Bekannt wurde William Kendridge mit Trickfilmen aus Kohlezeichnungen, die sich vor allem mit (kolonialer) Unterdrückung befassen. Zum 70. Geburtstag widmen ihm die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden und das Folkwang Museum eine Doppel-Schau. Letztere ist phantastisch. Und für uns ein Echo.

Wir kennen einen rechten Spießer, der wollte von Beruf unbedingt Tyrann werden. Hat er auch geschafft.

Dieser Spießer hat das Gemüt eines psychopatischen Kleinkinds, ist vulgär, verlogen, herzlos, raffgierig, größenirre, böse, trotzig, feige, menschenverachtend, rücksichtslos, narzisstisch, dumm – und sadistisch gegenüber Schwächeren ist er auch. 

Und keiner hält ihn auf!

Gleich in den ersten Tagen seiner Regentschaft eliminiert er die andersdenkende Elite nebst zwei Ministerien, bevor er sich an den Ärmsten vergreift, die ihm zuvor verehrungsblind zugejubelt hatten.

Und alle knicken ein. Und keiner hält ihn auf.

Der geneigte Lesende hat es natürlich längst erkannt: Beim „dicken Hampelmann“ – O-Ton Gattin –, diesem „dicken Hanswurst“ – nochmal O-Ton Gattin – handelt es sich NICHT um Donald Trump, sondern um Père Ubu, um den herum der gerade einmal 15-jährige Schüler Alfred Jarry 1888 seine gleichnamige Marionetten-Posse schrieb.

Und dessen Theater-Fassung „Ubu roi“ (1896) Dadaisten und Surrealisten gleichermaßen verehrten. 

Sonst wünschte sich der „rechte Lumpensack“ – nochmal O-Ton Gattin – ja keinen „großen Kalabreserhut“ wie Père Ubu, sondern ein albernes rotes Baseball-Käppi mit Pop-Prop-Sprüchen zum öden blauen Maßanzug.

Aber wenn Donald Trump Père Ubu wäre, dann würde er in Grönland und Kanada statt in Russland einmarschieren.

Er würde das Bildungsministerium auflösen. Der Wissenschaft die Autonomie rauben. Statistiken fälschen. Die Meinungsfreiheit abschaffen. Die Justiz unterminieren. Das Militär aufs eigene Volk hetzen. Frieden schaffen, um den Friedens-Nobelpreis zu bekommen. Lügen & betrügen ohne Ende.

Kurzum: Regieren wie ein Horror-Clown.

^{Foto oben: Auch auf diesem Tisch liegen ein paar Tyrannenköpfe! William Kentridge,“
Portraits for Shostakovich Symphony No. 10″ (2022), Museum Folkwang, Essen 2025}

Und er würde in einer Umkehrung historischer Tatsachen rotzfrech behaupten, dass in Südafrika die Schwarzen an den Weißen Genozid begängen, Kotzdonner Schreiße noch einmal.*

^{*O-Ton Père Ubu, natürlich! Donald Trump würde niemals so
f**king fluchen. Und Hassrede beherrscht er ja schon gar nicht.}

Vom üblen Echo der Geschichte

Wie gut, dass es da Künstler wie William Kentridge gibt! Der hat die ebenso grausamen wie absurden Strukturen der Macht nämlich genau studiert: anhand der in seiner Heimat Südafrika bis in die Neunzigerjahre gegen die Schwarzen gerichteten Apartheid, aber auch anhand von Alfred Jarrys „Ubu Roi“.

Eines seiner in Essen gezeigten Videos – „Ubu tells the Truth“ – trägt den Namen des banalen Autokraten im ironischen Titel. Es könnte aber auch, nach einem dieser Pop-Prop-Sprüche auf albernen Baseball-Käppis, „Trump was right about everything“ heißen.

Das üble Echo der Geschichte ist in der Essener Retrospektive – rund 320 Zeichnungen, Grafiken, Tapisserien und Film-Installationen aus fünf Jahrzehnten – nämlich überall zu hören.

^{Foto oben: William Kentridge, „Drawing For the Head & the Load
(O, The Trumpets We Used to Blow)“ (2018), Museum Folkwang, Essen 2025}

Bekanntlich sind wir keine Freunde biografischer Werkdeutung, aber wir möchten dennoch aus guten Gründen betonen, dass William Kentridge als privilegiertes Kind der weißen Oberschicht – und später als privilegierter Erwachsener – in Johannesburg trotzdem der Versuchung widerstand, überheblich zu werden.

Sonst neigen ja vor allem Erben von Wohlstand & Ansehen zu einem gerüttelt Maß an Arroganz.

Bei William Kentridge mag das damit zusammenhängen, dass sein Vater neben anderen Apartheids-Gegnern 1959 auch Nelson Mandela im so genannten Landesverratsprozess verteidigt hatte. Die Mutter war ebenfalls regimekritische Rechtsanwältin.

^{Foto oben: William Kentridge, „Oh the Believe in Another World“ (2022),
Museum Folkwang, Essen 2025}

Auch der Wunsch nach Gerechtigkeit & Gleichberechtigung ist bisweilen vererbbar.

35 Jahre lebte Kendridge im Netz der Apartheid, die Hälfte seines Lebens; sein künstlerischer Erfolg begann – schon wieder einer dieser von uns so geliebten objektiven Zufälle! – fast gleichzeitig zu ihrem Zusammenbruch und dem demokratischen Neuanfang unter Präsident Mandela.

Und was sagt William Kentridge?

Und was sagt William Kentridge? „Mit diesem Gefühl, mit Privilegien aufgewachsen zu sein, geht eine große Verantwortung einher“, sagt William Kentridge! Merkt euch das, ihr Ubus dieser Erde.

Tatsächlich führt uns William Kentridge auch in Essen auf höchst poetische Weise vor Augen, wie Politik in der Geschichte jenseits aller „alternativen Fakten“ von Rechtspopulisten aus künstlerischer Perspektive wirklich funktioniert & war.

Und wir werden gewahr, wie diese Vergangenheit in der gesellschaftlichen & politischen Gegenwart nachklingt.

Die wahre „White Men’s Burden“

Wie bei „KABOOM!“, das mit historischen Dokumenten und den für Kendridge typischen animierten Kohle-Zeichnungen an die rund 1,5 Millionen zwangsrekrutierten afrikanischen Männer, Frauen und Kinder erinnert, die im Ersten Weltkrieg den europäischen Kolonialmächten die Lasten tragen mussten.

Neben literarischen Texten und Musik sind dabei auch Tonaufnahmen zu hören, die von afrikanischen Gefangenen in Deutschland gemacht wurden. Die Bürde des Krieges auf den Schultern der Schwachen: DAS ist die wahre „White Men’s Burden“, Rudyard Kipling!

Oder beim mechanischen Multimedia-Miniatur-Theater „Black Box / Chambre Noire“, das der Niederschlagung des Aufstands der Herero 1904 in Deutsch-Südwestafrika (Namibia) gewidmet ist: mit geschätzten 80.000 Toten der wohl erste Genozid des 20. Jahrhunderts.*

Das das Louisiana Museum of Modern Art die filigrane Arbeit – in unseren Augen eines der großartigsten Werke des Künstlers – nach Essen ausgeliehen hat, ist eine kleine Sensation.

^{*Nur der Vollständigkeit halber möchten wir daran erinnern, dass von 1885 bis 1908, als der „Kongo-Freistaat“ Privat(!)-Kolonie des belgischen Ubus Leopold II. war, um die zehn Millionen Bewohner*innen von den Besatzern ermordet wurden. Vom systematischen Hände-Abhacken wollen wir hier gar nicht reden.} 

^{Foto oben: William Kentridge, „Black Box / Chambre Noire“ (2005),
Museum Folkwang, Essen 2025}

Die andere Hälfte der Miete

Aber Herrschaftskritik ist in der Kunst natürlich nur die halbe Miete. Stillose Verantwortung ist bestenfalls gut gemeinte, platte Botschaft nah am Kitsch.

Das ist bei William Kentridges einzigartigen, mit einer Prise Hoffnung auf eine bessere Welt versetzten Erzählungen über die immergleichen Herrschafts-Typen und die sich ständig wiederholenden Mechanismen der Macht zum Glück anders.

Denn die sind, wir hatten es weiter oben schon einmal angedeutet, visuelle & akustische & verbale Poesie, die sich langsam entfaltet. Mit einer formal unverwechselbaren Sprache.

^{Foto oben: Auch Parolen, aber anders! William Kentridge, „Oh the Believe
in Another World“ (2022, Detail), Museum Folkwang, Essen 2025}

Dabei wird Kunst als Prozess verstanden, bei der Rezeption wie beim Entstehen. Deshalb hat man in Essen auch die Anmutung von Kentridges Studios in Johannisburg nachgebaut, in der man dem Künstler im Nachhinein quasi beim Schaffen zuschauen können.

Und wie ambivalent ist dieser künstlerische Schaffens-Prozess! Ganz anders als das Schwarz & Weiß der Werke suggeriert.

Das zeigt auch die während der Corona-Pandemie entstandene neunteilige Film-Reihe „Self-Porträt as a Coffee Pot“ (2020), in der Kentridge in Ermangelung eines kollaborativen Gegenübers im Studio mit sich selbst in einen widersprüchlichen Dialog tritt: bisweilen sogar in vierfacher Ausführung. 

^{Foto oben: Nachgemachte Wand aus William Kentridges Studio,
Museum Folkwang, Essen 2025}

Dabei geht es um den Zufall und das Schicksal, das Un-Sinnhafte von Ich & Welt – und um die Zweischneidigkeit gesellschaftliche Utopien.

Das widersprüchliche Megaphon

Um diese Ambivalenz des Innen und des Außen aufzuzeigen, greift William Hendridge immer wieder auch auf die „realistische“ Abbildung konkreter Dinge zurück. Die Menschen bleiben bei ihm ja meist nur Schatten ihrer selbst.

Neben einer ziemlich altertümlichen Schreibmaschine und der Espressokanne im berühmten Bialetti-Design ist dabei vor allem das Megaphon das Symbol seiner Wahl.

Ein Instrument für die Propaganda aller Ubus dieser Erde, aber auch für den Widerstand gegen sie. Ein Instrument, mit dem sich die oftmals viel zu leise Wahrheit in die Welt hinausposaunen – und gleichzeitig mit Lügen und Hassrede überschrei(b)en lässt.

^{Foto oben: William Kentridge, „Oh the Believe in Another World (Studio Still Life)“
(2022, Detail), Museum Folkwang, Essen 2025}

Auf jeden Fall sind Kentridges Megaphone laut genug, um uns sogar körperlich zu durchpulsen, im Idealfall ein Echo auszulösen in unseren Seelen & unseren Gehirnen: das innere Echo einer Welt, von der wir eigentlich nur die Schatten sehen.

Das ist William Kentridges brandaktuell bleibende Antwort auf jene immergleiche, grausam-absurde Marionetten-Posse, die man gemeinhin „Welt“ und „Leben“ nennt. In der immer mehr Ubus regieren. Und auf die man am besten mit Kunst reagiert. (28.09.2025) 

^{„William Kentridge. Listen to the Echo“ ist noch bis zum 18. Januar 2026 im Museum Folkwang in Essen zu sehen. Die parallelen Ausstellungen in den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden enden zwischen dem 4. Januar und dem 28. Juni 2026. Vielleicht fahren wir da auch noch hin.}

<sup>Anmerkung: Natürlich geht es in „Listen to the Echo“ nicht nur um Afrika und die menschenunwürdige Arbeit der Schwarzen in den Minen weißer Besitzer. Es geht auch um die Flucht von 350 Menschen vor den Nazis 1941 von Marseille in die Karibik, darunter Künstler und Intellektuelle wie André Breton, Claude Levi-Strauss oder Germaine Krull.

Es geht um Gogols von Schostakowitsch vertonter „Nase“, die ihrem ehemaligen Besitzer, dem ranghohen Beamten Major Kowalew, ranghöher auf dem Kopf herumtanzt. Oder um „Faust“ und die „Zauberflöte“. Aber es geht halt trotzdem immer um Macht und ihren Missbrauch, um Unterdrückung, die Unterminierung von Wahrheit & Gerechtigkeit. Um die Beziehung von Gesellschaft & Individuum. Ums Echo. Und um Poesie.</sup>

Das Museum Folkwang in der KunstArztPraxis:
Lebenslanges Türenöffnen: Tomi Ungerer zum 90.
„Kippenbergers Kosmos steckt im ‚Kafka'“
Kunst für alle: Keith Haring in Essen

Homepage des Museums Folkwang Essen

Der Beitrag „Listen to the Echo“: William Kentridge in Essen erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Im August wurde der von uns hochgeschätzte Regisseur & Fotograf Wim Wenders 80 Jahre alt, die Bonner Bundeskunsthalle widmet ihm gerade eine Retrospektive. Wenders‘ Blick auf unsere Wasser-Waage bescherte uns vor zehn Jahren mal ein exklusives Foto-Shooting. Und geriet uns bei „W.I.M.“ jetzt zu einer Art Augenöffner.

2015 durfte Einer von uns Wim Wenders im Düsseldorfer Kunstpalast exklusiv porträtieren. Schuld daran war seine licht- und altersschwache Kamera.

Im Museum musste unser Einer nämlich ein Stativ benutzen, deshalb war eine altmodische Wasser-Waage auf den Blitzschuh montiert. Für ein Porträt von Wim Wenders hatte er die Kamera natürlich vom Stativ genommen: Schließlich galt es, sich im High-Tech-Pulk ganz stativ- und teils rücksichtsloser Presse-Fotograf*innen zu behaupten.

Die Wasser-Waage thronte aber weiter sinnfrei auf dem Blitzschuh.

Es gab den üblichen Foto-Slot für alle

Es gab den üblichen Foto-Slot für alle („Herr Wenders ist sehr beschäftigt und hat nur ein kleines Zeitfenster zwischen mehreren Interviews“), das übliche „Herr-Wenders-bitte-auch-mal-hierher-kucken!“-Geschrei des lichtbildnerischen High-Tech-Pulks.

Und dann natürlich die Bitte, vielleicht doch noch „was Eigenes“ an „einem anderen Ort“ zu machen, Herr Wenders, bitte bitte, das wäre toll! „Das mache ich nicht“, entgegnete Herr Wenders resolut. „Außer für den Herrn da hinten mit der Wasser-Waage“.

Dabei hatte unser Einer, inzwischen irgendwo da hinten an der Seite stehend, nichtmals gefragt. 

^{Foto oben: Aus Nostalgie nimmt unser Einer auf Reisen immer noch seine Wasser-Waage mit:
hier (etwas versteckt) im August 2025 in Paula Modersohn-Beckers Atelier in Worpswede.
Spoiler-Alarm: Das Stück zum Bild gibt’s (vermutlich) in der überübernächsten Woche.}

So entstand obiges Exklusiv-Porträt mit der verwischten Dame im Hintergrund. Danke, Wasser-Waage!

Die ganze lange Belichtungszeit über hielt Wim Wenders geduldig still. Und unser Einer hielt (Selbstauslöser, 2 Sekunden-Modus) zum Glück endlich mal die Luft an.

Wie Wim Wenders sieht

Mit der etwas marketingeltangelig „W.I.M“ genannten Schau* in der Bundeskunsthalle: Mit all ihren Fotos, Kino-Schnipseln, Requisiten, Soundtracks & Dokumenten im Rücken scheint uns die Anekdote mit der von Wim Wenders entdeckten Wasser-Waage symptomatisch für die Art zu sein, wie Wim Wenders sieht.

^{*Laut Pressetext „könnte (sic!) das Akronym W.I.M. für ‚Wenders in Motion‘ stehen“.
In unseren Augen aber auch für „Wichtig: Interessegenerierdendes Marketing“.}

In unseren Augen sieht Wim Wenders nämlich wie ein Entdecker, vor allem auf Reisen: auch von Details. Die ausbalancierte Gerade ist ihm wichtig, der ausgewogene Bildausschnitt. Die Symmetrie. 

Wim Wenders sieht als vorwärtsgewandter Nostalgiker. Beinahe trotzig glaubt er an die Wirkkraft des Kintopps, des Fotos, noch heute: in Zeiten, in der an jedem Tag mehr Bilder geknipst werden als in rund 180 Jahren Fotografie-Geschichte – und das ohne technische Hilfsmittel.

Es ist eine Wirkkraft, die beim Schaffen von Neuem wehmütig das Vergangene durchscheinen lässt. Auch das ist, wie Wim Wenders sieht.

Ansonsten sieht Wim Wenders in der weiten Landschaft die Sehnsucht, hinter jedem Fenster die Melancholie der Einsamkeit, aber auch den Zauber.

Er schätzt das Handwerk: die Kunst der Perfektion. Und er kommt von der bemalten Leinwand mindestens genauso her wie von Zelluloid & Zellulose.

Ach ja: Für uns sieht Wim Wenders nicht in der Fläche, sondern im Raum. Weniger die Ewig- und Unendlichkeiten als vielmehr die zu bannende Vergänglichkeit: Augenblicke, die Zeit zum Entwickeln braucht.

An seinen Polaroids und den 3D-Filmen über Pina Bausch und Anselm Kiefer – oder auch im eigenen 3D-Kino der Ausstellung mit einem Film im Edward-Hopper-Style – kann man das in Bonn ganz gut studieren.

Aber auch anhand von Kinderzeichnungen (!) und Gemälden aus der Frühzeit – Wim Wenders wollte ja ursprünglich Maler oder Dichter werden – sowie über Dia-Projektionen von Kunst-Klassikern, die seine Ästhetik prägten.

Und das sind wahrlich sehr viel mehr als Edward Hopper.*

^{*nämlich Bellini, von Ruisdeal, van Steenwijk, Vermeer, Rembrandt, Friedrich,
Kandinsky, Klee, Balthus, Rothko, Twombly, Evans, Wols usw. usf.}

Wenn es an „W.I.M.“ in unseren Augen etwas zu woiseln gäbe, dann eigentlich nur das: Die Präsentation von Wenders‘ Fotografien hat uns im Kunstpalast vor zehn Jahren, damals, als er unsere Wasser-Waage auf dem Blitzschuh entdeckte, deutlich besser gefallen.

Ihre Landschaft braucht unseres Erachtens museumsräumliche Weite als Pendant, und diese Luft zum Atmen hat sie in der Bundeskunsthalle, aus diversen Gründen, eher nicht. 

Dafür aber kriegt man in Bonn auf engstem Raum natürlich auch viel mehr geboten.

Inklusive einer extra für die Bundeskunsthalle von Wenders gestalteten, knapp halbstündigen 360-Grad-Installation mit Ausschnitten aus 24 seiner Filme – darunter eine Neubearbeitung der Peep-Show-Szene mit der darin nichts weniger als großartigen Nastassja Kinski aus „Paris, Texas“ (1984) und Konzert-Schnipsel mit Nick Cave aus „Der Himmel über Berlin“ (1987). Hach ja.

Auf acht Meter hohen Wänden übrigens, die selbst mit allen Wasser-Waagen der KunstArztPraxis nicht auszuloten wären. Manchmal ist das ja ohnehin besser so. (21.09.2025)

^{„W.I.M. Die Kunst des Sehens“ läuft noch bis zum 11. Januar 2026 in der Bundeskunsthalle in Bonn. Den Audio-Guide zur Schau hat Wim Wenders persönlich eingesprochen.}

^{Anmerkung: Was wir oben so vollmundig „exklusives Foto-Shooting“ genannt haben, dauerte in Wirklichkeit nur eine Minute. Wir wissen aber zumindest, dass keiner aus dem High-Tech-Pulk sich mit unserem Einen mitgeschlichen hatte! Wir anderen Beiden waren ja dabei. Das hätten wir gesehen.}

Bonus-Track: Wim Wenders, „Landschaften“, Kunstpalast, Düsseldorf 2015

Appendix: Edition geht anders!

In unserer Jugend gab es eine Sendung, die hieß „Nepper, Schlepper, Bauernfänger“, der legendäre Eduard „Ede“ Zimmermann hat sie moderiert. Da ging es um alle erdenklichen Spielarten der betrügerischen Augenwischerei. Die aktuelle Wenders-Edition der Zeitschrift „monopol“ hätte da unserer Meinung nach gut hineingepasst. Obwohl es sich dabei natürlich um legales Augenwischen des Kunstmarketingeltangels handelt. 

Rechtzeitig zu Wim Wenders‘ 80. Geburtstag und zur großen Retrospektive in der Bundeskunsthalle – also zur bestmöglichen Anbietzeit – bietet das „Magazin für Kunst und Leben“, öffentlichkeitswirksam garniert mit den Erinnerungen des Künstlers zur Entstehung des Fotos, in seiner September-Ausgabe für satte 750 Euro das – zugegebenermaßen sehr schöne – Motiv eines leerstehenden Kinos in der US-Provinz als „Edition“ an. Wenders hat „State, Texas“ 2019 aufgenommen. „Exklusiv“ von Wim Wenders in Kooperation mit Monopol entstanden sei die „Edition“, heißt es im Blatt – und sensationeller Weise sogar, doppelt exklusiv, „nur in Deutschland erhältlich“! Das ist doch was. 

Natürlich ist das leerstehende Lichtspielhaus ein für das Wenders’sche Schaffen – und für das Meiste, was wir oben über das Wenders’sche Sehen geschrieben haben, – beispielhaftes Werk. Wenn wir William Eggleston oder Stephen Shore nicht kennen würden, hätten wir es vielleicht auch – wie das „Magazin für Kunst und Leben“ werbewirksam über Bande – „ikonisch“ genannt . „Ikonisch“: aus so ein im Kunstmarketingeltangel inflationär vernutzter Begriff.

Gefertigt wurden die 100 Exemplare der „Edition“ vom – zugegebenermaßen überraschend guten – Online-Fotolabor WhiteWall, und es ist die klassische Wim-Win-Situation: Für Wenders werden seine Bilder weiter in die Welt des Sammelns getragen, für Zeitschrift und Kopierwerk das Image durch die „Kooperation“ mit dem großen, dank Geburtstag & Retrospektive medial gerade noch größeren Namen – wir sagen nur: bestmögliche Anbietzeit! – weiter angehoben.

Und einen Reibach machen kann man damit auch noch! Immerhin kostet ein Exemplar der ohnehin schon üppigen Auflage (100 Exemplare) rund 500 Euro mehr als das, was WhiteWall sonst für ähnliche Abzüge veranschlagt. Dabei hat Wenders die „Edition“ nichtmals signiert, vermutlich nichtmals in der Hand gehabt. Sein Studio hat WhiteWall wahrscheinlich lediglich die digitale Datei übermittelt, aber das kann natürlich auch ganz anders gewesen sein.

Der Kunde erwirbt also ein auraloses Foto zum dreifachen Preis. Für uns geht Edition komplett anders.

^{P.S.: Ähnlich Abzüge wie die der monopol-Edition ließen sich auf WhiteWall übrigens für weniger als ein Drittel des Preises auch von ähnlichen Wenders-Motiven wie „Entire Family Las Vegas, USA, 1983“ oder „Wyeth Landscape, USA, 2000“ herstellen, die die Bundeskunsthalle zum Download auf ihrer Presse-Seite im Internet bereitstellt. Wir haben das gegengecheckt: Die Größe würde reichen. Kommen natürlich nur Journalisten ran. Und wäre irgendwie natürlich auch illegal. Sagt: Ihr Ede Zimmermann von der KunstArztPraxis.}

Die Bundeskunsthalle in der KunstArztPraxis:
Der will nur spielen!?! Mark Dion in Bonn
Vom Schlafschaf. Kant und seine Fragen in Bonn
Echt? Peinlich? “Ernsthaft?!” in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung (15): “Ernsthaft?!” in Bonn

Homepage der Bundeskunsthalle Bonn

Und hier gibt’s die tolle unsignierte Edition der Kunst-und-Lifestyle-Zeitschrift „monopol“

Der Beitrag Wie Wim Wenders sieht: „W.I.M“ in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Vorbemerkung, bevor Beschwerden kommen:

Was nun folgt, ist alles wahr, und wir können es beweisen! Denn als wir den Beitrag am 1. April 2024 anlässlich ihrer Ausstellung im K20 in Düsseldorf zum ersten Mal brachten, hat sich Hilma af Klint persönlich auf Twitter bei uns gemeldet und alles für gut befunden!! Ihr hat der Beitrag sehr gefallen.

Beweis-Screenshot gefällig? Voilà:

Und nun zum von Hilma af Klint persönlich autorisierten Beitrag:

März 2024, ein schäbiger Hinterhof in der Schlackstraße 4b in Bielefeld. Es riecht nach Räucherwerk. Um uns herum brennen Hunderte weißer Kerzen, die das Dunkle flackernd erleuchten.

Wir sitzen um einen runden Holztisch in der Wohnung von Gregor*, die uns von einem spiritistisch angehauchten Bekannten empfohlen worden ist. Die Handys sind im Flugmodus. Auf dem Tisch steht Tuttles Psychograph, daneben Bleistift und Papier.

^{*Name von der Redaktion gegendert}

Gregor: ein doppelter Glücksfall

Gregor ist ein fluides Medium mit Simultan-Dolmetscher-Diplom, sie kann Deutsch und Schwedisch. Und sie beherrscht die historische Aufführungspraxis der Séance mit Hilfe von Tuttles Psychographen und des „automatischen Schreibens“: Methoden, die Hilma af Klint in den diversen seherischen Kreisen ihres irdischen Daseins zur Kontaktaufnahme mit höheren Wesen ab 1879 ebenfalls nutzte. 

Das ist ein doppelter Glücksfall: Heutige Medien sind meist nur einsprachig. Und beherrschen oft nur noch Pendel & Quija-Brett.

Wir mussten Gregor versprechen, nicht zu fotografieren und von den geheimen Zeremonien der Kontaktaufnahme nichts preiszugeben.

Bei Medien nennt man das gemeinhin „unter drei“.

Wir dürfen auch nicht schreiben, wie Gregor jenen visionären Zustand spiritueller Entrückung erzielt hat, der sie für die Nachrichten aus dem Jenseits empfänglich machte. Nur soviel: Es war nicht schön.

^{(Bild: Spiritischer Psychograph von Hudson Tuttle, um 1879. Bitte nicht verwechseln mit Henry C. Laverys phrenologischer Maschine gleichen Namens, die natürlich Humbug ist.)}  

Wir beginnen unsere Schilderung also erst in jenem Moment, in dem eine Tür zuschlägt & eine Kerze erlischt: Ein Geist ist im Raum. Gregor startet das bei Medien übliche Vorgeplänkel. Sie fragt den Geist, ob er Hilma af Klint sei. Der Geist sagt: „Jag är här. Ställ dina frågor“*.

^{*“Hier bin ich. Stelle deine Fragen.“}

Gregor beginnt anhand von Fragen, die wir im Vorfeld besprochen hatten, mit der „biografisch-auratischen Authentifizierung“: Wir wollen ja sicher sein, dass der Geist Hilma IST. Immerhin ist ein teil von uns seriöser Journalist.

Was sollen wir sagen? Na-TÜR-lich ist er Hilma.

Zunächst dankt Gregor Hilma af Klint, dass sie erschienen ist. Sie stellt uns drei „Sitzende“ vor. Dann beginnt das eigentliche Gespräch: Gregor nimmt den Bleistift in die Hand und stellt die mit uns im Vorfeld besprochenen oder aus der Situation sich ergebenden Fragen.

Wir lernen, dass man zu den Wesen der astralen Welt lieb & freundlich sein muss – und dass man sich vom ersten Augenblick an duzt. Aber das ist ja in der irdischen Welt zwischen Journalist*innen und Künstler*innen genauso.

Rund zwei Stunden zeichnet Gregor Hilma af Klints Einflüstrungen Buchstabe für Buchstabe mit Tuttles Psychographen auf, später dann – als sie dies sichtlich überanstrengt, es ist ja Schwerstarbeit! – „automatisch“ auf Papier.

Was wir bezeugen können

Der Einfachheit halber geben wir das Gespräch im Folgenden in deutscher Übersetzung wieder. Diese ist naturgemäß erst später entstanden. Ansonsten ist aber alles genauso, wie Gregor es empfangen hat.

Das können wir bezeugen. Wir waren ja dabei.

Gregor: Liebe Hilma, ich möchte Dir gleich zu Anfang eine recht schwierige Frage stellen: Sind Deine Bilder abstrakte Bilder?

Hilma: Deine Frage ist wirklich schwierig, ich verstehe sie nicht. Was sind abstrakte Bilder? Erläutere.

Gregor: Das sind Bilder, liebe Hilma, die keine Dinge mehr zeigen wie die Gemälde aller Künstler*innen vor dir. Die auf keine Dinge der Wirklichkeit mehr verweisen, die in sich ruhend ihren inneren Gesetzen aus Form und Farbe folgen, keine Botschaft haben. Von allem absehen, was nicht sie selber sind. Von lateinisch „abstrahere“: „absehen“.

Liebe Hilma: Sind Deine Bilder in diesem Sinn abstrakte Bilder?

Hilma: Ich verstehe dich noch immer nicht! Warum behauptest du, dass meine Bilder keine Dinge zeigen? Natürlich tun sie das! Ich zeige viele Dinge, siehst du sie nicht? Aber vielleicht bist du blind für die Dinge aus der Welt des Astralen, die Dinge auf der nächsten Stufe der Natur! Meine astralen Bilder folgen den Gesetzmäßigkeiten dieser Stufe. Das ist ihre Botschaft.

Die astrale Welt, auf die meine Bilder verweisen, ist sehr real, sehr konkret, natürlich gibt es sie wirklich – wie du unschwer daran erkennen kannst, dass du mich in dieser Welt persönlich angetroffen hast! Oder wer, meinst du, ist die, mit dem du sprichst?

Gregor: Natürlich spreche ich mit Dir, liebe Hilma! Bitte entschuldige. Trotzdem muss ich nachfragen: Ging es Dir denn nicht, wie Wassily Kandinsky, um das abstrakte, ungegenständliche „Geistige“? Das glauben hier auf der niederen irdischen Stufe nämlich fast alle!

Hilma: Nein. Es geht um das Astrale! Aber selbst, wenn es mir um das ginge, was Wassily das „Geistige“ nennt, wäre das doch nicht abstrakt! Selbst das Geistige ist doch ein Gegenstand, hat Materie! Sogar hier in der höheren Astralwelt hat immer noch jeder Gedanke, jedes Gefühl eine Farbe und eine Form. Selbst Gedanken sind atomistische Dinge, weißt du das denn nicht? Es sind Gedankenformen, das hört erst auf der Naturebene des Para-Nirwana auf!

Auch das von euch so genannte Übersinnliche ist sinnlich! Wo ich jetzt wohne, weiß das jedes Kind! Was ist daran „abstrakt“?

Gregor: Aber, äh: Könnte es nicht trotzdem sein, liebe Hilma, dass du die abstrakte Kunst im Jahre 1906, sagen wir einmal: durch Zufall, also sozusagen unabsichtlich, „erfunden“ hast?

Hilma: Wie sollte das geschehen? Wenn mein Werk durch Zufall abstrakt wäre, dann wäre das Taijitu der Kelten, Etrusker und Chinesen ein viel älteres abstraktes Werk! Dann hätte vielleicht ein Steinzeitmensch, der im Traum mit einem Stock ein braunes Quadrat in den Staub gezeichnet hätte, das erste abstrakte Werk geschaffen! Das kannst du doch nicht glauben!

Ich lasse mein Werk nicht so schamlos von dir umdeuten, von niemandem lasse ich das! Ich verbiete dir, mich derart falsch, gegen meinen erklärten Willen, auszulegen!

Gregor: Aber, liebe Hilma, nur, damit wir es verstehen, nimm es mir nicht übel: Gemalt hat Du Deine Bilder schon?

Hilma: Ja und nein! Nein und ja! Yin und Yang. So salomonisch muss ich das sagen. Die Bilder wurden mir gegeben von Mächten, welche, wie ich bis heute glaube, gut sind. Sie wurden mir auf Erden geschenkt wie die Frohe Botschaft den Evangelisten durch Gott – mit der Ausnahme, dass die höheren Wesen lediglich Diener des Hohen waren.

Haben die Evangelisten die Testamente etwa ohne Gottes Einflüsterung geschrieben, oder Mose die Zehn Gebote? Genauso wenig habe ich meine Bilder ohne die Einflüsterungen der höheren Wesen geschrieben.

Die Rose, der Schwan, das Kreuz, die Spirale, das Dreieck: All das haben die höheren Wesen durch mich hindurch gemacht! Ich habe nur meine Fühlfäden ausgestreckt nach ihren Wünschen, ihrem jenseitigen Wissen. Sogar die Maße meiner Bilder habe ich von den höheren Wesen empfangen. 

Voraussagen über das Ausführen von astralen Gemälden geschahen schon 1904. Zwei Jahre später haben wir mit den astralen Bildern begonnen. Diese sind direkt durch mich hindurch gemalt worden, ohne Vorzeichnung, mit großer Kraft. Mein Anteil daran war mediumistisch. Das Werkzeug der Ekstase war ich. 

Von den höheren Wesen habe ich das Quadrat und die Kugel empfangen mit der Botschaft, sie seien „Ausdruck des Lebens“. Aber auch diese Botschaft blieb mir bis zum Tode rätselhaft. Selbst hatte ich nicht Erkenntnisse genug, um meine astralen Gemälde zu erklären.

Gregor: Aber freust du dich denn wenigstens, dass deine Bilder jetzt in Museum hängen?

Hilma: Sie hängen im Museum? Wie das?

Gregor: Es gibt gerade eine Ausstellung in Düsseldorf – das ist in Deutschland, liebe Hilma! –, die deine Bilder lobpreist! Sie hängen neben den Bildern von Wassily Kandinsky, der behauptet hat, das erste abstrakte Gemälde gemalt zu haben. Deine Gemälde werden gefeiert – als, äh, entschuldige bitte: viel frühere Pioniertaten der rein abstrakten Kunst…

Hilma: Waaaaas? Düsseldorf hat nichts verstanden von meinen Bildern! Die Menschheit hat nichts verstanden von meinen Bildern!! Meine Bilder sind Altarbilder!!! Sie sind für die Spiralen jenes Tempels gemacht, den ich als Prophetin im Irdischen gezeichnet habe, nicht für ein albernes Museum!!!! 

Meine Auffassung von meiner Arbeit war immer, dass sie im Ganzen für sich aufbewahrt werden muss und nicht mit anderen vermischt werden darf! Auch Wassily wird sich nicht freuen, wenn er davon erfährt, ich werde es ihm gleich berichten! Was nehmen diese Deutschen sich heraus! Reicht es ihnen nicht, zwei Weltkriege angezettelt zu haben?

Ich bin ruhig meinen Weg durch das Leben gegangen, wie die höheren Wesen es mir befohlen haben, nie habe ich mich im Irdischen aufgeregt. Offenbar musste ich erst in diese überirdische Welt einziehen, um von irdischer Wut übermannt zu werden! 

Ich hatte in meinem Testament verfügt, dass meine Arbeiten erst 20 Jahre nach meinem Tod geöffnet werden sollten, Doktor Steiner* hatte mir zu 50 Jahren geraten. Aber offenbar ist die Menschheit auch nach 100 Jahren zu blind dafür!!!

^{*gemeint ist der berühmte Anthroposoph
Rudolf Steiner (1861-1925). Klar!}

Gregor: Liebe Hilma, bitte zürne nicht! Nichts lag mir ferner, als Deinen Geist derart in Wallung zu bringen! Darf ich Dir trotzdem noch zwei letzte kurze Fragen stellen?

Hilma: Wenn sie kurz sind: bitte. Aber meine Zeit wird knapp. Ich bin erschöpft. Ich spüre, dass ich gehen muss. Und ich muss schnell mit Wasssily sprechen über diese Unverfrorenheit!!

Gregor: Liebe Hilma, ist die Welt, in der du jetzt lebst, das Astrale?

Hilma: Ich glaube schon.

Gregor: Und ist sie so bunt und schön, wie sie Dir die höheren Wesen ausgemalt haben?

Hilma: Ich fürchte nein.

Gregor: Liebe Hilma, ich danke Dir von ganzem Herzen für dieses Gespräch, das unseren Geist erleuchtet hat.

Ha! Seit der Séance von Gregor mit Hilma af Klint im März 2024 in Bielefeld hat die Menschheit das, was wir schon immer vermutet haben, also schwarz auf weiß:

Unsere Ahnung war richtig, Hilma af Klints Bilder sind KEINE abstrakten Bilder. Sie hat es selbst gesagt.

SO weit muss man gar nicht gehen!

Vielleicht könnte man behaupten: Wenn es jemals einen „dtv-Atlas Astral-Welt“ geben sollte, dann wären Hilma af Klints Gemälde die perfekten Illustrationen?

Aber SO weit muss man ja vielleicht gar nicht gehen.

(Bild: „dtv-Atlas Astral-Welt“. Mit Illustrationen von Hilma af Klint. München, 2068)

Egal. Danke, liebe Hilma. Und: Danke, liebe Gregor! Ihr habt das toll gemacht. Unsere Geister sind noch immer erleuchtet. Und unsere Seelen auch. (20.10.2024 / 01.04.2024)

^{„Hilma af Klint und Wassily Kandinsky. Träume von der Zukunft“ war bis zum 11. August 2024 im K20 der Kunstsammlung NRW in Düsseldorf zu sehen.}

^{Anmerkung 1: Als wir Gregors Übersetzung von Hilma af Klints Sätzen gelesen haben, haben wir uns schon gefragt, ob es moralisch richtig war, Hilma af Klint mit unseren Fragen derart an den Rand des Herzinfarkts zu treiben – sie hat ja fast nur noch in Ausrufezeichen gesprochen!!! Aber Gregor hat uns beruhigt: Astralkörper haben nämlich gar kein Herz. Sie haben nichtmal einen Körper. Und das, obwohl man ihren Körper zu Hilma af Klints Lebzeiten (siehe oben) sogar noch fotografieren konnte! Ganz schön strange das Ganze.}

^{Anmerkung 2: Es gibt eine merkwürdige Formulierung in Gregors Gespräch mit Hila af Klint. Dort heißt es „Oder wer, meinst du, ist die, mit dem du sprichst?“. Wir erklären uns dies so: Hilma af Klint ist es in der Astralwelt tatsächlich gelungen, das männliche und weibliche Prinzip, das sie auf ihren astralen Bildern als Asket und Vestal dargestellt hat, in der Astralwelt als Männin, Hermaphrodit oder Kugelmensch wieder zu vereinen. Bekanntlich konnte Hilma af Klint ja schon in der irdischen Welt ab 1906 die Geschlechter wechseln, und so hat sie sich ja auch die Engel vorgestellt. Deswegen scheint uns das das Logischste zu sein.}

Kunstsammlung NRW in der KunstArztPraxis (K20 und K21):
Reine Bildgebung (17): Chaïm Soutine in Düsseldorf
Privat: K21 vs. KI: Kann ein Algorithmus Jenny Holzer? (Leider Opfer der Unsichtbarkeit-Maschine)
Oh, dieses Leuchten! Etel Adnan im K20 in Düsseldorf
Lynette Yiadom-Boakye im K20: Malend dichten
Fotos ohne Kamera: Thomas Ruff im K20
Maximal minimal: Zum Tod von Carmen Herrera
Sommerloch-Porträts (5): Ai Weiweis Kern
Nie fertig: Charlotte Posenenske in der Kunstsammlung NRW

Homepage der Kunstsammlung NRW

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Piets Wohnung.
Für Mondrian zum 150. Geburtstag

Wir hätten gern das Hirn von Mondrian.
Wir würden gern in seinen Bildern wohnen.
Auf geometrischen Synapsen fahrn
In dieses Netz aus konstruktiven Zonen.

Dann säßen wir in einem sichren Bau.
Dann würden wir in planen Flächen denken.
Und in der Felder Gelb und Rot und Blau
Den Blick aus schwarzumrahmten Fenstern lenken

Auf eine Welt, die tobt. Wir ruhn im Bild.
Wir leben jetzt in aufgeräumter Sphäre.
Und während draußen alles überquillt,
Ist‘s drinnen still, als ob da gar nichts wäre.

Dort ist Tumult. Hier das Quadrat.
Wir kreuzen lässig unsere Beine
In rechten Winkeln. Oder im Spagat.
Und schreiben folgende Idee auf Linien ins Reine:

Selbst sollte sich einst ein Prophet
Von hinten an die Schutzglasscheibe kleben
Weil SEINE Welt in Strudeln untergeht:
WIR werden in Piets Wohnung überleben.

(28.11.2022/01.02.2024)

Die lyrische Hausapotheke der KunstArztPraxis
Zum 110. Geburtstag: Ode an Jackson Pollock
Wenn Polke lacht. Eine lyrische Hommage
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht

Homepage der Kunstsammlung NRW

^{Anmerkung: Unser Aufmacherbild zeigt einen Teil der aufgeräumten Zimmer in Piet Mondrians „Komposition mit großer roter Fläche, Gelb, Schwarz, Grau und Blau“ (1921) aus dem Kunstmuseum Den Haag, das momentan im K20 hängt. Hach!}

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Quiz Cat: No Quiz found

(23.02.2024)

Die legendären Quizze der KunstArztPraxis:
Voll verrätselt: Das Symbolismus-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Albrecht Dürer forever! Quiz zum 495. Todestag
Fit für Kippi? Das Martin-Kippenberger-Quiz
Pack’s aus! Das Christo-und-Jeanne-Claude-Quiz (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine!)
Video, ergo sum: Das Nam-June-Paik-Birthday-Quiz
Das Gerhard-Richter-Geburtstags-Quiz
Funky Funky Funky: Das Kunstpalast-Electro-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Jeder Mensch ein Quizzer? Der Beuys-Jahr-Bio-Test
Lüster, Glaube und Verfall: Das Barock-Modern-Quiz
Hochromantisch! Das Caspar-David-Friedrich-Quiz

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Dies ist keine Pfeife I.
René Magritte zum 125. Geburtstag

Nein. Das ist wirklich keine Pfeife:
Das ist ein Bild. An einer Wand.
Dazu braucht’s keine Hochschulreife.
Nicht Plato, de Saussure, noch Kant.

Was? Eine Pfeife? Nein, mitnichten!
Wer fühlt, braucht nichtmals Augenlicht
Zu der Erkenntnis, dieser schlichten:
Nö. Eine Pfeife ist das nicht.

Dit is geen pijp. Cachimbo? Nimmer!
Es ist in jeder Sprache nämlich:
Wer‘s трубка* nennt, hat keinen Schimmer.
Wer fajka dazu sagt, ist dämlich.

So weit so klar. Bleibt nur formal
EIN Rätsel: Was dich dazu trieb,
Unter dein Pfeifenbild banal
zu malen: „Ceci n’est pas une pipe”?

Drum schreiben wir ins Land der Fritte,
Nach Brüssel, dieser schönen Stadt:
Das war zu seicht, Monsieur Magritte!
Und bleibt als Botschaft ziemlich platt.

^*trubka

Halt! Stop! Als wir unser Gedicht vor Kurzem nochmal lasen, beschlich uns der Gedanke, dass wir René Magritte vielleicht doch irgendwie unrecht tun: SO kunstgeschichteerstsemester, dass es schon einen Michel Foucault braucht, um das Gemalte in den Olymp der Kunstgeschichte hochzuschreiben, kann das Werk doch gar nicht sein!

Auf jeden Fall haben wir zur Ehrenrettung des eigentlich ja tollen & sehr geistreichen Künstlers schnell noch ein zweites Gedicht geschrieben. Und JETZT erscheint uns Magrittes Gemälde plötzlich in einem völlig anderen Licht! Großer Zauber das.

Voilà:

Dies ist keine Pfeife II.
René Magritte zum 125. Geburtstag

Magritte, der Belgien verließ,
Erreicht per Nacht-Express Paris
Und steht noch träumend am Perron,
Da klingelt schon sein téléphone.

„Ich bin es, Pablo! Ey, was geht?“,
Fragt‘s im kubistischen Gerät.
„Wir steh‘n hier auf den Seine-Brücken
Und haben richtig Bock auf kicken.

Georges ist dabei, Jean, Joan, Umberto,
Piet, Chaim, Wassily, Amadeo,
Max, Marc, László und Salvador:
Zehn Mann fürs Feld, zwei Mann fürs Tor.

Doch EIN Mann fehlt noch, fiel uns ein.
Magst vielleicht unser Schiri sein?“
Klar mag René! Indes: Verdammt:
Er weiß so gar nichts von dem Amt!

„Was braucht man denn, um schiedszurichten,
zum Grätschen-Ahnden, Streite-Schlichten?“
Die Kuben-Stimme kann’s verraten:
„Pfeife, Trikot und bunte Karten!“

Ach so. Magritte zieht (zweifelsohne
Gekonnt), was folgt, aus der Melone:
Die Karten, Shorts (mit blauer Schleife!),
ein T-Shirt, seine Tabaks-Pfeife.

Und geht, ohne sich umzublicken,
in diesem Outfit zu den Brücken
Wo an der Seine, damit es startet,
Die Avantgarde auf Anpfiff wartet.

Doch als die Avantgarde sieht
Was René aus der Hose zieht
Versinkt Magritte im Hohnesstrahl
Ob seiner Instrumentenwahl.

„Dass man mich einmal so verlacht,
Hätte ich nie im Traum gedacht!“,
Denkt sich Magritte. Und eine Träne*
Fließt übers Trikot Richtung Seine.

Zurück in Brüssel geht René
Zutiefst gekränkt ins Atelier.
Daheim muss er sich unter Winseln**
Das Trauma von der Seele pinseln.

Das Bild, das folgt, ist wohlbekannt.
Jedoch sein Hintergrund verschwand:
Es ist als Warnung zu verstehen,
Mit FALSCHEN Pfeifen kicken gehen.

Gemalt aus Wut, Enttäuschung, Pein.
Ja, SO muss es gewesen sein.

^{*eine Träne der Wut! Nicht, dass wir uns missverstehen.
** dito.}

Also: Wir persönlich finden das zweite Gedicht (trotz der schwachen 8. Strophe) besser. Deshalb muss letztere Version mit Sicherheit stimmen.

Quod erat demonstrandum. Bitteschön. Dankeschön.

(21.11.2023)

^{Anmerkung für unsere französische Übersetzerin: Viel Spaß, Françoise! ????}

^{Anmerkung für alle Anderen: Auch hier hätten wir sehr gerne wieder das Original von „Der Verrat der Bilder“ gezeigt. Aber wieder verrät die Unsichtbarkeits-Maschine jene Bilder, denen sie sich angeblich verschrieben hat, indem sie sie unzeigbar macht. Grmblfx.}

^{Anmerkung für Leseratten: Auch wenn wir seine Interpretation von „Las Meninas“ noch mehr schätzen: Foucaults Abhandlung „Das ist keine Pfeife“ ist gar nicht mal soooo schlecht.}

Die lyrische Hausapotheke der KunstArztPraxis:
Zum 50. Todestag: Hommage à Picasso
Lieber Dichter, dichte mir: Lyrik für Kippenberger
“Liebes Chatbot, dichte mir”: KI für Kippenberger
Piets Wohnung. Poem für Mondrian
Ein Tod verschwindet: Harald Naegeli in Köln
Zum 110. Geburtstag: Ode an Jackson Pollock
Wenn Polke lacht. Eine lyrische Hommage
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht

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Neulich haben wir Drei von der KunstArztPraxis uns genauso künstlich aufgeregt wie Herr Müller-Lüdenscheidt und Herr Dr. Klöbner in Personalunion.

Nur steckte unsere Ente nicht in einer Badewanne, sondern im Briefkasten, genauer: in der Depesche eines Kölner Auktionshauses. Und sie hatte die Form eines Satzes, den der Auktionshaus-Besitzer sich selber zugeschrieben hatte.

Und der lautet doch tatsächlich: „Ein Leben ohne Kunst ist möglich, aber sinnlos.“

Der Satz ist eine ausgemachte Frechheit, weil: eine richtig schlecht gemachte, richtig plumpe Fälschung.

Um das mit der Plumpheit einmal in die elegante Sprache der Kunst zu übersetzen: Das wäre, als würde Jemand der weltberühmten Mona Lisa ein D’Artagnan-Bärtchen anmalen und behaupten, das Ganze sei sein Werk – nur eben umgekehrt, also mit abrasiertem Bärtchen!

Denn die Kopie stiehlt dem Original ja nicht nur die Eleganz, sondern auch noch den funkelnden Humor.

Warum?

Warum? Ganz einfach: Der Depeschen-Satz des Auktionshaus-Besitzers ist EINDEUTIG auf ein Publikum gemünzt, das ihn Eins zu Eins unterschreiben soll. Der Witz des Originals besteht aber zwingend in der Möglichkeit zur Verweigerung einer Unterschrift.

Denn in der unikatären Welt wahren Witzes gehört zu einem sinnlosen Leben eben nicht keine Kunst, sondern zweifelsfrei kein Mops.

Wir haben uns in 1.345 Zeichnungen gründlich umgeschaut

Das Original der plumpen Fälschung stammt natürlich vom großen Loriot. Wir hegen keinen Zweifel, dass die Depeschen-Leser das erkennen, deshalb nehmen wir dem Auktionshaus-Besitzer die in seinen Kreisen eigentlich üblichen Zuschreibungen „nach Vicco von Bülow“ oder „Loriot-Werkstatt“ nicht übel.

Alles andere aber, wie gesagt, eben schon.

Wir sind uns auch ziemlich sicher, dass Loriot die Auktionshaus-Fälschung nicht unterschrieben hätte: Er war ja nicht Dalì, der bekanntlich jede Fälschung signiert hat.

Im Übrigen haben wir uns in den 1.345 Zeichnungen seiner gesammelten Werke einmal gründlich umgeschaut. Und da sticht Kunst – und dezidiert ihre Vermarktung! – gerade durch ihre markerschütternde Absurdität hervor.

Ein Leben MIT der Kunst ist sinnlos und manchmal nicht mal möglich

Im schlimmsten Fall bringt die Kunst das Leben ihrer Erzeuger sogar komplett zum Stillstand. Sie degradiert ihre Sammler*innen zu schnöden Deko-Objekten. Oder sie verhindert den Vollzug der Ehe. Und die echte Mona Lisa taugt im Grunde auch nur als handzerschnittenes „Luxus-Puzzle“ für Gutbetuchte, das die existentielle Leere ihres spießigen Daseins überdeckt.

All das hätten wir hier gern auch visuell ausgebreitet. Aber selbst im Königreich des Humors wütet beizeiten – leider, leider – die Unsichtbarkeits-Maschine. Weshalb wir uns bei der Bebilderung dieses Beitrags zum Gutteil mit Symbolbildern behelfen müssen.

Aber die eleganten Texte können wir hier drucken:

„Das ansprechendste Objekt seiner Ausstellung zeitgenössischer Kunst in Heilbronn, der Künstler selbst (Pfeil), war leider unverkäuflich“, steht da unter der Zeichnung einer Vernissage in Anwesenheit des am Leuchter erhängten Künstlers (Pfeil) zu lesen.

Und unter dem Bild eines Mannes, der statt mit seiner Frau mit einem löchrigen, recht platten Metallfräulein im Bett liegt, steht: „Durch seine innige Beziehung mit einer Bronzeplastik bewies der Angestellte Norbert K. aus Remscheid, was echte Kunst vermag.“

Zarte Porträts vom Russlandfeldzug

Wir wagen deshalb hiermit eine steile These: Die hehre Kunst hat Loriot, im Gegensatz zu Musik oder Literatur, den Großteil seines Lebens nicht so richtig interessiert.

Und dies, obwohl er neben Grafik ursprünglich in derselben Klasse wie der phantastische Horst Janssen Malerei studiert und der Nachwelt vier anrührend zarte Porträts hinterlassen hat, die er als Wehrmachtsoffizier des Russlandfeldzugs 1943/1944 – es war beileibe keine rühmliche Zeit! – mit 21 Jahren zeichnete.

Die kann man gerade in einer hübschen Ausstellung zu Loriots 100. Geburtstag im Caricatura Museum Frankfurt erstmals öffentlich sehen.

Spannung zwischen Hoch- und Knollennäsigkeit

1981 hat Loriot den Fragebogen der FAZ ausgefüllt – da war er deutschlandweit schon weltberühmt. Die Fragen müssen ihn sehr gelangweilt haben, so monothematisch eintönig hat er sie beantwortet. Wagner, Wotan und Walküren wabern wortgewellt durchs ganze Statement, und auf die Frage nach seinem Lieblingsmaler gibt Herr von Bülow indirekt die Auskunft, dass er keinen habe. Denn:

Loriot hingegen hat auch nach Russland sehr wohl gemalt, nämlich Wagner: in klassischer Manier, aber eben mit der obligaten Knollennase. Das Gemälde prangt unter anderem auf dem Cover seines „Kleinen Opernführers“ aus Loriots Zürcher Hausverlag Diogenes.

Diese Spannung zwischen Hoch- und Knollennäsigkeit, diese im Bild fixierte Fallhöhe zwischen Genie und Blödsinn, hätte Sowa auch nicht besser hinbekommen.

Das hat schon was vom Bart der Mona Lisa. Aber eben, lieber Herr Auktionshaus-Besitzer, in seiner angemalten, nicht in seiner abrasierten Form.

Und das ist eben dann der zweite Punkt: Hehre Kunst fand Loriot in ihrem Marktgetöse und der ihr angehängten Wirkung eher albern. Aber er hat in unseren Augen mit seinen Zeichnungen, seinen Zeichentrick- und Realbildfilmen – ja: sogar mit legendären, unverwechselbaren Mops-Zitaten – eben selbst Kunst gemacht. Kunst, die das Tragische hinter Komischem verbirgt. Und ganz, ganz viel Sprachwitz hat.

Es gibt auch ein paar blöde Sachen

Zugegeben: Von Loriot gibt es auch ein paar blöde Sachen, die in unseren Augen fast so spießig sind wie die Spießer, die er – zumindest in der Zeichnung – mit Melone und Stresemann eh schon veraltet karikierte.

Vielleicht ist es ein mopsfideler Zufall, aber in Loriots ödesten Sachen kommen immer wieder Hunde vor. Jene Cartoons zum Beispiel, in denen Hunde Menschen spielen müssen und Menschen Hunde, entlocken zumindest uns kein müdes Lächeln.

Oder Wum und Wendelin. Die waren schon damals krasseres Biedermeier als Loriots erst rotes und dann später grünes Sofa.

Aber auch das ist natürlich Geschmackssache: Auch unsere Deutungen sind ja nur Auslegeware.

Die Melone des Spießers, die Melone Magrittes

Aber es gibt eben auch den anarchischen Humor im Liebevollen: ein Humor, der in den von ihm erzeugten Bildern die Spießigkeit immer wieder kunstvoll unterwandert; der moralische Doppelbödigkeiten aufdeckt, teils geschlechtsspezifischen Grausamkeiten des Zusammenlebens.

Und jene Text-Bild-Kombinationen, in denen Loriot die Benimmbücher der Wirtschaftswunderjahre parodiert hat, verströmen heute einen frischen surrealen Zauber, den sie vielleicht für zeitgenössische Betrachter*innen noch gar nicht hatten.

Da wird dann die Melone des Spießers zur Melone Magrittes. Also Cartoon zur hehren Kunst jenseits bloßer Parodie. Diese Text-Bild-Kombinationen sind uns die liebsten.

Loriot selbst hat das offenbar anders gesehen. Für ihn war die Karikatur das Terrain der immergleichen menschlichen Schwächen und die Kunst das Feld des permanenten Bruchs mit Konventionen. Das ist nun wieder uns zu altbacken gedacht.

Der Schnurrbart der Mona Lisa und die Knollennase eines Richard Wagner oder ein Satz von der Sinnlosigkeit mopsfreien Lebens sind ja der beste Beweis dagegen.

Während ein Satz von der möglichen Sinnlosigkeit ohne Kunst seinem Wesen nach eben ziemlich spießig ist.

Die letzten Jahre wieder Maler

Vermutlich hat sich Loriot die Trennungsaufhebung von Hoch und Tief selbst gewünscht. Nicht nur, dass sich der Humorist 2006 ins Häusliche zurückzog, um sich für den Rest seines Lebens wieder der privaten Malerei zu widmen:

Schon 1978 imaginierte er sich eine unvorstellbar lange Menschenschlange, die mit Schlafsäcken und Klappstühlen vor dem Metropolitan Museum in New York ausharrt, um an einer streng bewachten Vitrine aus Panzerglas mit einem angestrahlten Kleinod vorbeizudefilieren.

„Es ist ein stockfleckiges Blatt aus einem Notizblock, 9 x 12 cm, darauf ein Nasenmännchen in Bleistift, nicht signiert, mit Expertise der Kestner-Gesellschaft“, heißt es in der Rede, die Loriot anlässlich einer Ausstellung von Karikaturen in der Kestner-Gesellschaft hielt.

Wir halten diese Phantasie Loriots für komplett angemessen. Ins New Yorker MeMu gehört er nämlich unbedingt hinein.

Bild: Nicht signierte Zeichnung Loriots von 1977. Expertise der Kestner-Gesellschaft auf der Rückseite.

(12.11.2023)

^{Anmerkung 1: Die oben gezeigten Zeichnungen Loriots dürfen wir nur unter ausdrücklicher Erwähnung oben schon einmal erwähnter Ausstellung zeigen! Deshalb hier nochmal: „Ach was. Loriot zum Hundertsten“ ist noch bis zum 25. Februar 2024 im Caricatura Museum in Frankfurt am Main zu sehen. Wir werden noch hingehen, es sind schöne Sachen da. Aber es gibt keinen Katalog. Vielleicht auch da Unsichtbarkeits-Maschine?}

^{Anmerkung 2: Ach ja: Die Google-Suche nach „Ein Leben ohne Kunst ist möglich, aber sinnlos“ ergab am 25.10.2023 rund 530 Treffer. Sich dieses Bonmot also selbst zuzuschreiben, ist zwar möglich, lieber Herr Auktionshaus-Besitzer, hat aber hunderttausend Mona-Lisa-Bärte.}

^{Anmerkung 3: Loriot war Wehrmachtsoffizier. Seine Militärakte von damals rühmt seine „klare“, seine „durchdachte“ Art zu befehlen und lobt neben seinem Talent als Unterhalter auch sein „straffes“ Regiment an der Front. Diese Episode, die Loriot klar bereut hat, wird gerade gern verschwiegen, gehört zu seiner Biografie aber unbedingt dazu.}

Homepage des Caricatura Museums Frankfurt
Homepage von Loriots Hausverlag Diogenes

Der Beitrag Kunst: Möglich, aber sinnlos! Loriot zum 100. Geburtstag erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Warum war Blinky Palermo ein dreifacher Zwilling? Ganz einfach:

Er hatte nicht nur einen Bruder, der mit ihm gemeinsam vor 80 Jahren, also am 2. Juni 1943 in Leipzig zur Welt – und kurz darauf zu Adoptiveltern nach Münster – kam: Er wurde mit ihm gemeinsam auch noch im Sternbild des Zwillings geboren!

Und dann gibt es ja auch noch den Namenszwilling Blinky Palermo, dem er sein Pseudonym verdankt – und der der kriminelle Boxpromotor von Weltmeister Sonny Liston war! Alles ganz schön verrückt.

Laut Astrologie sind Zwillinge voller Energie, kontraktfreudig und erfolgreich. Sie fallen gerne auf, lieben es, im Mittelpunkt zu stehen und sind die geborenen Entertainer. War Blinky Palermo – also der Künstler – so?

Wir haben einfach bei seinem Zwillingsbruder Michael Heisterkamp (rechts im Bild) nachgefragt. Denn: Wer sollte es besser wissen als er?

Das Interview haben wir mit etwas anderer Stoßrichtung vor ein paar Jahren für den WDR geführt, es ist aber immer noch frisch. Deshalb legen wir es zum 80. Geburtstag von Blinky Palermo (links im Bild) einfach nochmal auf.

Als einen KunstArztPraxis-Beitrag zur künstlerischen Zwillingsforschung.

KunstArztPraxis: Herr Heisterkamp, waren sie und Ihr Bruder sich wirklich zwillingsgleich nahe?

Heisterkamp: Ja, das kann man sagen. Wir waren uns von Kindheit an nahe, sogar räumlich. Schon in der Mansardenwohnung unserer Adoptiveltern in Münster hatten wir ein sehr kleines gemeinsames Kinderzimmer, das hat verbunden. Und als Peter 1977 während seiner Malediven-Reise unter mysteriösen Umständen starb, war ich auf den Philippinen auf Geschäftsreise – nur rund eine Flugstunde von ihm entfernt!

In den Jahren dazwischen waren wir einander vor allem dann nahe, wenn es Peter schlecht ging. Dann hat er sich an mich erinnert. Er hatte ja sehr viele Lebenskrisen – als Mensch, aber auch als Künstler. Sogar zu einer Zeit, wo er schon weltberühmt war.

Zwillingshafte Nähe in der Krise

KunstArztPraxis: Wann hatten Sie den engsten Kontakt?

Heisterkamp: Immer, wenn es ihm schlecht ging. Am meisten hat er in der Zeit gelitten, als er seine Stoffbilder gemacht hat – deshalb hatten wir zu dieser Zeit auch den engsten Kontakt. Die Stoffbilder waren sein größtes Problem: die Hängung, der Proporz zur Wand. In seinem Atelier in Düsseldorf hat er sich nächtelang den Kopf zerbrochen, da war ich oft dabei.

Dann hat er sich durch die Metallbilder erlöst, das war der Durchbruch für ihn selbst, damit hatte er sein eigentliches Thema gefunden – und die Nähe ebbte wieder etwas ab.

An unserem Geburtstag versuche ich ihm übrigens immer noch nahe zu sein. Da feiere ich nicht mit Familie oder Freunden, sondern gehe in Klausur und korrespondiere mit Peter in Gedanken. Darüber hinaus schafft aber auch Peters Kunst noch eine Nähe. Sie ist wie ein Rettungsanker für mich, damit mir sein Tod nicht unerträglich wird.

Was Kunst betraf: uneins

KunstArztPraxis: Man sagt ja immer, Zwillinge ticken gleich. Hatten Sie auch künstlerische Ambitionen – oder zumindest Sinn für Kunst?

Heisterkamp: Ich habe in der Jugend Fotocollagen gemacht, surrealistische Klebebilder in der Art von Max Ernst: Ich hatte auch ein paar Ausstellungen in Berlin. Aber dann habe ich das aus familiären Gründen in den 1970er Jahren aufgegeben und einen ganz normalen Beruf gewählt. Außerdem hat Peter immer eine ganz andere Art von Bildern gemacht, er war ja sehr experimentell unterwegs, deshalb waren wir damals, was Kunst betraf, uneins.

Und trotzdem: Wenn er am Wochenende zurück nach Münster kam und wir leise sein mussten, weil die Eltern Mittagsschlaf hielten, haben wir uns in die Küche verkrümelt und uns über seine Kunst gestritten. Aber ich habe teils auch mitgemacht bei Peters Experimenten mit Linolschnitt. Oder bei den Tuschezeichnungen auf der Rückseite von Geschäftspapieren unseres Vaters, der Generalvertreter für Mannesmann-Stahlrohre war.

Der Peter hat immer viel ausprobiert. Ich eher nicht.

„Ich verstand ja nichts von seiner Kunst“

KunstArztPraxis: In der Kunst also uneinige Zwillinge?

Heisterkamp: Ja, ich war künstlerisch sehr viel konservativer. Und dann der unterschiedliche Lebensweg. Später hatte ich beruflich einfach viel zu viel zu tun, als dass ich mich um Peters Kunst hätte kümmern können! Ich glaube, die erste Ausstellung, die ich von ihm gesehen habe, war tatsächlich die in Leipzig zu seinem 50. Geburtstag, 1993. Und da war er schon 16 Jahre tot.

Im Grunde habe ich erst in den letzten Jahren begonnen, mich mit meinem Bruder und seiner schillernden Biografie zu befassen. Ich verstand ja nichts von seiner Kunst, das war mir lange fremd. Und ich hatte 30 Jahre lang eine Foto-Firma, die mich ganz in Beschlag genommen hat. Erst ihr Verkauf 2003 hat mir die nötige Zeit zur Auseinandersetzung verschafft.

Heute weiß ich natürlich, dass Peter mir künstlerisch meilenweit voraus war. Auch weil er viel ausdauernder war als ich, viel konsequenter.

In Abneigung zu Münster verbunden

KunstArztPraxis: Gab es denn auch noch Gemeinsamkeiten?

Heisterkamp: Unsere Abneigung zu Münster vielleicht! In Münster zu leben war uns beiden fast unmöglich. Wir waren zwar oft am Aasee, wir haben gelernt zu segeln, und aus Spaß oder Frust Waschpulver in den Lambertibrunnen gekippt, das war aber natürlich nur ein schwacher Trost.

Münster war damals ja ein unglaublich kleinbürgerliches, spießiges Pflaster! Auch hat es mich sehr gewundert, dass unser Vater dem Peter gestattet hat, mit seiner sieben Jahre älteren Freundin nach Düsseldorf zu ziehen und Künstler zu werden – natürlich erst, nachdem er Peter dazu verpflichtet hatte, als Gebrauchsgrafiker auf der Werkkunstschule erst einmal „etwas Vernünftiges“ zu lernen.

Und nun: der Astrologie-Zwillings-Test

KunstArztPraxis: Zwillinge gelten laut Astrologie als kontraktfreudig und erfolgreich. Sie fallen gerne auf, lieben es, im Mittelpunkt zu stehen und sind die geborenen Entertainer. Trifft das auch auf Blinky Palermo zu?

Heisterkamp: Ja und nein.Peter war offen, freundlich, aber in Bezug auf seine Kunst kompromisslos und selbstquälerisch; seinem Wesen nach eher zurückhaltend und nachdenklich, würde ich sagen. Auch noch, als er international gefeiert wurde.

Allerdings war er nicht depressiv, wie manchmal in der Presse stand! Vieles von dem, was dort oder sogar in Dissertationen über Peter gesagt oder geschrieben wurde, ist meines Erachtens erfunden.

KunstArztPraxis: Was ist denn noch erfunden?

Heisterkamp: Dass er ein Leben in Saus und Braus geführt habe, mit Drogen und Alkohol und Frauen. Dass er ein Playboy war. Das ist alles so nicht wahr. Und anderes kommt in der öffentlichen Wahrnehmung kaum vor.

KunstArztPraxis: Was kommt kaum vor?

Heisterkamp: Fast unbekannt ist, ist, dass er unendlich humorvoll war! Wenn wir mit Freunden zusammensaßen, oder mit Gerhard Richter oder Sigmar Polke in der Düsseldorfer Altstadt rumgezogen sind, dann haben wir oft unterm Tisch gelegen, wenn Peter das Wort ergriff.

Er konnte eigentlich alles witzig auskleiden, er hatte einen sehr intelligenten Humor. Mit viel Feingefühl für das Komische am Menschen.

Wie aus Peter Blinky wurde

KunstArztPraxis: Apropos „komisch“:Wie kam es denn dazu, dass aus Peter Heisterkamp Blinky Palermo wurde?

Heisterkamp: Im Grunde verdankt er das Anatol Herzfeld, dem Verkehrspolizisten an der Düsseldorfer Kunstakademie. Den hatten Peter und Norbert Tadeusz dazu animiert, in die Klasse von Joseph Beuys einzutreten, wo ja auch Peter seit 1964 Meisterschüler war.

Das war in der Düsseldorfer Kaiserstraße. Damals verdienten sich Peter, Richter und Polke als Maler an Karnevalswagen etwas Geld dazu. Peter hatte immer so eine Lederjacke an und einen flachen Hut auf seinem Schädel, den er sich wegen seiner Verehrung für Kasimir Malewitsch kahlgeschoren hatte. Und einen dicken Kopf und Pflaster im Gesicht hatte er auch.

Da kam Herzfeld rein und gab ihm spontan diesen Namen, weil er diesem zwielichtigen Boxpromotor, der gerade ein Bild im „Spiegel“ hatte, in seinem Outfitso und mit den Pflastern so verblüffend ähnlich sah.

Dessen Namen hat Peter dann als Pseudonym angenommen, und bei seiner ersten Ausstellung in der Galerie Schmela Mitte der 1960er Jahre zum ersten Mal auch mit „Blinky Palermo“ signiert. Dazu war er laut Arbeitsvertrag verpflichtet. Das machte er aber ein wenig widerwillig, doch selbst Beuys nannte ihn inzwischen so, und der hatte ja gesagt, dass er mit dem Namen Heisterkamp in der Kunstwelt nichts werden könne. So irgendwie ist das gekommen.

Farbe und Form erlebbar machen

KunstArztPraxis: Aus Ihrer persönlichen Zwillingsperspektive: Was Ihr Bruder gemacht und gewollt?

Heisterkamp: Interpretationen seiner Werke gab mein Bruder nur zögerlich oder selten. Aber ich glaube heute als Zwillingsbruder zu erahnen, dass er die Farbe und Form erlebbar machen wollte, ohne die Drangsal eines Motivs oder einer Bedeutung. Und es ging ihm um das Verhältnis von Werk und Räumlichkeit: das war selbst mir als Laien ganz offensichtlich.

Aber das lässt sich natürlich nur schwer erklären. Deshalb hat selbst Peter das nicht so recht gekonnt.

KunstArztPraxis: Und Sie haben diese Kunst irgendwann gemocht?

Heisterkamp: Mit Peters Zeichnungen kann ich nichts anfangen, die sind mir zu spröde. Aber seine Stoff- und Metallbilder finde ich wunderschön. Diese Evokation von Farbe, Form und Raum, die man nicht nur betrachtet, sondern wirklich erlebt, das ist ihm vor allem bei den Metallbildern meisterhaft gelungen.

Ob das dann Kunst war und ob Kunstkritiker das genauso sahen, das war meinem Bruder ziemlich Wurscht. Auch darüber haben wir damals in Münster am Küchentisch schon viel geredet. Für mich war er in solchen Gesprächen aber ohnehin immer mein Zwillingsbruder Peter, nicht der Künstler Blinky Palermo.

Auf / Unter Spannung setzen

KunstArztPraxis: Sind Sie ihrem Zwillingsbruder denn inzwischen auch künstlerisch nahe? Haben Sie zum Beispiel so etwas wie ein Lieblingswerk?

Heisterkamp: Zwei der schönsten Werke meines Bruders habe ich bei mir zu Hause hängen: einen kleinen schwarzen Kasten in der Manier Malewitschs von 1970 und „Ohne Titel (gewidmet Thelonious Monk)“ aus dem Jahr 1973, ein Auflagenobjekt von 30 Exemplaren. Das sind zwei fast identische Dreiecke aus Sperrholz, wobei das eine schwarz und das andere mit einem Spiegel versehen ist. Wie von Peter gefordert, habe ich sie im Abstand von 26 Zentimetern zueinander angebracht. Ich habe vier Stunden gebraucht, um sie aufzuhängen.

Wenn sie dieses Werk betrachten, dann bemerken sie die ungeheure Spannung, die zwischen den beiden Objekten besteht. Das war Peters Methode: zwei Objekte in ein Spannungsverhältnis zu bringen – wie beim „Tagtraum“ und beim „Schmetterling“. Das ist aber nur ein Hinweis meines Bruders, keine Botschaft.

(02.06.2023)

^{Anmerkung 1: Laut Astrologie sind Zwillinge bekanntermaßen voller Energie, kontraktfreudig und erfolgreich. Sie fallen außerdem gerne auf, lieben es, im Mittelpunkt zu stehen und sind die geborenen Entertainer. Auf den originalen Blinky Palermo, der ein paar Tage, bevor Peter Heisterkamp sein Namenszwilling wurde, ins Gefängnis wanderte, traf das offensichtlich zu – und das, obwohl er vom Sternbild her Wassermann war. Verrückt, oder?}

^{Anmerkung 2: Eigentlich ist uns gerade erst aufgefallen, dass die Dreiecke in „Ohne Titel (gewidmet Thelonious Monk)“ wie zweieiige Zwillinge sind! Der eine glänzend, der andere eher defensiv. Dazu hätten wir Michael Heisterkamp gern auch noch befragt.}

^{Anmerkung 3: Wir haben viele selbstgemachte Fotos von Blinky-Palermo-Werken in unserer KunstArztPraxis-Patientendatei. Aber, wie schon so oft: die fürchterliche Unsichtbarkeits-Maschine lässt sie nicht los. Dieses Mütterchen hat Krallen!}

Der Beitrag Der Dreiecks-Zwilling: Blinky Palermo zum 80. Geburtstag erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Als das Licht in den Sechzigerjahren zum ersten Mal mit James Turrell zusammenstieß, muss es mit einem Schlag strahlend glücklich geworden sein, denn James Turrell war vielleicht der Erste, der es sah, wie es ist. Turell nahm das Licht vorsichtig in beide Hände und trug es zunächst über die Schwelle seines Mendota Hotels in Santa Monica. Und von da aus später in die Welt.

Für Turrell war der Körper des Lichts von Anfang an eine Kostbarkeit, deshalb ließ sich das Licht auch gern von ihm zähmen. Im Gegenzug baute Turrell dem Licht in Kratern, Stollen, Schächten und Zimmern Observatorien und Tempel. In fast 25 Ländern.

Seitdem gehen die Menschen aller Kulturen in Ehrfurcht oder Orientierungslosigkeit vor dem Licht in die Knie und finden bisweilen nur noch taumelnd und tastend die Tür. Wobei Ehrfurcht und Taumel in diesem Fall dasselbe sind.

Einer dieser Tempel ist „Floater 99“ von 2001. Er steht unter der Erde, umgeben von den Kühlräumen und Gärbecken einer ehemaligen Braustätte, im Zentrum für Internationale Lichtkunst (ZFIL) in Unna. So richtig kann niemand ermessen, wie groß er ist, denn das Licht frisst ununterbrochen die Wände und öffnet den Raum hin zu einer Art farbflüchtiger Unendlichkeit.

Dieser Tempel hat keine Ecken, damit sich das kostbare Licht nirgends den Kopf oder die Füße stoßen kann. Und er ist selbst so empfindlich, dass man die Schuhe ausziehen muss, um einzutreten.

Das Blau der Sonne, das Rot der Sterne

In „Floater 99“ kann das Licht sorglos durch die Luft fliegen und in kaum wahrnehmbarer Langsamkeit blitzschnell seine Farbe wechseln: vom Eisblau der Sonne in den glühendvioletten Ton der von uns wegsprenkelnden Sterne.

So gewinnt das Licht Masse, Gewicht und Rhythmus, ist Form und Inhalt, Welle und Teilchen, Geist und Materie. Also ganz Aura, Atmosphäre und Substanz.

Dieses Licht füllt den Raum nicht, es ist der Raum. Es scheint nichts an, sondern ist selbst ganz schattenloser Anschein. Im Grunde stammt das Licht aus jenem Sekundenbruchteil biblischer Vorzeit, in dem im Kosmos schon flutendes Hell war, aber noch kein begrenzendes Dunkel.

Im Bild aus Licht

Für uns war der Besuch im „Floater 99“ wieder einmal geräusch- und schwerelos wie ein Segelflug. Im Wachtraum durchwanderten wir sanft wogende Felder, die nicht von dieser Erde waren, sondern aus anderen, nebulöseren Sphären.

Uns war es, als stünden wir im Kopf des Lichts und sähen dem Leuchten beim Denken zu. Wir selbst waren für den Moment nur noch Sehen, tastende Emotion. Wieder einmal eine im Grunde unbeschreibliche, abermals einmalige Begegnung. Eine hypnotische Blendung unserer berauschten Ichs.

In seiner Gänze erschien uns „Floater 99“ wie ein elektromagnetisch gemaltes Bild, dessen ephemerster Teil wir selber waren. Mit einem Orientierungsrahmen, der vielleicht vor Schnee- oder Nachtblindheit schützen soll, vor allem aber suggeriert, das hinter der Unendlichkeit eine weitere lauert.

Im Streichholzschein verschwinden

Auf dem Dach des Zentrums in Unna hat Turrell übrigens noch eine Camera Obscura aufgebaut, die den Himmel auf den Boden holt. Bei „Third Breath“ (2009) aber braucht das Licht die natürliche Dämmerung, um richtig gesehen zu werden. In „Floater 99“ ist das künstliche Licht die Dämmerung selbst.

Wenn wir in einem Raum wie „Floater 99“ ein Streichholz entzünden würden, hat James Turrell einmal gesagt, dann würde das ganze Werk verschwinden. Und damit das Glück, das dem gezähmten Licht innewohnt.

Auch deshalb ist uns „Floater 99“ auf jeden Fall noch lieber. (01.05.2023 / 27.09.2021)

Licht in der KunstArztPraxis:
Mehr Licht (2): 450 Jahre Caravaggio (*1571)
Mehr Licht (3): Mischa Kuball in Leverkusen (gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Mehr Licht (4): Adela Andea im ZFIL in Unna

Homepage des Zentrums für Internationale Lichtkunst

Der Beitrag Zum 80. von James Turrell: Floating in Unna erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Sind aber nur ein paar, versprochen! Voilà:

Zum 50. Todestag:
Hommage à Picasso

Du maltest Deines Vaters Vogelbeine.*
Dein Zeichnungsfeuer heizte später den Kamin.
Da haustest du im Waschboot an der Seine.
Dein Bindemittel war (weil Armut!) Kerosin.

Du wolltest lernen wie ein Kind zu malen.
Du warst der größte Sampler vor dem Herrn.
Du liebtest kurz die Frau von Wolfgang Paalen.**
Die meisten Damen hatten dich sehr gern.***

Du warst ein Mann mit Perioden.
Die Blauen Schwermutstropfen machten Dich bekannt.
Die Rosa Harlekine auch: die Antipoden
Des Bürgerdaseins für die Bürgerwand.

Du trümmertest den Weltenrund zu Kuben.
Und schufst aus Kuben Multiversen neu.
Du drücktest Ismen aus den bunten Tuben.
Und warst so manches Kunst-Trends (ungern!) Coverboy.

Du machtest aus der weißen Taube Frieden.
Du machtest aus dem Schrei des Pferdes Krieg.
Dein Name schmückt einen Asteroiden.
Auch Stiere, Mädchen, Krüge: Champions League.

Du warst nicht einer, du warst Tausend Sassen.
Das 20. Jahrhundert kam aus Deinem Schoß.
Was Dir entwich, schockierte kurz die Massen.
Danach fand‘s Jeder – bis auf‘s Spätwerk! – groß.****

(Und jetzt die angekündigten Verse zum Scheitern:)

Die Mona Lisa konntest du nie stehlen.
Da Vinci war das größere Genie.
Und nochwas können wir dir nicht verhehlen:
Zu malen wie ein Kind gelang Dir nie.

^{* So jedenfalls steht es in unserem bisher einzigen Weltbestseller „50 artists you should know“ (Prestel). Wir haben aber vergessen, ob es stimmt.
** also die surrealistische Künstlerin Alice Rahon!}.
^{*** Olga, Marie-Thérèse, Françoise, Jacqueline. / Irene, Germaine Gargallo Florentin./ Sara, Dora, Fernande, Gabrielle. / Gaby, Eva, Madeleine und Marcelle.(Um mal alle außer Alice Rahon in einer apokryphen Strophe genannt zu haben!)
**** Hier irrt der Dichter wirklich! Es gab zwar Murren, aber das Spätwerk ist längst rehabilitiert.}

(08.04.2023)

Die lyrische Hausapotheke der KunstArztPraxis:
Zum 50. Todestag: Hommage à Picasso
Lieber Dichter, dichte mir: Lyrik für Kippenberger
“Liebes Chatbot, dichte mir”: KI für Kippenberger
Piets Wohnung. Poem für Mondrian
Ein Tod verschwindet: Harald Naegeli in Köln
Zum 110. Geburtstag: Ode an Jackson Pollock
Wenn Polke lacht. Eine lyrische Hommage
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht

Unser verhärmte Picasso-Aufmacher-Porträt im Stil des Kubismus (bzw. dessen, was sich eine KI unter Kubismus vorstellt) wurde von der KI „Deep Dream“ generiert, das Picasso-Porträt im Stil van Goghs (links) von der „AI Gahaku“. Und Andy Warhols Picasso-Tapete in elegant verspieltem Kunstarztpraxenrot (unten) von der KI „Pixel Me“.

Nimm das, Unsichtbarkeits-Maschine!

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