Im Von der Heydt-Museum Wuppertal sind gerade knapp 200 Werke des geborenen Elberfelders Carl Grossberg (1894-1940) zu sehen: einem der ganz großen Magier der neuen Sachlichkeit. Die erste Retrospektive seiner menschenleeren Landschaften, Städte und Fabrikhallen seit über 30 Jahren ist eine kleine Sensation.

Häuser haben keine Beine: Sie können nicht weglaufen. Das Licht liegt auf den Dächern träge in der Sonne, und Schatten kriechen wie ein Faultier über die Fassaden. Für frühe Fotografen waren Häuser & Dächer & Fassaden deshalb, der ellenlangen Belichtungszeiten wegen, erste Wahl. 

Die frühe Stadt-Fotografie ist belichtungsbedingt menschenleer. Wenn überhaupt, dann huschen schildkrötenlahme Flaneure als verwischte Geister oder schwarze Schatten übers Trottoir selbst der Millionenstädte.

Der damals gerade aufbrausende Verkehr ist ohnehin wie durch Zauberhand verschwunden.

Magie aus Unzulänglichkeiten

Die frühe Stadt-Fotografie zeigt das Urbane nicht, wie es wirklich war, im Gegenteil: Sie zeigt es so, wie selbst seine Bewohner*innen es in Wirklichkeit nie zu Gesicht bekamen.

Die frühe Stadt-Fotografie dokumentierte nicht – weil sie es nicht konnte. Die frühe Stadt-Fotografie war aus technischer Unzulänglichkeit geborene, fast schon surreale Magie.*

^{*ist nicht von uns. Ist (ungefähr) von Walter Benjamin}

Wenn wir die Bilder von Carl Grossberg betrachten, dann fallen uns diese frühen menschenleeren Fotos ein. Er hat sie sicher gekannt.

Fotos, die das Tempo als zentralen Motor der Moderne einfach schlucken – deren nostalgisch anmutende Entschleunigung einer beschleunigten Welt wundersam irritiert. So wie auf den Gemälden Carl Grossbergs eben, wo jedes Schwung-Rad stillsteht. Wo kein Kessel dampft. Wo Schnee liegt auf den Schloten.

Mit dem entscheidenden Unterschied allerdings, dass Carl Grossbergs Zauber keiner Unzulänglichkeit entspringt, sondern höchster malerischer Raffinesse. Dort war leere Magie. Hier ist Magie der Leere. 

^{Bild oben: Carl Grossberg, „Der gelbe Kessel“ (1933),
Von der Heydt-Museum, Wuppertal 2026}

Wir sehen keinen Gegensatz

Deshalb sehen wir im Grunde auch kaum einen Gegensatz zwischen dem „Realismus“ von Grossbergs Städten & Fabriken und jenen „Traumbildern“, die mit Laternengeistern oder Spuk-Gestalten, mit Vögeln, Affen, Fledermäusen – und einmal auch mit einem über die Fassade kletternden Faultier! – besiedelt sind:

Als wäre die Natur aus dem Zoo entwichen und hätte sich das Urbane nach dem Verschwinden der Menschheit zurückerobert. 

Wir sehen keinen Gegensatz, weil für uns Carl Grossbergs Realismus nicht vorrangig „sachlich“ ist, sondern eben tiefgründig magisch.

^{Bild oben: Carl Grossberg, „Vorstadtspuk“ (1920, Detail)
Von der Heydt-Museum Wuppertal, 2026}

Begrifflich präferieren wir Franz Roh

Deshalb präferieren wir auch einen Konkurrenz-Begriff zur „Neuen Sachlichkeit“, der unseres Erachtens ein wenig zu Unrecht in Vergessenheit geraten ist, aber etwa zeitgleich, 1925, entstand. Er stammt von Franz Roh, der nicht nur Kunstkritiker und Kurator, sondern ein fulminanter Collage-Künstler war.

„Magischer Realismus“ lautet der Begriff, und der trifft es, was die geheimnisvolle Darstellung des Vertrauten betrifft: die fast schon metaphysisch aufgeladenen Fassaden, Maschinen, Möbel, Dinge – in unseren Augen irgendwie besser.

In neusachlichen Weimarer Zeiten nicht nur, aber vor allem auch bei Carl Grossberg.

^{Foto oben: Carl Grossberg, „Stahlmöbel“ (1935),
Von der Heydt-Museum Wuppertal, 2026}

Und sonst?

Wir mögen, wie Grossberg Bilder aus Hausfassaden-Flächen staffelt, um diese Staffelung dann wieder durch kriechende Schatten irritierend zu dekonstruieren.

Und wir mögen, wie Grossberg Landschaft – neben Stadt & Fabrik sein dritter Schwerpunkt – verfremdend auf die Größe von Modell-Eisenbahn-Idyllen zusammenschrumpft.

Das alles ist nichts anders als meisterlich, vielleicht sogar ein Stück weit altmeisterlich zu nennen. So wie der unsichtbare Pinselstrich, die Lasur.

Laut Museumsdirektor Roland Möning brauchte Carl Grossberg Monate für jedes Bild. Der Fortschritt ist halt auch beim Malen eine Schnecke.

^{Bild oben: Man beachte, wie sich der Baum-Schatten in Urban-Schatten verästelt! Das
ist real schon ziemlich magic. Carl Grossberg, „Würzburg, Wagnerei“ (1925, Detail),
Von der Heydt-Museum Wuppertal, 2026}

Und dann haben wir noch ein erklärtes Lieblingsbild in „Carl Grossberg“: die „Weißen Röhren“, die 1933 entstanden sind.

Für uns moderner als Thomas Ruff

Uns war es beim Betrachten damals, als sei das Gemälde ein sepiagetöntes Foto, auf dem Carl Grossberg rotierende Teile und gläserne Röhren mit ihren wirbelnden chemischen Innereien gleißend weiß übertünchte, um der Maschine malerisch den innewohnenden Zauber unproduktiver Erstarrung zurückzugeben.

Ein bisschen so wie das, was Thomas Ruff mit seiner auf Glas-Negativen der Dreißigerjahre (!) basierenden Serie industrieller „Maschinen“ ab 2003 versucht hat. Nur noch moderner. Das ist hierzu zumindest unsere Lieblingsphantasie.*

^{* eine Lieblings-Phantasie, die wir in Bezug auf Ruff hier leider nicht
illustrieren können. Die Unsichtbarkeits-Maschine verhindert das.
Und DIESE Maschine ruht nie still.} 

Von daher finden wir es schön, dass „Carl Grossberg“ unter anderem in einem „Epilog“-Raum die Brücke nicht nur zur Pop Art schlägt, sondern auch zu zwei der großen Magier unserer fetischisierten Maschinen- und Warenwelt: Konrad Klapheck und Bruno Goller.

Die rätselhafte Kälte

Oder zu Thomas Demands „Hole“ von 2013, in dem sich die rätselhafte Kälte, die auch vielen Werken Carl Grossbergs eigen ist, ins Unheimliche dreht.

Denn Magie der Leere im Sinne Carl Grossbergs sein: Das kann Fotografie, wenn sie denn technisch ausgereifte Kunst ist, auch heute noch.

Und was, wenn aus den menschenleeren Städten auch die Tiere verschwunden sind? Wenn nur noch autonome Maschinen wüten?

Wir müssen gar nicht auf den „Terminator“ warten: Carl Grossberg hatte auch hierzu seine Vision. In Form eines Automaten auf einem Drahtseil unter freiem Himmel, der einen verrückten Schatten auf die Erde wirft.

Die unscheinbare Skizze befindet sich in einem Notizheft, das in Wuppertal zu sehen ist. Darunter ist als Entstehungsdatum der 30. Januar 1933 vermerkt.

Jener Tag also, an dem Reichspräsident Paul von Hindenburg Adolf Hitler zum Reichskanzler der Weimarer Republik ernannte.

^{Foto oben: Carl Grossberg, „Seiltanzende Maschine mit Schatten“ (1933)
Von der Heydt-Museum Wuppertal, 2026}

In Zeiten von KI aktueller denn je

Es dauerte bekanntlich nicht lange, da hatte dieser Hitler wie von Carl Grossberg vorhergesehen mit seinen Panzern, Bombern und Raketenwerfern einen Weltenbrand entfacht.

Dass die Menschheit diesen überlebte, bekam der Künstler nicht mehr mit: Nachdem er als Fahrer im Range eines Oberstleutnants infolge eines Autounfalls mit tödlichem Ausgang vor ein Kriegsgericht gestellt worden war, nahm sich der schon von seinem Einsatz im Ersten Weltkrieg traumatisierte Carl Grossberg 1940 im französischen Laon mit seiner Dienstwaffe das Leben.

In Zeiten von KI jedenfalls ist Grossbergs „Seiltanzende Maschine“ aktueller denn je. Denn es besteht ja überhaupt kein Grund zur Hoffnung, dass die Maschinen nach ihrer Machtergreifung den traumtänzerischen Wahnsinn des homo urbanus nicht wiederholen. (26.04.2026)

^{„Carl Grossberg. Sachlich – Magisch – Visionär“ ist noch bis zum 30. August 2026 im Von der Heydt-Museum Wuppertal zu sehen. Und, ja: ein paar Passanten gibt es manchmal doch. Und auch ein, zwei dampfende Schlote.}

Nachfolger der Neuen Sachlichkeit in der KunstArztPraxis:
Die Kunst der Stanze: „Annem işçi“ im Marta
Papiertiger aus Acryl. Eckart Hahn in der Villa Zanders

Homepage des Von der Heydt-Museums Wuppertal

Der Beitrag Magie der Leere. Carl Grossberg in Wuppertal erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wir haben ja an anderer Stelle schon geschrieben, wie erfrischend aktuell & politisch sich „German Pop Art“ in Oberhausen präsentiert. Aber die Ausstellung hat auch drei Kindheits-Erinnerungen in uns geweckt: und zwar an Heintje, Ministeck & an die DDR. Ein Wochenend-Triptychon.

Zu guter Letzt: Klaus Peter Bremer, „Art B 013 (Ulbricht)“ (1967)

Von 1961 bis zum Fall der von Walter Ulbricht ohne Absicht errichteten Mauer schickte die Großmutter von KunstArzt3 regelmäßig Care-Pakete zur Verwandtschaft in die von ihr bis zum Schluss hartnäckig so genannte Ostzone. Und regelmäßig kam ein Dankesbrief zurück.

Auf jedem dieser Dankesbriefe klebte mindestens eine Walter-Ulbricht-Marke jener Art, die Klaus Peter Bremer nachgeschaffen hat.* 

^{*Zumindest bis in die frühen Siebzigerjahre, denn 1971 fiel der mit Stalins Duldung
quasi diktatorisch herrschende Staatsratsvorsitzende bei Leonid Breschnew
in Ungnade und wurde vom großen Sowjet-Bruder abgesägt.
Die Dauermarken-Serie „Aufbau“ (1973-1981) übernahm.}

Die Dankesbriefe wanderten in Omas Sekretär, die im warmen Wasser losgelösten und unter Bücher-Stapeln der „Drei ???“ getrockneten Walter Ulbrichts ins Briefmarken-Album: KunstArzt3 war bekennender Philatelist.

Bitte um Inventarliste

Als KunstArzt3 so ungefähr fünf war, schickte die Verwandtschaft einen mit Walter Ulbricht in rot & lila – also mit 35 Pfennig – frankierten Dankesbrief mit der Bitte, demnächst doch jedem Care-Paket einen Zettel beizulegen, auf dem die enthaltene West-Ware komplett aufgelistet sei. 

^{Bild oben: Das ist das gute, recht große Stück: zu sehen in Oberhausen.
Klaus Peter Bremer, „Art B 013 (Ulbricht)“ (1967)}

Vor allem Kaffee Haag und Milka-Vollmilch-Schokolade stünden bei DDR-Grenzern hoch im Kurs.

Das rot-weiß reduzierte Profil des zum Personenkult neigenden Funktionärs Walter Ulbricht war das Erste, was Einer von uns vom real existierenden Sozialismus zu Gesicht bekam.

Die Geschichte vom kriminellen, Eigentum für den Privatbedarf enteignenen Grenzer war die erste, die er aus diesem exotisch fernen Deutschland im Gedächtnis trägt. 

Beides schreckte ihn nicht ab, den Marken später, als er schon Numismatiker war, über die innerdeutsche Grenze hinterher zu reisen. Wir Anderen reisten natürlich mit.

^{Foto oben: Satz Walter-Ulbricht-Marken (1961-1971),
gedruckt im VEB Deutsche Wertpapierdruckerei 
in Leipzig. Frankaturwert: 5,40 Ost-Mark}

Aber da war aus dem Beton-Kommunisten Walter Ulbricht längst der Beton-Kommunist Erich Honnecker geworden. Und der passte Leonid Breschnew viel besser in den Kram.

Die Marke hatte gelogen

Was sollen wir sagen: Die Marke hatte gelogen, das erste Bild der DDR war falsch. Die DDR war weder rot noch grün noch lila. Die DDR war, nicht nur der Fassaden wegen, in unseren Augen grau bis ins Mark. 

Aber die Geschichte vom bösen Grenzer stimmte. Das kann die ganze KunstArztPraxis bezeugen.

Wir erinnern uns noch gut an grimmige Männer mit tief ins Gesicht gezogenen Schirmmützen, die uns als allseits verdächtigen Klassenfeinden im Auftrag des MfS bei der Einreise im Zug wortlos den Tagesvisum-Stempel in die Reisepässe rammten. 

Wir erinnern uns an Fließbänder, auf die wir besagte Reisepässe bei der Einreise mit dem Auto zu legen hatten: wie sie in einer weit entfernten Baracke – also für uns als unserer Identität Beraubten: im komplett Ungewissen – verschwanden. 

Um danach – im Sommer: je heißer, je länger – im stickigen Auto eingesperrt abwarten zu müssen, ob es den steingrau Uniformierten vielleicht doch noch gefiel, uns zu befehlen auszusteigen.

^{Foto oben: Nicht nur die Marken wurden abgestempelt!
DDR-Tagesvisa im BRD-Reisepass, Ein- und Ausreise.
© Clemensfranz/CC BY-SA 3.0. Unsere Pässe von
damals sind – leider, leider – allesamt verschollen}

Um auf der Suche nach irgendetwas Verdächtigem – Kaffee Haag? Milka-Vollmilch-Schokolade? – die Rückbank und die Vordersitze aus dem Auto auszubauen & die Innenverkleidungen aus den Türen zu reißen.

Das Klacken der geräuschlosen Schleuse

Wir erinneren uns auch noch an jene schier endlose Schleuse am Grenzübergang Friedrichstraße, in die Jeder von uns alleine hinein musste, wenn wir von West-Berlin zu Fuß in den Osten wollten:

An jenen Schlitz, durch den uns, einzeln in der geräuschlosen Leere zwischen den Schleusen-Türen stehend, von einer unsichtbaren Macht hinter einer schwarzen, unser jeweiliges Ich bespiegelnden Scheibe der Reisepass – ja, im Grunde: boshaft entrissen wurde.

Bevor am anderen Ende der Schleuse irgendwann die Tür in den real existierenden Sozialismus mit einem Klacken automatisch aufschwang und uns drüben wieder deutsch-deutsch-deutsch vereinte. Im humorlosen Grau.

Ach ja: KunstArzt1 erinnert sich noch gut an jenen Grenzer, der ihn mit professioneller Kälte aus der Schlange Einreisender herauswinkte und in einem Nebenraum anwies, sich bis auf die Unterhose auszuziehen: vermutlich, weil ihm sein für seine Punker-Freundin getragener schwarzer Latex-Seesack suspekt erschien. Weil er es konnte.

Auch dieser Grenzer hat weder Kaffee Haag noch Milka-Vollmilch-Schokolade bei ihm gefunden.

Dieses bleierne Gefühl der Ohnmacht

Aber er hatte DAS in ihm erzeugt, was jeder Grenzer auf persönlichen Wunsch des Staatsrats-Vorsitzenden Erich Honnecker und im Dienste des Regimes nicht nur in ihm erzeugen sollte: ein Gefühl vollkommener Ohnmacht gegenüber einer Staatsgewalt, der man komplett & immer ausgeliefert war. Das Gefühl, jederzeit verhaftet werden zu können. Das Gefühl, vielleicht nicht mehr rauszukommen aus der DDR.

Dieses bleierne Gefühl verließ uns bei jeder unserer Wanderungen durch Ost-Berlins graue Straßen nie.

Bremers Ulbricht ist ein Fehldruck!

Das Gesicht des regimegemachten Grenzers hatte KunstArzt1 noch im Gedächtnis, als KunstArzt3 das Profil Walter Ulbrichts auf der Marke schon vergessen hatte.

Wir sollen schön grüßen: Erst Klaus Peter Bremer hätte es ihm in der Ausstellung „German Pop Art“ wieder in Erinnerung gebracht.

Ach ja: Er hat in seinem Briefmarken-Album noch einmal nachgeschaut: Sein „Art B 013 (Ulbricht)“ von 1967 muss ein Fehldruck sein!

Die Kontur von Ulbrichts Brille ist zu lang ausgeformt, mancher weiße Strich zu schwungvoll; der Weißrand ist zu schmal, das Rot für die DDR zu fröhlich. Zudem gibt es zu viele Zacken. 

^{Foto oben: Zwei der echten Walter Ulbrichts von KunstArzt3 auf einer
Ausgabe der DDR-Zeitung „Junge Welt“: jenem Zentralorgan der FDJ,
das KunstArzt2 1984 (sic!) herzklopfend in die BRD ausgeführt hat}

Auch wenn Philatelisten heute mindestens so alt ausschauen wie Walter Ulbricht nach seinem brutalen Sturz 1971: Klaus Peter Bremers Fehldruck ist sicher trotzdem auch in diesen Kreisen immer noch ein Vermögen wert. 

Auf jeden Fall ideell. Als Kunst. Auch zur Erinnerung. Für uns. Und für alle, die noch demokratisch denken – also, schlichtweg: denken – können.

Damit diese Verrohung und Verblödung von – im Grunde vermutlich liebenswerten – Menschen durch menschenverachtende Regime NIE MEHR passiert. (12.04.2026)

<sup>P.S.: Obige Gedächtnis-Marke zum 500. Geburtstag Albrecht-Dürers am 21. Mai 1971 stammt von Bodo Boden: Sie ist ebenfalls in „German Pop Art“ zu sehen. Es hat sie in Wirklichkeit so nie gegeben, Bodens Bild stammt eh von 1969. Aber der Künstler hat seinen Dürer mit einem von Philatelisten heißbegehrten und idealerweise auf einem „Ersttagsbrief“ abgegebenen „Ersttagsstempel“ versehen, den eine Marke am Erstausgabetag in einem speziellen Postamt – hier natürlich Nürnberg – erhielt. Dass das A.D. im Stempel für Albrecht Dürer oder Anno Domini stehen könnte, finden wir witzig.

Die DDR hatte mehrere Albrecht-Dürer-Gedächtnis-Marken, die viel schöner waren als die der BRD. Für die DDR gehörte Albrecht Dürer als Renaissance-Künstler in eine Ahnenreihe, die letztlich in den sozialistischen Realismus führte. Lernt man alles, wenn man Briefmarken sammelt, sagt KunstArzt3.</sup>

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Was man sieht, zeigt diese Fotostrecke:}

Appendix: Woran sich die KunstArztPraxis ebenfalls kollektiv erinnert

Wenn wir unser kollektives KAP-Gedächtnis aktivieren und in Personal-Union an die DDR denken, erinnern wir uns an sehr viel mehr als an Post von Walter Ulbricht, an aschgraue Fassaden oder grimmige, steingraue Grenzer. 

Wir erinnern uns an die gespenstischen Schemen von Soldaten der Nationalen Volksarmee (NVA) in den dunklen Nischen zugemauerter U-Bahn-Stationen, die „Geisterbahnhöfe“ der U6 und U8 nach Ost-Berlin, wenn man, verlangsamt, natürlich ohne Halt, durchfuhr.

Wir erinnern uns an ein herzlos blechernes, fast schon KI-generiertes, seine Verlogenheit hinausposaunendes „Willkommen in der Deutschen Demokratischen Republik“ aus den hellgrauen Lautsprechern am ersten Bahnhof hinter der Grenze bei der Einreise, das uns jedesmal das Blut in den Adern gefrieren ließ – und bei der Ausreise an jene Spiegel, die von NVA-Soldaten mit Schäferhunden & Maschinengewehren an langen Stangen unter Zug-Waggons geschoben wurden, damit ja kein Bürger dem Arbeiter- und Bauernstaat entwich.

Wie erinnern uns an die abgewetzten Kleider jener alten Frauen, die uns im Bahnhofs-Restaurant in Ost-Berlin, nervös nach links und rechts schauend, unter dem allgegenwärtigen Foto des diktatorischen Genossen Erich Honecker – verantwortlich für Schießbefehl, Stasi-Bespitzelung, Zwangsadoptionen – anbettelten, die letzten Pfennige aus den 25 DDR-Mark unausführbarem Zwangsumtausch, die nicht in Bücher geflossen waren, nicht fässerweise in wässrige Club Cola zu investieren, sondern doch – bitte, bitte – in ihre schwieligen Hände zu legen.

Wir erinnern uns an die Heerscharen hinter Büschen wegelagernder Lada Schigullis der Deutschen Volkspolizei, die am Rand der Autobahnen ausschließlich devisenfetten West-Deutschen auflauerten, sobald diese es aus Unwissenheit wagten, die 100 Stundekilometer Tempolimit zu überschreiten. Wie sie plötzlich im Rückspiegel auftauchten, die Sirenen; an die auch hier obwaltende kalte Verachtung bei den anschließenden Verhören am Straßenrand.

Und wir erinnern uns an die Plätze von Leipzig, Dresden und Weimar, die wir kurz nach dem Mauerfall 1989 mit einem koreanischen Studien-Freund besuchten: Auf JEDEM dieser Plätze gab es eine neu eröffnete, sehr ranzig dreinblickende, rasch vom Westen hergeschaffte Imbiss-Bude. Und vor JEDER dieser Imbiss-Buden standen gefühlt zehn dummdreist dreinblickende Neonazis mit Glatzen, Springerstiefeln und Bierdosen. Wo bitte kamen die her?

Egal. Dieser Studien-Freund, der über Goethe promovierte, ist jedenfalls nie mehr nach Deutschland zurückgekommen.

Ach ja: Vor Kurzem ist ein anderer Freund von uns mit der Familie nach Brandenburg gezogen. Der Sohn berichtet, in seiner Klasse fände ausnahmslos JEDE*R die AfD, die dem massenmordenden, vergewaltigenden, folternden, brandschatzenden & wie weiland Genosse Honnecker zu Zwangsadoptionen neigenden Beton-Stalinist Putin am besten in den Kram passt, wegen ihrer geilen TikTok-Videos sexy.

Ostdeutschland will seine menschenverachtende Diktatur zurück – vor allem jenes Ostdeutschland, das sie nicht erleben musste. Aber diesmal bitte gleich die faschistische Variante. Damit sich endlich irgendwas ändert. Was ist ja egal.

Das bleierne Gefühl der Ohnmacht von unsren DDR-Besuchen damals ist in unsren Köpfen zurück.

^{Ach ja: Nach dem Fall der Mauer hat sich die Verwandtschaft aus der Ostzone KEIN EINZIGES MAL mehr bei der Großmutter von KunstArzt3 gemeldet. Der Form halber sei auch dies vermerkt.}

^{Und noch eine Anmerkung: Doch, doch: Wir erinnern uns auch noch an die Heerscharen schmieriger Gebrauchtwagen-Händler, die 1990 nach Ostdeutschland kamen, um zu maßlos überteuerten Preisen ihre schrottigen West-Autos zu verticken. An die ganzen folgenden Demütigungen, die der kapitalistische Westen dem – tja: irgendwie auch naiven – Osten angedeihen ließ. Stimmt soweit. Aber: nichts, nichts – AB-SO-lut NICHTS! – rechtfertigt es, deshalb das Böse, den Faschismus, also den Untergang von uns allen zu wählen.}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
German Pop Art Nostalgie 2: Ministeck
German Pop Art Nostalgie 1: Heintje
Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art„
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Homepage und deutscher Philatelisten e.V.

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Wir haben ja an anderer Stelle schon geschrieben, wie erfrischend aktuell & politisch sich „German Pop Art“ in Oberhausen präsentiert. Aber die Ausstellung hat auch drei Kindheits-Erinnerungen in uns geweckt: und zwar an Heintje, Ministeck & an die DDR. Ein Wochenend-Triptychon

Im Mittelteil: Reinhard Voigt, „Tulpen“ (1974) und „Hörzu“ (1971)

Den alten Griechen galten die Atome als die kleinsten Teilchen, das war falsch. Heute wissen wir es besser: Die kleinsten Teilchen sind die Pixel. 

Pixel gab’s schon immer, seit dem Urknall; also auch in den 1970er Jahren. Und darauf basierende Computerspiele sowieso. Unser Computerspiel hieß „Master Mind“. Und unsere Pixel waren analog.

Ein Gutteil unserer Pixel kam von Ministeck. Und ihr Erfinder Helmut Gottwald war unser Shigeru Miyamoto.

Als der Helm noch Rembrandt war

Stundenlang steckten wir nach Gottwalds Vorlagenbüchern Pferde und Tiger, Stillleben mit Blumen und Piratenschiffe auf weiße Plastik-Gitter.

Aber auch Kunst wie den 5.100-teiligen „Mann mit dem Goldhelm“, der damals noch von Rembrandt war.

^{Bild oben: Anonym, „Der Mann mit dem Goldhelm“
(um 1650/1655), Ministeck-Version. Heute nix mehr wert.} 

Heute nix mehr wert.

Diesen Teil unserer Sauerländer Kindheit sehen wir, wenn wir Reinhard Voigts „Tulpen“ (1974) sehen. Dabei haben SEINE Pixel nichtmals die komplexe Chemie von Ministeck, also keine Moleküle.*

^{*bei Ministeck gab es Einser, Zweier-, Dreier- und Viererblöcke.
Bei Reinhard Voigts „Tulpen“ ist alles atomarer Einser.} 

Freitag ist Freutag!

Aber Reinhard Voigt schuf nicht nur Tulpen, die in unseren Augen Ministeck-Tulpen sind: Er schuf neben einem Ministeck-Jüngling auch eine Ministeck-„Hör zu“. Mit Ministeck & Geduld & Spucke ist nämlich prinzipiell alles verpixelbar.

Wie Rolf Kaukas Comic „Fix&Foxi“, so kam auch die Fernsehzeitschrift „Hör zu“ am Freitag. Wir brachten sie den Eltern, wenn wir freitags „Fix&Foxi“ holten*, vom Kiosk mit. 

^{*“Micky Maus“ hingegen holten wir Montags.
Weil sie ebenda erschien.}

Wir sind extra in Einem seiner elterlichen Keller gestiegen und sind seiner Mutters (leider nicht mehr ganz komplette) „Hör zu“-Sammlung durchgegangen.

Aber wir haben nur ein einziges Weihnachts-Cover von 1951 gefunden, das Reinhard Voigts Fassung zumindest annähernd entspricht.

Auf den vorhandenen Dezember-Ausgaben der 1960er und 1970er Jahre findet sich kein einziger Weihnachtsmann! Nur 1971 Blacky Fuchsberger mit abgenommener Weihnachtsmann-Maske; aber das kommt ja als Vorlage nicht infrage.

Es ist also nicht auszuschließen, dass Reinhard Voigt das Motiv erfunden hat.*

^{*Spoiler-Alarm: In Anmerkung 2
klären wir das hinlänglich auf!}

^{Foto oben: Cover der Dezember-Ausgabe von „Hör zu“ (1951),
Norddeutsche Ausgabe mit Europa-Programm vom 20. bis 26. Dezember}

Die Pixel des Urknalls

Egal. Jedenfalls markierten unsere Mütter, während wir mit „Fix&Foxi“ in den elterlichen Badewannen verschwanden, mit dem Kugelschreiber in der „Hör zu“ jene Sendungen, die ihnen in der kommenden Woche zwischen 18:00 Uhr und 23:00 Uhr – das war die sogenannte Sendezeit – in unseren drei Programmen – ARD, ZDF, WDR, wir hatten ja nichts – sehenswert erschienen. 

So strukturierte „Fix&Foxi“ unsere kindlichen Säuberung-Rituale, bei denen die Hände schmutzig blieben, und die „Hör zu“ unseren Alltag bis zum sogenannten Sendeschluss, sprich: bis zu den Pixeln des „Testbilds“. Vor dem komplett verpixelten Rauschen, das angeblich ein Echo des Urknalls war, also irgendwie schon digitaler Sternenstaub.*

^{*Dazwischen verpixelten aber immer wieder auch die Sendungen.
Dann mussten die Väter auf’s Dach und die Antenne richten.}

Bonus-Track: „Fix&Foxi“, Ludwiggalerie Schloss Oberhausen, 2018

Im Gegensatz zu Donald Duck, Micky Maus und Pumuckl gab es die Helden von Fix&Foxi nicht bei Ministeck.

Natürlich haben wir trotzdem versucht, sie nachzustecken, die Realität des Comics in analoge Pixel aufzulösen, diese kleinsten Teilchen auch Fuxholzens:

Mit Geduld & Spucke kann man aus Ministeck ja alles formen. 

Uns allen allerdings fehlten Geduld & Spucke.Wir schon schon bei Lupo und Pauli und Professor Knox, sprich: in der zweiten Reihe, gescheitert.

^{Bild oben: analoge LEGO-Pixel kann jeder,
lieber Ai Wei Wei. Ministeck ist Kunst!}

(11.04.2026)

^{Anmerkung 1: Das mit den Tulpen und dem Ministeck hat uns keine Ruhe gelassen, deshalb haben wir bei Reinhard Voigt einfach einmal nachgefragt, ob ihn Ministeck beeinflusst habe.}

^{„Nein, überhaupt nicht“, hat Reinhard Voigt uns geantwortet. „Ich kannte dieses Ministeck gar nicht. Eine Inspiration waren die Kreuzsticharbeiten meiner Mutter.“  Auch mit Zierstich & Geduld & Spucke ist nämlich prinzipiell alles verpixelbar.}

^{Und da haben wir uns plötzlich wieder daran erinnert, dass es auch in den 1970er Jahren Pixel gab, die unsere Mütter liebten:}

^{Knüpfarbeiten zum Beispiel nach Kunstmotiven, die mit einer speziellen Nadel durch ein „Stramin“ genanntes Baumwoll-Raster gezogen werden mussten.}

^{Und denen man sich widmen konnte, während im Fernsehen am Freitagabend nach der 20-Uhr-„Tagesschau“ (ARD) der angekreuzte „Derrick“ (ZDF) lief: Es hieß ja „Hör zu“ und nicht „Schau hin“.}

^{Anmerkung 2: Und dann hat uns Reinhard Voigt auch noch verraten, wie es zum „Hör zu“-Motiv gekommen ist:} 

^{„Das war eine Auftragsarbeit. Die Werbeabteilung der ‚Hör zu‘ verschenkte zur Weihnachtszeit an ihre Kunden Grafiken. Und 1971 wollte man von mir eine Arbeit haben.}

^{Man gab mir eine gewisse Anzahl von ‚Hör zu‘-Titeln, von denen ich mir ein Motiv aussuchen sollte. In dem Stapel der Titel befand sich eine Picasso-Zeichnung, gewissermaßen das Porträt eines Weihnachtsmanns.}

^{Das empfand ich für den Zweck äußerst passend: Weihnachtsmann –Weinachtsgeschenk und nicht zuletzt eine Hommage an Picasso.}

^{Bild oben: Reinhard Voigt, „Verstand ist wichtiger als Busen“ (1971)}

<sup>Die Arbeit wurde gedruckt und geliefert. Am nächsten Tag klingelte das Telefon und mir wurde gesagt, höhere Instanzen hätten den Siebdruck abgelehnt und ich solle doch bitte nochmal eine Arbeit machen. Daraufhin  suchte ich wieder zwischen den Titeln und fand ein anderes Cover, das mir gefiel: ein Foto von Senta Berger, mit dem schönen Satz ‚Verstand ist wichtiger als Busen‘. Und so kam es zu zwei ‚Hör zu‘- Grafiken.“

Ach ja, jetzt erkennen wir Picassos Weihnachtsmannnatürlich auch. Entschuldigung. Noch so ein Kunstfehler, den wir begangen haben.</sup>

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Was man sieht, zeigt diese Fotostrecke:}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
German Pop Art Nostalgie 1: Heintje
Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art„
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Der Beitrag German Pop Art Nostalgie 2: Ministeck erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wir haben ja an anderer Stelle schon geschrieben, wie erfrischend aktuell & politisch sich „German Pop Art“ in Oberhausen präsentiert. Aber die Ausstellung hat auch drei Kindheits-Erinnerungen in uns geweckt: und zwar an Heintje, Ministeck & an die DDR. Ein Wochenend-Triptychon.

Zum Auftakt: Dieter Glasmacher, „Heintje mein bester Freund“ (1971)

Seit unserer Jugend im Sauerland sind der Welt einige Kulturtechniken abhanden gekommen. Die Kulturtechnik des Rücktritts in der Politik zum Beispiel. Oder die Kulturtechnik des Blinkens im Straßenverkehr. 

Die Kulturtechnik der Kunden-Zuwendung an der Supermarktkasse. Die Kulturtechnik des Verzichts zugunsten einer Solidar-Gemeinschaft, der Scham als soziales Korrektiv.

Und die Kulturtechnik, bei mangelnder Kenntnis einfach mal den Mund zu halten.

Das oben Gesagte gilt nicht für Heintje. Vom Guten in der Welt verstand er viel.

Wenn Heintje den Mund auftat, entquoll ihm glockenhelle Tugend: gepaart mit einer Mutterliebe, die selbst vor astronomischen Ausgaben für Schloss-Geschenke nicht zurückschreckte. Die Tränen teilte, Schmerzen heilte. Die Schmerzen der Omatschis auch.

Das musikalisch Schöne, Ideale

Heintje war das musikalisch Schöne, Ideale – des Schlagers wie der Volksmusik. Wer eine von Heintjes 40 Millionen verkauften Tonträgern erstand oder seine Filme sah, die sich dem Publikum vollends zuwandten, der fühlte sich zu Recht als Kunde König*in. 

^{Foto oben: Heintje 1970. Danke, Wikipedia! © CC BY-SA 3.0 nl}

Schämen mussten sich die anderen. Zum Beispiel wir. Krächzende Knaben, die der Mutter nichtmals Blumen schenkten: höchstens am Muttertag.

Von einem Top-Ten-Hit nach dem nächsten ganz zu schweigen.

Unsere Mütter liebten Heintje fast so sehr wie uns. „Mama“ war ihre Bibel, die Hülle von „Heidschi Bumbeidschi“ (1968) hing bei einer im Näh-Zimmer gerahmt an der Wand.

Als Haftbefehl nichtmals Quark war

Die Zeilen „Aber Heidschi bumbeidschi es schlafen / Am Himmel die Schäflein die braven“ enthalten den ersten unsauberen Endreim der Musik-Geschichte, an den wir uns unisono erinnern können.

Und da war Haftbefehl noch nicht mal Quark im Schaufensta.

^{Foto oben: Cover von Heintjes Single „Heidschi
Bumbeidschi“ (1968), © Ariola Music}

Ach ja: „Heintje – Mein bester Freund“, in dem der Hauptakteur singend die längst verlorene Ehe seiner alleinerziehenden Mutter rettet, war unser Aller erster Kinofilm.

In den Einer von uns während eines Wander-Urlaubs 1971 im Spessart – vermutlich aus alleinerziehenden beziehungsweise. aus allein erziehenden Gründen – natürlich mit der Mutter, ging.*

^{*der Vater lag derweil mit Hexenschuss im Bett.}

Wir wissen noch, wo wir saßen, als wir vom tragischen Stimmbruch Heintjes aus der „Sauerländischen Volksblatt“ erfuhren. Auch an das damit verknüpfte und damals nicht hinterfragte, uns aber trotzdem zutiefst verstörende Foto von Heintje im Krankenhaus-Bett.*

^{*deshalb unsere Frage an den Deutschen Presserat heute:
Ins Krankenhaus – wegen eines Stimmbruchs? Rüge???}

Die Nachricht von Heintjes Rücktritt aus dem Musik-Geschäft traf uns ins Mark. Als er irgendwann später als Hein Simons zurückkam, war er ein anderer.

Wir glauben, Dieter Glasmacher kann uns verstehen. 1970 gründete er sein – sehr erfolgreiches – „Institut für Heintje-Forschung“: Noch 2025 gab es eine Ausstellung mit gesammelten Erkenntnissen & Reliquien in Lüneburg.

Den Katalog hat er uns zugeschickt. Er ist sehr schön.

Dieter Glasmachers Bild mit seinen Schreibschrift-Linien in Oberhausen jedenfalls ist eine Homestory, die – vielleicht sogar mit einem „Star-Schnitt“ versehen – aus der „Bravo“ unserer frühen Pubertäten erwachsen sein könnte.

Oder aus einem Pennäler-Aufsatz über ein von 1967 bis 1972 agierendes Jahrhundert-Idol.

^{Foto oben: Dieter Glasmachers Bestandsaufnahme seiner
Heintje-Forschung mit KunstArztPraxis-Katze Ari, Köln 2026.
Katzen gehörten leider nicht zu Heintjes Repertoire}

In wenigen Bildern fasst Glasmachers Druck Heintjes Wesen adäquat zusammen.

Dass er seiner Mutter Hanny (im Kittel) bei der Hausarbeit auf den ihm von ihr am 3. August 1969 geschenkten Socken den Staubsauger hinterherträgt, ist für Kulturtechniker*innen eine noch größere Geste, als ihr das Saugen abzunehmen.

Da verzeihen wir Dieter Glasmacher gern, dass er den Klarnamen von Heintje, Hendrik Nikolaas Theodoor Simons, auf seinem Werk gleich vierfach – Hendrix Nikolaus Theodor Simon – falsch geschrieben – oder eben bewusst eingedeutscht? – hat.

Denn UNSER Hendrix war Heintje ja auf jeden Fall.

^{Bild oben: Dieter Glasmacher, „Heintje
mein bester Freund“ (1971, Detail)}

Heintje würde immer noch blinken!

So steht eines unverbrüchlich fest: Alle heute abhanden gekommenen Kulturtechniken – vom Verzicht über die Kunden-Zuwendung bis hin zum Rücktritt – beherrschte Heintje in meiner & in seiner Kindheit aus dem Effeff.

Würde er, wenn er noch derselbe wäre, heute noch.

Und wir sind sicher: Heintje hat früher garantiert geblinkt, wenn er mit seinem Pony Bubi irgendwo hin abgebog!

Vielleicht sogar, wie auf dem Bild von Dieter Glasmacher, mittels hinterrücks betätigtem Pferde-Schwanz. (10.04.2026)

^{Bild oben: Dieter Glasmacher, „Heintje
mein bester Freund“ (1971, Detail)}

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Was man sieht, zeigt diese Fotostrecke:}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art„
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Der Beitrag German Pop Art Nostalgie 1: Heintje erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Eigentlich ist die KunstArztPraxis ja immer unisono einer Meinung, aber bei Yayoi Kusama scheiden sich dann doch unsere drei Geister. Wir bringen deshalb anlässlich der Schau im Museum Ludwig einen Diptychon aus Lob & Tadel. Heute: Tadel, vom Trypophobiker KunstArzt3: dem Nörgler aus der Wissenschaft.

2022 stand die japanische Künstlerin Takako Saito (1929-2025) Im Vorfeld ihrer Performance im Klangkleid im Museum Ludwig vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ (1966) – einem der Gründungswerke des Museums vor genau 50 Jahren.* Ein guter Freund kann das bezeugen.

^{*die Retrospektive von Yayoi Kusama versteht
sich auch als Jubiläums-Ausstellung.}

In ihren frühen Jahren habe sie ebenfalls Punktebilder gemalt, sagte Takako Saito vor dem Zwangsmöbel-Stück: 1956 habe sie damit angefangen.

Dabei sei sie vom Meister-Maler Ei-Kyu beeinflusst worden, der seit den frühen Dreißigerjahren mit Punkten gearbeitet habe: genauso wie, man ahnt es längst – natürlich! Yayoi Kusama.

Wenn Punkte öde werden

Das wisse sie, weil sie und Kusama sich im New York der Sechzigerjahre ständig über den Weg gelaufen seien. Die Kunst-Welt dort war klein.

^{Bild oben: Das Universum in der Nusschale: Takako Saito, „Ohne Titel“ (1957)}

„Aber mir sind die Punkte nach ein paar Jahren langweilig geworden. 1963 habe ich deshalb damit aufgehört.“

Das hat Takako Saito laut besagtem Freund, mit dem auch wir von der KunstArztPraxis locker Freundschaft pflegen, vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ im Museum Ludwig gesagt.

Yayoi habe wegen des Erfolgs trotzdem immer weiter gemacht. Und dann soll Takako Saito gesagt haben: „Bei den ‚Polka Dots‘ von Yayoi fällt alle Welt auf diese Krankheits-Geschichte herein.“

Die Punkte fluppen immer noch

Zur Erklärung: Laut Yayoi Kusama gehen ihre „Polka Dots“ auf Halluzinationen ihrer Kindheit zurück, in denen sich die Welt plötzlich mit Punkten überzog.

Bis heute hat sie nach eigener Aussage Ängste, lebt & malt freiwillig in einer Nervenklinik in Tokio.

Und: Offenbar hatte sie wirklich gute Berater aus dem Marketingeltangel! Nach über 60 Jahren unentwegtem Punkte-Malen ist Yayoi Kusama die berühmteste Künstlerin der Welt.

^{Foto oben: Takako Saito durchblättert in ihrem Atelier
ihre Punkt-Gesichter und Punkte-Himmelsscheiben. Düsseldorf 2024}

Zur New Yorker Kunstszene der Sechzigerjahre gehörten übrigens auch Yoko Ono und Mary Bauermeister.

Erstere schlägt, wie Yayoi Kusama, in den Instructions ihrer „Grapefruits“ (1964) die Brücke vom Punkt zur Unendlichkeit, letztere auf ihren Bildern auch. 

Die Amnesie der Kunstgeschichte

ALLE Künstlerinnen haben in New York damals Punkte gemalt, das war meditative Praxis. Und ALLE haben zum Punkten damals von Love, Peace und Universe gesprochen.

Nur hat die Kunstgeschichte das vergessen. Sind ja zur Hälfte tote Frauen. Da kriegt die Kunstgeschichte bekanntlich gerne Amnesie.

^{Foto oben: Punkte-Bilder aus dem New York der Sechzigerjahre
in Mary Bauermeisters Atelier-Haus, Rösrath 2015}

Egal. Wichtig ist, dass Yayoi Kusama mit dem Punktieren der Welt immer weiter gemacht – und den Punkt irgendwie zur künstlerischen Eigenmarke entwickelt hat. Deshalb glauben heute alle, der Punkt gehöre ihr alleine.

Aber man ist ja nicht deshalb einmalig, weil man immer dasselbe macht. Das, was man macht, sollte auch schon einmalig SEIN.

Punkte, Performance, Klamotten, Schachspiel

Tatsache ist, dass sich die Werke von Yayoi Kusama, Takako Saito und Yoko Ono – Dots, Performance, Klamotten, Schachspiel – in so vielen Punkten ähneln.*

^{*Sogar den Kürbis-Fetisch teilte sich Yayoi Kusama mit Takako Saito! Ständig hat sie
Kürbisse gemalt! Aber eben nur eine Zeit lang. Dann wurde es ihr öde.}

Was wissen denn wir?

Kann es also sein, dass Yayoi Kusama deshalb zur berühmtesten Künstlerin der Welt avancierte, weil wir so wenig über das New York der Sechzigerjahre und die künstlerischen Traditionen Japans* wissen?

^{*das mit den „Traditionen Japans“ gilt ja wohl
eher für die Instructions von Yoko Ono
und Takako Saito, KunstArzt3, oder?!?}

Und: Ist ein bescheidenes, individuelles Klangkleid von Takako Saito nicht viel sympathischer als Yayoi Kusamas 450-teilige Überpunktungs-Kollektion – Taschen-Punkte! Turnschuh-Punkte! Luxus-Punkte! – für Louis Vuilleton?*

^{*auch das sehen wir anders! Siehe die
tollen 1968er-Kleider auf dem Foto!}

^{Foto oben: „Yayoi Kusama“, Ausstellungsansicht,
Museum Ludwig, Köln 2026. Tolle Kleider. Von 1968. Aus New York!}

Das ist gar nicht der Punkt!

Aber das ist gar nicht der Punkt. Auch sonst kann ich mit dem „Polka Dot“ von Yoyomi Kusama nämlich nicht viel anfangen.

Ich habe einfach kein Auge dafür – gerade dort nicht, wo er das Ding millionenfach übertüncht. Oder den Raum. Denn dieses heute so beliebte „Immersive“ liegt mir fern.

Das liegt aber vielleicht auch daran, dass ich von Kunst nicht überwältigt werden will. Kunst soll mich nicht an die Hand nehmen. Ich hätte gern, wenn sie auf Distanz bleibt zu mir.

Das hat auch etwas mit Respekt mir als Betrachter gegenüber zu tun. Alles andere ist Penetranz.

^{Foto oben: Wirkt wie Kunst der Aborigines. Ist aber Yayoi Kusamas
„Every Day I Pray For Love“ (2023), Museum Ludwig, Köln 2026}

Aber das sehen die beiden anderen KunstÄrzte vielleicht anders.*

^{*nö, lieber KunstArzt3: Mit DIESEM Punkt sind wir dann doch d’accord.
Haben wir aber auch schon SO oft drüber gesprochen zusammen!
Schöne Grüße!!! Deine KunstÄrzte1&2}

Nichts gegen Konzept-Kunst!

Nichts gegen Konzept-Kunst, die immer das Gleiche macht. Peter Dreher, On Kawara, Erwin Hapke: alles tolle Sachen. Weil sie mein Denken animieren, das Denken mit dem Knie.

Hier aber sehe ich nur Überreizung. Effekt. Ich kann mir da nicht helfen, aber für mich ist Yoyomi Kusamas punktuelles Grenzen-Überschreiten Mode-Trip.

Für mich schaffen Yoyomi Kusamas „Polka Docs“ aalglatte Oberflächen, sind Punkte-Fashion ohne Reibungspunkte, Pop-Art-Deko. Sie führen trotz vermeintlich poetischer Titel nicht zu poetischer Erkenntnis, sondern von der Ausstellung direkt in den Museums-Shop.

^{Foto oben: Museums-Shop in der Buchhandlung König
im Museum Ludwig, Köln 2026. Fürs Kusama-Mechantising
gibt’s extra zusätzlich noch einen Sonder-Stand im Foyer.}

Einfach nur Wow!

Die Grenzen zwischen Körper und Raum auflösen, Grenzen überschreiten, das wollen ja Viele. Das man das will, das kann man lernen. Es ist doch immer noch die Frage, wie man es macht.

Und die Inbesitznahme der Welt durch Kunst ist in meinen Augen beispielsweise Günther Uecker mit seinen Nägeln viel besser geglückt. Und Louise Bourgeois das mit der Angst.

Was soll’s. Die Massen werden ins Museum strömen – vermutlich auch die jungen Massen, die sonst nicht ins Museum gehen. Niederschwellig ist das, was Yoyomi Kusama macht, ja auf jeden Fall. Besucher-Rekorde Hilfsausdruck.

Diese jungen Massen werden dann Yayoi Kusamas immersive Räume stürmen und sie als Staffage für ihre Selfies per Film & Foto auf Insta & TikTok ins mediale Universum spülen, während sich das echte Universum ganz klein fühlt dabei.

Denn so sehr Yayoi Kusama das Publikum auch einlädt, das eigene Ego dank Dots im Kosmos aufzulösen: Ihr Werk wird von einer Generation Z konsumiert, die nurmehr das eigene Ich, wenn’s hochkommt, im Raster ihrer Punkte ins Unendliche vergrößert.

^{Foto oben: Yayoi Kusama, „Infinity Mirrored Room – Illusion Inside the Heart“ (2025),
Herz-Innenansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Ein Werk wird Inszenierungskunst für Social Media – und das Museum zur Personenkultstätte für narzisstische Influencer. So gesehen: doch wieder analoger Spiegelsaal der Gegenwart.

Von Berufswegen sympathisch

Ach ja: Yayoi Kusamas Gedanke, dass Kunst heilen könne, ist mir als KunstArzt schon von Berufswegen sehr sympathisch – und wenn ich das richtig sehe, dann hat es bei Yayoi Kusama selbst, zumindest um zu überleben, ja auch ganz gut geklappt.

Allerdings sind Yayoi Kusamas „Polka Docs“ nicht die Art von Kunst, die mich persönlich heilen könnte. Punkt und Aus. (15.03.2026)

<sup>„Yayoi Kusama“ läuft noch bis zum 2. August 2026 im Museum Ludwig in Köln; es muss online ein Zeitfenster-Ticket gebucht werden, denn es wird, da muss man kein Prophet sein, voll.

Man kann das Ganze nämlich auch ganz anders sehen als unser ansonsten hochgeschützter KunstArzt3-Kollege in seinem trypophobischen Wahn! Und natürlich sind bei den über 300 Arbeiten – von der ersten Zeichnung Mitte der Dreißigerjahre bis zu heutigen Werken – weitaus mehr als Punkte zu sehen. Und auch die Ausstellungs-Architektur ist richtig klasse – wie man hoffentlich an den Fotos von KunstArzt1 erkennen kann!

Dazu aber wie oben schon versprochen nächste Woche (22.03.2026) mehr.</sup>

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln
Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund
Kasper König: Porträt der Schenkung als ihr Schenker
Gerhard Richter Retro: „Neue Bilder“ in Köln (2017)

Zur Entfremdung bei der Kunstbetrachtung:
Der Herr im Kunstpalast. „Elias Sime. Echo“

Homepage des Museums Ludwig

Der Beitrag Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Indem sie ihre farbliche Abstraktionen als Körper in die Ausstellungsräume wachsen lässter, weckt Kerstin Brätsch die an sich ja platte Malerei mit „MƎTAATEM“ im Kunstmuseum Bonn zum Leben. Neben Neuproduktionen sind über 100 Werke der letzten 15 Jahre zu sehen. Die Arrangements sind pure Alchemie.

Die Älteren werden sich erinnern: Der letzte Marta-Preis der Wemhöner-Stiftung ging an Lena Henke, und wir Drei von der KunstArztPraxis hatten der Jury Lena Henke auf Einladung des Marta Herford höchstpersönlich vorgeschlagen! Darauf sind wir bis heute mächtig stolz. 

Ende 2026 wird Kerstin Brätsch der aktuelle Marta-Preis überreicht, und wir können uns keine würdigere Nachfolgerin für Lena Henke denken. Denn Kerstin Brätsch macht tolle Kunst, die die – ihrem Wesen nach ja eigentlich fast platte – Malerei in Raum & Körper(n) weiterdenkt.

Dieses Fast-Platte-Malerei-in-Raum-&-Körper-Weiterdenken ist bei Kerstin Brätsch immer geistig ebenso sauber grundiert wie äußerst sinnlich ausgeführt.

Grandios pulsierend umgesetzt

Und ist im Kunstmuseum Bonn jetzt auch kuratorisch grandios pulsierend umgesetzt (Danke, Friederike Fast!).

In „MƎTAATEM“ kann man auf Bildern sitzen und durch Bilder gehen wie durch Zimmer. Da gibt es Malerei, die als Tapete mit abstrakten Felsen, Wolken und Gesichtern die hohen Wände symmetrisch überwuchert, wie eine zweite Haut.

Es gibt Malerei, die Schatten wirft. Die anderer Malerei als Sockel dient. Die Wege versperrt, Perspektiven öffnet oder monstergleich auch noch den kleinsten Zwischenraum beherrscht.

Andernorts gefriert Malerei zur abstrakten Landschaft: So wie bei „Fossil Psychics for Christa“, die Kerstin Brätsch mit Unterstützung des Stukkateurs Walter Cipriani geschaffen hat: „versteinerte skulpturale Pinselstriche“, wie Brätsch das nennt.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Für Brätsch ist die „Fossil Psychics“-Serie auch eine Hommage an Steine: „ihre Präsenz, ihre Stille und ihre Fähigkeit, die Zeit zu konservieren.“ Wie der polierte Querschnitt durch Achate. Auch Natur ist Teil des malerischen Körpers.

Das hat eine visuelle Schönheit, die gerade dank der Abstraktionen Assoziationen weckt – und gleichzeitig beim betrachtenden Durchwandern über- und unterschwellig zu Reflexionen über sich selbst als Kunstwerk animiert.

Denken mit dem Knie in Reinkultur. Hach. So etwas gefällt uns Dreien von der KunstArztPraxis ja bekanntlich immer ganz besonders gut.

Ein Glück: Der Raum ist da

Beim betrachtenden Durchwandern von „MƎTAATEM“ jedenfalls war uns, als habe Kerstin Brätsch einen künstlerischen Kernspin-Tomographen mitsamt Sonar und Röntgenröhre angeworfen:

Auf dass wir staunenden Auges hineinschauen könnten in Herz & Lunge – ach, was sagen wir: in alle nur ERDENKLICHEN Organe der abstrakten Malerei.

Während die Bilder in großer Geste atmeten, pulsten und pochten, und zwar, ja: GANZHEITLICH. So zumindest erschien es uns.

Zum Glück ist Raum zum ganzheitlichen Atmen, Pulsen, Pochen dieser Werke im Kunstmuseum Bonn gegeben.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „Atem“ (2024/2025),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Mit „MƎTAATEM“ ist Kerstin Brätsch unserer Meinung nach etwas ganz Zauberhaftes gelungen: Sie hat dem Museums-Körper mit Farbe Leben eingehaucht wie Rabbi Löw dem Lehm.* Wobei ihr Golem klug ist und in Bildern zu uns spricht.

^{*dass dies bei den architektonisch doch recht dominanten Räumen
des Kunstmuseums Bonn in dieser Form nicht ganz einfach ist,
wollen wir zumindest kurz erwähnen.}

Wir müssen das alchemistisch nennen

Wir können das nicht anders als alchemistisch nennen. Was ganz im Sinne Kerstin Brätschs sein sollte. Denn als eine Art Alchemistin versteht sich die Künstlerin offenbar auch.

Da nimmt es kaum Wunder, dass der von uns ja so geliebte objektive Zufall Kerstin Brätsch in einer Glaswerkstatt Restbestände einer Arbeit in die Hände spielte, die ein anderer Alchemist der Malerei 2009 für die Buntglasfenster des Großmünsters in Zürich schuf. Natürlich: Sigmar Polke. 

„Ich habe seine Rest-Achate in meine eigenen Glasarbeiten eingebettet, wie eine Katze, die einen Teller sauber leckt“, sagt Brätsch. Allein für diese schöne Formulierung hat sich die Erwähnung der Anekdote schon gelohnt.

Auch Polke war ein Zauberer, der mit Malerei Räume füllte und Pavillons zu lebendigen Körpern machte! Wir wollten das als kleinen Exkurs aus gegebenem Anlass hier nur kurz ins Gedächtnis rufen.

Die Alchemie muss aber stimmen!

Zur Alchemie des Atmens, Pulsens & Pochens von Kerstin Brätschs Werken gehört nicht nur, dass sie ihren Malerinnen-Körper in gewisser Weise dadurch erweitert, dass sie mit anderen Künstler*innen oder Kunsthandwerkern kollaboriert.

Dazu gehört auch, dass Brätsch selbst nicht immer weiß, wohin der Prozess der – am Ende allerdings dann doch wieder bewusst gelenkten – Bildfindung führt.

Deutlich wird das bei den „Marmorierungen“, bei denen Kerstin Brätsch den gestischen Pinselstrich gegen übers Blatt laufende Tusche eingetauscht hat. Die Blätter bewegt sie mit dem Marmorier-Meister Dirk Lange gemeinsam hin und her.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Für Brätsch ist dies vor allem eine Arbeit physikalischer Kräfte wie „Schwerkraft, Abstoßung und Anziehung“: eine Arbeit, die zudem von den Eigenschaften der verwendeten Materialien bestimmt wird.

Lang lebe Subjektivität & Autorschaft!

Dass da ja wohl einmal mehr die Frage nach Autorschaft und Subjektivität von der Künstlerin aufgeworfen werde:

Dieser Gedanke geistert da fast schon automatisch durch unsere drei Gehirne, wird aber gleich wieder – Pfft, pfft, Gedanke! – erfolgreich daraus verscheucht.

WIR glauben nämlich noch an Subjektivität & Autorschaft. Und zwar UNISONO.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Wilder Tango für vier Arme?

Wir stellen uns das Procedere lieber als wilden Tango für vier Arme vor, bei dem Papier & Tusche jene Körper sind, die von besagten Armen im Rhythmus bewegt & tänzerisch verschmolzen werden wollen. Und wo vielleicht mal das eine und mal das andere Hand-Paar führt. Bis die Vorlage steht für das – nach dem Tanzen wie gesagt noch nachbereitete – endgültige Werk.

Bei DIESEM alchemistischen Werden würden wir im Atelier gerne einmal Mäuschen spielen.

Wenn nichts dazwischenkommt, dann wird Kerstin Brätsch den mit 25.000 Euro dotierten Marta-Preis Im November 2026 bei einem Festakt im Marta Herford offiziell entgegennehmen; damit verbunden ist eine Einzelausstellung in der dortigen Lippold-Galerie.

Hoch & weit vs. niedrig & Schlauch

Wir sind schon sehr gespannt, wie ihre skulpturale Malerei dort atmen, pulsen oder pochen kann. Nur eins ist klar:

Es wird ein anderes Atmen, Pulsen oder Pochen sein. Denn so viel wunderbaren Platz zum Atmen, Pulsen oder Pochen wie im Kunstmuseum Bonn werden Kerstin Brätschs Bilder in der eher schlauchig & niedrig ausgeformten Lippold-Galerie nicht haben.

^{Foto oben: Selbst zum Raum-Verstellen braucht man Raum!
Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Wir werden auf jeden Fall im November nach Herford reisen. Und vielleicht werden wir sogar berichten.

Aber vorher werden wir sicher noch einige Male staunenden Auges und denkenden Knies durch Kerstin Brätschs hypnotische Bonner Farb-Körper wandern, die auf sehr wundersame Weise Reflexionen über ungeahnte malerische Möglichkeiten mit deren sinnlicher Präsenz in Raum & Körper lebendig verknüpft.

MƎTAATEM eben. (08.02.2026)

^{Kerstin Brätsch. MƎTAATEM“ ist noch bis zum 12. April 2026 im Kunstmuseum Bonn zu sehen.}

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
Der Schatten seiner selbst in Bonn: „From Dawn Till Dusk“
Blick durchs Schaufenster. Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Der brennende Dornbusch. Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn

Homepage des Kunstmuseums Bonn

Der Beitrag Atmen. Pulsen. Pochen. Kerstin Brätsch in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

In Siegen setzt das Museum für Gegenwartskunst (MGK) über 80 Stillleben und Landschaften von Giorgio Morandi mit den Werken anderer Künstler in Dialog. Bei uns hat die fulminante Schau die Erinnerung an ein vergessenes Stillleben ausgelöst, das wir über die Jahre mit Morandi verbunden haben. Auch eine Detektiv-Geschichte.

Als wir für unser Hexenbuch durch die Jahre ein- und ausgingen in Mary Bauermeisters Rösrather Märchenreich, da sahen wir immer wieder durchs Fenster ins Arbeitszimmer auf ein Gemälde mit verstaubten Flaschen.

Dieses Stillleben hat KunstArzt1 immer wieder aus dieser Durchblicks-Perspektive fotografieren müssen, wie unter Zwang: Es gibt durch die Jahre unzählige Fotos davon, die zeitlich nur dank Erinnerungen (und Dateinamen) zuzuordnen sind.

Natürlich dachten wir, der uns (damals) unbekannte Maler habe jene Flaschen abgemalt, die Mary Bauermeister unter seinem Stillleben arrangiert hatte. Aber dann erzählte uns Mary Bauermeister, sie habe die realen Flaschen aufgrund von Ähnlichkeiten nachgesammelt. 

Erst Kunst, dann Wirklichkeit

Demnach war zuerst die Realität der Kunst, und DANN erst eine sich ihr annähernde Form der Wirklichkeit.

Wegen ihrer magnetischen Ruhe waren die gemalten Flaschen, trotz aller Unterschiede auch in der sinnlichen Qualität, in unseren Augen unmittelbar mit Giorgio Morandi verbunden: Morandi musste ihr Vorbild sein.

Vor allem aber schien uns die erzählte Aktion Mary Bauermeisters, dieses Reenactment der Wirklichkeit nach künstlerischer Maßgabe noch besser zu Morandi Werk zu passen als zum Flaschen-Bild an ihrer Wand, ja: fast schon sinnbildlich für unsere Wahrnehmung davon zu sein.

Wie wir das meinen, können wir gut an der Morandi-Schau im MGK Siegen illustrieren, wo neben Landschaften imposant viele seiner Stillleben: Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle und Grafiken, versammelt sind.

^{Foto oben: Giorgio Morandi, „Natura Morta“ (1959. Detail),
Museum für Gegenwartskunst, Siegen 2025}

Denn: Wenn wir die Flaschen Morandis sehen, dann sehen wir Einmaligkeiten aus purer Malerei, die nur vorgeben, Abbild zu sein. Was für Flaschen sollten das auch gewesen sein, die Morandi zum Vorbild hätte nehmen können? Das wäre viel zu profan gedacht.

Der Staub der Ewigkeit

Bei Morandi hat sich ja nichts weniger als die Ewigkeit wie Staub über einen sanften Körper aus Farbe gelegt. Wenn dabei irgend etwas abgebildet sein sollte, dann die Stille der Welt.

Und trotzdem ist beim Betrachten halt immer auch eine Sehnsucht da, die nicht existenten Flaschen Ähnlichkeiten außerhalb des stillen Bildes zu finden. Wie bei Mary Bauermeister.

^{Foto oben: Giorgio Morandi, „Natura Morta“ (1945/1946. Detail),
Museum für Gegenwartskunst, Siegen 2025}

Und mit diesen Ähnlichkeiten vielleicht so etwas wie Seelenruhe.

Im Grunde möchten wir wider besseren Wissens einfach nicht GLAUBEN, dass es zu Morandis Flaschen, Krügen, Schüsseln, Vasen, Schachteln vom Frühwerk der 1920er bis in die 1960er Jahre in Siegen Realitäten gäbe – auch wenn vor allem Luigi Ghirris nahezu kongeniale Fotos aus Morandis Atelier in Genua dies vorgeblich unumstößlich beweisen.

DIESE Illusion wollen wir uns tunlichst bewahren.*

^{*Wir werden Morandis Atelier aus diesem Grund auch
niemals betreten. KEINER von uns Dreien. Never ever.}

Es gibt in unseren Augen halt oft zwei Wahrheiten in der Kunst, und die profanere ist uns immer ein bitzeli zu schal.

Und wo sind nun die echten Flaschen?

Durch die unserer Meinung nach nichts weniger als umwerfende Morandi-Schau in Siegen kam uns nach Jahren die verschüttete Erinnerung an das Flaschen-Bild in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer in Rösrath wieder in den Sinn.

Plötzlich erinnerten wir uns, dass Mary Bauermeister uns den Namen des Künstlers auf einen blauen Klebe-Zettel in den Dummy unseres Hexenbuchs geschrieben hatte! Wir sahen nach. Tatsächlich, da stand er: Josta Stapper.

Wir spürten Josta Stapper im Kunstzentrum Wachsfabrik auf: einer zauberhaften Künstlerkolonie bei Köln, in der auch Mary Bauermeister kurz ein Atelier bewohnte, bevor sie zurück ins Märchenreich nach Rösrath zog.

Unser Hexenbuch hatte sie Josta Stapper vor Jahren zugeschickt. Vor allem dies öffnete uns die Tür.

In Josta Stappers Badezimmer wurde einstmals das Paraffin für die Kerzen der Wachsfabrik geschmolzen: Die acyclischen Spritzer klebten noch auf der Wand hinter dem Spiegel. Verstaubte Flaschen wie die vom Gemälde in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer standen in den Regalen.

Die Zeit stand still. Auch hier.

^{Foto oben: Der Dummy unseres Hexenbuchs mit blauem Klebezettel
von Mary Bauermeister in Josta Stappers Atelier, Köln 2025}

Nein, Giorgio Morandi habe ihn nicht wirklich beeinflusst, so sehr er seine Bilder schätze, sagt Josta Stapper: „Ich bin ja Realist“.

Vielmehr sei er eines Tages ganz profan in den Keller der einstigen Wachsfabrik gestiegen, und da lagen diese Apotheker-Flaschen mit Chemikalien aus den alten Beständen. Die habe er dann mitgenommen in sein Atelier. 

Wie unter Zwang?

Ihr Alter habe ihn fasziniert, die Form, der (echte) Staub, sagt Josta Stapper. In immer neuen Konstellationen habe er sie immer wieder malen müssen – bis heute.

Wie unter Zwang, Herr Stapper? Wir haben nicht gefragt.

^{Foto oben: Unvollendetes Flaschen-Bild
in Josta Stappers Atelier, Köln 2025}

Egal. Wir denken uns dieses Malen des immergleichen Variierten als eine Form meditativer Einkehr, als Zur-Ruhe-Kommen im Prozess des Schaffens. Quasi als Heilung von der Wirklichkeit. Die magnetische Ruhe: Das ist des Profanen andere Seite.

Wie bei Erwin Hapke. Oder bei Peter Dreher, dessen Tag- und Nachtgläser in Siegen vis-à-vis zu Gemälden Giorgio Morandis hängen. Ein bisschen auch wie bei uns, beim Fotografieren von Josta Stappers Flaschen-Stillleben: durch all die Jahre aus der immergleichen Durchblicks-Perspektive in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer.

Und eben, dann doch wieder ähnlich & viel mehr noch als bei uns, trotz aller Unterschiede auch in der sinnlichen Qualität: wie bei Giorgio Morandi selbst.

Stappers Erinnerung geht anders

Das Flaschen-Bild habe Mary Bauermeister ihm Anfang der 1990er Jahre abgekauft, als sie noch Nachbarin und Nachbar waren, sagt Stapper – ein Zehntel ihrer Einkünfte floss ja Zeit ihres Lebens in Werke von Künstler*innen, die knapper bei Kasse waren. 

Ob Mary Bauermeister Flaschen nach dem Abbild seines Bildes zusammengesammelt habe, um sie darunter zu drapieren? Von diesem Reenactment der Wirklichkeit nach seiner künstlerischen Vorgabe will Stapper nichts wissen. Seine Erinnerung geht anders.

Tatsächlich habe er Bauermeister die Vorbilds-Flaschen aus dem Wachsfabrik-Keller mitsamt dem Gemälde überlassen. Sie habe es sich so gewünscht.

^{Foto oben: Perspektiven-Variante, aber immer noch
durch’s Fenster: Josta Stappers Flaschen-Stilleben in
Mary Bauermeisters Arbeitszimmer, Rösrath 2019}

Zwei mögliche Wahrheiten, eine ist profaner, die andere womöglich Illusion. Wie bei den Flaschen von Giorgio Morandi.

Wir wissen nicht, welche Geschichte stimmt – die von Mary Bauermeister oder die von Josta Stapper. UND wir wissen nicht, welches die echten Flaschen sind, die in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer oder die in Josta Stappers Atelier. Aber eines wissen wir: WIR haben die echten Flaschen, WO auch immer, gesehen.

Was sollen wir sagen, Herr Stapper?

Was sollen wir also sagen, Herr Stapper? Wir finden, dass Ihre Kunst mehr mit Giorgio Morandi zu tun hat als Sie denken. Da gibt es viele Resonanzen, zumindest unserer bescheidenen Meinung nach. Wir haben versucht, das aufzuzeigen. Und wir empfehlen Ihnen sehr, nach Siegen zu fahren, ins MGK, um diese Resonanzen mit eigenen Augen zu entdecken. Andere zu sehen gibt es auch.

Darüber hinaus: SO viele grandiose Stillleben mit Flaschen, Krügen, Schüsseln, Vasen, Schachteln – womöglich OHNE reale Flaschen, Krüge, Schüsseln, Vasen, Schachteln – also: So viel wundervoll pure Malerei bekommen Sie so schnell sicher nicht mehr zu sehen.

Dies zumindest ist eine – keineswegs profane – Wahrheit, auf die man sich, trotz deri unterschiedlichsten Erinnerungen im Hintergrund, einigen kann. (25.01.2026)

^{„Giorgio Morandi, Resonanzen“ ist noch bis zum 22. März 2026 im Museum für Gegenwartskunst (MGK) in Siegen zu sehen, das in diesem Jahr zudem sein 25-jähriges Bestehen feiert. Nochmal: Unbedingt hingehen, Josta Stapper!}

^{Anmerkung: Als wir Josta Stapper die Geschichte von den nachgesammelten Flaschen Mary Bauermeisters bei unserem ersten Besuch im Atelier erzählten, da sagte er noch, davon habe er nichts gewusst: „Aber das erfüllt mich mit Stolz“. Das wollen wir Illusionisten von der KunstArztPraxis an dieser Stelle nicht verschweigen – dass auf MBs Flaschen im Märchenreich kein Staub war ebensowenig! Ob danach die Erinnerung daran zurückkam, wie es wirklich war, wie er uns später schrieb? Wir haben Josta Stapper nicht gefragt, auch hierzu nicht. Manche Wahrheit darf in der Kunst getrost im Dunklen bleiben.}

Das MGK Siegen in der KunstArztPraxis:
„Meine Juden“: Miriam Cahn im MGK Siegen
Katja Novitskova: Die glücksberaubten Pinguine
Mariana Castillo Deball: Im Museum der Zukunft
Mehr als heiße Luft: „Die Wolken und die Wolke“ in Siegen
Die Wachstumskurven der Katja Novitskova
Schach in der Mausefalle: Zum Tod von Takako Saito

Homepage des MGK Siegen

Der Beitrag Wo sind die echten Flaschen? Giorgio Morandi in Siegen erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

In diesem Jahr feiern die vier Museen von Worpswede (fast) in den 150. Geburtstag von Paula Modersohn-Becker (08.02.2026) hinein: Zum Jubiläum gehen die Leihgaben an die großen Häuser. Für uns ein guter Grund, ins einstige Künstlerdorf zu fahren, zu Paula & Gefährtinnen. Für Einen von uns war es eine sentimental journey.

Vor 35 Jahren reiste Einer von uns nach Worpswede. Es ging um eine Frau, das auch. Vor allem aber ging es um die Birke. Unser Einer liebt die Birke, für ihn ist sie bis heute die Königin der Bäume. In seinen Augen kommt kein anderer Baum ihr an Anmut und Schönheit gleich.

Der Ruf der Birken von Worpswede war den Bäumen in Form von Kunst vorausgeeilt. Nun wollte unser Einer im Teufelsmoor unter dem unglaublich weiten Himmel des Nordens jene stolzen Bäume sehen, die er von den Bildern Paula Modersohn-Beckers her schon kannte.

Tot der Jugend lauschen

Mit besagter Frau kam unser Einer damals im Haus im Schluh unter, bei Heinrich Vogelers schon hoch betagter Tochter Mascha: Damals lebte sie noch. Im Frühstücksraum hing ein Gemälde, auf dem ihre Mutter Marta im Birkenhain den Vögeln, dem Frühling und der eigenen Jugend lauschte. Heinrich Vogeler hatte es gemalt.

Unser Einer schlief im sogenannten Rosenzimmer untern Reetdach, mit selbstgemachten Möbeln Heinrich Vogelers vom Barkenhoff. Er erinnert sich an herrliche Gespräche mit Mascha, auch über Kunst im Alltag. An himmlische Betten, an traurige Träume. Und an sehr unbequeme Stühle.

^{Foto oben: Heinrich Vogelers „Frühling“ (1897) im Haus im Schluh,
Worpswede 2025. Unser Einer hatte das Bild viel kleiner in Erinnerung.}

Von der Birke zum Porträt

So wundervoll unser Einer Vogelers Marta-Porträt in seiner natürlichen Umgebung damals fand, so ist für ihn bis heute Paula Modersohn-Becker die Malerin der Birke geblieben. Er verließ Worpswede aber auch mit der Erkenntnis, im Teufelsmoor keine der von ihr in ihrem „Lilienatelier“ vor Ort gemalten Birken gefunden zu haben.

Denn Paula Modersohns Birken, so hatte er schließlich begriffen, sind ja keine Bäume, sondern aus Farbe geformte, fast seidene Körper, wie Risse in der Leinwand schwebend vor ihrem grünbraun-erdenschweren Grund.

Und in ihrer Wesenheit und stillen Stärke von einer anderen, flächigen und eben nicht mehr vordergründig tiefen Wirklichkeit.

Später brauchte unser Einer noch eine Weile, um seinen Blick auf Modersohn-Beckers Werk von der dominanten Birke weg zu ihren Porträts hin zu öffnen, die ja irgendwie auch Landschaften sind. Zum Frauenporträt, um genau zu sein.

Zum Frauenselbstporträt, natürlich. Denn Paula Modersohn-Becker hat ja vor allem sich selbst gemalt.

Für Zwei von uns war es das erste Mal

Vor wenigen Wochen sind wir alle Drei gemeinsam nach Worpswede gereist. Für zwei von uns war es das erste Mal: Die Erzählungen des Einen, von der Birke & den Frauen, hatten den anderen Beiden keine Ruhe gelassen.

Ins Teufelsmoor stiefelten wir aber nicht: der verflossenen Jugend, sprich: der Knie wegen.

Stattdessen sind wir zu Paula Modersohn-Beckers Grab gepilgert und haben von der Orgelbühne aus ihre Blumenbilder in den Bögen der ungemein hübsch schlichten Moorbauern-Kirche betrachtet.

Der Überlieferung nach sind sie Teil einer gemeinsam mit der Bildhauerin Clara Rilke-Westhoff verfertigten Strafarbeit der damals 24-Jährigen: weil die Fräuleins in einem Anflug jugendlichen Leichtsinns die Kirchenglocken Sturm geläutet hatten – und das verärgerte Dorf in der irrigen Annahme herbeigeströmt war, es brenne.

In unseren drei Tagen Worpswede haben wir diese Geschichte vier Mal gehört. Und später in Bremen noch einmal.

^{Foto oben: Grab von Paula Modersohn-Becker (1876-1907) auf dem Friedhof der Zionskirche.
Die Mutter-Kind-Plastik des Bildhauers Bernhard Hoetger kam erst 1919 dazu.}

Egal. Jedenfalls sind diese Blumen-Zeichnungen die einzigen, im Übrigen ganz bezaubernd zarten Werke der Künstlerin, die man bis ans Ende aller Tage nur in Worpswede sehen kann.

Wenn es nicht WIRKLICH einmal brennt.

Wir schliefen nicht in Heinrich Vogelers Rosenzimmer im Haus im Schluh, das inzwischen ohnehin mit Bad und Küche zum Appartement „aufgetakelt“ wurde: Zweifelsfrei schön & bequemer, aber eben nicht mehr unseres Einen Erinnerungs-Ort.

Stattdessen bezogen wir in Paula Modersohn-Beckers berühmtem Lilienatelier im denkmalgeschützten Brünjeshof Quartier, in dem viele der von uns geschätzten Porträts und Birkenbilder entstanden. Für diese Reise war es ohnehin der stilvollere Rahmen.

Wenn Rauschen Rauschen übertönt

Im Atelier konnten wir zwar nicht wie Paula Modersohn-Becker „alles Eitle, was die Großstadt mit sich bringt“, abstreifen, um „ein wahrer Mensch und echte Seele zu werden“, das ist ja klar:

Dafür ist Worpswede längst Teil des touristischen Urbanen.

Bei uns kam deshalb auch nur bedingt das Künstlerinnen-Gefühl auf, dass vorm Fensterrahmen „draußen die Schöpfung leise rausche“:

Heute wird die Schöpfung vom Vorrüberrauschen der SUV und LKW auf der nahen Hauptstraße schnöde übertönt.

^{Foto oben: Durch diese Rahmen sah Paula Modersohn-Becker
draußen tagtäglich die Natur. Worpswede 2025}

Die Aura des konkreten Raums

Aber die sorgsam ausgesuchten Möbel gaben in unseren Augen das Flair der damaligen Einrichtung hinlänglich wieder. Und die Bemalung der Wände ist jener Farbigkeit nachempfunden, in der Paula* sie einstmals strich.

^{*In Worpswede werden die Künstler*innen der Moderne beim Vornamen
genannt: Paula, Ottilie, Martha, Clara, Heinrich, Otto usw. usf.
An diesen Marketingeltangel mussten wir uns erst gewöhnen.}

Vor allem aber sahen wir durch dasselbe Atelier-Fenster, durch das Paula Modersohn-Becker beim Malen zur Jahrhundertwende gesehen hatte – was ungeheuer inspirierend war!

Denn so, wie es eine Aura des Kunstwerks gibt, so gibt es ja auch – sogar jenseits originaler Möblierung – die Aura des konkreten Raums.

Die Malerin der Blicke

Momentan ist eine gute Zeit, um nach Worpswede zu fahren – vor allem, wenn man die hier tätig gewesenen Maler*innen der Künstlerkolonie nicht nur von der Birke, sondern auch vom Porträt her studieren will.

Im Vorjahr zu Paula Modersohn-Beckers 150. Geburtstag (08.02.2026) haben die vier Worpsweder Museen in einer konzertierten Aktion nämlich die Ausstellungs-Reihe „Der unteilbare Himmel“ ins Leben gerufen, die der Jubilarin und ihren künstlerischen Weggefährtinnen gewidmet ist.

Mit einem grafisch wie didaktisch gleichermaßen überzeugenden Konzept, dass die Häuser mit einem roten Faden wie von Geisterhand verbindet.

Für uns war dabei die – vor allem im Untergeschoss sensationelle – Schau „Frei und unabhängig. Ottilie Reylaender“ in der Worpsweder Kunsthalle einhellig die größte Entdeckung.

Von Reylaender, die mit ihrer Mitschülerin Paula Modersohn-Becker in der Klasse vom Mitbegründer der Worpsweder Künstlerkolonie Fritz Mackensen eng befreundet war, kannten wir zwar einiges.

Aber wir hatten diese großartige Malerin, deren Selbst- und Doppel-Bildnisse, Landschaften oder Mutter-Kind-Darstellungen im Dialog mit denen der Bald-Jubilarin gehängt sind, frevelhafter Weise viel zu wenig auf dem Schirm.

^{Foto oben: Dieses fulminante Gemälde zum Beispiel kannten wir schon:
Ottilie Reylaender, „Zwei Freundinnen“ (um 1900), Worpsweder Kunsthalle, 2025}

Nach Worpswede können wir nun aber unter anderem sagen, dass wir nur wenige Künstler*innen kennen, die mit so wenigen gezielten Pinsel-Strichen so viel Seele in die Blicke der von ihr Porträtierten legen konnten wie sie. So viel Melancholie: gerade in Kinderaugen.

Da arbeitet Modersohn-Becker beim gleichen Sujet – Augen & Blicke & Seelen bei Kindern – ganz klar verwaschener.

Die Große Kunstschau vis-à-vis verfolgt mit „Zukünftiges Schaffen“ das um 1900 nicht nur von Paula Modersohn-Becker anvisierte Ziel, Künstlerin zu werden, im Grunde bis in die Gegenwart – und konfrontiert den Wunsch nach kreativer Freiheit mit der damals gängigen – und heute von Rechtspopulisten wieder hervor gekramten – Rolle der Frau als Gattin und Mutter. 

Und im wundervollen Barkenhoff – dem Wohn- und Atelierhaus von Heinrich Vogeler, das inzwischen sein Museum ist – sucht die Ausstellung „Verwandte Seelen“ nach Bezügen zwischen der Malerei Modersohn-Beckers und den Porträt-Skulpturen Clara Rilke-Westhoffs, die wir ja schon aus der Sturmglocken-Anekdote weiter oben kennen.

^{Foto oben: Was für ein Aufgang! Barkenhoff, Worpswede 2025}

Und das Haus im Schluh?

Ach ja: Das Haus im Schluh. Dort sahen wir Maschas Mutter Martha wieder – nicht nur als lauschende Jugend im Birkenhain.

1919 wurde sie ja Heinrich Vogelers „Befreite Muse“: Als sie nach der Trennung mit den drei Töchtern, vielen Möbeln und Vogelers Frühwerk aus dem Barkenhoff auszog und dieses Anwesen, ein Dorf im Dorf, begründete.

Nicht zuletzt ermutigt durch Paula Modersohn-Becker, malte sie hier eigene Blumenbilder und begründete neben einem Heimatmuseum mit Bauernmöbeln 1938 auch eine Handweberei, die bis heute existiert.

Deshalb sind in „Befreite Muse“ viele Textilentwürfe und Textilien zu sehen. Auch jenes Kleid, das Martha Vogeler auf Heinrich Vogelers „Frühling“ trägt.

Da hat unser Einer sich gefreut.

^{Foto oben: Das Kleid, das Martha Vogeler 1897 für Heinrich Vogelers „Frühling“ trug,
Haus im Schluh, Worpswede 2025}

Wir gingen auch ins frühere Speisezimmer, sahen den inzwischen abgesperrten Tisch vorm „Frühling“, an dem unser Einer mit seiner Liebe beim Frühstück damals noch gesessen hatte.

In SEINER Jugend. IHRER Stimme lauschend. Noch ohne Wehmut. Und mit intakten Knien.

Ins Rosenzimmer gingen wir nicht

Wir setzten uns auch mehrmals auf Heinrich Vogelers Stühle. Wir fanden sie eigentlich ganz bequem, unser Einer auf seiner sentimental Journey plötzlich auch. Ins Rosenzimmer unterm Reetdach indes gingen wir nicht. Die Wehmut! Die Knie!! Die neuen Bewohner!!!

Wir schauten nur von draußen ins Fenster.

Im Haus im Schluh sprachen wir lange mit einer der jetzigen Besitzerinnen, die letzten der Familie. Was kommt danach?

Und in der Handweberei, am Webstuhl, trafen wir eine alte Weberin. Sie arbeitete schon vor 35 Jahren hier: schon zu Mascha Vogelers Zeiten, als unser Einer mit besagter Frau das Rosenzimmer unterm Reetdach bezog.

An unseren Einen und seine Liebe konnte sie sich natürlich nicht erinnern, verflossen ist verflossen. Außer in der Kunst. (12.10.2025)

^{Die Vierfach-Ausstellung „Paula Modersohn-Becker und ihre Weggefährtinnen. Der unteilbare Himmel“ ist noch bis zum 18. Januar 2026 in den Worpsweder Museen zu sehen. Hier im Abspann noch ein paar fotografische Vorgeschmäcke, in the order of apperance oben. Voilà:}

„Frei und unabhängig“, Worpsweder Kunsthalle, 2025

„Zukünftiges schaffen“, Große Kunstschau, Worpswede 2025

„Verwandte Seelen“, Barkenhoff, Worpswede 2025

„Befreite Muse“, Haus im Schluh, Worpswede 2025

<sup>Und dann zeigt das Paula Modersohn-Becker Museum in Bremen ebenfalls noch bis zum 18. Januar 2026 unter dem Titel „Paula Modersohn-Becker: Short Stories“ Werke aus der eigenen Sammlung. Da waren wir nach Worpswede auch noch.

Neben einem großartigen Bildnis der Freundin und Konzertpianistin „Lee Hoetger vor Blumengrund“ (1906) ist auch das „Selbstbildnis am 6. Hochzeitstag“ (1906) der Künstlerin mit vorgewölbtem Bauch unter den Werken.

In seiner Flächigkeit verweist es auf die andere Tiefe einer Seelenlandschaft. Denn schwanger – das ist so eine Short Story – war Paula Modersohn-Becker damals nicht.</sup>

^{Aber auch die anderen in Bremen gezeigten Werke sind zum Gutteil faszinierend. Kostprobe gefällig? Voilà nochmal:}

Bonus-Track 1: „Paula Modersohn-Becker: Short Stories“, Bremen 2025

^{Und dann gab es 2022 noch die Ausstellung „Das sind meine modernen Frauen“ mit Leihgaben aus dem Paula Modersohn-Becker Museum im Arp Museum in Remagen, deren Farbgebung Paulas berühmtem Lilienatelier in Worpswede nachempfunden war. Nicht nur deshalb wollen wir an sie erinnern. Voilà:}

Bonus-Track 2: „Das sind meine modernen Frauen“, Arp Museum, Remagen 2022

^{Anmerkung: Die geneigten Lesenden müssen jetzt sehr stark sein, den wir haben im Text oben einen Kunst-Fehler gemacht. Entlarvt wurde er so:}

^{Kurz nach der Veröffentlichung unseres Beitrags am Sonntag (12.10.2025) meldete sich Leserin Frau sa_mit_bine, weil sie doch tatsächlich am Montag das Rosenzimmer im Haus im Schluh bezog (siehe Kommentare unten)! Und weil sich unser Einer plötzlich nicht mehr sicher war, ob es sich bei dem von uns abfotografierten – und vielleicht etwas großen? – Fenster tatsächlich um das des Rosenzimmers handelt, haben wir Frau sa_mit_bine kurzerhand gebeten, doch noch einmal nachzusehen.}

^{Und, was sollen wir sagen, was bringt uns Frau sa_mit_bine am Sonntag (19.10.2025) als Nachricht mit aus Worpswede?: „In der Tat handelt es sich bei den von Ihnen fotografierten Fenster um die des ‚Blauen Zimmers‘, vor dem auch die Trauerweide des Gartens thront“. Danke, liebe Frau sa_mit_bine. Wie schade.}

^{Wir haben unterm falschen Fenster gestanden! Was für ein trauriges Ende der Geschichte.}

^{Ihre KunstArztPraxis (19.10.2025)}

Weitere Kunst-Anamnesen in der KunstArztPraxis:
Gegen.Bilder.Terror, 1989: Richters „18. Oktober 1977„
Lebenslanges Türenöffnen: Tomi Ungerer zum 90.
Korrekt performen: Marina Abramović zum 75.
Mehr Licht (2): 450 Jahre Caravaggio (*1571)
Sommerloch-Porträts (3): Robert Wilsons Mund
Sommerloch-Porträts (2): Pierre Huyghes Hund
Sommerloch-Porträts (1): Tim Burtons Hand

Homepage der Worpsweder Museen
Homepage des Hauses im Schluh

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Im Kosmos Eckart Hahns wimmelt es nur so vor meisterlich gemalten Tieren in surrealem Ambiente. Und oft sind die gemalten Tiere aus Papier. „Papiertiger“ in der Villa Zanders trägt sie aus aller Welt zusammen. Ein täuschend echtes Spiel mit unserer wankelmütigen Wahrnehmung. Voller tiefsinniger Fragen an Ich & Welt.

In Bergisch Gladbach gibt es ein Gemälde, dass wir aus bestimmten Gründen ganz besonders mögen. Dabei kommt es oberflächlich betrachtet eher unscheinbar daher.

„Creation“ (2024) zeigt nicht mehr als ein erigiertes Streichholz-Männchen auf zwei gefalteten Papierfiguren ihn einem sanft beschatteten leeren Raum: ein Einhorn und ein Huhn. 

Hahn hat die unscheinbaren Drei aufeinander drapiert wie dezimierte Bremer Stadtmusikanten – und damit zeitliche Abfolge ins räumlich Vertikale verschoben. Denn die Figuren entstammen nicht dem Märchen, sondern einem Sciencefiction-Film, der in unseren Augen – neben „Flucht ins 23. Jahrhundert“ (1976) und „Terminator“ (1982) – einer der hellsichtigsten aller Zeiten ist.

Wir meinen natürlich Ridley Scotts „Blade Runner“ (1982), in dem ein zwielichtiger Typ namens Gaff mit seiner Origami-Kunst nach und nach auch das Leben des Helden Rick Deckard kommentiert.

Im Film hat Deckard im futuristischen Los Angeles des Jahres 2019 den Beruf, gegen ihr Sklaven-Dasein rebellierende Adroiden – sogenannte Replikanten – per Empathie-Test zu entlarven und zu eliminieren.

Am Ende des Films gibt Gaff Deckard mit seinem Papier-Einhorn den Hinweis, dass der Replikanten-Jäger selbst Replikant sein könnte. Denn es verweist auf einen Traum Deckards, von dem Gaff nichts wissen kann: es sei denn, der Traum wurde Deckards Hirn digital implantiert.

^{Eckart Hahn, „Creation“ (2024); © für alle Gemälde: VG Bild-Kunst 2025}

Vordergründig betrachtet zeigt „Creation“ nur drei ins Riesenhafte aufgeblähte Profan-Skulpturen aus Holz & Papier in einem Hierarchie-Gefüge.

Aber mit „Blade Runner“ im Rücken ist dieses Abbild (Gemälde) des Abbilds (Film) des Abbilds (Origami) eines nicht mal real existentierenden Originals (Einhorn) auf eine herrlich unaufdringliche und dennoch verschachtelte Art aufgeladen mit den sozialen & existentiellen Fragen unserer Zeit.

Wann ist der Mensch ein Mensch?

Fragen nach Identität & Selbstbewusstsein zum Beispiel, nach Wahrheit & Täuschung, nach Autonomie & Unterdrückung, Macht & Überwachung, Kaltherzigkeit & großer Liebe, Leben & Imitat, KI & Vergänglichkeit.

Damit ist „Creation“ mal wieder so ein gutes Beispiel dafür, dass Kunst selbst unter ihrer schönsten glatten Oberfläche Reflexionsräume öffnen kann. Auch für Dinge, über die der oder die Betrachter*in sonst vielleicht im Traum nicht nachgedacht hätte.

Und das kann eben auch gute Kunst aus und auf – und über – Papier.

Bekanntlich war die Villa Zanders bisher eher auf gute Kunst aus und auf, nicht aber über Papier abonniert. Insofern ist Eckart Hahns Meta-Papier-Ausstellung, die in Form einer käuflichen Edition nur eine einzige leibhaftige Zellulose-Arbeit präsentiert, ein Novum. Und damit eine in unseren Augen gut genutzte Chance für das Kunstmuseum zur kuratorischen Erweiterung des eigenen Portfolios.

Die rund 50 Exponate der Ausstellung decken nämlich auf, wie stark sich Hahn bei seinen fotorealistischen Werken in Acryl und Aluminium (es gibt auch fünf Skulpturen) immer wieder mit dem Motiv auseinandergesetzt hat, um das Fragile der in unserem Bewusstsein individuell zusammengefalteten Welt ebenso darzustellen wie das Herumlavieren unserer wankelmütigen Wahrnehmung.

Von daher passt Hahn & Zanders wie Deckel auf Topf.

Bei Eckart Hahn sei das gemalte Papier „Metapher für die Konstruktion von Wirklichkeit“, sagt Museums-Direktorin Ina Dinter.

„Es ist alltäglich und unscheinbar, aber zugleich Träger von Ideen, Geschichten und Identitäten. Papier kann täuschen, verbergen, verwandeln. Es eignet sich daher ideal, um die Unsicherheit und Mehrdeutigkeit unserer Wahrnehmung zu inszenieren.“

Besser hätten wir das auch nicht sagen können. Deshalb schmücken wir uns ausnahmsweise mal mit fremden Federn wie manche von Eckart Hahns Vögeln und zitieren etwas länger als sonst.

^{Wenn Konstruktion von Wirklichkeit misslingt, kann man Papier auch zerknüddeln
und frustriert zu Boden werfen! Dieses Papier hier ist allerdings aus Aluminium. Und eine
ziemlich gute Idee. Eckart Hahn, „Cloud II“ (2025), Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2025}

Und noch etwas kam uns in der thematischen Zusammenschau der Werke, die zum Gutteil aus Privatsammlungen aus aller Welt nach Bergisch Gladbach gereist sind, erstaunlich vor:

Uns erschien es beim Betrachten nämlich fast schon so, als würde Eckart Hahn beim Komponieren und beim Malen seiner Bilder sogar papiern DENKEN.

In Kartenhäusern, Papp-Aufstellern, Tapeten und Puzzles nämlich. In Collagen – und in Décollagen, wie ein Affichist: Einer, der seine Farbschichten wie Plakat-Blätter übereinanderlegt, um dann einen Teil wieder herauszureißen. 

^{Kunst kann man sich nicht aus den Rippen schneiden. Aber aus dem
papierenen Bauchraum reißen. Um sich besser kennenzulernen vielleicht? Weiterzuentwickeln?
Quasi plico, ergo sum. Eckart Hahn, „Character“ (2023)}

Deshalb ist die Illusion von Eckart Hahns Bühnenräumen und Arrangements selten perspektivisch tief, sondern bleibt immer irgendwie flächig. Das Bild tut nicht so, als sei es Raum. Und wenn die Gefahr besteht, findet sich irgendwo eine plakative Abriss-Kante. 

Ganz anders als beim ECHTEN Origami, dass wir seit Erwin Hapke lieben.*

^{*Im echten Origami wird ja auch nicht gerissen. Wölfe reißen.}

Darf man sich bei Kunst an Kunst erinnert fühlen?

Eigentlich schreiben wir äußerst ungern, dass uns Kunst an andere Kunst erinnert hat, denn das ist ja oft nur ein einstudierter Taschenspielertrick studierter Kunstgeschichtler, der kaum Erkenntnis bringt. Oft will man damit nur zum Ausdruck bringen, dass man sich auskennt auf dem weiten Feld, das man beackert hat. 

Wir schreiben trotzdem, dass uns Eckart Hahns Kunst ein wenig an die von Michael Sowa erinnert, dessen Ausstellung „Fragile Idyllen“ momentan noch bis zum 9. November 2025 im Caricatura Museum Frankfurt läuft.

Es geht uns dabei nämlich darum, auf unterschiedliche Facetten von Humor aufmerksam zu machen, über die wir in Bergisch Gladbach mit Eckart Hahn gesprochen haben. Da haben wir es aber ziemlich schlecht erklärt. Entschuldigung, Herr Hahn.

Neuer Versuch: Auch bei Sowa gibt es diesen altmeisterlich-surrealen Umgang mit einer fabelhaften Tierwelt. Aber bei Sowa ist es schwerpunktmäßig eher Komik. Und bei Eckart Hahn ist es schwerpunktmäßig eher Witz. 

^{Auch Hängung kann witzig sein! Eckart Hahn, „Parrot“ (2016),
Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2025}

Aber Witz nicht im Sinne von lachhafter Flachwitz, sondern im Sinne von augenzwinkernder Esprit. Im Sinne von: Verstand, kluger Einfall, List, Reife, Einsicht, Erkenntnis. SO steht es, hier zusammengedampft, im „Grimmschem Wörterbuch“, wir haben extra nochmal nachgeschaut. Und SO denken wir uns das eben auch bei Eckart Hahn.

Und noch ein letztes: Die Werke Eckart Hahns sahen wir zum ersten Mal in der leider kurz vor Corona insolvent gegangenen Galerie Wagner & Partner in Berlin. Das ist jetzt knapp ein Dutzend Jahre her. So lange sind wir schon am Künstler dran.

Galerie mit Stasi-Abhör-Keller

Die Räume der Galerie lagen am Strausberger Platz, direkt neben der für Militärparaden ausgelegten Karl-Marx-Allee in Berlin-Friedrichshain, genauer: im ehemaligen Interflug-Reisebüro aus dem nicht mal real existierenden Sozialismus von Erich Honneckers DDR. Die Türen waren faltbar wie Origami. Im Keller gab es noch die Stasi-Lauschanlage. 

Wer ausreisen wollte, wurde in der DDR eben mit Argusohren überwacht – und gegebenenfalls in die Falle gelockt & verhaftet: wie heute beim Einreiseversuch in die dystopischen USA des kopf- und rückgratlosen Papiertigers Donald Trump.*

^{*Tja, mit DIESEM Satz können WIR uns unsere USA-Reise
schon mal abschminken! Feind liest schließlich mit.
Und nach Trump kommt JD Vance: noch schlimmer.
So sad.}

Das wird im autokratieverliebten Teil von Deutschland momentan ja wieder gern vergessen.

Ein Ort der Illusion & Täuschung, von gewünschter Freiheit & realer Unterdrückung, willkürlicher Macht & komplexer Überwachung sind diese Galerie-Räume einmal gewesen. Wären die Bilder von „Papiertiger“ – sagen wir: 1984 – im Interflug-Reisebüro aus den Privat-Sammlungen der Welt zusammengekommen und nicht heute in Bergisch Gladbach, sie hätten sich sicher auch dort nicht als deplatziert empfunden.

Honecker ist Geschichte, aber die Putins und Trumps und Musks und Zuckerbergs und Thiels gibt es halt immer noch. Die Schönheit dieser Welt bleibt brüchig. Und unter der Haut jedes Schweins lauert das nächste.

Auch das kann man auf Eckart Hahns Gemälden in der Villa Zanders entdecken: als Haltung zur Welt. Also unbedingt hingehen & genau hinsehen! Und nachdenken! Und danach zuhause mal wieder Ridley Scotts „Blade Runner“ in den Video-Rekorder schieben. (27.07.2025)

^{„Eckart Hahn. Papiertiger“ ist noch bis zum 1. Februar 2026 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen. Auf den Katalog, der bald erscheinen soll, freuen wir uns schon.}

^{Anmerkung1: In diesem zu Ehren des Künstlers diesmal eher collagehaften Text haben wir mehr Sciencefiction-Klassiker versteckt als Eckart Hahn in seinen Bildern! Findet Ihr sie alle?}

^{Anmerkung2: „In ‚Blade Runner‘ verwendet Deckard den Voight-Kampff-Test, um festzustellen, ob eine Person ein Replikant ist oder nicht. Dieser Test basiert auf der Analyse von emotionalen Reaktionen auf bestimmte Fragen und Situationen, die einem Replikanten schwerer fallen würden als einem Menschen“ (Erklärung der Google-KI). Es geht im Grunde um Empathie, wir würden noch hinzufügen wollen: Selbstreflektiertheit und Humor. Von daher sind wir ziemlich sicher: Weder Wladimir Putin noch Donald Trump noch Alice Weidel hätten den Voight-Kampff-Test bestanden, wenn es ihn denn gäbe. Vermutlich also Replikanten.}  

Kunstmuseum Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
Traum hinter Geste: Ruth Marten in der Villa Zanders
Mehr Babel war nie! Jenny Michel in Bergisch Gladbach (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Wie sagen wir’s den Bienen? “HONIG” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
In Brüchen denken: “Martin Noël – Otto Freundlich” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
33 Malantworten: Rolf Rose in der Villa Zanders
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
“Bibliomania” in Bergisch Gladbach: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Der Beitrag Papiertiger aus Acryl. Eckart Hahn in der Villa Zanders  erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Als Sichtbarkeits-Fanatiker kramen wir beständig in unserem Bild-Gedächtnis. Zum 250. Geburtstag von William Turner (23.04.2025) können wir deshalb eine Schau erinnern, die das LWL-Museum für Kunst und Kultur in Münster 2019 für den begnadeten Romantiker ausgerichtet hat. Er hat es verdient. Sie auch.

Die Fotos haben wir mal für den WDR gemacht. Dort hat sie die Unsichtbarkeits-Maschine schon vor sechs Jahren verschlungen. Auch medialer Aktualitäts-Wahn und brachiale Archivierungs-Intoleranz sind ja zwei Klauen ihrer gnadenlos vielarmigen Anatomie.

Hier also exklusiv hervorgekramt – auf dass die schöne Ausstellung nie mehr vergessen werde:

Bitteschön. Dankeschön. Ihre KunstArztPraxis (23.04.2025)

Das LWL-Museum für Kunst und KulturMünster in der KunstArztPraxis:
Wir heben einen Schatz oder: Münster, kauf Tilo Keil!
Joseph Beuys und die Unsichtbarkeits-Maschine

Homepage des LWL-Museum für Kunst und Kultur Münster
Museumsseite zu Turner 2019. Immer noch sichtbar. Sensationell.

Der Beitrag Wider das Vergessen 1: William Turner zum 250. erschien zuerst auf KunstArztPraxis.