Geisterbahn, mit einem Spinnennetz, das sich immer fester um mich zuschnürt wie beim „Herrn der Ringe“. Ich kann darüber aber nicht mehr wie Kafka lachen. In meiner Geisterbahn ist nur noch Angst.

Ich habe Angst vor einem Krieg. Davor, dass die Erde schon für meine Generation unbewohnbar wird. Dass Donald Trump in Amerika Präsident wird und wir dann vor Putin ohne Schutz sind. Ich habe Angst davor, dass in Deutschland die Nazis wieder an die Macht kommen und mich grundlos verhaften wie Josef K. und aus Deutschland hinausfegen wie die Schwester Gregor Samsa, das Ungeziefer, aus seinem Zimmer. Ich habe nämlich auch „Migrationshintergrund“.

Mir graust vor der Kälte und dem Hass im Internet, vor der Einsamkeit. Ich kann ja nichtmal fliehen, die Angst kommt ja immer mit! Bei Karl Roßmann und Amerika hat das auch nicht geklappt.

Verkriechen wie Kafkas Tier?

Manchmal würde ich mich gerne in einen labyrinthischen Bau verkriechen wie Kafkas Tier. Aber die Angst ist leider selbst ein Tier und hat sich schon in meinen Gedanken eingenistet.

Diese Angst ist in mich hineingefahren wie ein Dämon und kratzt ständig mit ihren Krallen in mich wie die Maschine in der „Strafkolonie“ – irgendwie so empfinde ich das.

Manchmal fühle ich mich wie ein Alien, ich verstehe die Welt nicht mehr. Spinne ich nun rum oder spinnen die anderen? Ich glaube, so ähnlich hat sich Kafka damals in Prag auch gefühlt. Und die Künstler*innen, deren Werke ich in „Kafka“ gesehen habe, vielleicht auch.

Zum Glück habe ich mich in München in die Geisterbahn hineingetraut, es ging auch ohne Bier. Und zum Glück habe ich dadurch Kafkas Geschichten für mich entdeckt. Klingt vielleicht komisch, aber sie geben mir Kraft. (04.02.2024)

<sup>Anmerkung 1: Beim „berühmten Museumsdirektor“ handelt es sich um den legendären Kurator Harald Szeemann, der Kafkas Tötungsapparatur nach der Beschreibung aus der „Strafkolonie“-Erzählung 1975 für seine Ausstellung „Junggesellenmaschinen“ nachbauen ließ, das „Künstlerpärchen“ sind Janet Cardiff & George Bures Miller, deren „Killing Machine“ (2007) wir schon mal im Lehmbruck Museum in Duisburg gesehen haben. Der klavierspielende Sträfling stammt von Rodney Grahams (haben wir leider zu fotografieren vergessen, sorry Mila, es ist KEIN Pyjama, das hatten wir dir aber auch erklärt), und die Installation aus Bett & Fäden ist „During Sleep“ (2008) von Chiharu Shiota, die wir im Marta Herford mal persönlich kennenlernen durften. Weiter unten ein Bild vom Spinnen ihrer Herforder Fäden.

Weil wir große Robert-Crumb-Fans sind, hat uns sehr gefreut, dass die Ausstellung viel über den Text und die Bilder aus seinem brillanten „Kafka“-Comic erzählt. Und über einen Papierschredder, der angeblich Max Brod gehört haben soll (und der defekt sein könnte), mussten wir ziemlich schmunzeln. SO wird es wohl gewesen sein.</sup>

^{Anmerkung 2: Die Stelle mit Karl Roßmann haben wir in Milas Ausflugsprotokoll mal dringelassen, auch wenn wir finden, dass Mila Kafka hier nicht ganz sauber gelesen hat. Und wir sind uns auch nicht so sicher, ob die Schwester Gregor Samsa am Ende der „Verwandlung“ tatsächlich aus dem Zimmer fegt: Bei Jedem von uns ist die Lektüre aber schon ein paar Jährchen her. Nur Milas „Torhüter“ haben wir dann doch durch den „Türhüter“ ersetzt, das war uns Schmunzeln an der falschen Stelle. Sind aber eigentlich nur Petitessen. Es geht ja eher um die Atmosphäre.}

^{„Kafka: 1924“ ist noch bis zum 11. Februar 2024 im Museum Villa Stuck in München zu sehen – nicht mehr viel Zeit um hinzufahren, das wissen wir! Aber Mila hat leider erst am Freitag geliefert: Schreibhemmung. Es geht ihr eben gerade nicht besonders gut. Wir sollen aber ausrichten, dass das nichts mit Kafka oder „Kafka“ zu tun hat, aber das habe sie ja schon geschrieben. Ihr Leben sei halt seit Corona eine Geisterbahn.}

^{Ach, noch eine Kleinigkeit: Weil wir uns ja auch der Sichtbarmachung des Unsichtbaren verschrieben haben, finden wir die Installation „Kafkas Schwestern“ des Künstlers Sebastian Jung im Jüdischen Museum in München zumindest erwähnenswert. Die kann man sich noch bis zum 29. September 2024 anschauen, vielleicht gehen wir beim nächsten Besuch in München einmal hin. Der Eintritt ist frei.}

Die legendären Betriebsausflüge der KunstArztPraxis:
Betriebsausflüge 3: Nicole Eisenman in München
Betriebsausflüge 2: “Geordnete Verhältnisse” in Nürnberg
Betriebsausflüge 1: “Kunst für Tiere” in Rüsselsheim

In der Strafkolonie: Cardiff & Miller in Duisburg

Homepage der Villa Stuck in München

Der Beitrag Betriebsausflüge 4: „Kafka: 1924“ in München erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Bei uns in Münster gibt es einige Brunnen, aber der von Nicole Eisenman an der Promenade gefällt mir am besten. Das ist ein ganz lebensfroher, queerer, humorvoller, nachdenklicher Brunnen! Ich bin da oft mit meiner Freundin. Wir lehnen uns dann einfach mit einem Sixpack an die Figuren, stoßen mit ihnen an und chillen.

Ich mag es, wie das Wasser aus den Beinen und der Bierdose sprudelt. Die Freiheit der Figuren, ihre Einsamkeit. Dass Geschlechter keine Rolle spielen. Das fehlende Pathos. Als vor ein paar Jahren die Neo-Nazis kamen, um eine Gipsfigur zu köpfen und ihre Hakenkreuze auf die Bronzekörper zu schmieren, hatten sie mit allen diesen Dingen, die ich schätze, ihr Problem.

Jedenfalls bin ich froh, dass der Brunnen jetzt für immer an der Promenade bleiben kann, mit Aluminium statt Gips, wegen der Haltbarkeit. Geld dafür gespendet habe ich damals auch.

Der Brunnen kam 2017 zur Skulptur Projekte Münster, und natürlich haben die KunstArztPraxis-Ärzte auch da wieder irgendwie mitgemischt. Erzählt haben sie zum Beispiel von einem Interviewtermin im Krankenhaus mit einem Mann im Bademantel, der hieß Kaspar König und war bei dem Skulpturen-Ding der Chef.

Verstanden habe ich das nicht so richtig: Den Namen habe ich mir eh nur gemerkt, weil ich ihn witzig finde. Aber bei dem Interview hat der Chef im Bademantel angeblich vor allem total begeistert von Nicole Eisenmans Brunnen gesprochen, und das macht ihn mir natürlich grundsympathisch.

Vorm Fischfilet zum Brunnen

Vor kurzem waren die KunstArztPraxis-Ärzte wieder auf Visite in Münster: Ich glaube, die sind da einer ganz großen Sache auf der Spur! Auf jedem Fall sind sie auf ihrem Weg vom Kreuzviertel zu ihrem Lieblings-Fischrestaurant auch am Brunnen von Nicole Eisenman an der Promenade vorbeigekommen.

Und da ist Einem von ihnen eingefallen, dass Nicole Eisenman gerade eine große Ausstellung in München hat.

Und weil die KunstArztPraxis-Ärzte Betriebsausflüge lieben, sind wir einfach alle hingefahren. Na ja, was heißt „einfach“: zwei gecancelte Züge, ein fehlender Lokführer, fünf fehlende Waggons, mehrere ausgefallene Klimaanlagen, gefühltes stundenlanges Warten auf Ersatzzüge in der Hitze. Und das bei der Hin- UND bei der Rückfahrt.

Die Deutsche Bahn ist wirklich sowas von lost. Aber Nicole Eisenman in München war ein Kracher.

Jahrgang 1965 – und doch jung forever!

Ich habe mich im Museum dann die ganze Zeit gefragt, was ich eigentlich so toll finde an Nicole Eisenman. Ich glaube, ich finde toll, dass Nicole Eisenman irgendwie so … jung ist. Trotz ihrer fast schon 60 Jahre! Ich kann das nicht genauer sagen. Ich habe das Gefühl, mit einer Freundin zu sprechen, wenn ich ihre Bilder und Skulpturen sehe. Wie manchmal bei einem guten Buch.

Wenn Nicole Eisenmans Werk ein Buch wäre, dann wäre es für mich vielleicht ein wenig wie „Die gigantischen Dinge des Lebens“ von Susin Nielsen. Das habe ich in München zum zweiten Mal gelesen.

Da geht es um einen Jungen mit Minderwertigkeitskomplexen, der einen schwulen Freund und zwei Mütter als Eltern hat – wie Nicole Eisenmans Sohn ja auch. Und es gibt eine flippige Austauschschülerin aus Frankreich, die witzigerweise genauso heißt wie ich.

Dieses Buch liebe ich gerade sehr. Lebensfroh, queer, nachdenklich und humorvoll. Wie bei Nicole Eisenmann.

Was uns blendet, was uns zerreißt

Nicole Eisenmans Themen, das sind irgendwie auch meine Themen: Diese verfluchte Suche nach dem eigenen Geschlecht und nach der Liebe. Die Klimakatastrophe und das hämische Bremsen rechter Politiker, das mich zur Verzweiflung treibt.

Dass sich die Menschen vom Lügen und Betrügen der neuen Neo-Nazis aus der Mitte blenden lassen, obwohl die Wahrheit doch so offensichtlich anders ist. Bei Nicole Eisenman hat das zu Donald Trump geführt. Bei uns führt das vielleicht zur AfD.

Dass Frauen immer noch unter Männern leiden. Der Hass. Die Gewalt. Die Dummheit. Der Stumpfsinn der Bombenleger. Und wie uns der Bildschirm des Smartphones zerreißt.

Ach ja: Irgendwie hatte ich beim Betrachten der Bilder und Skulpturen in München den Eindruck, dass sich Nicole Eisenman genauso dazwischen fühlt wie ich. Wie ein Vampir oder ein Werwolf, der zu keiner Seite so richtig dazugehört.

Vielleicht ist das ja auch der Grund, warum die Künstler*innen auf ihren Bildern diese Krallen und haarige Hände haben? (Haarige Werwolf-Frauen-Hände spielen in „Die gigantischen Dinge des Lebens“ übrigens auch eine Rolle, aber das nur nebenbei.)

Oder einfach süße Katzen suchen

Rund 100 Werke soll ich in München gesehen haben; mir kam das viel weniger vor. Sie stammen angeblich aus 30 Jahren – und sind trotzdem alle jung!

Einen kleinen Brunnen gibt es auch. Und wem das alles nicht gefällt, wem das zu frei & einsam & ungeschlechtlich & unpathetisch ist, der kann auf den Bildern ja die niedlichen Katzen suchen.

Etwas hat mich dann aber doch gewundert: Normalerweise sprudelt es aus den KunstArztPraxis-Ärzten nach Museumsbesuchen nur so heraus wie das Wasser aus den Beinen von Nicole Eisenmans Brunnen. Sie plaudern ja gerne, die KunstArztPraxis-Ärzte! Aber diesmal waren sie auf der Rückfahrt mit der losten Deutschen Bahn nach Köln so stumm wie die Fische aus ihrem Münsteraner Lieblingsrestaurant.

Warum so wortkarg?

Ich kann mir das nur so erklären, dass ihnen die Ausstellung nicht gefallen hat. Vielleicht zu viel an Women-Power, zu viele ölige Frauen-Phantasien? Zu viele gefolterte Männer, abgeschnittene Schwänze, zur Deko degradierte Pimmel – und zu wenig von dem üblichen intellektuellen cis*-Gedöns?

Im Grunde sind die KunstArztPraxis-Ärzte ja auch nur drei alte weiße Männer. Wer kann schon raus aus seiner Haut. (26.06.2023)

^{„Nicole Eisenman. What Happened“ ist noch bis zum 10. September 2023 im Museum Brandhorst in München zu sehen. „Sketch for a Fountain“ in Münster für immer. Nehmt das, Ihr neuen Neo-Nazis.}

<sup>Anmerkung 1: Dass wir drei alte weiße Männer sind, ist nicht zu leugnen, aber eines wollen wir dann doch noch klarstellen: Wir finden Nicole Eisenman klasse! Wir finden es großartig, wie sie sich von der Renaissance bis zum Underground durch die Kunstgeschichte arbeitet, wie sie sich aller möglichen Stile und Materialen bedient, wie sie sich alles auf ganz eigene Art und Weise einverleibt – und gleichzeitig ironisch wieder infrage stellt.

Wir hätten also auch zu Nicole Eisenman einiges zu sagen gehabt, liebe Charlie, auch zum Humor oder zur Empathie ihres Werks! Wir waren auf der Rückfahrt einfach nur sprachlos & sauer wegen der inzwischen kaum mehr fassbaren Lostness dieser vom Staat ohne Not kaputtgesparten Deutschen Bahn.</sup>

^{Anmerkung 2: „Die gigantischen Dinge des Lebens“ von Susin Nielsen werden wir sicher auch noch lesen, danke für den Tipp! Vielleicht im Dezember, da sind wir wieder in München. Bei der Skulptur Projekte Münster 2017 war Kaspar König der Künstlerische Leiter, aber man sollte auch die Kuratorinnen Britta Peters und Marianne Wagner nicht vergessen! Und: Ja, wir sind in Münster einer richtig großen Sache auf der Spur. Wir werden berichten. Klar. Schon bald! Versprochen.}

^{Anmerkung 3: Auch auf unseren Fotos sind einige niedliche Katzen versteckt. Findet Ihr sie?}

Die legendären Betriebsausflüge der KunstArztPraxis:
Betriebsausflüge 1: “Kunst für Tiere” in Rüsselsheim
Betriebsausflüge 2: “Geordnete Verhältnisse” in Nürnberg

Homepage des Museum Brandhorst München
Homepage der Fischbrathalle Münster – Das Fischrestaurant seit 1926

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Zu einem Praktikum in der KunstArztPraxis gehören eigentlich immer auch Geschichten. Die von Erwin Hapke mag ich besonders. Das war ein Mann, der sein Elternhaus 35 Jahre lang nicht mehr verlassen hat, um alle Wände und Tische mit selbstgefalteten Figuren aus Papier vollzukleben. Wir haben in Kunst mal Origami gemacht, deshalb weiß ich, wie heftig das ist.

Jedenfalls als die Familie die Kunst nach seinem Tod entdeckt hat, waren die KunstArztPraxis-Ärzte die ersten Fremden, die sie im Haus sehen durften. Und als das Haus leergeräumt wurde, um es zu verkaufen, waren sie die letzten. Auch davon erzählen sie hier viel.

Aus seinem Haus wollte Erwin Hapke ein Museum machen, das geht jetzt nicht mehr. Aber ein Teil seiner Faltereien ist trotzdem im Museum angekommen. Nicht in seinem eigenen, verborgenen, aber in Nürnberg. Da läuft gerade die Ausstellung „Geordnete Verhältnisse“, da kann jetzt Jeder die gefalteten Insekten und Vögel und Rinder und Akrobaten von Erwin Hapke sehen.

Als die KunstArztPraxis-Ärzte das erzählt haben, habe ich gleich gesagt: Das will ich sehen! Und die coolen Ärzte haben geantwortet: Dann machen wir einfach wieder einen Betriebsausflug! Also sind wir alle zusammen nach Nürnberg gefahren – diesmal mit dem Zug statt mit den Ford Mustangs.

Nach Nürnberg gehöre sich das so, meinten die KunstArztPraxis-Ärzte. Keine Ahnung warum. Aber die KunstArztPraxis-Ärzte sind ja die Chefs.

Eigentlich hatte ich mich schon auf die ICE-Fahrt gefreut. Aber mit dem Neun-Euro-Ticket ging es natürlich auch. Und in den 14 Stunden hin und zurück habe ich mich auch ganz gut unterhalten. Es waren ja genügend andere Menschen da.

Geordnete Verhältnisse?

Die Stunde in der Kunsthalle Nürnberg war aber schön. Und es war auch etwas einsamer als in den Zügen. Zum Glück hatten wir einen Führer dabei. Von Erwin Hapke wussten die KunstArztPraxis-Ärzte natürlich viel. Aber für den Rest war der Führer nicht schlecht.

Die Ausstellung heißt „Geordnete Verhältnisse“, aber ich finde es schon ziemlich verrückt, wie die Künstler*innen ihre „Verhältnisse“, also ihr Leben mit ihrer Kunst so „geordnet“ haben! Ich käme jedenfalls nie auf die Idee, Kalenderblätter über Jahre mit Wellenlinien vollzumalen und die dann auch noch gerahmt an die Wand zu hängen! Schräg irgendwie.

Jeden Tag ein Bild zu zeichnen wie in einem Kunst-Tagebuch könnte ich mir da schon besser vorstellen. Ein Künstler hat das gemacht, krasserweise als sein Vater Krebs bekommen hat. 107 Tage bis zu dessen Tod. Ich kann nur hoffen, dass es ihm durchs Zeichnen während der Monate etwas besser gegangen ist.

Wie haben sie das bloß gemeint?

Fast so gut wie die Faltfiguren haben mir übrigens die kleinen Bilder von Peter Dreher gefallen. Der hat fast genauso lange wie Erwin Hapke in seinem Atelier immer wieder dasselbe Wasserglas gemalt – mehr als 30 Jahre lang! Am Ende sind über 5.000 Wasserglas-Porträts entstanden, die alle gleich aussehen. In der Kunsthalle Nürnberg hängen 45 davon, ich habe nachgezählt. Und die sind in Nürnberg aneinandergereiht wie an einer Kette.

Der Führer hat uns erklärt, dass Herr Dreher durch das jahrzehntelange Malen des einen Glases den Inhalt seiner Bilder komplett unwichtig gemacht hat und es deshalb auf den Bildern nur noch ums Malen geht. Die KunstArztPraxis-Ärzte hingegen haben behauptet, dass Herr Dreher dadurch die Zeit angehalten hat – wie Erwin Hapke mit dem Falten. Oder wie Hanne Darboven (die mit den gewellten Kalenderblättern).

Ich habe mich in der Kunsthalle nicht getraut nachzufragen, wie sie das meinen. Für mich hat ja eher während der endlosen Zugfahrt die Zeit stillgestanden! Aber ich lasse mir das sicher noch erklären.

Hapkes entstaubte Kunst

Auf der Rückfahrt habe ich die KunstArztPraxis-Ärzte im Gewusel etwas aus den Augen verloren. Aber als wir uns zwischen Retzbach-Zellingen und Langenprozelten wiedergefunden haben, habe ich sie gefragt, wie ihnen das Zimmer mit Erwin Hapkes Origami-Figuren gefallen hat. Da haben die KunstArztPraxis-Ärzte geantwortet, sie haben mit drei lachenden und drei weinenden Augen in den Raum geschaut.

Weinend, weil Hapkes echtes Museum, in dem sie ja selbst fünf Jahre lang ein- und ausgehen durften, für immer verloren ist. Und lachend, weil es Museumsdirektor*innen gibt, die den Werken in ihren Häusern eine neue Heimat geben. Und weil Hapkes entstaubte Kunst in den hellen Räumen und Vitrinen eben nochmal ganz anders zur Geltung kommt.

In Nürnberg geht es vor allem auch um die Schönheit der einzelnen Figuren, die in der Fülle der ganzen Kunst bei Hapke zuhause komplett untergegangen ist. Aber eben auch: klinisch, chirurgisch, antiseptisch. Sagen die Ärzte.

Und das bei Hapke sei Kunst und nicht Origami wie damals bei mir in der Schule. Das soll ich mir hinter die Ohren schreiben.

Diesen Unterschied habe ich auch nicht richtig verstanden. Warum ist Origami keine Kunst? Und Hapke schon? Auch danach werde ich die KunstArztPraxis-Ärzte noch fragen. Wozu macht man schließlich ein Praktikum. Und meins dauert ja noch bis fast zu den Ferien.

Figuren im Schuhkarton

Bei uns in der KunstArztPraxis stehen übrigens gut versteckt auch ein paar Faltfiguren von Erwin Hapke, die durften die Ärzte sich bei der Hausleerung ausleihen. Davon wusste ich lange nichts, denn vor Kurzem wären sie beinahe kaputtgegangen: Die neuen Praxis-Katzen Ari und Baghira hatten sie entdeckt.

Zum Glück hat einer der KunstArztPraxis-Ärzte gesehen, wie die beiden am Medizinschrank hochgeklettert sind. Jetzt stehen die Figuren sicherheitshalber in einem Schuhkarton. Darin habe ich sie gestern gesehen.

Das wäre aber auch wirklich traurig gewesen: 35 Jahre haben die Insekten friedlich in Erwin Hapkes Haus gewohnt und sein Leben geordnet, und kaum werden sie vertrieben, fallen die schnurrenden Wegelagerer über sie her.

Die alte Praxis-Katze Socke hätte sowas nie gemacht, sagen die KunstArztPraxis-Ärzte. Von Socke wird hier fast noch mehr erzählt als von Erwin Hapke. (23.06.2022)

^{Anmerkung 1: Liebe Zoë, weil du uns dann doch nicht mehr gefragt hast: Zeit ist Bewegung, ein fließendes Nacheinander aus Vergangenheit und Zukunft. Wenn man aber tagaus tagein dasselbe tut, dasselbe malt, dasselbe faltet, dann tritt man quasi aus dem Fluss der Zeit an Land und zeigt dem Vergehen symbolisch den Finger. So in etwa haben wir das gemeint. Und wer im Kunst-Unterricht Origami faltet, faltet in der Regel nach. Erwin Hapke hat aber Figuren gefaltet, die er sich selbst ausgedacht hat. Und er hat sein Haus nach einer übergeordneten Idee und einem System mit einer zweiten Haut aus Faltfiguren überzogen. Das nennt man Konzeptkunst. Bitte wirklich hinter die Ohren schreiben, hörst du? Sonst war das ganze Schülerpraktikum bei uns in gewisser Weise für die Katz. (Und: indirekte Rede üben! Sonst nimmt dich später kein Museum.)}

^{Anmerkung 2: Wir hätten wirklich gerne unter anderem auch die Werke von Sophia Pompèry gezeigt. Aber die gute alte Unsichtbarkeits-Maschine macht sie mal wieder für alle unsichtbar. Dasselbe Schicksal wird in ein paar Wochen übrigens auch unsere Fotos von Peter Dreher und Hanne Darboven ereilen, die wir hier nur zeigen, weil Zoë beide im Protokoll erwähnt hat.}

^{Die Ausstellung „Geordnete Verhältnisse“ ist noch bis zum 28. August 2022 in der Kunsthalle Nürnberg zu sehen. 2023 gibt es dann noch eine Hapke-Ausstellung im Niederrheinischen Museum für Volkskunde und Kulturgeschichte in Kevelaer. Darauf freuen wir uns schon jetzt. Und, liebe Zoë: Vielleicht sehen wir uns da wieder?}

Die legendären Betriebsausflüge der KunstArztPraxis:
Betriebsausflüge 1: „Kunst für Tiere“ in Rüsselsheim

Erwin Hapke in der KunstArztPraxis:
Erwin Hapke: Welten falten
Erwin Hapke: Das Ende eines Gesamtkunstwerks

Erwin Hapke beim WDR (von & mit der KunstArztPraxis):
Der Welten-Falter (Grimme-nominierte Multimedia-Reportage)
Der Welten-Falter (Podcast-Reihe)

Erwin Hapke im SZ-Magazin (mit Fotos aus der KunstArztPraxis):
Erwin Hapkes Geheimnis

Homepage der Kunsthalle Nürnberg

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