Eigentlich ist die KunstArztPraxis ja immer unisono einer Meinung, aber bei Yayoi Kusama scheiden sich dann doch unsere drei Geister. Wir bringen deshalb anlässlich der Schau im Museum Ludwig einen Diptychon aus Lob & Tadel. Heute: Tadel, vom Trypophobiker KunstArzt3: dem Nörgler aus der Wissenschaft.

2022 stand die japanische Künstlerin Takako Saito (1929-2025) Im Vorfeld ihrer Performance im Klangkleid im Museum Ludwig vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ (1966) – einem der Gründungswerke des Museums vor genau 50 Jahren.* Ein guter Freund kann das bezeugen.

^{*die Retrospektive von Yayoi Kusama versteht
sich auch als Jubiläums-Ausstellung.}

In ihren frühen Jahren habe sie ebenfalls Punktebilder gemalt, sagte Takako Saito vor dem Zwangsmöbel-Stück: 1956 habe sie damit angefangen.

Dabei sei sie vom Meister-Maler Ei-Kyu beeinflusst worden, der seit den frühen Dreißigerjahren mit Punkten gearbeitet habe: genauso wie, man ahnt es längst – natürlich! Yayoi Kusama.

Wenn Punkte öde werden

Das wisse sie, weil sie und Kusama sich im New York der Sechzigerjahre ständig über den Weg gelaufen seien. Die Kunst-Welt dort war klein.

^{Bild oben: Das Universum in der Nusschale: Takako Saito, „Ohne Titel“ (1957)}

„Aber mir sind die Punkte nach ein paar Jahren langweilig geworden. 1963 habe ich deshalb damit aufgehört.“

Das hat Takako Saito laut besagtem Freund, mit dem auch wir von der KunstArztPraxis locker Freundschaft pflegen, vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ im Museum Ludwig gesagt.

Yayoi habe wegen des Erfolgs trotzdem immer weiter gemacht. Und dann soll Takako Saito gesagt haben: „Bei den ‚Polka Dots‘ von Yayoi fällt alle Welt auf diese Krankheits-Geschichte herein.“

Die Punkte fluppen immer noch

Zur Erklärung: Laut Yayoi Kusama gehen ihre „Polka Dots“ auf Halluzinationen ihrer Kindheit zurück, in denen sich die Welt plötzlich mit Punkten überzog.

Bis heute hat sie nach eigener Aussage Ängste, lebt & malt freiwillig in einer Nervenklinik in Tokio.

Und: Offenbar hatte sie wirklich gute Berater aus dem Marketingeltangel! Nach über 60 Jahren unentwegtem Punkte-Malen ist Yayoi Kusama die berühmteste Künstlerin der Welt.

^{Foto oben: Takako Saito durchblättert in ihrem Atelier
ihre Punkt-Gesichter und Punkte-Himmelsscheiben. Düsseldorf 2024}

Zur New Yorker Kunstszene der Sechzigerjahre gehörten übrigens auch Yoko Ono und Mary Bauermeister.

Erstere schlägt, wie Yayoi Kusama, in den Instructions ihrer „Grapefruits“ (1964) die Brücke vom Punkt zur Unendlichkeit, letztere auf ihren Bildern auch. 

Die Amnesie der Kunstgeschichte

ALLE Künstlerinnen haben in New York damals Punkte gemalt, das war meditative Praxis. Und ALLE haben zum Punkten damals von Love, Peace und Universe gesprochen.

Nur hat die Kunstgeschichte das vergessen. Sind ja zur Hälfte tote Frauen. Da kriegt die Kunstgeschichte bekanntlich gerne Amnesie.

^{Foto oben: Punkte-Bilder aus dem New York der Sechzigerjahre
in Mary Bauermeisters Atelier-Haus, Rösrath 2015}

Egal. Wichtig ist, dass Yayoi Kusama mit dem Punktieren der Welt immer weiter gemacht – und den Punkt irgendwie zur künstlerischen Eigenmarke entwickelt hat. Deshalb glauben heute alle, der Punkt gehöre ihr alleine.

Aber man ist ja nicht deshalb einmalig, weil man immer dasselbe macht. Das, was man macht, sollte auch schon einmalig SEIN.

Punkte, Performance, Klamotten, Schachspiel

Tatsache ist, dass sich die Werke von Yayoi Kusama, Takako Saito und Yoko Ono – Dots, Performance, Klamotten, Schachspiel – in so vielen Punkten ähneln.*

^{*Sogar den Kürbis-Fetisch teilte sich Yayoi Kusama mit Takako Saito! Ständig hat sie
Kürbisse gemalt! Aber eben nur eine Zeit lang. Dann wurde es ihr öde.}

Was wissen denn wir?

Kann es also sein, dass Yayoi Kusama deshalb zur berühmtesten Künstlerin der Welt avancierte, weil wir so wenig über das New York der Sechzigerjahre und die künstlerischen Traditionen Japans* wissen?

^{*das mit den „Traditionen Japans“ gilt ja wohl
eher für die Instructions von Yoko Ono
und Takako Saito, KunstArzt3, oder?!?}

Und: Ist ein bescheidenes, individuelles Klangkleid von Takako Saito nicht viel sympathischer als Yayoi Kusamas 450-teilige Überpunktungs-Kollektion – Taschen-Punkte! Turnschuh-Punkte! Luxus-Punkte! – für Louis Vuilleton?*

^{*auch das sehen wir anders! Siehe die
tollen 1968er-Kleider auf dem Foto!}

^{Foto oben: „Yayoi Kusama“, Ausstellungsansicht,
Museum Ludwig, Köln 2026. Tolle Kleider. Von 1968. Aus New York!}

Das ist gar nicht der Punkt!

Aber das ist gar nicht der Punkt. Auch sonst kann ich mit dem „Polka Dot“ von Yoyomi Kusama nämlich nicht viel anfangen.

Ich habe einfach kein Auge dafür – gerade dort nicht, wo er das Ding millionenfach übertüncht. Oder den Raum. Denn dieses heute so beliebte „Immersive“ liegt mir fern.

Das liegt aber vielleicht auch daran, dass ich von Kunst nicht überwältigt werden will. Kunst soll mich nicht an die Hand nehmen. Ich hätte gern, wenn sie auf Distanz bleibt zu mir.

Das hat auch etwas mit Respekt mir als Betrachter gegenüber zu tun. Alles andere ist Penetranz.

^{Foto oben: Wirkt wie Kunst der Aborigines. Ist aber Yayoi Kusamas
„Every Day I Pray For Love“ (2023), Museum Ludwig, Köln 2026}

Aber das sehen die beiden anderen KunstÄrzte vielleicht anders.*

^{*nö, lieber KunstArzt3: Mit DIESEM Punkt sind wir dann doch d’accord.
Haben wir aber auch schon SO oft drüber gesprochen zusammen!
Schöne Grüße!!! Deine KunstÄrzte1&2}

Nichts gegen Konzept-Kunst!

Nichts gegen Konzept-Kunst, die immer das Gleiche macht. Peter Dreher, On Kawara, Erwin Hapke: alles tolle Sachen. Weil sie mein Denken animieren, das Denken mit dem Knie.

Hier aber sehe ich nur Überreizung. Effekt. Ich kann mir da nicht helfen, aber für mich ist Yoyomi Kusamas punktuelles Grenzen-Überschreiten Mode-Trip.

Für mich schaffen Yoyomi Kusamas „Polka Docs“ aalglatte Oberflächen, sind Punkte-Fashion ohne Reibungspunkte, Pop-Art-Deko. Sie führen trotz vermeintlich poetischer Titel nicht zu poetischer Erkenntnis, sondern von der Ausstellung direkt in den Museums-Shop.

^{Foto oben: Museums-Shop in der Buchhandlung König
im Museum Ludwig, Köln 2026. Fürs Kusama-Mechantising
gibt’s extra zusätzlich noch einen Sonder-Stand im Foyer.}

Einfach nur Wow!

Die Grenzen zwischen Körper und Raum auflösen, Grenzen überschreiten, das wollen ja Viele. Das man das will, das kann man lernen. Es ist doch immer noch die Frage, wie man es macht.

Und die Inbesitznahme der Welt durch Kunst ist in meinen Augen beispielsweise Günther Uecker mit seinen Nägeln viel besser geglückt. Und Louise Bourgeois das mit der Angst.

Was soll’s. Die Massen werden ins Museum strömen – vermutlich auch die jungen Massen, die sonst nicht ins Museum gehen. Niederschwellig ist das, was Yoyomi Kusama macht, ja auf jeden Fall. Besucher-Rekorde sind vorprogrammiert.

Diese jungen Massen werden dann Yayoi Kusamas immersive Räume stürmen und sie als Staffage für ihre Selfies per Film & Foto auf Insta & TikTok ins mediale Universum spülen, während sich das echte Universum ganz klein fühlt dabei.

Denn so sehr Yayoi Kusama das Publikum auch einlädt, das eigene Ego dank Dots im Kosmos aufzulösen: Ihr Werk wird von einer Generation Z konsumiert, die nurmehr das eigene Ich, wenn’s hochkommt, im Raster ihrer Punkte ins Unendliche vergrößert.

^{Foto oben: Yayoi Kusama, „Infinity Mirrored Room – Illusion Inside the Heart“ (2025),
Herz-Innenansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Ein Werk wird Inszenierungskunst für Social Media – und das Museum zur Personenkultstätte für narzisstische Influencer. So gesehen: doch wieder analoger Spiegelsaal der Gegenwart.

Von Berufswegen sympathisch

Ach ja: Yayoi Kusamas Gedanke, dass Kunst heilen könne, ist mir als KunstArzt schon von Berufswegen sehr sympathisch – und wenn ich das richtig sehe, dann hat es bei Yayoi Kusama selbst, zumindest um zu überleben, ja auch ganz gut geklappt.

Allerdings sind Yayoi Kusamas „Polka Docs“ nicht die Art von Kunst, die mich persönlich heilen könnte. Punkt und Aus. (15.03.2026)

<sup>„Yayoi Kusama“ läuft noch bis zum 2. August 2026 im Museum Ludwig in Köln; es muss online ein Zeitfenster-Ticket gebucht werden, denn es wird, da muss man kein Prophet sein, voll.

Man kann das Ganze nämlich auch ganz anders sehen als unser ansonsten hochgeschützter KunstArzt3-Kollege in seinem trypophobischen Wahn! Und natürlich sind bei den über 300 Arbeiten – von der ersten Zeichnung Mitte der Dreißigerjahre bis zu heutigen Werken – weitaus mehr als Punkte zu sehen. Und auch die Ausstellungs-Architektur ist richtig klasse – wie man hoffentlich an den Fotos von KunstArzt1 erkennen kann!

Dazu aber wie oben schon versprochen übernächste Woche mehr.</sup>

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln
Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund
Kasper König: Porträt der Schenkung als ihr Schenker
Gerhard Richter Retro: „Neue Bilder“ in Köln (2017)

Zur Entfremdung bei der Kunstbetrachtung:
Der Herr im Kunstpalast. „Elias Sime. Echo“

Homepage des Museums Ludwig

Der Beitrag Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Heute (11.05.2025) ist ja Muttertag, da könnte man im Kunstpalast auch in „Mama“ gehen. Wir empfehlen aber nochmal Elias Sime nebenan. Oder lassen ihn sich vielmehr in einem bunten Blumenstrauß aus unseren Fotos selbst empfehlen. Weil ja bekanntlich Bilder mehr als tausend Worte sagen.

Worte über Elias Sime und den Herrn im Kunstpalast verloren haben wir ja an anderer Stelle schon genug. Und „Mama“ ist uns einfach zu sehr kunstmarktschreierischer Populismus.

(18.05.2025 (vorm. 11.05.2025))

^{„Elias Sime. Echo“ ist noch bis zum 1. Juni 2025 im Kunstpalast in Düsseldorf zu sehen.}

<sup>Anmerkung: Seit TAGEN fragen uns Unzählige unserer geneigten Leser*innen, warum wir am 18. Mai 2025 einen Beitrag gepostet haben, den wir um eine Woche (11.05.2025) vordatierten.

Die Antwort ist ebenso simpel wie peinlich: Wir haben Muttertag vergessen! Der Teaser war eine Nebelkerze, um unsere drei Mütter glauben zu machen, wir hätten ihnen Blumen & Konfekt rechtzeitig geschenkt, wenn sie den Beitrag läsen.

Leider sind unsere drei Mütter nicht darauf hereingefallen. Schlimmer noch: Sie haben unseren Beitrag nichtmals gelesen.

Kluge Mütter. Ihre KunstArztPraxis</sup>

Der Kunstpalast in der KunstArztPraxis:
Der Herr im Kunstpalast. „Elias Sime. Echo“
Gute Kunst? Cornelius Völker (gefressen von der Unsichtbarkeit-Maschine)
Funky Funky Funky: Das Kunstpalast-Electro-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr)
Pack’s aus! Das Christo-und-Jeanne-Claude-Quiz (gefressen von der Unsichtbarkeit-Maschine)
Lüster, Glaube und Verfall: Das Barock-Modern-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr)

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguley in Duisburg
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstpalasts Düsseldorf

Der Beitrag Reine Bildgebung 32: Elias Sime in Düsseldorf erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte: Wobei es bei „Mechanik und Menschlichkeit“ im Lehmbruck Museum in Duisburg wegen der Beweglichkeit der per Knopfdruck animierbaren Skulpturen eigentlich Filme sein müssten! Egal: Wir lassen erstmal allein die Fotos sprechen.

Später werden wir über diese grandiose Schau dann aber auch noch Worte verlieren. Versprochen.

^{© für Jean Tinguely: VG Bild-Kunst, Bonn 2025}

(06.04.2025)

^{„Mechanik und Menschlichkeit. Eva Aeppli und Jean Tinguely. Zum 100. Geburtstag“ ist noch bis zum 24. August 2025 im Lehmbruck Museum in Duisburg zu sehen. Unbedingter Hingen-Tipp!}

Das Lehmbruck Museum in der KunstArztPraxis:
Ästhetik des Widerstands: „Courage“ in Duisburg
Wir Seelenblinden. Alijca Kwade in Duisburg
“Ich bin die Landschaft.” Barbara Hepworth
Traum nach innen: Antony Gormley
In der Strafkolonie: Cardiff & Miller
Beuys, der Schüler: “Alles ist Skulptur” in Duisburg
Stephan Balkenhol: Hüllen für Geschichten (gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Bizarre Biester: Lynn Chadwick

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Lehmbruck Museums Duisburg

Der Beitrag Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguely in Duisburg erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

^{Für Tante Hedwig und Tante Maria}

Die Themen von Siebke Wiem sind brandaktuell, aber die Dinge, die sie dafür arrangiert, sind aus der Zeit gefallen. Sie stammen zum Teil aus einer Welt, in der es noch Schuster und Schreiner und Schneider gab und Hutmacher und Näherinnen. In der das Einzelobjekt noch wertvoll war, Persönlichkeit hatte, dem Menschen im Idealfall ein Leben lang treu blieb.

Siems Kunst, die Fragen stellt zu Rollenbildern im Alltag, in der Mode, der männlich dominierten Kunst der Moderne, basiert auf Dingen, denen man zumindest zutraut, dass sie Geschichte: Geschichten haben. Da solche Dinge heute exotisch geworden sind, und da Siem aus ihnen neue Figurinen und Maskierungen formt, rufen sie in ihrer seltsamen Fremdheit Vertrautes sehr eigentümlich nurmehr wach.

Siems Surrealismus ist retro. Kaum vorstellbar, dass er mit Waren funktioniert, die statt Biografien Sollbruchstellen haben. Billy-Regale, Tempo-Taschentücher oder Thermomixe sind nämlich stumm. Sie haben keine Gesichter. Und können wohl auch keine bekommen.

Wir haben unsere Kindheit noch mit erzählenden, teils auch beseelten Dingen verlebt. Wir haben handgeknüpfte Teppiche mit Teppichklopfern auf der Teppichstange malträtiert, jeder Schlag tat uns weh. Wo es nicht unsere Mütter taten, so haben wir unsere Socken persönlich mit Fingerhut, Stopfpilz, Nadel & Faden gestopft, unsere Hosen geflickt.

Es war eine gewisse, uns von der Kriegsgeneration noch anerzogene Zuneigung zu den Dingen im Spiel.

Unsere frühen Taschentücher waren aus Stoff, unser Nudelholz nicht aus Silikon, unsere Milch mit der familieneigenen Milchkanne persönlich geholt vom Bauern auf dem Hügel. Jeder ältere Herr trug zum Grüßen einen Hut – jeder! Und in den Kellern unserer Elternhäuser hingen über den Steinwannen fest installierte Fleischerhaken.

Eine Art Ethnologin des eigenen Stamms

Deshalb sind uns die Fetische, die Wiebke Siem gemeinsam mit ihren Figuren im Kunstmuseum Bonn als eine Art künstlerische Ethnologin des eigenen Stamms zu alltagsphantastischen, beklemmenden und doch auch witzigen Tableaus arrangiert hat, merkwürdig vertraut geblieben. Wir kennen diese verwaisten Interieurs des Gelsenkirchener Barock noch im bewohnten Zustand.

UNSERE Gespenster quollen aus den gleichen Schränken.

Die durch Siems Spiegel in uns ausgelösten Geschichten sind deshalb nicht abstrakt, sondern sehr konkret. Nicht Surrealismus, sondern – zum Teil auch wehmütige, immer wehmütiger werdende – Erinnerung.

Hier kommt unsere durch Siems „Das maximale Minimum“ in Bonn provozierte, aus Erinnerung komponierte Geschichte, die natürlich trotzdem wieder surreal & phantastisch, da komplett aus der Zeit gefallen ist: zwei uralte Lebensläufe, die sich anhand von alltäglichen Dingen erzählen lassen. Aus einer verfallenen Welt, in der Mensch und Ding irgendwie noch verbunden waren.

Für alle, die das nicht interessiert, gibt’s aber vorher schon mal die Bilder:

Für alle anderen kommt hier unsere Geschichte:

Die winzigen Tanten

Einer von uns hatte zwei winzige Tanten, eine winziger als die andere. Am Tage bewohnten sie die Kemenate eines alten Fachwerkhauses wie Klosterschwestern, in der Nacht ein Doppelbett im Schlafzimmer wie ein Ehepaar. Die warme Stube war Küche, Wohnzimmer und Arbeitsplatz: die Decke so niedrig, dass wir, als wir wuchsen, jene Buckel machen mussten, die die Tanten, die immer weiter schrumpften, schon hatten.

An jedem Wochentag trugen die winzigen Tanten einen anderen Kittel. Jede besaß genau sieben, so wussten wir bei Besuchen immer, ob Dienstag, Freitag oder Montag war. Wenn wir kamen, tropften die Tanten fünf Spritzer Konzentrat aus einer Plastikzitrone in ein volles Wasserglas und verrührten die Mischung mit einem Teelöffel Zucker. Sie selbst tranken Klosterfrau Melissengeist.

Mit unserem Zitronenzuckerwasser saßen wir in der Kemenate auf einem schmalen Sofa hinterm Küchentisch und schauten den winzigen Tanten bei der Arbeit zu. Wenn seine Ringe herausgenommen waren, blickten wir verträumt in die Glut des stubewärmenden Kohleherds. Die Kuckucksuhr war vor Jahren stehengeblieben: Für den Uhrmacher war kein Geld da, zum Kleben waren die Tanten zu stolz gewesen. Der Kuckuck spähte halb aus seiner Türe; in der Kemenate herrschten konstante 18 vor 8. Aber in der Nische des Gelsenkirchener Küchenschranks erschien jedes Jahr zur Weihnachtszeit ein wächsernes Christkind und streckte seine Ärmchen hilfesuchend nach dem Kuckuck aus.

Früher hatte die noch winzigere Tante einen Bräutigam besessen. Er hätte in die Kemenate und das Schlafzimmer einziehen sollen, aber der Erste Weltkrieg hatte ihn kurz vor der Hochzeit verschluckt. Deshalb war die weniger winzige Tante eingezogen und besetzte, bis sie starb, den freigebliebenen Platz in dem von den Eltern als Hochzeitsgabe beim Schreiner schon bestellten Witwenbett. Wir sahen die winzigen Tanten mehrfach unter dicken Daunen darin schnarchen.

Nach dem Verlust des Bräutigams hatten sich die winzigen Tanten geschworen, sich selbst und Gott ein Leben lang treu zu bleiben. Als Zeuge des Schwurs, der morgens wie abends mit Weihwasser aus einem kleinen Becken neben der Tür besiegelt wurde, hing der Gekreuzigte überm Witwenbett. Die von der winzigeren Tante mühevoll als Aussteuer geknüpften, gehäkelten oder mit Rosen bestickten Hand-, Tisch- und Taschentücher, Topflappen und Platzdeckchen dienten jetzt den Schwestern.

Sonntags lag die schönste aller Rosendecken zwischen dem Küchentisch und einem zerlesenen Sursum Corda aus Leder. Werktags verschwand die Decke und das Leder berührte das Holz. Die Rosendecke zeigte die neue Woche an wie die Kittel die Tage.

Unter dem kleinen Fenster der Kemenate stand als kostbarster Besitz der winzigen Tanten eine Nähmaschine aus dem Hause Singer. Da der zukünftige Ernährer gefallen, also weggefallen war, war sie der eigentliche Mann im Haus. Die Maschine schlummerte in der Düsternis ihres Tischchens wie ein Dschinn: Einmal befreit, konnten die Tanten sie über ein Fuß-Pedal oder ein Schwung-Rad mit der rechten Hand wecken. Dann trieb die Nadel mit kalter Grausamkeit stichelnd das Garn in den Stoff. Mit jedem Stich krümmte sich der Rücken der winzigen Tanten etwas mehr. Irgendwie nähte die Maschine nicht nur den Stoff, sondern auch sie.

Die Singer, mit der die winzigen Tanten auf züchtige Art in wilder Ehe zusammenlebten, bis ihre Hände zu zittrig und ihre Augen zu schlecht geworden waren, ratterte rastlos im Schichtbetrieb. Wenn die eine Tante nähte, putzte, wusch oder kochte die jeweils andere. Im Grunde pendelten die winzigen Tanten zwischen Witwenbett und Kohleherd und Nähmaschine ununterbrochen hin und her. Jede Minute dazwischen gehörte dem Sursum Corda. Das war das endlose Schwung-Rad ihres Lebens.

Irgendwann versank eine der winzigen Tanten für immer in den Daunen: Wie es sich für ein echtes Witwenbett gehörte, blieb der Platz neben der Überlebenden nun zwar gemacht, aber leer. Die winzigere Tante lebte noch lange fort, obwohl die Zeit – plötzlich besaß sie 14 Kittel! – aus den Fugen war. Auf ihre alten Tage wurde sie wunderlich, und da sie wie die Schwester zu stolz zum Kleben gewesen war und nicht mehr alleine leben konnte, verbrachte man sie an einen Ort, der noch wunderlicher war. Das Witwenbett und den Kohleherd und die Nähmaschine und das Sursum Corda und das Fachwerkhaus musste sie verlassen. Die Dinge hier gehörten Anderen.

Wir erinnern uns an eine zahnlose Frau mit wirrem Haar, die mit ihrem Gebiss in der ausgestreckten Hand klappernd den Flur durchmaß, als wir die winzigere Tante besuchten. Eine zweite Frau lag stöhnend in einem Bett neben dem der winzigeren Tante, in ihrem Schlaf- und Wohnzimmer. Darüber hing kein Kruzifix, sondern ein Kasten voller fremder Bildern und aufgescheuchter Stimmen. Er sang, wie einst die Singer, Tag und Nacht.

Im Kasten wohne der Teufel, raunte uns die winzigere Tante am wunderlichen Ort leise ins Ohr (der Teufel im Kasten sollte ja nichts hören!): Die Stimmen wollten sie holen, in den Kasten ziehen, das Tor zur Hölle. Mit jedem Wort wurde die Tante noch etwas kleiner. Wir konnten ihr beim Schrumpfen förmlich zusehen. Am Ende war nur noch ein Buckel da, in dessen hinterstem Winkel ein Hauch von Leben angstvoll zusammengekrümmt kauerte.

Eine Woche später war die winzigere Tante tot. Viele sagten, sie habe ja das Alter längst gehabt. Aber wir sind uns sicher, dass sie am Verlust der Dinge gestorben ist.

(14.08.2023)

^{Anmerkung 1: Ein paar Dinge gibt es, die von den winzigen Tanten (die in Wirklichkeit natürlich Großtanten waren) geblieben sind. Dazu gehört die Kleidung der weit über 20 Krippenfiguren in der örtlichen Kirche, gefertigt auf der Singer-Nähmaschine. Jedes Jahr sind sie im Altarraum zu sehen. Seit fast 100 Jahren.}

^{Anmerkung 2: Apropos „Religion und Kleidung“: Es gibt ein Gedicht in Sauerländer Platt, gesprochen von der großen Schwester der winzigen Tanten, geschrieben von einem ihrer Onkel: „Utt der godden ahlen Tied“ („Aus der guten alten Zeit“), die aber so god gar nicht war. Das Gedicht ist nur in dieser einen Aufnahme aus den 1970er Jahren überliefert, sie hängt unten an. Darin wird unter anderem beschrieben, dass sich drei Brüder eine Sonntags-Hose („Buxe“) für den Kirchgang teilen müssen und es deshalb nicht immer pünktlich in die Messe schaffen, weshalb sie der Vikar von der Kanzel komplett zu Unrecht verflucht: „Denn dejireligiöse Schlappheit / Kam bloß von der Buxen-Knappheit.“ Ein Ding für Drei. So war das damals, als es neben Armut noch Schneider, Schuster, Näherinnen gab.}

^{„Wiebke Siem. Das maximale Minimum“ läuft noch bis zum 17. September 2023 im Kunstmuseum Bonn.}

Das Kunstmuseum Bonn in der Kunstarztpraxis:
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Harte Arbeit: Candice Breitz in Bonn
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)

Homepage des Kunstmuseums Bonn

Der Beitrag Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Als das Licht in den Sechzigerjahren zum ersten Mal mit James Turrell zusammenstieß, muss es mit einem Schlag strahlend glücklich geworden sein, denn James Turrell war vielleicht der Erste, der es sah, wie es ist. Turell nahm das Licht vorsichtig in beide Hände und trug es zunächst über die Schwelle seines Mendota Hotels in Santa Monica. Und von da aus später in die Welt.

Für Turrell war der Körper des Lichts von Anfang an eine Kostbarkeit, deshalb ließ sich das Licht auch gern von ihm zähmen. Im Gegenzug baute Turrell dem Licht in Kratern, Stollen, Schächten und Zimmern Observatorien und Tempel. In fast 25 Ländern.

Seitdem gehen die Menschen aller Kulturen in Ehrfurcht oder Orientierungslosigkeit vor dem Licht in die Knie und finden bisweilen nur noch taumelnd und tastend die Tür. Wobei Ehrfurcht und Taumel in diesem Fall dasselbe sind.

Einer dieser Tempel ist „Floater 99“ von 2001. Er steht unter der Erde, umgeben von den Kühlräumen und Gärbecken einer ehemaligen Braustätte, im Zentrum für Internationale Lichtkunst (ZFIL) in Unna. So richtig kann niemand ermessen, wie groß er ist, denn das Licht frisst ununterbrochen die Wände und öffnet den Raum hin zu einer Art farbflüchtiger Unendlichkeit.

Dieser Tempel hat keine Ecken, damit sich das kostbare Licht nirgends den Kopf oder die Füße stoßen kann. Und er ist selbst so empfindlich, dass man die Schuhe ausziehen muss, um einzutreten.

Das Blau der Sonne, das Rot der Sterne

In „Floater 99“ kann das Licht sorglos durch die Luft fliegen und in kaum wahrnehmbarer Langsamkeit blitzschnell seine Farbe wechseln: vom Eisblau der Sonne in den glühendvioletten Ton der von uns wegsprenkelnden Sterne.

So gewinnt das Licht Masse, Gewicht und Rhythmus, ist Form und Inhalt, Welle und Teilchen, Geist und Materie. Also ganz Aura, Atmosphäre und Substanz.

Dieses Licht füllt den Raum nicht, es ist der Raum. Es scheint nichts an, sondern ist selbst ganz schattenloser Anschein. Im Grunde stammt das Licht aus jenem Sekundenbruchteil biblischer Vorzeit, in dem im Kosmos schon flutendes Hell war, aber noch kein begrenzendes Dunkel.

Im Bild aus Licht

Für uns war der Besuch im „Floater 99“ wieder einmal geräusch- und schwerelos wie ein Segelflug. Im Wachtraum durchwanderten wir sanft wogende Felder, die nicht von dieser Erde waren, sondern aus anderen, nebulöseren Sphären.

Uns war es, als stünden wir im Kopf des Lichts und sähen dem Leuchten beim Denken zu. Wir selbst waren für den Moment nur noch Sehen, tastende Emotion. Wieder einmal eine im Grunde unbeschreibliche, abermals einmalige Begegnung. Eine hypnotische Blendung unserer berauschten Ichs.

In seiner Gänze erschien uns „Floater 99“ wie ein elektromagnetisch gemaltes Bild, dessen ephemerster Teil wir selber waren. Mit einem Orientierungsrahmen, der vielleicht vor Schnee- oder Nachtblindheit schützen soll, vor allem aber suggeriert, das hinter der Unendlichkeit eine weitere lauert.

Im Streichholzschein verschwinden

Auf dem Dach des Zentrums in Unna hat Turrell übrigens noch eine Camera Obscura aufgebaut, die den Himmel auf den Boden holt. Bei „Third Breath“ (2009) aber braucht das Licht die natürliche Dämmerung, um richtig gesehen zu werden. In „Floater 99“ ist das künstliche Licht die Dämmerung selbst.

Wenn wir in einem Raum wie „Floater 99“ ein Streichholz entzünden würden, hat James Turrell einmal gesagt, dann würde das ganze Werk verschwinden. Und damit das Glück, das dem gezähmten Licht innewohnt.

Auch deshalb ist uns „Floater 99“ auf jeden Fall noch lieber. (01.05.2023 / 27.09.2021)

Licht in der KunstArztPraxis:
Mehr Licht (2): 450 Jahre Caravaggio (*1571)
Mehr Licht (3): Mischa Kuball in Leverkusen (gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Mehr Licht (4): Adela Andea im ZFIL in Unna

Homepage des Zentrums für Internationale Lichtkunst

Der Beitrag Zum 80. von James Turrell: Floating in Unna erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Bekanntlich ist das Wissen vom Hausbau der Hexen verlorengegangen. Aber es spricht vieles dafür, dass sie in grauer Vorzeit ihre windschiefen Wohnstätten eigenhändig errichtet haben.

Nach heutigem Forschungsstand waren Hexen nicht nur Besenmacher-, Rabenbändiger-, Giftmischer- und Liebestrank-Brauerinnen, sondern auch Ofenbauer- und Fassadenbäckerinnen in Personalunion. Sogar die Frühwarnsysteme für knuspernde Kinder sollen sie persönlich in die Lebkuchenwände ihrer Behausungen eingelötet haben.

Aber das war einmal. Hausbaukenntnisse oder Hausbauzauber haben die Hexen von damals ihren Nachfolgerinnen nämlich schlichtweg zu überliefern vergessen. Und den Märchen kann man in dieser Frage überhaupt nicht trauen.

Dubiose Booking-Portale im Darknet?

Heutige Hexen wohnen deshalb in Tiny Houses möbliert zur Miete. Ihre Wohnstatt finden sie vermutlich über dubiose Booking-Portale im Darknet: Hier werden die Hexenhäuser von zwielichtigen Makler*innen zumeist mit komplettem Haushaltsinventar offeriert.

So gesehen ist Mark Dions vorbildlich ausgestattetes „Witches Cottage“, das gerade in Leverkusen entsteht, auch ein Beitrag zur Legalisierung des Hexenwohnungsmarkts. Aber es ist natürlich künstlerisch weit mehr.

Mark Dion hat schon vieles gebaut. Eine Bibliothek für Vögel zum Beispiel. Oder einen Jahrmarkts-Hochsitz-Schießstand für verspielte Jäger. Ein Heim für Ethnographen; eine Höhle für künstliche Bären; eine Beobachtungsstation für dilettantische Ornithologen; oder ein Museum für geteerte Tiere. In den meisten dieser Bauten waren wir persönlich drin und/oder bei der Fertigstellung mit dabei.

Wie jetzt beim Aufbau des „Witches Cottage“. Sieben Jahre hat das speziell für den Schlosspark des Museums Morsbroich entwickelte Projekt von der Idee bis zur Realisierung gebraucht, und, was sollen wir sagen: Es ist gelungen. Da müssten wohnungssuchende Hexen jetzt eigentlich Schlange stehen.

Von außen ist das „Witches Cottage“ ein windschiefer Bau in der Art jener englischen „Follys“, die sich reiche Exzentriker zur teils mit Eremiten oder Schäfern bewohnten Zierde in ihre weitläufigen Gartenanlagen setzten. Aber eingerichtet ist die Hütte nach den regionalen Bedürfnissen hiesiger Hexen.

Es sollen ja keine Migrationsbewegungen von Zauberinnen aus Schleswig-Holstein oder Mecklenburg-Vorpommern losgetreten werden, deren Magie dann in diesen Bundesländern schmerzlich fehlt.

Bestückt nach Dions Wunschliste

Die Freudinnen des Museums, die sich ehrenamtlich um den Museumsshop kümmern und aus dessen Erlösen das Projekt zum Gutteil finanzierten, haben die Gegenstände nach einer Wunschliste Dions (und teils auch mit seiner Hilfe) auf Flohmärkten und in Online-Auktionshäusern zusammengesammelt.

Bis Ende August war diese Inneneinrichtung in der Ausstellung „spielzeit #1“ im Museum Morsbroich zu sehen – wir berichteten. Jetzt sind die dortigen Wunderkammer-Schränke leer: Die Haushaltsobjekte hocken im Hexenhaus und warten.

Wie schon gesagt: Wir durften beim Bau und bei der Einrichtung dabei sein. Wir haben mit den Baudamen, Handwerkern und Schreinermeistern gesprochen. Und mit Mark Dion natürlich auch. Wir waren auch beim Richtfest. Es war sehr schön. Wir danken für Speis und Trank.

Über drei Stunden sahen wir Dion dabei zu, wie er mit Unterstützung besagter Baudamen Gegenstände neu sortierte, in Post-Kisten aus dem Schloss zum Hexenhaus hinübertrug und – in teils akrobatischen Kapriolen unter dem Spitzdach der getrockneten Kräuter – dort in spezieller Ordnung neu drapierte.

Lage, Lage, Lage!

Allen interessierten Hexen aus dem Rheinland können wir sagen: Das Haus ist solide gebaut, es sollte Hunderte von Jahren halten. Es gibt einen Kamin zum Brauen und Apparaturen zum Spinnen und Karten zum Zaubern. Für Käfige und Fallen ist ebenso gesorgt wie für alte Laborgeräte, Fossilien, seltene Mineralien, einen Grundbestand an ausgestopften Tieren und ein menschliches Skelett.

Und – Lage, Lage, Lage! – vom Fenster überm Bett schaut man nach dem nächtlichen Aufwachen direkt aufs dann hoffentlich beleuchtete Schloss.

Das ist bezaubernd, aber kein Wunder, denn Mark Dion kennt sich aus mit der Thematik. Er ist nämlich mit einer echten Hexe verheiratet – das hat er uns selbst erzählt! Und beim Präparieren menschlicher Knochen und moderner Apothekergläser kam nachweislich alchemistisches Fachwissen zum Einsatz. In kürzester Zeit wurden Dinge dank geheimnisvoller Tinkturen um Jahrhunderte älter – das haben wir selbst gesehen.

Das Bett ist sehr klein!

Interessierte Hexen aus dem Rheinland sollten übrigens nicht nur belesen, sondern an Kräuterkunde und Hausmedizin ebenso interessiert sein wie an deutscher Rechtschreibung. Sie sollten orthopädisch das Rüstzeug haben, um im Sitzen zu schlafen (das Bett ist sehr klein!). Und sie sollten kein Problem damit haben, dass hin und wieder Besucher des Schlossparks durch die Fensterscheiben lugen.

Denn wie so oft bei Dion ist das „Witches Cottage“ nicht nur Behausung, Skulptur und Vitrine, sondern auch eine veritable Forschungsstation. Es geht nicht zuletzt darum, etwas von unserem narrativen Wissen über Hexen in ihrer natürlichen Umgebung zurückzugewinnen. Oder eben ganz neue Geschichten dazuzuerfinden – wobei wir gerne helfen.

So ist das „Witches Cottage“ auch ein magischer Behälter für das kollektive Sammelsurium unserer eigenen Phantasien.

Ach ja: Das Museum wünscht sich friedliche Mieterinnen! Bewerbungsunterlagen bösartiger Hexen werden im Vorfeld gnadenlos aussortiert. Selbst eine Elternbürgschaft des Teufels persönlich fällt nicht positiv ins Gewicht.

Von wütenden Schadens- und Rachezaubereien aller Art bittet die Museumsleitung ausdrücklich abzusehen.

Alle anderen Hexen schicken Mietanfragen bitte mit gültigem Wohnberechtigungsschein und legitimierenden Arbeitsproben an Mark Dion, c/o Museum Morsbroich, Leverkusen. Mit der richtigen Zustell-Beschwörung kommt das sicher an.

Oder einfach per Eulen-, Bussard- oder Eichelhäher-Post.

(12.09.2022)

Mark Dion in der KunstArztPraxis:
Zukunft mit Einhorn: “spielzeit #1” in Leverkusen
Neue Routen durch die Sammlung: „Marta Maps„

Homepage des Museums Morsbroich

Der Beitrag Morsbroich, zu vermieten: Hexenhaus mit Schlossblick! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Lieber Herr Ai Weiwei,

seit wir Sie 2019 bei einem Foto-Shooting kennenlernten, haben wir viel über Sie nachgedacht, und dabei kam uns immer wieder auch der Pharao in den Sinn. Irgendwann kommt ja jedem Pharao von Berufs wegen die Idee, sich eine Pyramide zu bauen. Dann trommelt er seine Sklaven zusammen, und: Schwupps!, kitzelt die bestaunte Spitze eines neuen Bauwerks den azurblauen Himmel.

Viele Pharaos, aber ohne Einmauern

Natürlich sind Sie nicht ein Pharao, sondern viele Pharaonen, denn Sie haben ja viele Ideen. Und natürlich lassen Sie nicht Sklaven bei Wasser und Brot für sich schuften, bevor Sie sie in Ihrem Kunstwerk vermauern, sondern bezahlen, wie man so hört, nach Ortstarif.

Trotzdem ist es eben doch ein wenig wie beim Pharao: Sie trommeln, und dann brennen und bemalen 1.600 Menschen über zwei Jahre lang 100 Millionen Sonnenblumenkerne aus Keramik. Oder 1001 Chinesen reisen zur „documenta“ nach Kassel. Oder Hundertschaften emsiger Handwerker biegen 164 Tonnen aus Stahl und Korruption geformte Träger gerade, unter denen ein Erdbeben in der Provinz Sichuan Tausende von Schüler*innen in marode gebauten Schulen begraben hat.

Werbeflächen für Ideale

Dabei wollen wir gar nicht bestreiten, dass wir Ihre Ideen oft betörend & menschlich wichtig finden – und zwar, weil sie den Finger in viele Wunden diktatorischer Regime und gesellschaftlicher Systeme legen, die die individuelle Freiheit oder die universelle Nächstenliebe mit Füßen treten. So gesehen sind Sie viele Pharaonen im Widerstand.

Ihre Pyramiden sind Mahnmale gegen die Ungerechtigkeit und Heuchelei der Welt. Auf ihren Werbeflächen stehen weithin sichtbar jene Ideale, die auch wir gern unterschreiben. Aber eben nicht die Namen derer, die für die Umsetzung geschuftet haben. So gesehen: Old-School-Pharao.

Kunst oder Dunst?

Im Grunde können Sie natürlich da nichts für. Heute kommt Kunst ja nicht mehr von Können, sondern von Denken. Das hat den Sklaven letztendlich Marcel Duchamp eingebrockt, den Sie – wie wir! – zu Recht verehren wie der Pharao die Sonne.

Wo Duchamp aber noch sein eigener DIY-Sklave war, geben Konzeptunternehmer wie Jeff Koons oder Maurizio Cattelan die schockierende Materialisierung ihrer Softporno- oder Papstmord-Phantasien bei externen Dienstleistern wie Oberammergauer Herrgottschnitzern oder Pariser Wachsfigurenformern in Auftrag; oder sie haben gleich eine eigene Factory. Da sind Sie komplett state of the art.

Und genau hier liegt unseres Erachtens das Problem.

Wir fänden es nämlich gut, wenn Sie Avantgarde wären. Wenn Sie im Feld der Konzeptkunst den nächsten Schritt wagten, der weit hinausginge über das Fersmaß Duchamps und aller faul im Schatten seiner Fußstapfen schlummernden Epigonen. Wenn Sie der größte Pharao würden unter allen Pharaonen an der einsamen Pyramidenspitze des Kunstbetriebs. Sprich: Wenn Sie sogar für Ideen Sklaven hätten!

Geschenke zum Anfixen

Wissen Sie was? Wir machen einfach mal den Anfang und schenken Ihnen die ersten drei Ideen, von Jedem von uns eine, quasi als Ready-mades aus purem Geist. Bei Bedarf würden wir für weitere Lieferungen dann die ortsüblichen Tarife nehmen. Aber wir versprechen hoch & heilig, an Namensnennungen nicht interessiert zu sein. Wäre das was? Wir finden ja.

Herzlichen Glückwunsch zum 65. Geburtstag also, Ai Weiwei. Viel Spaß beim Auspacken. Vielleicht gefällt Ihnen ja zu sehen, was wir denken. Das würde uns echt freuen.

Köln, am 28. August 2022, Ihre KunstArztPraxis

Geburtstags-Idee Nr. 1
Ai Weiwei: „Tearing Down That Wall“ (2023-2123)

Zum Glück stehen Sie der Zerstörung von Kulturgut nicht prinzipiell ablehnend gegenüber, aber die Geste mit den fallengelassenen Vasen aus der Han-Dynastie war auf der nach oben offenen Schockierungs-Skala in unseren Augen dann doch ein paar Nummern zu klein. Wir schlagen deshalb vor, die Chinesische Mauer abzutragen. Was David Hasselhoff mit seinen Mauerspechten in Berlin gelang, sollte Ihnen in China gut möglich sein.

Als Ihre Mauerspechte empfehlen wir die in den weiten Grasländern Chinas lebenden Nomaden. Man könnte auch Wanderarbeiter oder Uiguren nehmen, was politisch gegebenenfalls brisanter wäre; aber wir als Romantiker der poetischen Verdichtung würden gern bei den Nomaden blieben. 2.000 Nomaden halten wir für angebracht.

Aus den Steinen der abgetragenen Mauer könnten die Nomaden feste Hütten bauen. Am besten am Rand von Chinas boomender Industriemetropole Ordos in der Inneren Mongolei. Dort hatten Sie ja schon mal geplant, mit 99 anderen Architekten schicke Villen zu entwerfen, was Ihnen dann aber doch zu „megalomanisch“ vorkam. Da ist unsere Idee mit den kleinen Nomadenhütten auf jeden Fall bescheidener.

Wir haben das mal durchgerechnet: Für Abriss und Aufbau würden wir bei 2.000 Nomaden und einer tariflich vereinbarten 35-Stunden-Woche mit 30 Tagen garantiertem Jahresurlaub grob 100 Jahre veranschlagen wollen. Dann wäre aus dem sperrigen Bollwerk gegen die wilden Reitervölker aus dem Norden ein bewohnbares Monument des Friedens und der Freundschaft geworden.

Und ein Protest gegen die Zwangsansiedlung der Mongolen durch das chinesische Regime wäre es auch: Schließlich basiert „Tearing Down the Wall“ auf dem Konzept freiwilliger Sesshaftigkeit. Und die Nomaden dürften ihre Hütten laut Schenkungsvertrag natürlich auch vermieten!

Geburtstags-Idee Nr. 2
Ai Weiwei: „Berlin Fuck Off Taxi Convoy“ (2024)

Wie wir lasen, mögen Sie die Deutschen nicht. Faul und ausländerfeindlich seien die, haben Sie gesagt, als Sie ihr Atelier in Berlin verließen, um nach London auszuwandern, und unfreundlich: im Gegensatz zu den Briten, die „wenigstens höflich“ seien. Als Beleg haben Sie damals angeführt, in Berlin drei Mal aus einem Taxi herausgeworfen worden zu sein; wobei Sie andernorts einmal sagten, dass die Berliner Taxi-Fahrer fast ausschließlich Türken seien.

Das hat uns alles arg verwirrt, denn wir hatten eigentlich gedacht, dass Sie als Streiter gegen Vermassung und für die Rechte des Einzelnen in Individu- statt in Nationalitäten dächten. Aber als Künstler dürfen Sie natürlich denken was & wie Sie wollen. Schwamm drüber. Geht uns nichts an. Soviel Höflichkeit muss sein.

Wir haben trotzdem folgenden Vorschlag:

Wir schlagen vor, alle Mercedes-Sterne der rund 8.100 konzessionierten Taxen in Berlin von der Motorhaube zu entfernen (die Hybrid-Taxen von Toyota müsste man wie alle anderen nicht der Mercedes-Taxi-DIN entsprechenden Fahrzeuge leider links liegen lassen) und durch Stinkefinger aus purem Gold zu ersetzen, die in Richtung der entsprechenden Taxifahrer zeigen.

So würden nicht nur zwei der wichtigsten, inzwischen ikonisch historisierten Punk-Gesten der 1970er bis 1990er Jahre – Entfernen von Mercedes-Sternen und Zeigen von Stinkefingern – miteinander verknüpft: Es wäre auch der verständlichen Rache Genüge getan. ​Denn unter den bestinkefingerten Taxi-Fahrern verstecken sich ja vielleicht auch Ihre drei Rauswurf-Rowdys.

Wahlweise könnten die Stinkefinger auch aus Marmor, Lego-Steinen oder Murano-Glas bestehen. Und sie wären bei älteren Modellen dank des Stern-Scharniers in der Mercedes-Motorhaube sogar in Richtung Straße, also in Richtung aller von Berliner Taxi-Fahrern angefahrenen Ziele drehbar!

In dieser Variante könnte das Taxi-Netz der Hauptstadt als „mobile Skulptur“ Ihre berühmte Fotoserie mit flüchtigen Bildern wie „F… Brandenburger Tor“, „F… Checkpoint Charlie“ oder „F… Alexanderplatz“ adäquat ins 21. Jahrhundert transportieren – auch als rollende, nur vom Inneren des Taxis aus zu sehende Kritik an der touristischen Geschichtslosigkeit und der Fotoflut unserer digitalen Zeit.

Es wäre sogar denkbar, dass die Taxi-Fahrer Gefallen finden würden am „Berlin Fuck Off Taxi Convoy“, denn uns persönlich erschien ihre tatsächlich nicht immer charmante Ruppigkeit bei unseren Besuchen in der Hauptstadt oft nicht frei von Humor! Das gilt zumindest für die rund 8.097 türkischen Taxi-Fahrer. Die drei deutschen sollten sich natürlich weiter in Grund und Boden schämen.

Geburtstags-Idee Nr. 3
Ai Weiwei: „S.A.C.R.E.D  R.E.L.O.A.D.E.D“ (bitte noch 2022!)

Auf diesen Vorschlag des dritten Kollegen sind wir beiden anderen KunstArztPraxis-Ärzte ziemlich neidisch, denn er ist unserer einhelligen Meinung nach mit Abstand der beste!

Besagter Kollege empfiehlt Ihnen die Entführung eines Diktatoren aus einem x-beliebigen Überwachungsstaat, um ihm unter dem Vorwand der Steuerhinterziehung 81 Tage lang jene Behandlung angedeihen zu lassen, die die chinesische Regierung Ihnen im Jahr 2011 eben jene 81 Tage lang angedeihen ließ. Und dabei stehen Sie – wie weiland bei Ihnen die beiden strengen Polizisten – rund um die Uhr hinter ihm und schauen ihm ununterbrochen beim Schlafen, beim Essen, beim Stuhlgang und beim Aushecken von Grausamkeiten zu.

Parallel hierzu vertwittern Sie ihre Beobachtungen in Echtzeit in Ihrem Blog. Am Ende dieser Tage könnten sogar Puppenbauer, Metallschweißer und Innenausstatter noch eine Guckkasten-Installation mit neun Eisenkästen daraus machen wie die, die wir 2019 von Ihnen im K21 der Kunstsammlung NRW in Düsseldorf gesehen haben. Muss aber nicht.

An dieser Stelle nur ein Einschub in eigener Sache: Beneideter Kollege behauptet, bei seiner Idee ein wenig von Marina Abramović abgekupfert zu haben, die ihre tollen Original-Performances seit geraumer Zeit bekanntlich ebenfalls re-inszenieren lässt. Wir beiden anderen wollen diese Selbstkritik aber so nicht gelten lassen.

Denn bei „S.A.C.R.E.D  R.E.L.O.A.D.E.D“ geht es ja gar nicht um wiederholte Eigenkunst, sondern um die Re-Inszenierung der echten, verdammenswerten Wirklichkeit. Und auf die Gedanken – sagen wir: die gemeinsam mit Ulay uraufgeführte Ohrfeigen-Aktion „Light/Dark“ (1977) oder die Anschrei-Orgie „AAA-AAA“ (1978) zum Beispiel von Kim Jong-un und Baschar al-Assad re-inszenieren zu lassen, ist selbst Marina Abramović (leider) noch nicht gekommen.

Von „S.A.C.R.E.D  R.E.L.O.A.D.E.D“ jedenfalls erhoffen wir uns wichtige Erkenntnisse für die noch junge Diktatoren-Forschung. Träumen diese Wesen Böses? Sprechen Sie im Schlaf – wenn, was? Schlingen sie Nahrung besonders gierig in sich hinein – und schlabbern & sabbern dabei vielleicht sogar aufs Lätzchen? Und, entscheidend: Was kommt am Ende beim Diktator hinten raus? Studien hierzu könnten die Menschheit retten.

Wie gesagt: Den Diktator für „S.A.C.R.E.D  R.E.L.O.A.D.E.D“ können Sie aus allen Unrechtsstaaten dieser Erde gern frei wählen. Wenn es nach uns ginge, dürfte die Aktion ohnehin in Serie gehen, denn sie träfe nie den Falschen: Schließlich gehört Steuerhinterziehung zum Diktatoren-Kerngeschäft.

Allerdings würden wir begrüßen, wenn Sie mit Wladimir Putin den Anfang machten. Fragen Sie doch mal in Moskau nach. Vielleicht hat er ja Zeit & Lust dazu.

Bitteschön. Dankeschön. (28.08.2022)

^{Anmerkung: Wir empfehlen, regelmäßig in Ai Weiweis Blog nachzuschauen, ob „S.A.C.R.E.D  R.E.L.O.A.D.E.D“ schon angelaufen ist. Nachdem die chinesischen Behörden das wirkmächtige Original 2011 im Zuge von Ai Weiweis willkürlicher Verhaftung gesperrt hatten, findet sich eine Twitter-Fassung inzwischen hier.}

Noch mehr Ai Weiwei in der KunstArztPraxis:
Sommerloch-Porträts (5): Ai Weiweis Kern

Und noch ein bisschen was zu Marina Abramović:
Being Marina Abramović
Korrekt performen: Marina Abramović zum 75.

Der Beitrag Zum 65.: Drei Geschenk-Ideen für Ai Weiwei erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Von Franz Kafka haben wir schon in der Jugend fast alles gelesen. Nur seine Erzählung „In der Strafkolonie“ (1919) mit ihrer sachlich-grausamen Beschreibung einer Hinrichtungsmaschine hörten wir im Sauerland zunächst im Radio. 1981 war das, in einer Hörspielfassung des SWR. Mit Bruno Ganz als Offizier und Wolfgang Stender als Forschungsreisendem.

Damals trugen wir Kopfhörer, denn uns reizte eine Aufnahme in Kunstkopfstereofonie: ein aufwendiges Verfahren, das maximalen räumlichen Effekt versprach. Und tatsächlich erinnern wir uns noch lebhaft, wie uns Kafkas Apparat, der dem Todgeweihten das übertretene Gebot zwölf Stunden lang immer tiefer ins Fleisch ritzt, bis er im entziffernden Moment der Erkenntnis seines Vergehens stirbt, lärmend durch die Köpfe sauste.

Das war so plastisch, als wären die Nadeln und Ketten im Quietschen und Knattern körperlich real. Es war vielleicht das erste Mal, dass wir begriffen, dass Klang Raum erzeugen kann. Der Ton im Kopf hatte skulpturale Qualität.

Inzwischen ist Kafkas literarische Apparatur aus der Strafkolonie auf innovative Weise leibhaftig Skulptur geworden. Sie steht im Lehmbruck Museum in Duisburg und dominiert dort visuell und akustisch einen zur Insel gewordenen Saal. Das kanadische Künstlerpaar Janet Cardiff und George Bures Miller hat sie nach der Lektüre der „Strafkolonie“ konstruiert – und komponiert, denn neben Körper, Licht und Bewegung gehören Klänge und Stimmen zum plastischen Gesamtkonzept.

Die Dino-Schatten der Roboterarme

Wer einen lockend beleuchteten roten Knopf drückt, erweckt die höllische „Killing Machine“ (2007) zum Leben. Dann tanzen ihre Roboterarme im Käfig zur Musik aus Lautsprechern und integrierten Instrumenten über einen antiquierten Zahnarztstuhl, der sich unter den imaginären Stichen windet wie das Kafkasche Bett unter der Egge. Und ihre Schatten wandern im Scheinwerferlicht wie schreckliche Echsen einer bedrohlichen Epoche gespenstisch über die Wände.

Am Ende lässt das reflektierte Licht einer Discokugel den Raum taumelnd explodieren, bevor der Raum mit dem Licht und dem Klang und der Bewegung komplett im Nichts der Dunkelheit erlischt. Danach lockt der rote Knopf aufs Neue.

Endloses Scheitern, große Oper

Die aus sich selbst heraus tätige, uns als beseelt erscheinende Maschine mit ihren immergleichen Abläufen: Das ist ein wichtiges Thema bei Cardiff & Miller.

Etwa bei der von Roboterfingern bewegten Marionettentänzerin auf der Schreibtischbühne von „Sad Waltz and the Dancer Who Couldn’t Dance“ (2015), mit der man irgendwie mitleidet, weil sie permanent aufs Neue scheitert und sich ihre Fäden (natürlich ganz nach dem präzisen Willen einer darauf hin orchestrierten Programmierung) immer wieder unentwirrbar verdrehen.

Im Grunde schauen wir bei all dem auch unseren eigenen Sinnlosigkeiten zu, in die wir uns unentwegt verheddern. Aber wir blicken in diese inneren Abgründe mit einer großen, von sanfter Melancholie ebenso wie von ungläubigem Staunen angehauchten Lust.

In letzter Konsequenz führt das Alles zu dem, was Cardiff & Miller im erstmals in Europa präsentierten „Escape Room“ (2021) inszenieren: In dieser begehbaren Maschine erhaschen wir an einem Schreibtisch nicht nur Einblicke in die Arbeit des Künstlerpaares, sondern dringen tief ein ins Herz der zivilisatorischen Finsternis.

Es ist eine Finsternis, in der babylonische Türme, archaische Pfahlbauten, phantastisch möblierte Hochhäuser und utopische Lichterstädte in all ihrer Verlassenheit auf uns warten. Und die sich je nachdem, welchen der Gänge wir durchschreiten, ganz anders beleuchtet und ganz anders erzählerisch offenbart.

In einem der Miniaturzimmer künden die umgestürzten Lautsprecher sogar vom Ende der Installation „The Forty Part Motet“ (2001), deren großartig polyphonen Gesänge wir im Lehmbruck Museum noch in voller Pracht im Surround-Sound – sitzend, oder noch besser: gehend, – erleben können.

So baut in der Duisburger Retrospektive alles Kapitel für Kapitel aufeinander auf.

Im „Escape Room“ haben Cardiff & Miller ein begehbares Bild nicht nur für unsere Isolation im Lockdown geschaffen, währenddessen die Arbeit entstand: Sie haben auch ein Bild für eine Welt animiert, die nach Krieg und Zerstörung als teils re-naturierte Maschine überlebt haben wird, wenn wir schon längst nicht mehr sind.

Skulptur der Spuren

Im Kleinen spiegelt sich das schon in der Arbeit „Opera for a Small Room“ von 2005 wider, in der Cardiff & Miller aus dem Zufallsfund einer Plattensammlung im multimedialen Möglichkeitsraum ihrer Guckkasten-Blockhütte eine imaginäre, posthume Einsiedler-Biografie rekonstruieren.

Getreu eines von uns in der KunstArztPraxis-Sprechstunde immer wieder gern zitierten Mottos bei Paul Valéry: „Ich denke jetzt an die Spuren, die ein Mensch in dem kleinen Raum hinterlässt, darin er sich täglich bewegt.“

Im Grunde ist das, was Cardiff & Miller machen, Kunstkopfstereofonie für alle Sinne. Ihre analogen virtuellen Welten basieren auf einem erweiterten Verständnis von Skulptur, das Elemente der Installation, des Theaters, des Hörspiels und des Kinos ebenso mit einbezieht wie den Besucher und die jeweilige museale, urbane oder natürliche Umgebung.

Die Dramaturgie des Fluchtraums

Cardiff & Miller verstehen sich nicht als Bildhauer, natürlich nicht. Von daher kam die Verleihung des Wilhelm-Lehmbruck-Preises 2020 für sie „ein wenig überraschend“. Aber wenn man Skulptur und Plastik als Ab- und Zunahme von Volumen definiert, dann ergibt die Auszeichnung an das Künstlerpaar einen einleuchtenden, völlig verdienten Sinn.

Denn ihr Werk ist gerade im Hinblick aufs Skulpturale sensationell. Und es ist vom Timing, vom Rhythmus, vom Sound, vom Zauber und von der Poesie her ebenso hypnotisch, geheimnisvoll und vieldeutig wie ein Kafkascher Satz.

Irgendwie ist die ganze Ausstellung von Cardiff & Miller ohnehin wie ein lustvoller Gang durch die Strafkolonie, und ein wenig ist der Besucher in der Situation eines Forschungsreisenden. Oder auch in der Rolle des Verurteilten, der plötzlich mit allen Fasern seines Körpers seine Einsamkeit, sein Vergehen ebenso wie seine Strafe erkennt.

Strafe und Vergnügen

So, wie Kafkas Apparatur, so sind auch die Klangskulpturen von Cardiff & Miller magische Wahrnehmungs- und Erkenntnismaschinen, die den Blick nicht zuletzt ausrichten auf die selbstgemachte Apokalypse. Allerdings natürlich weniger grausam. Und aus der teils auch ironischen Perspektive eines dystopischen Vergnügungsparks, der mit seinen unangenehmen Attraktionen immer wieder angenehm überrascht.

Sterben muss auch von dieser Kunst ohnehin keiner. Und die Erkenntnis formt sich nicht wie bei Kafka in der vollkommenen Körpereinsamkeit des Schmerzes, sondern eher mit Freuden beim offenen Hören und Sehen mit Auge, Ohr und Hirn.

Das gilt auch für die „Killing Machine“. Man selbst liegt eben nicht stundenlang auf dem Vollstreckungszahnarztstuhl. Keine der tanzenden Nadeln schreibt die Begründung des Todesurteils kaligraphisch ins eigene Fleisch. Man selbst setzt die Hinrichtungsmaschine ja nur in Gang.

Bei Cardiff & Miller ist der ganze imposante Spuk der lebendigen Tötungsmaschine nach 4’36 Minuten sowieso vorüber. Bevor er, wenn man es will, für weitere 4’36 Minuten von Neuem beginnt. (04.04.2022)

^{„Janet Cardiff & George Bures Miller“ ist noch bis zum 14. August 2022 im Lehmbruck Museum in Duisburg zu sehen. Danach zieht sie ins Museum Tinguely nach Basel weiter.}

Das Lehmbruck Museum in der KunstArztPraxis:
Beuys, der Schüler: „Alles ist Skulptur“ in Duisburg (teils Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Bizarre Biester: Lynn Chadwick in Duisburg
Stephan Balkenhol: Hüllen für Geschichten (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)

Hörspiel „In der Strafkolonie“ (1981) des SWR zum Download
Homepage des Lehmbruck Museums

^{Anmerkung: Der große Frank Zappa hat einmal die Lektüre von Kafkas „Strafkolonie“ vor dem Anhören seines Stücks „The Chrome Plated Megaphone of Destiny“ empfohlen. Gute Idee, denn die wilde Komposition klingt zeitweise tatsächlich wie der Soundtrack zur literarischen Apparatur. Wir empfehlen zusätzlich Zappas Überwachungsoper „Joes Garage“ – eines unserer erklärten Lieblingsalben –, allerdings nach der Lektüre von Kafkas Text.}

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Unter den Museen NRWs ist das Marta in Herford eine der Schatzinseln. Architektonisch selbst wellend und wogend wie die aufgepeitschte See, kann man hier getrost vor Anker gehen, um in der Flora und Fauna der Innenräume überraschende Entdeckungen zu machen.

Drinnen gibt’s seit 2020 sogar eine veritable und variable „Insel“, die momentan zur Ausstellung „Trügerische Bilder“ vom Künstler Adrien Tirtiaux gestaltet worden ist. Und im angrenzenden Marta-Garten ein vom atelier le balto landschaftsarchitektonisch gestaltetes „Floß“.

Sind die RaumZeitPiraten vielleicht damit über die Aa gekommen? Eine verwegene These, fürwahr. Aber wir müssen ja nach Erklärungen suchen. Schließlich waren die RaumZeitPiraten nachweislich da.

Dioden-Monster und Kratz-Roboter

Wie für echte Freibeuter üblich, starten die RaumZeitPiraten ihre Eroberungszüge im Kollektiv, als Wir: „um den Spiralen egozentrischer Selbstsimulation zu entgehen“, wie es in einer – uns als KunstArztPraxis natürlich höchst sympathischen! – Stellungnahme heißt. Und sie kommen natürlich nicht durchs Hauptportal, sondern durch die Hintertür.

An der rückseitigen Fensterfront der Marta-Lobby hin zur Aa also hat das Künstlerkollektiv in einer hübsch kleinteiligen Installation mit Saugnäpfen jene geheimnisvollen Instrumente und noch nie zuvor gesehene Apparaturen befestigt, die in unserer High-Tech-Epoche die rechten Enterhaken sind:

Opto-akustische Dioden-Monster, die leise surrend selbst die Natur zum Zittern bringen. Weiße Kreise, die plötzlich hinter der Marta-Scheibe wild zu tanzen beginnen. Sensorische Parasiten, die Luftfeuchtigkeit und Lichteinfall saugen. Und Kratzroboter, die milchige Kreise allmählich wieder durchsichtig machen.

Damit man vom Außen ins Innen durchstoßen kann. Zumindest mit den Augen.

Die interessante Membran

„Wir lieben Orte und Un-Orte, die man erstmal nicht als Kunstorte wahrnimmt“, sagen die RaumZeitPiraten. Treppenhäuser, Parks und Höhlen zum Beispiel. In diesem Rahmen sei die Scheibe hinten am Marta gerade mit der Erfahrung von Corona im Rücken „eine interessante Membran für uns“ gewesen.

Ein architektonisch eher uninteressanter Platz, an den man aber jederzeit nah herankommen kann. Und nach dem Konzept der RaumZeitPiraten auch nah herankommen können muss.

„Eigentlich geht es darum, die Besucher*innen in einen spielerischen Moment hineinzubekommen“, erläutern die RaumZeitPiraten. Denn all das funktioniert offensichtlich nur, wenn man vor dem Installations-Schaufenster invasorisch-grenzüberschreitende Gesten vollführt, während man sich in der Scheibe spiegelt.

Mit-Entern ist demnach Pflicht. „Das ist ein interaktives Zusammenspiel und ein Entdecken mit dem ganzen Körper“, sagen die RaumZeitPiraten, „auf das wir uns freuen“.

Wir konnten leider nicht so lange bleiben. Aber wir könnten uns vorstellen, dass derlei Interaktionen mit vollem Körpereinsatz im Schutz der Dunkelheit besonders lohnend sind. Die Installation reagiert ja nicht nur aufs Publikum, sondern auch auf Tageszeiten. Inszenatorisch etwas weniger mutige Mit-Piraten wären nachts also klar im Vorteil.

Weniger mutige Mit-Piraten müssen sich ohnehin keine Sorgen machen. Die ganze Enterei ist für Leib und Leben komplett ungefährlich. Die RaumZeitPiraten haben nämlich einen Kaperbrief von Noch-Direktor Roland Nachtigäller in der Tasche. Und dessen Museumscrew hat mit dem Heuern des Künstlerkollektivs wieder einen guten Griff getan.

Unscheinbarkeit mit feinen Eingriffen in Poesie zu verwandeln ist schließlich eine große Kunst. Und das Entern mit Maschinen sollte man nicht den Hackern überlassen.

Die trügerische Gischt des Augenblicks

Das sei denn auch jener verdammten Schar skrupelloser Flibustiere und Bukanier ins Logbuch geschrieben, die ihre Raubzüge im Auftrag des Finanz- und Geschmackskapitals auf den provinziellen Weltmeeren der Kunst- und Kulturfeindlichkeit immer wieder einmal dreist durch die Haupteingänge der Museen vollziehen wollen:

Das Marta bleibt eine Schatzinsel mit internationaler Strahlkraft, an der auch die Belange des schnöden Mammons und des öden Trendgeists letztendlich abprallen werden wie die trügerische Gischt des Augenblicks am ewigen Felsen von Raum und Zeit.

In diesem Sinne: Ahoi, Roland Nachtigäller! Viel Glück. Und jetzt schon einmal, aus gegebenem Anlass: gute Fahrt. (11.07.2021)

Appendix: „Marta Open Air“

Der „DazwischenRaum“ der RaumZeitPiraten ist Teil der (Corona zu verdankenden) Idee zur Freiluftausstellung „Marta Open Air“, die bis zum Herbst 2021 wechselnde Installationen auf dem Außengelände des Museums selbst bei geschlossenen Türen kostenlos Tag und Nacht sichtbar macht.

Dazu gehört momentan ein unbespielbarer Basketball-Korb von Robert Barta ebenso wie ein funktionsverweigernder Überwachungsanhänger samt einer zum Kurzschluss neigenden Videokamera von Andreas Fischer oder drei Interaktions-Stationen von Nezaket Ekici, die Mitmachende via QR-Code unter anderem in apfelpflückende Flamencotänzer*innen oder Küchenmaschinen verwandeln.

Gute Kunst hat halt immer auch etwas vom anarchischen Charme der Piraterie.

^{Anmerkung: An dieser Stelle befand sich bis zum 04.10.2021 eine Fotostrecke mit Bildern von „Marta Open Air“. Sie wurde ein Opfer der gefräßigen Unsichtbarkeits-Maschine. Betroffen sind unsere Fotos der Werke von Robert Barta, Andreas Fischer, Andreas Schmid, Nick Hullegie und Nezaket Ekici.}

Homepage des Marta Herford
Homepage der RaumZeitPiraten

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Corona hat es wieder einmal aufgezeigt: Wissen ist nicht zuletzt Vertrauenssache. Jenseits der eigenen Erfahrung glaubt man ja nur zu wissen. Weil eben alle Kenntnis über Medien vermittelt werden muss: und die sind immer öfter interessen- statt erkenntnisgeleitet. Gut tut, wer den richtigen Medien vertraut – wobei Talent zu mündigem Denken bei der Auswahl durchaus hilft.

Wenn es also, sagen wir mal: um Elche und die Elchjagd der Kelten geht, ist bei Julius Cäsar Misstrauen unbedingt angesagt. Bei anatomischen Lehrbüchern hingegen kann man sich getrost darauf verlassen, dass es im eigenen Bauchraum hinlänglich so aussieht wie darin beschrieben. Auch wenn man noch nie zum Skalpell gegriffen hat, um persönlich im eigenen Bauchraum vorbeizuschauen.

Die Berührung wandelt das Berührte

Bei Mariechen Danz geht es viel um diese mal wahren, mal falschen Überlieferungs- und Wissenssysteme. Die 1980 in Dublin geborene und heute in Berlin lebende Künstlerin hinterfragt die erlernten und in der Geschichte immer wieder umgeformten Modelle, mit denen wir unsere Welt zu organisieren gewohnt sind. Es geht um die subjektiven Grenzen objektiver Erkenntnis. Und um ihre politischen und gesellschaftlichen Wurzeln.

Bevor man „Clouded in Veins“ in der Kunsthalle Recklinghausen betreten kann, muss man dem entsprechend erst einmal einen Stein mit eingefrästem Handabdruck passieren. Die Berührung der Natur verändert die Natur, lautet die Botschaft. Schon mit der Betrachtung des Steins gräbt der Mensch Kultur in den Stein. Erkenntnis entfremdet.

Das Pendant zum Negativ der Hand ist bei Danz der positive, reliefartige Fußabdruck. Abgüsse aus Lehm, Kohle und anderen Materialien bahnen sich in den Treppenhäusern der Kunsthalle einen Weg vom Erdgeschoss bis in den zweiten Stock. Und weisen Besuchern den Weg wie auf mesoamerikanischen Karten.

Die Verdauung der Welt

Dazwischen liegen drei Etagen, in denen Danz die Archäologie der Körper- und Kulturgeschichte auseinandernimmt und alchemistisch wieder neu zusammensetzt. Von den Tonträgern der Keilschrift über das Alphabet der Organe bis hin zur digitalen Abstraktion auf Chip-Platinen geht die Reise.

Im Zentrum steht dabei immer der Körper, den Danz im Mitteltrakt von „Clouded in Veins“ für ihr entgrenztes Diorama buchstäblich gehäutet hat. Es ist eine Installation mit Hand und Fuß, mit Herz und Hirn, aber auch mit Darm: Organe zur Vermessung, Aufnahme und – vor allem – zur Verdauung, also Aneignung und Umformung von Welt.

Wie Antennenspitzen schweben die in Acrylglas konservierten künstlichen Körperteile durch den Raum und blicken auf (falsche?) Fossilien ebenso wie auf (falsche!) Kodizes mit mixtekischen Piktogrammen, Muskelstudien der Renaissance, indischen Chakra-Modellen oder Darstellungen von Nervenbahnen aus der Traditionellen Chinesischen Medizin. Eigenes und Fremdes, Heilung und Ausbeutung sind dabei stets zwei Seiten einer Medaille.

Kunst als neue Ordnung

Ganz oben in der Ausstellungsbühne thront Mariechen Danz selbst, als Hohepriesterin einer anderen Form von Welt- und Selbsterkenntnis, mit einer neuen, assoziativen Sprache: der ihrer archaisch-futuristischen Kunst. Natürlich ist auch sie nicht persönlich zugegen, sondern nur per Video-Vertretung. Wobei wir einfach einmal glauben wollen, dass auf dem Bildschirm kein Double singt und tanzt.

Schließlich ist die Kunst wie das Wissen ein System aus Zeichen, dem man aber ganz anders vertrauen darf. Ein System, das eine andere Form der Neugierde voraussetzt. Und mit einer ganz anders gearteten Lesbarkeit.

Für die imposant mit Elementen von Kult bis Pop spielenden – und insgesamt rund anderthalb Stunden langen – vier Videoarbeiten zu Performances sollte man sich übrigens ebenso viel Zeit lassen wie für den Rest der Schau. (Für Sitzgelegenheiten ist gesorgt.)

Im Gebährmuttergrab

Und dann gibt es auch noch einen (fast) kompletten Körper, der zwischen Wissenschaft und Kunst zu schweben scheint. Für „Womb Tomb“ (2014) hat Danz die Haut ihrer lebensgroßen menschlichen Skulptur mit mehreren Schichten thermochromer Farbe überzogen. Wer die Figur in ihrem geschlechtslosen Zustand zwischen Dasein und Fernsein berührt, ist vermutlich die Idee, hinterlässt seinerseits Spuren am anatomischen Modell.

In Recklinghausen ist Berührung aber coronabedingt leider nicht möglich.

Bei „Womb Tomb“ ist übrigens unter anderem der Bauchraum freigelegt. Ob es bei uns im Innern ähnlich aussieht, ist in diesem Fall aber nicht vorrangig wichtig. Es geht ja nicht um empirisches Wissen. Es geht um absolut glaubhafte Kunst. (21.06.2021)

^{„Mariechen Danz. Clouded in Veins“ ist noch bis zum 29. August 2021 in der Kunsthalle Recklinghausen zu sehen.}

^{Anmerkung: „Hier gibt es Tiere, die Elche genannt werden. Sie haben Beine ohne Knöchel und Gelenke. Werden sie umgeworfen, können sie sich nicht wieder aufrichten. Zum Schlafen lehnen sich die Elche an Bäume. Die jagenden Kelten schlagen Kerben in die Bäume. Lehnt sich ein Elch wie gewohnt hier an, bringt er den Baum durch sein Gewicht zu Fall und wird getötet.“ Fake News von Julius Cäsar in „De bello Gallico“ (übersetzt in vereinfachter Sprache).}

Homepage der Kunsthalle Recklinghausen

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