Galerie Archive - KunstArztPraxis

Uuuund? Wie war die Art Cologne, Herr Bösel?

KunstArztPraxis — Sun, 09 Nov 2025 04:00:00 +0000

Wir können ja nicht immer alles machen, oder? Deshalb haben wir unseren Vertretungs-KunstArzt, den Fotografen Philipp J. Bösel, 2025 noch mal auf Hausbesuch zur Art Cologne geschickt. Und, was sollen wir sagen: Es hat sich wieder unumwunden gelohnt! Nachfolgend seine tollen Bilder.

Philipp J. Bösel fotografiert die Art Cologne seit 24 Jahren mit Hilfe seiner bildgebenden Leica, auf die wir natürlich ziemlich neidisch sind. Soviel zum Thema KunstFachArzt-Expertise. Und jetzt, exklusiv bei uns in der KunstArztPraxis, – voilà:

^{© Philipp J. Bösel}

(09.11.2025)

^{Die Art Cologne 2025 fand (& findet heute noch) vom 6. bis 9. November 2025 in Köln statt.}

Bonus-Track 1: Unsere WDR-Multimedia-Reportage zur 49. Art Cologne

Zu Gast bei Mutti. Junge Kunst auf der 49. Art Cologne

Bonus-Track 2: So war die Art Cologne 2024 (schonmal Herr Bösel)

Bonus-Track 3: So war die Art Cologne 2022 (65 Foto-Eindrücke, damals von uns!)

Homepage von Philipp J. Bösel
Homepage der Art Cologne

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Aus Wunderkammern: Hans von Hoermann, München

KunstArztPraxis — Sun, 16 Mar 2025 04:00:00 +0000

Verändert sich ein Kunstwerk, wenn es die Umgebung wechselt? Ja klar natürlich: stark! Bei Hans von Hoermann konnten wir das gut beobachten. Dessen Objekt-Kästen und Material-Bilder wanderten nur rund 90 Kilometer von Prien am Chiemsee nach München. Und veränderten dabei sogar ihre Persönlichkeit.

Wir sind sehr gern in Wunderkammern. Für uns sind das natürlich gewachsene künstliche Paradiese, deren Bewohner*innen, die zugleich ihre Schöpfer*innen sind, zumindest die Chance besitzen, in ihnen glücklich zu werden. Künstler*innen sind ja Kurator*innen ihrer Alltagswelt, die sie mit ihren Werken, oft mit Bezügen untereinander, möblieren.

Bei Eduard Roijen in Düsseldorf haben wir das mal mit einer begehbaren Collage verglichen, bei Hans von Hoermann in Prien am Chiemsee mit der Knotenschrift „Quipu“ der Inka: weil es sich für die jeweilige Wunderkammer so anbot.

^{Hoermann-Arrangement in der Galerie Christian Pixis, München, Hoermann-Atelier in Prien (unten)}

Sampling aus Trash, Punk, Gothic, Jazz & Porno

Bei Hans von Hoermann zum Beispiel wimmelte es nur so von Bezügen:

Verknüpfungen, die der Künstler bis zu seinem Tod in seinem Reich mit all seinen Objekt-Kästen, Materialbildern und Collage-Heftchen, den Arrangements aus Schneekugeln und Kinderpuppen, afrikanischen Figuren und indonesischen Masken, chinesischen Plastik-Drachen und Katzen-Girlanden, Bienenwaben und Muschel-Stelen, historischen Gemälden und Postern indischer Gottheiten, präparierten Schmetterlingen und Perlenketten, Spazierstock-Bouquets und katholischen Devotionalien, dem Schrecken vom Amazonas und der Herrscherin der Dunkelheit Elvira geschaffen hatte.

Und zwar allein für sich, für niemand sonst. Und, nein: leider nicht, um glücklich zu werden, wie wir beim Hausbesuch 2023 zu erkennen glaubten. Sondern, um als letzter Inka unter all den Aliens am Chiemsee zu überleben.

^{„Quipu“ ist nicht in der Ausstellung in München: die Knoten waren zu stark von den Motten zerfressen}

Jetzt sind Hans von Hoermanns Material-Bilder und Objektkästen vom Atelierhaus des Künstlers in die Galerie von Christian Pixis nach München gewandert – gemeinsam mit Hans von Hoermanns in Kunst verwandelte Kommoden, seinem Schaukelstuhl. Im weißen Schrank aus dem lichtdurchfluteten Atelierraum stecken keine Horror-Videos mehr, sondern Reliquien aus dem ganzen Haus, die der Galerist als pars pro toto dort arrangiert hat.

Als kleine Wunderkammer sozusagen.

Und in Hans von Hoermanns Rekorder steckt immer noch die selbst aufgenommene Kassette der „Einstürzenden Neubauten“, die er offenbar besonders geschätzt hat. Wenn man ihn bittet, drückt der nette Galerist auf Play.

^{Der Himmel über Hoermann stammt von Gesine Braun.}

Sogar den quadratischen Arbeitstisch mit seinem Wirrwarr aus Abertausenden übereinander und nebeneinander gestapelter, von Hans von Hoermann kopierter und danach ausgeschnittener Comic-Figuren hat der Galerist nach München verfrachtet! Auch die fein säuberlich auf zwei Zwischenböden gestapelten, bereits fertigen Kopiercollage-Heften sind noch da.

Er hat sich viel Mühe gemacht!

Auch wenn das zentrale Blatt mit seinem aus dem Zusammenhang gerissenen Imperativ-Wort „ERZÄHLT“ auf der Reise verloren ging (weshalb wir es hier noch einmal zeigen): Der Galerist hat sich sehr viel Mühe gemacht.

Hier in der Galerie wurde also alles getan, damit sich Hans von Hoermanns Werke auch in der Fremde heimisch fühlen könnten. Aber es ist trotzdem etwas Merkwürdiges mit ihnen vorgegangen, was aber bei genauerem Nachdenken unausweichlich war: Die einzelnen Teile des Gesamtkunstwerks sind nämlich vereinsamt.

Das führte bei den Material-Bildern und Objektkästen notgedrucken zu einem Wandel der Persönlichkeit. Aus den Rudeltieren sind einsame Wölfe geworden, aus Mannschaftsspielern Einzelkämpfer. Bei Erwin Hapke haben wir bei Ausstellungen in Nürnberg und Kevelaer vor langer Zeit etwas Ähnliches bemerkt.

Kann ein Kunstwerk überhaupt überleben, wenn man es dem Gesamtzusammenhang jenes künstlichen Paradieses herausreißt, mit dem es, oft über Jahrzehnte, symbiotisch verwachsen ist?

Oder wird es sogar besser, weil es in der Vereinsamung plötzlich aufatmen kann? Weil man es ohne die Bezüge des natürlichen künstlichen Paradieses von seinen Fesseln befreit, als Individuum endlich sichtbar macht?

Wir können es nicht mit Bestimmtheit sagen. Wir können nur konstatieren: Wir haben dieselben Werke Hans von Hoermanns in Prien und in München gesehen: Werke, die auf eine sehr überraschende Art und Weise komplett verschieden von sich selber waren.

Weil sich das, was man gern Kontext nennt, gewandelt hatte; weil aus der natürlichen eine synthetische, aus der vom Künstler kuratierten eine fremdkuratierte Wohnstatt geworden war. Aus dem Urwald ein Zoo.

Es war ein neues Sehen!

Wir wollen nicht verhehlen, dass uns als Betrachter dieser Persönlichkeitswandel zwischen erstem Entdecken in Prien und Wiedersehen in München durchaus gefallen hat.

Es war ja wieder mal ein neues Sehen. Für Studien am Kollektiv war ersteres, für Studien am Individuum letzteres hilfreich. Man kam sich auch nicht mehr so unglaublich erschlagen vor.

Und kryptisch, voller Verheißung, eine Geheimschrift: Das bleiben diese zauberhaften Fetische Hans von Hoermanns hier wie dort.

(16.03.2025)

^{„Hans von Hoermann, 1940-2020. Objekte, Materialbilder, Kopierbücher, Atelier“ ist gemeinsam mit den Arbeiten von Gesine Braun noch bis zum 29. März 2025 in der Galerie Christian Pixis in München zu sehen.}

^{Und SO war es in der originalen Priener Wunderkammer:}

Die Wunderkammern in der KunstArztPraxis:
In Wunderkammern 1: Helmut Kunkel, Aschaffenburg
In Wunderkammern 2: Eduard Roijen, Düsseldorf
In Wunderkammern 3: Rosa Haus, Hombroich
In Wunderkammern 4: Hans von Hoermann, Prien

Und, weil es ja auch einmal eine Wunderkammer war:
Im Märchenreich: Zu Gast bei Mary Bauermeister
Mary Bauermeister: Abschied vom Märchenreich

Homepage der Galerie Christian Pixis

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Gut eingelaufen: „The Schuh Show“ in Köln

KunstArztPraxis — Mon, 19 Dec 2022 07:00:00 +0000

Man muss sich ja auch in der Kunst nicht jeden Schuh anziehen, aber die von Ruth Marten aus New York co-kuratierte „Schuh Show“ in der Kölner Galerie van der Grinten legen wir Jedem hiermit trotzdem stante pede ans Herz! Auch Piraten, Gärtnern, Tätowierern – und dem Teufel.

Vielleicht trägt der Teufel ja wirklich Prada. Auf jeden Fall braucht er orthopädische Schuhe mit gespaltener Zunge! Dieser Gedanke jedenfalls kam uns beim Betrachten von Alexander Gorlitzkis „Rift Shoes“ in der Kölner Galerie van der Grinten ebenso spontan wie zwingend in den Sinn. Einziger Pferdefuß: Ist der Teufel wirklich Paarhufer – und, wenn ja: warum um Himmels Willen beidbeinig?

Egal. In der „Schuh Show“ dürfen die Phantasmen sprießen. Hier sind Schuhe Fregatten, die uns mit wehenden Fahnen à la Belle-Poule zu Piraten-Abenteuern schiffen. Sie sind Gewächshäuser zur Aufzucht königlicher Palmen. Sie stehen an klaffenden Abgründen, die eigentlich Zebrastreifen sind. Und retifistische Kraken ziehen sie als Beute sogar zum Meeresgrund.

Andernorts gehen Schuhe in Rauch auf, können (wie Lieder) eine Brücke sein, gebärden sich aber auch untragbar. Und wer keine Exemplare zur Hand hat, um gut zu Fuß zu sein, kann ja in Pumps aus High-Heel-Sesseln schlüpfen (rät zumindest der US-Künstler Robert Fontanelli).

The Schuh Show, Galerie van der Grinten, Köln 2022

Oder man trägt gleich die weichen Samtballerinas von Ruth Marten? Dann wachsen den Fersen plötzlich Fuchs- oder Eichhörnchen-Schwänze wie in der Kunstgeschichte sonst nur Bierhumpen. Auch so wird aus surrealistischer Perspektive ein Schuh draus.

Tatoo-Surrealismus

Überhaupt ist in Köln sehr viel von Ruth Marten zu sehen, die die „The Schuh Show“ co-kuratiert hat. In letzterer Funktion hat die Künstlerin, deren grandiose Retrospektive im Brühler Max Ernst-Museum 2018 wir gemeinsam mit ihrer Kölner Soloshow 2021 an anderer Stelle bereits gewürdigt haben, der Galerie zahlreiche Werke ihrer US-Künstlerfreund*innen zugeschustert.

Die gilt es hierzulande noch zu entdecken. Zum Beispiel die junge – und in ihrer Heimat offenbar ziemlich angesagte – Tattoo-Künstlerin Mary Joy Scott aus San Francisco: ein Bogen auch zu Martens eigener Vergangenheit im New Yorker Untergrund der 1970er Jahre, als Tätowieren noch polizeilich verboten war.

Das alles ist ziemlich spektakulär und teils auch dialogisch gespreizt wie beim Spagat: Bisweilen ergeben die Schuhe unterschiedlicher Künstler von Wand zu Wand ein Paar.

Manchmal kommt die Show aber auch auf leisen Sohlen doppelbödig daher. So bei den großartigen Zeichnungen des neusachlichen Künstlers Rudolf Schlichter: Da sieht man zwei Hosenbeine, die à la mode in Gamaschen der 1920er Jahre münden. Und durch ein paar unscheinbar schattierende Bleistiftkritzeleien darunter entsteht der räumliche Eindruck, dass sich ihr durchs Schuhwerk als modisch, wohlhabend & sozial eingebunden klassifizierter Besitzer erhängt hat.

Mehr als kommerzielles Schuhgeschäft!

Natürlich soll & muss sich das Ehepaar van der Grinten auch in Zukunft neue Schuhe leisten können. Wir wären die Letzten, die ihm das nicht gönnten! Trotzdem empfehlen wir die „The Schuh Show“ nicht als kommerzielles Schuhgeschäft, sondern vor allem als klug kuratierte Ausstellung.

Ohnehin gibt es unter den 60 Werken von 37 Künstler*innen auch viel Schuhwerk aus Privatsammlungen zu sehen, das man gar nicht käuflich erwerben kann.

Zwei Füße im Feuer? Nein: Zwei Schuhe im Kamin der Galerie van der Grinten, Köln 2022

Auf jeden Fall gilt, die Ausstellung komplett anzuprobieren. Beim Anschauen drücken nicht mal Exponate, die noch nicht eingelaufen oder ausgetreten sind. Schuster können also gern bei ihren Leisten bleiben. Aber Kunstfreunde sollten in die Galerie.

Also, als guter Vorsatz fürs neue Jahr: gestiefelt und gespornt in die (und zu den) Puschen kommen! Nach der Winterpause der Galerie sind hierfür noch vier Wochen Zeit. (19.12.2022)

^{„The Schuh Show“ ist noch vom 11. Januar bis zum 11. Februar 2023 in der Galerie van der Grinten in Köln zu sehen.}

Homepage der Galerie van der Grinten

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Ruth Marten in Köln: Köpfe im Tentakel-Käfig

KunstArztPraxis — Mon, 10 Jan 2022 07:00:00 +0000

Mit ihren Collagen und Übermalungen verwandelt die New Yorkerin Ruth Marten seit 15 Jahren alte Kupferstiche und Fotos in surreale Träume – und ist dabei ganz im Hier und Jetzt. Auf ihren neuen Arbeiten streckt auch Corona seine Tentakeln aus. Noch bis Ende Januar 2022 in Köln.

Im November sind wir frisch geboostert und voll heftiger Begier nach Neuem auf die Straße gegangen und haben in der Menge einen Mann entdeckt, der von einem seltsamen Krakenvirus befallen war.

Irgendwie war der Mann in seinem opernhaften Smoking ganz 19. Jahrhundert, aber dann doch auch wieder komplette Gegenwart. Denn er trug um den Kopf einen Kokon aus Tentakeln, durch den die Augen wie durch Gitterstäbe blickten.

Schutzraum oder Krankheitszone?

„Louie C“ heißt dieser Mann, der uns so aufgeregt, angezogen und in Bann gehalten hat, aber sonst wissen wir kaum etwas über ihn. Ist der Kokon Teil seines Körpers, der sein Ich vor der hehren Wahrheit (oder der bösen Lüge) da draußen schützen soll? Oder ist er Ausdruck dieser (oder jener) heimtückischen Krankheit, die uns momentan alle zu befallen droht?

Eine unterm Ärmelsaum sichtbare Tentakelspitze deutet Letzteres an. Aber sicher sein können wir da nicht. Es wäre vergeblich, dies zu erforschen, hat ein kluger Mann aus Philadelphia seinem frisch genesenen Erzähler 1840 in den Mund gelegt. „Denn wir werden weder ihn noch sein Tun tiefer durchschauen“.

Ruth Marten, „Louie C“ (2021), Galerie van der Grinten, Köln 2021

„Welch eigenartige Geschichte, sagte ich zu mir selbst, ist diesem Busen eingegraben!“
Edgar Allan Poe

Gesehen haben wir Louie C in Ruth Martens Ausstellung „The Moon’s Mirror“ in der Galerie van der Grinten in Köln. Entstanden ist das übermalte Foto in der schlimmsten Phase der New Yorker Pandemie, und uns scheint der Mann im Krakenkäfig ein wundervoll unwirklicher Ausdruck jener monadenhaft-hermetischen Realität zu sein, in der wir seit Corona leben.

Vasenmasken und Blütenhauben

Überhaupt spiegeln sich im phantastischen Schein von „The Moon’s Mirror“ eine Menge Wesen, die ganz ähnlich sind wie Louie C – und doch auch wieder ganz anders als er.

Da gibt es Frauen mit Gardinen vor den Augen, deren Drapierung die Faltungen ihrer Rüschenkleider imitiert. Oder Menschen, deren Köpfe so perfekt von einer zweiten Haut aus Vasen, Tautierungen oder Blütenhauben umschlossen sind, dass gar nicht auffällt, was der Vorlage zu verdanken ist und was der Übermalung.

Täuschend echte Mimikry

Seit 15 Jahren betreibt Ruth Marten diese Form der künstlerischen, täuschend echten – und bisweilen auch witzig entlarvenden – Mimikry. Damals entdeckte sie auf einem Flohmarkt Bücher mit Stichen des 18. und 19. Jahrhunderts, die sie seitdem collagenhaft verfremdet.

Indem sie sie weiterzeichnet: immer im perfekten Stil des Originals. Altertümlich und aktuell zugleich.

Ruth Marten verfremdet einen schon verfremdeten Stich, Max Ernst Museum, Brühl 2018

In den letzten Jahren nun sind verstärkt Fotografien hinzugekommen, darunter „Louie C“. In Köln hängen sie neben jenen Collagen, Aquarellen, Tuschearbeiten und Gouachen, die man hierzulande seit der großartigen Retrospektive „Dream Lover“ zu Ruth Martens 70. Geburtstag 2018 im Brühler Max Ernst Museum kennt.

Und auch darauf wirft man im Schatten der Pandemie einen anderen Blick.

Denn Marten verhilft den rationalen Stichen aus aufklärerischer und nachaufklärerischer Zeit ebenso wie den in dokumentarischer Absicht entwickelten Fotografien zu einer neuen, phantastischen Dimension. Und hält den absurden Phantasmen und erschreckend erfolgreichen Desinformationskampagnen unserer postfaktischen Epoche im Mondspiegel so auch die polyphone Wahrheit der surrealen Kunst entgegen.

„Es gibt entsetzliche Geheimnisse, die nicht dulden, dass man sie enthüllt“
Edgar Allan Poe

Doppelbödig und anspielungsreich ist das in jedem Fall. Wie bei Louie C, dem Mann der Menge, der mit seiner Krakenmaske unergründlich ist wie der dunkelste Fleck der Tiefsee. Sein Abbild schimmert im typischen Sepia-Ton der Schwarz-Weiß-Fotografie des 19. Jahrhunderts. Und dieser Ton ist nach dem Farbstoff aus dem Tintenbeutel von Sepien benannt, deren Verwandter Louie Cs Kopf umschließt.

Ist das zu weit hergeholt? Und, wenn ja: Ist das nicht vollkommen egal?

Die Kokons des Rätsels

Bei Ruth Marten dürfen unserer Meinung nach die Assoziationen sprießen – sofern man der Versuchung widersteht, sich auf eine Bedeutung festzulegen. Gedacht hat sich die Künstlerin nämlich nichts bei ihren Geschöpfen. Und das im besten Sinn des Satzes.

Das Schwierigste in der Kunst sei, eine Botschaft zu vermeiden, hat uns Marten schon vor einigen Jahren bei einem unserer Treffen verraten: Die Kokons des Rätsels zu weben ist verteufelt komplex.

„Kein Konzept, keine Bedeutung“: Dieser Aspekt ihres Sinnlosigkeitssuchens hat sich laut Marten – „vielleicht als Gegengewicht zur häuslichen Quarantäne“ – während der Pandemie in New York noch verstärkt.

Ruth Martens Wohnungstür in New York (von innen), 2018

„I don’t want to dream alone.“
Ruth Marten

In der Einsamkeit verbunden

„Während ich in erzwungener Einsamkeit lebte, fühlte ich mich nichtsdestoweniger sehr verbunden mit meiner Community und all den Leben, die wir zusammen erfunden haben“, notiert Ruth Marten zur neuen Ausstellung. Dieses „Phänomen der Verbundenheit“ käme auch in den in Köln gezeigten Arbeiten zum Tragen.

Vielleicht deuten wir den krakenhaft maskierten Gesichtsausdruck von Louie C also völlig falsch? Vielleicht sucht sein für uns vergitterter Blick in der Menge nur nach gleichartigen Wesen, mit denen er sich zwanglos verbinden kann?

Dann fährt sein Kopf bald wohl seine Tentakeln aus, um sich mit den Fangarmen Anderer lustvoll zu verknoten – und so glücklicher Teil einer neu erblühten Gemeinschaft von Einzigartigkeiten zu werden.

„Nur zu atmen war schon Freude, und das stürmende Menschenheer da draußen gab mir seltsam neue, berauschende Gefühle.“
Edgar Allan Poe

Aber wie gesagt: Wir können Louie C. nicht ergründen. Und eben deshalb haben wir seit unserer ersten Begegnung in der Menge im November immer wieder über ihn nachgedacht: ebenso wie über die anderen, wundervoll antiquierten Zeitgenossen, deren multiple Leben Ruth Marten erfunden hat.

Das hat uns in der Pandemie viel Trost geschenkt. Und uns Geboosterte mit unserer heftigen Begier nach Neuem auch ein wenig anders mit dem vielarmigen Schrecken da draußen umgehen lassen. (10.01.2022)

^{„Ruth Marten. The Moon’s Mirror“ ist noch bis zum 29. Januar 2022 in der Galerie van der Grinten in Köln zu sehen. Also: Husch, husch: Beeilung!}

Bonus-Track: Ruth Marten im Max Ernst Museum Brühl 2018

^{Anmerkung: Für Ruth Martens „Dream Lovers“ wurden die beiden Ausstellungsmacher Jürgen Pech und Friederike Voßkamp 2019 mit dem renommierten Justus Bier Preis für Kuratoren ausgezeichnet. Komplett zu Recht.}

Appendix: Sticheleien zu Ruth Marten

Geboren wurde Ruth Marten 1948 in New York. Studiert hat sie Zeichnung und Keramik, aber sie kommt buchstäblich vom schmerzhaften Kunst-Stich her. Als es in den USA – und für sie als Jüdin auch aus religiösen Gründen – noch streng verboten war, arbeitete sie ab 1972 als eine der ersten Tätowiererinnen im New Yorker Untergrund.

Später tätowierte Marten bei Performances während der 10. Pariser Kunstbiennale unter anderem Marina Abramović. Inzwischen gibt sie Kupferstichen und Fotos eine neue Haut. Oder neue Haare. Denn bevor Marten ihre Leidenschaft fürs Tätowieren wegen der Aids-Krise 1980 aufgab und nach einer Phase als Illustratorin ihre Passion für Kupferstiche entdeckte, galt Haaren ihr künstlerisches Hauptinteresse.

„Wir leben in einer stürmischen Collage, die sich ständig verändert“, sagt Marten. Das erinnert an Oscar Wildes Bonmot, dass das Leben die Kunst nachahme und nicht umgekehrt. Und es zeigt, in welcher Tradition Martens Kunst in Wahrheit zu verorten ist: In einem Umfeld von Zeichnern wie Edward Gorey oder Robert Crumb, die sich dem Pop ebenso verdanken wie dem feinen, ebenso dekorativen wie tabulosen Strich (und Stich) des „Fin de sick sick siècle“ (Gorey).

Mit ihrem Schwanken zwischen Realität und Traum, Historie und Gegenwart, Wissenschaft und Kunst ist Marten aber auch ganz nah bei Max Ernst, dessen drei Collageromane sie bewundert. Deshalb war ihre große Retrospektive im Max Ernst Museum Brühl 2018 genau am richtigen Platz.

Trotz all dieser Bezüge ist Martens künstlerische Mimikry gänzlich originell. Deshalb ist es wohl nicht übertrieben, wenn wir an dieser Stelle behaupten, dass die Welt das, was Marten macht, so noch nie gesehen hat.

Homepage der Kölner Galerie van der Grinten
Homepage des Mx Ernst Museums Brühl

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Reine Bildgebung (3): Marcus Neufanger

KunstArztPraxis — Thu, 27 May 2021 06:00:00 +0000

Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte. Vor allem dann, wenn wie bei Marcus Neufanger in der Galerie van der Grinten in Köln ohnehin vorrangig Worte auf den Bildern stehen. Also lassen wir hier einfach mal die Fotos sprechen. Mit einer klitzekleinen Anmerkung.

Äh: Etwas müssen wir dann doch noch sagen, zur Einordnung:

Seit Jahrzehnten erarbeitet sich Marcus Neufanger einen Künstler*innen-Kosmos, der seiner eigenen, stetig wachsenden Bibliothek mit ihren Monografien und Katalogen entspringt.

Es sind Bildnisse in dreifacher Ausführung: Während die gezeichneten „Portraits“ öffentliche Inszenierungen von Künstler*innen mit Zitaten kombinieren, die Neufanger wichtig sind, abstrahieren die „Vanity Plates“ Künstler*innen auf ihre zur Marke gewordenen Namen, geben ihnen aber durch die Wahl von Farbe und Typografie eine von Neufanger bestimmte (neue) Identität.

Bei van der Grinten sind Arbeiten aus der dritten Serie „Books“ zu sehen: Porträts der Cover von Büchern oder LPs aus Neufangers Bibliothek, die durch den Farbauftrag eine ganz eigene Sinnlichkeit entwickeln. Das ist nicht einfach abgemalt, sondern individualisierter Teil eines konzeptuellen Werks von hoher Stringenz.

Das gefällt uns schon seit langem sehr. (27.05.2021)

^{„Marcus Neufanger. Made for Cologne“ ist noch bis zum 5. Juni 2021 in der van der Grinten Galerie in Köln zu sehen.}

Reine Bildgebung (1): Joseph Beuys in Wuppertal (Opfer von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (2): Brigitte Waldach in Herford

Homepage der van der Grinten Galerie

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Claire Morgan: Der schöne Tod, das neue Leben

KunstArztPraxis — Thu, 22 Apr 2021 06:00:00 +0000

Kugeln aus Goldfliegen, Kuben aus Löwenzahnsamen und ein Halsbandsittich im knallbunten Plastikkäfig: In der Kölner Galerie Karsten Greve zeigt die Irin Claire Morgan zerbrechlich zarte Arbeiten zu Tod, Vergänglichkeit – und einer Auferstehung in der Kunst. Gerade geschlossen, bei uns geöffnet.

Wer Fliegen präparieren will, braucht tote Exemplare. Zyankali wird recht gern genommen, schockerfrieren in der Tiefkühltruhe gilt als sanftes Mittel. Die forensischen Entomologen von der KunstArztPraxis empfehlen Essigäther: Mit ihm können die Insekten länger im Tötungsglas bleiben. Das macht die Muskeln weich. Und die Tiere damit leichter präparierbar.

Wie Claire Morgen ihre Fliegen tötet, wissen wir nicht. Auch ist uns unbekannt, ob sie den metallisch schimmernden Hinterleib der Tiere mit Insektennadeln auf einer Präparierplatte fixiert, um ihn vorm Absinken zu bewahren, oder gleich an den fürs Kunstwerk vorgesehenen Nylonfäden aufgezogen mehrere Wochen trocknen lässt.

Wir hätten sie fragen können, das Angebot war da. Aber wir haben davon abgesehen.

Bezaubernde Leichtigkeit

Denn: Fragen wie diese kommen dem Betrachter, der sich die surreal zu voluminösen Kugelformationen abstrahierten Gold- und Schmeißfliegenschwärme von Morgans Hängeinstallationen in der Galerie Karsten Greve anschaut, ohnehin nicht in den Sinn.

Die filigranen, zerbrechlichen, über einem Vogelnest schwebenden oder von einem Würfel aus Löwenzahnsamen umrahmten Gebilde sind in ihrer bezaubernden Leichtigkeit nämlich so schwerelos schön, dass man die Präsenz des echten Todes erstmal gänzlich vergißt.

„In meiner Arbeit geht es um unsere Beziehung zum Rest der Natur, die durch Vorstellungen von Veränderung, Zeitablauf und Vergänglichkeit von allem um uns herum erforscht wird.“
Claire Morgan

Unvergängliche Produkte der Vergänglichkeit

Früher hat Claire Morgan ihre Fliegen offenbar noch selbst gezüchtet, heute kauft sie sie ein. Hinzu kommen gefundene Füchse, gegen Scheiben geflogene Vögel, von Katzen erbeutete Nager – und überfahrene Katzen. Fast alle sind Opfer einer durch Zivilisation getöteten Natur. Und erhalten nach ihrem Tod ein neues, vermeintlich ewiges Leben in der Kunst.

Morgans Arbeiten sind also ästhetisch unvergänglich präsentierte Produkte einer grausamen Vergänglichkeit. Umhüllt von einer fragilen Geometrie aus Samen, die im biologischen Zyklus neues Leben hätten schenken sollen, ihre Kraft und Schönheit jetzt aber in den Dienst des Kunstwerks stellen.

Und das Leben, das bekanntlich jederzeit am seidenen Faden hängt, schwebt posthum an stabilen, durch Bleigewichte gestrafften Nylonfäden im Raum.

Taxidermie vs. Poesie

Bisweilen friert Morgen den Zustand zwischen Werden und Vergehen – oder, hier besser: Vergehen und Werden – szenisch ein. In den etwas schlechteren Arbeiten sieht man dann Füchse im Distelsamenregen kämpfen („A Lesson in Failure“, 2017), in den besseren Dohlen in einem Samenmondgefängnis über einen Meer aus Plastikschnipseln schweben („Human Nature“, 2016).

Ersteres erinnert noch zu stark an die naturalistischen Inszenierungen klassischer Taxidermisten. Letzteres ist pure Poesie, versehen mit der Trauer über die Kürze des Daseins und einer Prise ökologischer Kritik.

Claire Morgan, „You Kill Me“ (2017), nicht Teil der Galerieausstellung

Es gibt ein Gefühl der Zerbrechlichkeit und einen Mangel an Solidität, der alle Skulpturen durchdringt.
Claire Morgan

Dieselbe Poesie vermitteln Morgans Zeichnungen, die mehr als Studien zu den Skulpturen sind. Der Umstand, dass Morgan ihre Tiere zuvor auf den verwendeten Papieren präpariert hat, so dass laut Galerie „Spuren des Blutes und anderer Rückstände des toten Tieres“ verblieben sind, verschafft dem Betrachter einen makaber-morbiden Schauer, den Morgans Kunst eigentlich nicht nötig hat.

Aber vielleicht ist der Verweis darauf, dass der Tod in all der gezeichneten Schönheit doch irgendwie sogar real präsent ist, ja auch ganz okay.

Nicht Effekt, Respekt

Ist es despektierlich, Tiere für Kunstwerke auszuweiden? Oder ist es nicht vielmehr ein Zeichen höchsten Respekts, sich im taxidermischen Prozess sehr intensiv mit der Anatomie eines zumeist von Menschenhand getöteten Individuums auseinanderzusetzen?

Bei Claire Morgan ist es in unseren Augen unbedingt letzteres. Es geht nicht um Effekte, sondern um die majestätische Würde der einzelnen Kreatur. Das könnte nah dran sein am Kitsch, ist hier aber himmelweit davon entfernt.

Claire Morgan, „Anchor“ (2018), Galerie Karsten Greve, Köln 2021

Freude im Schmerz

Vor drei Jahren war in der Galerie Karsten Greve eine Schau Claire Morgans zu sehen, die in den Räumlichkeiten prominenter platziert und auch weitaus spektakulärer war. Die jetzige hat sich ein wenig in die Hinterzimmer verkrümelt. Man muss sie suchen wie jenen Halsbandsittich, den Morgan in künstlerischer Mimikry in einem Quader aus bunten Plastikschnipseln vorm allzu schnellen Entdecken verborgen hat.

Macht aber nichts. Faszinierend sind auch diese Installationen und Zeichnungen, die zum Teil zuvor auf Schloss Moyland zu sehen waren, allemal.

Wer es größer und spektakulärer haben will, kann dann im Sommer hoffentlich nach Saarbrücken fahren. Da zeigt das Saarlandmuseum in seiner Modernen Galerie vom 12. Juni bis zum 14. November 2021 eine Solo-Schau Claire Morgans. Bezeichnender Titel: „Joy in the Pain“. (22.04.2021)

Claire Morgan, „Joy is an Act“ (2017), Detail

^{„Claire Morgan“ ist momentan coronageschlossen. Ab Öffnung ist die Ausstellung noch bis zum 15. Mai 2021 in der Galerie Karsten Greve in Köln zu sehen. Ansonsten zeigt die Galerie Fingermalerei von Louis Soutter. Auch sehr sehenswert.}

Homepage der Galerie Karsten Greve

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