Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte. Vor allem dann, wenn eine Ausstellung eine derartige Neu-Entdeckung ist wie „Carl Grossberg“ im Von-der-Heydt-Museum Wuppertal. Lassen wir in guter alter Tradition also wieder einmal einfach einmal nur die Fotos sprechen.

Über Grossbergs Magie der (Menschen-)Leere haben wir andernorts ja schon genug sinniert.

(26.07.2026)

^{„Carl Grossberg. Sachlich – magisch – visionär“ ist noch bis zum 30. August 2026 im Von der Heydt-Museum in Wuppertal zu sehen.}

Magie der Leere. Carl Grossberg in Wuppertal

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 40: „Zeichenräume“ in der Villa Zanders
Reine Bildgebung 39: „Antike reloaded“ in Neuss
Reine Bildgebung 38: Günther Uecker in Remagen
Reine Bildgebung 37: Kerstin Brätsch in Bonn
Reine Bildgebung 36: William Kentridge in Essen
Reine Bildgebung 35: Eckart Hahn in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 34: „Before the Wind“ in Paderborn
Reine Bildgebung 33: „Teilweise möbliert“ in Krefeld
Reine Bildgebung 32: Elias Sime in Düsseldorf
Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguley in Duisburg
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Von der Heydt-Museums Wuppertal

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Am 15. Juli 2026 wird Rembrandt Harmenszoon van Rijn 420 Jahre alt. Wir feiern den Geburtstag mit der Kindheits-Erinnerung an den berühmtesten aller Rembrandts, der am Ende gar keiner war. Und schildern, was wir dem letztendlich heilsamen Schock mit dem „Mann mit dem Goldhelm“ verdanken.

^{Für Rembrandts Mann mit dem Goldhelm (um 1650/1655-1986)}

Neben Jan Vermeers „Herr und Dame beim Wein“ war auch „Der Mann mit dem Goldhelm“ von Rembrandt Teil des Dekors unserer Kindheit. Schummrig ausgeleuchtet, hing er bei einem Klassenkameraden im Wohnungsflur.

Eigentlich war es ein Goldhelm mit Mann, beziehungsweise nur ein Helm, der offenbar als Tarnkappe fungierte:

Der sehr dunkle Mann war im Kontrast zu seinem grellem Schutzschmuck in diesem Ambiente nahezu unsichtbar.

^{Foto oben: Sofa und Tapete haben seit den 1960er Jahren mehrfach gewechselt.
Der falsche Vermeer – hier: 1970er Jahre – hängt immer noch im Sauerland.}

Der Rembrandt passte perfekt hinein

Der Flur war ein Schlauch. Den Boden versank in einem Meer fein bemusterter, beige befranster, dunkelroter Läufer.

Die Wände waren mit dunkelbraunen Tapeten-Ornamenten verkleidet, die Decke mit dunkelbraunen Brettern aus Energiespargründen abgehängt.

Wir erinnern uns noch lebhaft an ein Telefon, das bis auf die Wählscheibe in einer barock bestickten Brokathülle steckte.

Es thronte auf einem Adress-Register. Drückte man auf Buchstaben-Knöpfe, dann schnellte die entsprechende Seite mit Telefonnummern heraus.

Alles in allem war das ein Interieur, das im Drogenrausch vermutlich Horrortrips produziert.

Der Rembrandt passte perfekt hinein.

^{Foto oben: Eines echten Rembrandts würdig – auch wenn der Brokat
aus Plastik war: Barocke Telefonhaube „SIEMENS POST FETP 611-2“
für Fernsprechtischapparat „FETAP 611-2“ im Sauerland (Symbolbild, ohne Adress-Register)}

Einmal in Jahr lud uns der Klassenkamerad zum Geburtstag ein. Nach der Kuchenschlacht knubbelten wir uns in freudiger Erregung an einem Ende des psychodelischen Wohnungsflurs.

Am anderen Ende nahm der Vater den Rembrandt unter unseren Blicken vorsichtig von der Wand, stellte ihn auf den Boden und hängte statt seiner eine Zielscheibe an den Haken.

Es war eine jener Scheiben, an denen die Mitglieder Sauerländer Schießvereine fürs Schützenfest den montäglichen Königsschuss – oder, bei schmalem Geldbeutel, dessen Vermeidung – übten.

Der Flur war zum Schießstand geworden: Aus der düstren Tiefe des Raumes kam der Vater auf uns zu und überreichte uns feierlich ein Luftgewehr.

^{Foto oben: Könnte auch ein Orden eines Sauerländer Schützenkönigs sein.
Ist aber eine Teilnehmer-Medaille vom 5. Frühjahrsmarsch Oberostendorf 1972}

Bis zum Hals im Boden versunken, überwachte Rembrandts Mann unterm Goldhelm das Spektakel. Nur sein Kopf ragte aus dem blutroten Schützengraben des aufgewühlten Teppichmeers: Wir konnten ihn erahnen, weil er unter seinem wehrhaften Helm ja schattenhaft da sein musste.

Wir kannten diesen Rembrandt, diesen berühmtesten, rembrandtschsten aller Rembrandts, auch aus unseren Schul- und Lesebüchern, gut.

^{Foto oben: „Rembrandt malt seinen ‚Mann mit dem Goldhelm‘.
Im Rahmen!“ (Tableau vivant, vor 1986)}

Wir waren Sonntagsschützen

Was sollen wir sagen? Wir waren Sonntagsschützen. Die unendlich weit entferne Scheibe bot uns im Chiaroscuro des Raumes nur einen ungefähren Anhaltspunkt.

Wir sind uns deshalb auch nicht sicher, ob die Löcher, die unsere Geschosse unter dem Hallo der jeweils Anderen in breiter Streuung in die Tapete bohrten, vom Rembrandt wirklich verdeckt werden konnten, nachdem er die Schirmherrschaft über die Wand wieder übernommen hatte.

Vermutlich hätte die „Nachtwache“ unsere rabiaten Flurschäden besser kaschiert. Es war ja ein Bombardement über Jahre.

Ohnehin hätte Rembrandts Amsterdamer Büchsenschützengilde noch besser ins Interieur hineingepasst als dieser einzelkämpferische Goldhelm, für dessen magische Präsenz uns die Geburtstagsballerei eine ganz eigene Deutung schuf: Der Helm musste die Krone eines mythischen Schützenkönigs sein!

Und den Mann hatte Rembrandt so nebulös, quasi als Platzhalter gemalt, weil der Schützenkönig in der Wirklichkeit ja in jedem Jahr ein Anderer war.

Bis heute sind wir verwundert

Bis heute sind wir verwundert, dass der über den Teppichwassern schwebende Goldhelm unter unserem Beschuss keinen Schaden nahm: Er war wohl gar nicht aus Farbe, sondern aus Stahl.*

^{*bei Gotthold Glover ist Rembrandts Helm allerdings
aus purem Ateken-Gold! Alsoweich. Sehr, sehr weich.}

Schaden nahm der Goldhelm erst am 13. März 1986, kurz vor den Iden:

Nämlich, als die Staatlichen Museen zu Berlin unter Begleitung eines riesigen Medienwirbels bekanntgaben, dass sich der Inbegriff von Rembrandts Meisterschaft, der Rembrandt unter den Rembrandts, als – plötzlich zweitrangige – „Werkstattarbeit“ entpuppt habe.

Das nach der „Mona Lisa“ berühmteste Bild der Welt hatte von einer Sekunde auf die nächste aufgehört zu existieren.

Danach wurde sicher auch der Goldhelm, wie wir ihn kannten, aus seinem schummrigen Flur augenblicklich ins Exil eines noch dunkleren Dachbodens verbannt.

Er war ja, des großen Namens als glitzernder Speerspitze beraubt, selbst als Kopie nichts mehr wert.

^{Foto oben: Man konnte sich auf Rembrandts Ruhm plötzlich nicht mehr ausruhen!
Auch nutzlos gewordene Dekor-Kissen verschwanden in den Achtzigerjahren
sang- und klanglos aus den guten Stuben kleinbürgerlicher Häuser, …}

Wir erinnern und noch lebhaft an den Schock, der nach der Enttarnung selbst durch unsere eigentlich noch gar nicht kunstbegeisterten Reihen lief.

Es war wirklich ein Schock, fast kollektives Entsetzen, heute nicht mehr zu begreifen: eine weitere Schuss- oder Stichwunde in unseren naiven Glauben an die Unfehlbarkeit von Autoritäten, an die unerschütterliche Beständigkeit der Welt.

Andere mögen noch wissen, wo sie sich befanden, als die „Challenger“ zu Teufelshörnern explodierte oder die Zwillingstürme stürzten.

Wir erinnern uns, wo wir saßen, als der bis dahin unsterbliche Mann unter dem wehrhaften Goldhelm aufgrund seiner Achillesferse – dem falschen Maler, den falschen Malern? – unter großer Anteilnahme der Weltpresse fiel: nämlich mit der „Westfalenpost“ vor der Nase am elterlichen Frühstückstisch.

Es ist nicht übertrieben, wenn wir sagen, dass damals auch unsere Kindheit und Jugend ein Stück weit mehr verloren ging.

^{Foto oben: Wenn der Schock zu groß wird, dann muss man sich Kunst
eben echt trinken: Pils-Werbung von 1988. Da war Rembrandt schon
zwei Jahre der Mann OHNE Goldhelm.}

Die Sache mit dem Goldhelm war unsere erste wirklich prägende Begegnung mit den Gesetzen des Kunstmarkts. Das Verblassen seiner Aura machte uns skeptisch gegenüber den glitzernden Blendgranaten des Betriebs.

Sichtbar machen, unsichtbar bleiben

Angeschlagen tauchten wir unsere Körper bis zum Hals in die Fluten des Biggesees, der uns nicht nur von den schießwütigen Ritualen unserer Sauerländer Kindheit reinwusch, sondern auch (nahezu) unverwundbar machte gegenüber den Verführungen des Marktgeschreis.

Und wir beschlossen, auf diesem Schlachtfeld, mit einem Tarnkappen-Helm aus Azteken-Gold gewappnet, so weit wie möglich selbst im Dunkeln, so weit wie möglich ewig unsichtbar zu bleiben.

Das ist es, was wir dem „Mann mit dem Goldhelm“ verdanken. (12.07.2026)

^{Anmerkung: Alle analogen Inszenierungen dieses Beitrags fanden im herrschaftsfreien Raum der Intuitionskiste von Joseph Beuys statt. Was würden wir ohne diesen Beuys nur machen. Zudem danken wir dem Hammer Gastro-Sammler Bloehme für sein Entgegenkommen.}

Bonus-Track: „Inside Rembrandt“, Wallraf-Richartz-Museum, Köln 2019

Rembrandt in der KunstArztPraxis:
Wir sind geheilt! „Goldene Zeiten“ in Remagen
German Pop Art Nostalgie 2: Ministeck

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Einmal hätten wir fast ein Werk von Eberhard Havekost angekauft. Im Museum Kurhaus Kleve haben wir es nun endlich im Original gesehen: unbegreifbar wie alle 200 dort versammelten Gemälde und Grafiken der Retrospektive, die die Filter unserer Wahrnehmungs-Speicher im digitalen Raum erproben. Toll.

Wir waren nie im Berliner Atelier von Eberhard Havekost. Wir haben ihn weder je gesprochen noch gesehen, wir glauben, wir kennen nichtmals ein Porträt-Foto von ihm. Für uns ist Eberhard Havekost immer ein Phantom geblieben. Null Materie. Eins Schatten.

Genauso wenig greifbar wie die Techno-Beats jener Clubs, in denen er als DJ zur Jahrtausendwende aufgelegt haben soll. Genauso wenig greifbar wie seine Bilder.

Wohl weil leichter fassbar

Dabei hätte es Gelegenheit genug gegeben. Wir haben in den Nullerjahren nämlich mehrmals kurz davor, eins seiner Werke für die Hammer Sammlung Blöhme anzukaufen. Eine Serie. Oder doch zumindest eine Grafik.

Dafür waren wir aber nur mit Eberhard Havekosts Galeristen in Dresden und München im Gespräch. Nichtmals mit denen in New York.

Aber dann entschied sich Herr Blöhme, lieber die „Neue Leipziger Schule“ zu sammeln als „Dresden Pop“. Lieber Tim Eitel & Jochen Plogsties als Eberhard Havekost & Thomas Scheibitz.

Wohl weil, auch stilistisch, leichter fassbar. 

^{Bild oben: Wahrscheinlich unhaltbar, aber für uns trotzdem ein Selbst-Porträt von
Eberhard Havekost: „Raum 6, B 06“ (2006), Museum Kurhaus Kleve, 2026}

Eine der uns damals von den Dresdner Galeristen Eberhard Havekosts angebotenen Gemälde-Serien haben wir jetzt in der Ausstellung „Benutzeroberflächen. Arbeiten 1994-2009“ im Kunstmuseum Kurhaus Kleve im Original gesehen.

Zumindest vermuten wir das. Es gibt wohl zwei Varianten.*

^{*die andere hängt dauerhaft
im Musée de Grenoble} 

Oberfläche: meisterlich!

Das Angebot von damals ist ein Vierteiler und hat ein sündhaft teures La-Sede-Design-Ledersofa in den für Havekost typischen, ungewöhnlichen An- und Ausschnitten als Motiv.

^{Foto oben: Eberhard Havekost, „Shimmery Mauve, B 07“
(2007, Detail), Museum Kurhaus Kleve, 2026}

Wir erinnern uns noch, wie fasziniert wir damals von der malerischen Gestaltung der ledrigen, fast durchschimmernden Oberfläche waren. Sofern sich dies auf dem Galleristen-pdf – dem digitalen Bild des analogen Bildes eines Sofas – überhaupt sagen ließ.

Vor Ort in Kleve fühlten wir uns dann aber in unserer Faszination von damals voll bestätigt. Die Ausgestaltung der ledrigen, fast durchschimmernden Oberfläche IST meisterlich. An den Kunstakademien der DDR hat man ja noch handwerklich zu malen gelernt.

Künstler. Nicht Krösus

Inzwischen wissen wir, dass wir dieses Sofa in den Nullerjahren wohl im Atelier von Eberhard Havekost gesehen hätten: Hier soll das Vorbild für die Gemälde gestanden haben.

Havekost hat es natürlich secondhand erworben. Er war ja Künstler. Nicht Krösus.

Wie wir dem Katalog zur Ausstellung entnehmen, gehörte von allen Dingen im Atelier das Sofa zu den fünf liebsten. 

Neben Terpentin-Dosen, Bananenkisten, Adidas-Kartons, einem Plastik-Weihnachtsbaum und einem Selbstporträt der Tochter als kleine Hexe.

^{Bild oben: Könnte das Bild des Plastik-Weihnachtsbaums im Atelier sein:
Eberhard Havekost, „Glück, B08“ (2008), Museum Kurhaus Kleve, 2026}

Startplatz für Weltraum-Abenteuer

Das Sofa sei der fremdeste Gegenstand in seinem Atelier, hat Eberhard Havekost der Kunsthistorikerin Susanne Altmann laut Katalog verraten – sie war im Gegensatz zu uns 2009 direkt vor Ort.

Es funktioniere „als Starthilfe, um gedanklich ins Weltall aufzubrechen, und als guter Schlafplatz.“

Zudem wirke es „als bürgerliches Accessoire wie ein Hinweis darauf, dass ich möglicherweise auch ein bequemes Leben führen könnte.“

So klug durchdacht hat Eberhard Havekost, nach allem, was man hört & liest, gesprochen.

^{Bild oben: Vielleicht Ergebnis eines Weltraum-Abenteuers vom Atelier-Sofa aus,
auf jeden Fall ungreifbar: Eberhard Havekost, „Mondsteine“ (2012, Detail),
Museum Kurhaus Kleve, 2026. Fulminant gemalt, wie die Palme daneben.
Und eben unser Sofa.}

Das Sofa ist eine von den im Klever Ausstellungstitel erwähnten „Benutzeroberflächen“, aber im übertragenen Sinne, also buchstäblich; sprich: analog, für ECHTE Körper. 

Das unterscheidet es von vielen der anderen Oberflächen, die Eberhard Haverkost auf seine coole, entlarvende Art so irritierend wie stilistisch vielfältig „abgebildet“ hat. Farbfeld & Flagge inklusive. Und gestisch gibt es auch.

Man könnte jetzt sagen: Das abgebildete Sofa existierte WIRKLICH, es stand ja in Eberhard Havekosts Atelier, und dies hier ist das Bild davon. Aber das zu sagen ist bei Eberhard Havenkost zu wenig. Ein Sofa ist ein Sofa. Aber für Eberhard Havekost wird es erst bei ein Sofa ist ein Sofa ist ein Sofa interessant. 

Platons Feuer heißt jetzt Photoshop

Wir sehen nämlich gar kein Bild vom Sofa, zumindest vermutlich nicht. Wir sehen das Bild vom Bild eines Sofas, und zwar vermutlich das analoge Bild eines digitalen Bildes eines analogen Sofas.

Bevor er mit dem Malen anfing, hat Eberhard Havekost offenbar Fotos vom Designer-Stück gemacht, in den für Havekost typischen, ungewöhnlichen An- und Ausschnitten. So sieht kein Mensch. So sieht ein Apparat.

Und dann ist er unterm Wummern der Beats aus dem Atelier virtuell hinab in seine digitale Dunkelkammer gestiegen, um die Oberflächen so lange zu manipulieren, bis das Materielle daraus entwichen war.

^{Foto oben: Eberhard Havekost, „Shimmery Mauve, B 07“
(2007, Detail), Museum Kurhaus Kleve, 2026}

Platons Feuer heißt ja heutzutage Photoshop. Und seine flackernden Schatten sind bunt.

So ist das nämlich: Eberhard Havekosts Sofa hängt in Platons Höhle an der Wand, es gehört zum Inventar. Und zeigt uns auf diese Weise, dass wir wohl noch sehr viel tiefer in der gut möblierten Höhle stecken als erhofft.

Dass wir nichtmals die Schatten der Dinge sehen, sondern höchstens die Schatten der Schatten, das Bild des Bildes des Sofas: Die Vorlagen der Bilder Eberhard Havekosts kommen vorrangig aus Filmen, von Videos, aus Magazinen und dem Internet.

Und manchmal sehen wir sogar lediglich den Filter, die nackte Höhlenwand: den leeren Screen, das auf Leinwand gespeicherte Medium. Blinde Anschauung. Null Begriff.

^{Bild oben: Medium & Speicher. Eberhard Havekost, „Kosmos, B 11 (3/7)“
(2011, Detail), Museum Kurhaus Kleve, 2026}

Ach, was sagen wir: Wir sehen nichtmals den leeren Screen, sondern oft nur eine Idee, einen Teil davon. In An- und Ausschnitten eben! Vielfach beschränkte Erkenntnis: Ja, das ist auch ontologisch toll gemacht.

Und hätte vielleicht sogar dem ollen Platon, der die Künstlerei bekanntlich nicht besonders schätzte, gefallen.

Hat es das Sofa je gegeben?

Seit Kleve fragen wir uns trotzdem: Hat es das Sofa, dessen mehrfach bespiegeltes Abbild aus Farbe auf Leinwand wir angeblich sehen, wirklich gegeben?

Diese brillant gemalten Palmen? Die ganzen Vorstadthäuser, die Sniper, die Drohnen, die Schrottplatz-Autos, die Frauen hinter den Gesichtern?

Auf allen diesen Bildern (von den Bildern (von den Bildern (von den Bildern)))? 

Eberhard Havekost, das Phantom, der Schatten, dieser Apparat: Der rezeptorische Auflösungs-Filter auch seiner selbst kann uns ja viel erzählen.

^{Bild oben: Wahrscheinlich unhaltbar, aber für uns trotzdem ein Selbst-Porträt
von Eberhard Havekost: „Raum 8, B 06“ (2006), Museum Kurhaus Kleve, 2026}

Egal. Heute leben wir ohnehin an einer Schwelle zur kompletten Sofalosigkeit. Wir werden das reale Sofa bald nämlich nicht mehr nötig haben: mit einem VR-Chip im Hirn, der uns jederzeit VORGAUKELN kann, dass wir uns auf ein Sofa setzen. Vorausgesetzt, wir setzen uns dann überhaupt noch – wo ewiges Liegen doch bequemer ist. Das ist ja in der Sofa-Matrix noch nicht klar.

Wir werden uns auf IRGENDETWAS setzen, was in unserer Wahrnehmung wie ein Sofa aussehen KANN, und jedes Mal wird dieses Setzen anders sein. Anders aussehen. Sich auch anders anfühlen.

In Platons virtueller Höhle haben wir die freie Wahl.

Wenn wie in dieser Höhle wohnen

Nur eins steht fest: Wenn WIR dereinst in dieser virtuellen Höhle wohnen, dann werden wir uns endlich doch noch auf Eberhard Havekosts Sofa setzen. Es wird ein sündhaft teures La-Sede-Design-Ledersofa sein, das uns die KI akkurat aus den Gemälde-Serien des Künstlers zusammengeneriert hat. Natürlich secondhand. Versteht sich.

Dieses abgeranzte Sofa wird in Eberhard Havekosts einstigem Berliner Atelier stehen. Und Eberhard Havekost wird sich leibhaftig zu uns setzen und mit uns reden: auf seine klug durchdachte Art. 

Und wenn sich im Gespräch dann zeigt, dass es das Sofa, das Atelier & Eberhard Havekost, dass es Techno & Berlin & die Nullerjahre tatsächlich gegeben hat, dass Irgendetwas greifbar wird von alledem, vom Ding, vom Ort, vom Tag, vom Menschen: Dann kaufen wir der Hammer Sammlung Bloehme unterm Wummern der Beats stante pede doch noch ein Bild. (05.07.2026)

^{„Eberhard Havekost. Benutzeroberflächen. Arbeiten 1994-2019“ ist noch bis zum 18. Oktober 2026 im Museum Kurhaus Kleve zu sehen. Ein Katalog soll erscheinen.}

Appendix: Tim Eitel in der Hammer Sammlung Bloehme

Im Dezember 2025 haben wir hier in der KunstArztPraxis einen Adventskalender mit Werken aus der Hammer Sammlung Bloehme zum Thema „Werden und Vergehen“ gemacht – Anlass war eine entsprechende, von uns kuratierte Ausstellung in Herrn Bloehmes Bibliothek. Türchen #7 war Jochen Plogsties, der ja eher ein Kind der „Neuen Leipziger Schule“ ist, gewidmet, Türchen #8 Tim Eitel.

Dieses achte Türchen öffnen wir jetzt aus gegebenem Anlass noch einmal. Voilà:

Wir bleiben kurz beim publikumswirksamen Revers-Etikett der „Neuen Leipziger Schule“, namentlich bei Tim Eitel, der auf jeden Fall berühmter als Jochen Plogsties aus Advents-Kalender-Türchen #7 ist. Die „Zeitungen“ hat unser Gastro-Sammler sogar schon einmal an eine Eitel-Retrospektive nach Südkorea ausgeliehen: Soviel zum Ruhm, der Kontinente überspannen kann. Wie das Gerücht.

Die „Zeitungen“ seien in Los Angeles entstanden, sagte uns, glaube ich, Eitels eigenartige Galeristin, aber wir wissen es nicht mehr. Fest steht, dass die Farbe damals im Sonnenstaat aus der Palette des Malers entwichen ist wie der Teufel aus den Besessenen.  

Trotzdem stellen wir uns vor, dass Eitel das Gemälde im Glücksspiel-Sumpf Las Vegas gemalt hat, wo die Obdachlosen bekanntlich in endlos dunklen Tunneln unter der Erde hausen müssen.

Für uns zeigt das Bild nämlich nur vordergründig Gazetten, die der Wind an die Gitter der New Yorker U-Bahn geweht hat wie im Gangsterfilm.

Für uns zeigt es vor allem die Wohnstatt von Einem, der keine Wohnstatt mehr hat. Der auf der farblosen Schattenseite dieser Glitzer-Glitter-Welt am Boden liegt. Den die Menschheit vergessen hat wie die Neuigkeit von neulich.

Und der vor 15 Minuten vielleicht noch selbst in der Zeitung stand.

^{Leider nicht in der Hammer Sammlung Bloehme, aber:
Eitels „Untitled (Coat)“ (2010) soll unterstreichen,
warum wir bei „Zeitungen“ denken, wie wir denken.}

Hier: Schnee von Gestern

Noch ist es mit dem Ruhm des Künstlers Eitel Sonnenschein. Aber der Künstler denkt weiter.

Denn wenn man seine „Zeitungen“ schräg gegens Licht hält, dann kann man erkennen, dass eines der „Zeitungs-Fotos“ ein verschwommenes Abbild von Tim Eitels fünf Jahre früher entstanden Gemälde „Krümmung“ (2002) ist: eines von jenen wundervollen Großformaten, auf der die Welt noch bunt & in Ordnung scheint.

Hier, auf „Zeitungen“: Schnee von gestern.

Für uns ist „Zeitungen“ ein Emblem für die Vergänglichkeit von Allem, ein Vanitas-Stillleben, ein Memento Mori. Und wir sind sehr froh, es für die Hammer Sammlung Bloehme erworben zu haben. (08.12.2025)

Das Bilder der Bilder (der Bilder) in der KunstArztPraxis:
Gegen.Bilder.Terror, 1989: Richters „18. Oktober 1977“
Auf der Grenze: Die Malerei der Vivian Greven
Vivian Greven: Die Kunst der Stunde
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn

Homepage des Museums Kurhaus Kleve

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Im Von der Heydt-Museum Wuppertal sind gerade knapp 200 Werke des geborenen Elberfelders Carl Grossberg (1894-1940) zu sehen: einem der ganz großen Magier der neuen Sachlichkeit. Die erste Retrospektive seiner menschenleeren Landschaften, Städte und Fabrikhallen seit über 30 Jahren ist eine kleine Sensation.

Häuser haben keine Beine: Sie können nicht weglaufen. Das Licht liegt auf den Dächern träge in der Sonne, und Schatten kriechen wie ein Faultier über die Fassaden. Für frühe Fotografen waren Häuser & Dächer & Fassaden deshalb, der ellenlangen Belichtungszeiten wegen, erste Wahl. 

Die frühe Stadt-Fotografie ist belichtungsbedingt menschenleer. Wenn überhaupt, dann huschen schildkrötenlahme Flaneure als verwischte Geister oder schwarze Schatten übers Trottoir selbst der Millionenstädte.

Der damals gerade aufbrausende Verkehr ist ohnehin wie durch Zauberhand verschwunden.

Magie aus Unzulänglichkeiten

Die frühe Stadt-Fotografie zeigt das Urbane nicht, wie es wirklich war, im Gegenteil: Sie zeigt es so, wie selbst seine Bewohner*innen es in Wirklichkeit nie zu Gesicht bekamen.

Die frühe Stadt-Fotografie dokumentierte nicht – weil sie es nicht konnte. Die frühe Stadt-Fotografie war aus technischer Unzulänglichkeit geborene, fast schon surreale Magie.*

^{*ist nicht von uns. Ist (ungefähr) von Walter Benjamin}

Wenn wir die Bilder von Carl Grossberg betrachten, dann fallen uns diese frühen menschenleeren Fotos ein. Er hat sie sicher gekannt.

Fotos, die das Tempo als zentralen Motor der Moderne einfach schlucken – deren nostalgisch anmutende Entschleunigung einer beschleunigten Welt wundersam irritiert. So wie auf den Gemälden Carl Grossbergs eben, wo jedes Schwung-Rad stillsteht. Wo kein Kessel dampft. Wo Schnee liegt auf den Schloten.

Mit dem entscheidenden Unterschied allerdings, dass Carl Grossbergs Zauber keiner Unzulänglichkeit entspringt, sondern höchster malerischer Raffinesse. Dort war leere Magie. Hier ist Magie der Leere. 

^{Bild oben: Carl Grossberg, „Der gelbe Kessel“ (1933),
Von der Heydt-Museum, Wuppertal 2026}

Wir sehen keinen Gegensatz

Deshalb sehen wir im Grunde auch kaum einen Gegensatz zwischen dem „Realismus“ von Grossbergs Städten & Fabriken und jenen „Traumbildern“, die mit Laternengeistern oder Spuk-Gestalten, mit Vögeln, Affen, Fledermäusen – und einmal auch mit einem über die Fassade kletternden Faultier! – besiedelt sind:

Als wäre die Natur aus dem Zoo entwichen und hätte sich das Urbane nach dem Verschwinden der Menschheit zurückerobert. 

Wir sehen keinen Gegensatz, weil für uns Carl Grossbergs Realismus nicht vorrangig „sachlich“ ist, sondern eben tiefgründig magisch.

^{Bild oben: Carl Grossberg, „Vorstadtspuk“ (1920, Detail)
Von der Heydt-Museum Wuppertal, 2026}

Begrifflich präferieren wir Franz Roh

Deshalb präferieren wir auch einen Konkurrenz-Begriff zur „Neuen Sachlichkeit“, der unseres Erachtens ein wenig zu Unrecht in Vergessenheit geraten ist, aber etwa zeitgleich, 1925, entstand. Er stammt von Franz Roh, der nicht nur Kunstkritiker und Kurator, sondern ein fulminanter Collage-Künstler war.

„Magischer Realismus“ lautet der Begriff, und der trifft es, was die geheimnisvolle Darstellung des Vertrauten betrifft: die fast schon metaphysisch aufgeladenen Fassaden, Maschinen, Möbel, Dinge – in unseren Augen irgendwie besser.

In neusachlichen Weimarer Zeiten nicht nur, aber vor allem auch bei Carl Grossberg.

^{Foto oben: Carl Grossberg, „Stahlmöbel“ (1935),
Von der Heydt-Museum Wuppertal, 2026}

Und sonst?

Wir mögen, wie Grossberg Bilder aus Hausfassaden-Flächen staffelt, um diese Staffelung dann wieder durch kriechende Schatten irritierend zu dekonstruieren.

Und wir mögen, wie Grossberg Landschaft – neben Stadt & Fabrik sein dritter Schwerpunkt – verfremdend auf die Größe von Modell-Eisenbahn-Idyllen zusammenschrumpft.

Das alles ist nichts anders als meisterlich, vielleicht sogar ein Stück weit altmeisterlich zu nennen. So wie der unsichtbare Pinselstrich, die Lasur.

Laut Museumsdirektor Roland Möning brauchte Carl Grossberg Monate für jedes Bild. Der Fortschritt ist halt auch beim Malen eine Schnecke.

^{Bild oben: Man beachte, wie sich der Baum-Schatten in Urban-Schatten verästelt! Das
ist real schon ziemlich magic. Carl Grossberg, „Würzburg, Wagnerei“ (1925, Detail),
Von der Heydt-Museum Wuppertal, 2026}

Und dann haben wir noch ein erklärtes Lieblingsbild in „Carl Grossberg“: die „Weißen Röhren“, die 1933 entstanden sind.

Für uns moderner als Thomas Ruff

Uns war es beim Betrachten damals, als sei das Gemälde ein sepiagetöntes Foto, auf dem Carl Grossberg rotierende Teile und gläserne Röhren mit ihren wirbelnden chemischen Innereien gleißend weiß übertünchte, um der Maschine malerisch den innewohnenden Zauber unproduktiver Erstarrung zurückzugeben.

Ein bisschen so wie das, was Thomas Ruff mit seiner auf Glas-Negativen der Dreißigerjahre (!) basierenden Serie industrieller „Maschinen“ ab 2003 versucht hat. Nur noch moderner. Das ist hierzu zumindest unsere Lieblingsphantasie.*

^{* eine Lieblings-Phantasie, die wir in Bezug auf Ruff hier leider nicht
illustrieren können. Die Unsichtbarkeits-Maschine verhindert das.
Und DIESE Maschine ruht nie still. Niemals nicht.} 

Von daher finden wir es schön, dass „Carl Grossberg“ unter anderem in einem „Epilog“-Raum die Brücke nicht nur zur Pop Art schlägt, sondern auch zu zwei der großen Magier unserer fetischisierten Maschinen- und Warenwelt: Konrad Klapheck und Bruno Goller.

Die rätselhafte Kälte

Oder zu Thomas Demands „Hole“ von 2013, in dem sich die rätselhafte Kälte, die auch vielen Werken Carl Grossbergs eigen ist, ins Unheimliche dreht.

Denn Magie der Leere im Sinne Carl Grossbergs sein: Das kann Fotografie, wenn sie denn technisch ausgereifte Kunst ist, auch heute noch.

Und was, wenn aus den menschenleeren Städten auch die Tiere verschwunden sind? Wenn nur noch autonome Maschinen wüten?

Wir müssen gar nicht auf den „Terminator“ warten: Carl Grossberg hatte auch hierzu seine Vision. In Form eines Automaten auf einem Drahtseil unter freiem Himmel, der einen verrückten Schatten auf die Erde wirft.

Die unscheinbare Skizze befindet sich in einem Notizheft, das in Wuppertal zu sehen ist. Darunter ist als Entstehungsdatum der 30. Januar 1933 vermerkt.

Jener Tag also, an dem Reichspräsident Paul von Hindenburg Adolf Hitler zum Reichskanzler der Weimarer Republik ernannte.

^{Foto oben: Carl Grossberg, „Seiltanzende Maschine mit Schatten“ (1933)
Von der Heydt-Museum Wuppertal, 2026}

In Zeiten von KI aktueller denn je

Es dauerte bekanntlich nicht lange, da hatte dieser Hitler wie von Carl Grossberg vorhergesehen mit seinen Panzern, Bombern und Raketenwerfern einen Weltenbrand entfacht.

Dass die Menschheit diesen überlebte, bekam der Künstler nicht mehr mit: Nachdem er als Fahrer im Range eines Oberstleutnants infolge eines Autounfalls mit tödlichem Ausgang vor ein Kriegsgericht gestellt worden war, nahm sich der schon von seinem Einsatz im Ersten Weltkrieg traumatisierte Carl Grossberg 1940 im französischen Laon mit seiner Dienstwaffe das Leben.

In Zeiten von KI jedenfalls ist Grossbergs „Seiltanzende Maschine“ aktueller denn je. Denn es besteht ja überhaupt kein Grund zur Hoffnung, dass die Maschinen nach ihrer Machtergreifung den traumtänzerischen Wahnsinn des homo urbanus nicht vollenden. (26.04.2026)

^{„Carl Grossberg. Sachlich – Magisch – Visionär“ ist noch bis zum 30. August 2026 im Von der Heydt-Museum Wuppertal zu sehen. Und, ja: ein paar Passanten gibt es manchmal doch. Und auch ein, zwei dampfende Schlote.}

Nachfolger der Neuen Sachlichkeit in der KunstArztPraxis:
Die Kunst der Stanze: „Annem işçi“ im Marta
Papiertiger aus Acryl. Eckart Hahn in der Villa Zanders

Homepage des Von der Heydt-Museums Wuppertal

Der Beitrag Magie der Leere. Carl Grossberg in Wuppertal erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wir haben ja an anderer Stelle schon geschrieben, wie erfrischend aktuell & politisch sich „German Pop Art“ in Oberhausen präsentiert. Aber die Ausstellung hat auch drei Kindheits-Erinnerungen in uns geweckt: und zwar an Heintje, Ministeck & an die DDR. Ein Wochenend-Triptychon.

Zu guter Letzt: Klaus Peter Bremer, „Art B 013 (Ulbricht)“ (1967)

Von 1961 bis zum Fall der von Walter Ulbricht ohne Absicht errichteten Mauer schickte die Großmutter von KunstArzt3 regelmäßig Care-Pakete zur Verwandtschaft in die von ihr bis zum Schluss hartnäckig so genannte Ostzone. Und regelmäßig kam ein Dankesbrief zurück.

Auf jedem dieser Dankesbriefe klebte mindestens eine Walter-Ulbricht-Marke jener Art, die Klaus Peter Bremer nachgeschaffen hat.* 

^{*Zumindest bis in die frühen Siebzigerjahre, denn 1971 fiel der mit Stalins Duldung
quasi diktatorisch herrschende Staatsratsvorsitzende bei Leonid Breschnew
in Ungnade und wurde vom großen Sowjet-Bruder abgesägt.
Die Dauermarken-Serie „Aufbau“ (1973-1981) übernahm.}

Die Dankesbriefe wanderten in Omas Sekretär, die im warmen Wasser losgelösten und unter Bücher-Stapeln der „Drei ???“ getrockneten Walter Ulbrichts ins Briefmarken-Album: KunstArzt3 war bekennender Philatelist.

Bitte um Inventarliste

Als KunstArzt3 so ungefähr fünf war, schickte die Verwandtschaft einen mit Walter Ulbricht in rot & lila – also mit 35 Pfennig – frankierten Dankesbrief mit der Bitte, demnächst doch jedem Care-Paket einen Zettel beizulegen, auf dem die enthaltene West-Ware komplett aufgelistet sei. 

^{Bild oben: Das ist das gute, recht große Stück: zu sehen in Oberhausen.
Klaus Peter Bremer, „Art B 013 (Ulbricht)“ (1967)}

Vor allem Kaffee Haag und Milka-Vollmilch-Schokolade stünden bei DDR-Grenzern hoch im Kurs.

Das rot-weiß reduzierte Profil des zum Personenkult neigenden Funktionärs Walter Ulbricht war das Erste, was Einer von uns vom real existierenden Sozialismus zu Gesicht bekam.

Die Geschichte vom kriminellen, Eigentum für den Privatbedarf enteignenen Grenzer war die erste, die er aus diesem exotisch fernen Deutschland im Gedächtnis trägt. 

Beides schreckte ihn nicht ab, den Marken später, als er schon Numismatiker war, über die innerdeutsche Grenze hinterher zu reisen. Wir Anderen reisten natürlich mit.

^{Foto oben: Satz Walter-Ulbricht-Marken (1961-1971),
gedruckt im VEB Deutsche Wertpapierdruckerei 
in Leipzig. Frankaturwert: 5,40 Ost-Mark}

Aber da war aus dem Beton-Kommunisten Walter Ulbricht längst der Beton-Kommunist Erich Honnecker geworden. Und der passte Leonid Breschnew viel besser in den Kram.

Die Marke hatte gelogen

Was sollen wir sagen: Die Marke hatte gelogen, das erste Bild der DDR war falsch. Die DDR war weder rot noch grün noch lila. Die DDR war, nicht nur der Fassaden wegen, in unseren Augen grau bis ins Mark. 

Aber die Geschichte vom bösen Grenzer stimmte. Das kann die ganze KunstArztPraxis bezeugen.

Wir erinnern uns noch gut an grimmige Männer mit tief ins Gesicht gezogenen Schirmmützen, die uns als allseits verdächtigen Klassenfeinden im Auftrag des MfS bei der Einreise im Zug wortlos den Tagesvisum-Stempel in die Reisepässe rammten. 

Wir erinnern uns an Fließbänder, auf die wir besagte Reisepässe bei der Einreise mit dem Auto zu legen hatten: wie sie in einer weit entfernten Baracke – also für uns als unserer Identität Beraubten: im komplett Ungewissen – verschwanden. 

Um danach – im Sommer: je heißer, je länger – im stickigen Auto eingesperrt abwarten zu müssen, ob es den steingrau Uniformierten vielleicht doch noch gefiel, uns zu befehlen auszusteigen.

^{Foto oben: Nicht nur die Marken wurden abgestempelt!
DDR-Tagesvisa im BRD-Reisepass, Ein- und Ausreise.
© Clemensfranz/CC BY-SA 3.0. Unsere Pässe von
damals sind – leider, leider – allesamt verschollen}

Um auf der Suche nach irgendetwas Verdächtigem – Kaffee Haag? Milka-Vollmilch-Schokolade? – die Rückbank und die Vordersitze aus dem Auto auszubauen & die Innenverkleidungen aus den Türen zu reißen.

Das Klacken der geräuschlosen Schleuse

Wir erinneren uns auch noch an jene schier endlose Schleuse am Grenzübergang Friedrichstraße, in die Jeder von uns alleine hinein musste, wenn wir von West-Berlin zu Fuß in den Osten wollten:

An jenen Schlitz, durch den uns, einzeln in der geräuschlosen Leere zwischen den Schleusen-Türen stehend, von einer unsichtbaren Macht hinter einer schwarzen, unser jeweiliges Ich bespiegelnden Scheibe der Reisepass – ja, im Grunde: boshaft entrissen wurde.

Bevor am anderen Ende der Schleuse irgendwann die Tür in den real existierenden Sozialismus mit einem Klacken automatisch aufschwang und uns drüben wieder deutsch-deutsch-deutsch vereinte. Im humorlosen Grau.

Ach ja: KunstArzt1 erinnert sich noch gut an jenen Grenzer, der ihn mit professioneller Kälte aus der Schlange Einreisender herauswinkte und in einem Nebenraum anwies, sich bis auf die Unterhose auszuziehen: vermutlich, weil ihm sein für seine Punker-Freundin getragener schwarzer Latex-Seesack suspekt erschien. Weil er es konnte.

Auch dieser Grenzer hat weder Kaffee Haag noch Milka-Vollmilch-Schokolade bei ihm gefunden.

Dieses bleierne Gefühl der Ohnmacht

Aber er hatte DAS in ihm erzeugt, was jeder Grenzer auf persönlichen Wunsch des Staatsrats-Vorsitzenden Erich Honnecker und im Dienste des Regimes nicht nur in ihm erzeugen sollte: ein Gefühl vollkommener Ohnmacht gegenüber einer Staatsgewalt, der man komplett & immer ausgeliefert war. Das Gefühl, jederzeit verhaftet werden zu können. Das Gefühl, vielleicht nicht mehr rauszukommen aus der DDR.

Dieses bleierne Gefühl verließ uns bei jeder unserer Wanderungen durch Ost-Berlins graue Straßen nie.

Bremers Ulbricht ist ein Fehldruck!

Das Gesicht des regimegemachten Grenzers hatte KunstArzt1 noch im Gedächtnis, als KunstArzt3 das Profil Walter Ulbrichts auf der Marke schon vergessen hatte.

Wir sollen schön grüßen: Erst Klaus Peter Bremer hätte es ihm in der Ausstellung „German Pop Art“ wieder in Erinnerung gebracht.

Ach ja: Er hat in seinem Briefmarken-Album noch einmal nachgeschaut: Sein „Art B 013 (Ulbricht)“ von 1967 muss ein Fehldruck sein!

Die Kontur von Ulbrichts Brille ist zu lang ausgeformt, mancher weiße Strich zu schwungvoll; der Weißrand ist zu schmal, das Rot für die DDR zu fröhlich. Zudem gibt es zu viele Zacken. 

^{Foto oben: Zwei der echten Walter Ulbrichts von KunstArzt3 auf einer
Ausgabe der DDR-Zeitung „Junge Welt“: jenem Zentralorgan der FDJ,
das KunstArzt2 1984 (sic!) herzklopfend in die BRD ausgeführt hat}

Auch wenn Philatelisten heute mindestens so alt ausschauen wie Walter Ulbricht nach seinem brutalen Sturz 1971: Klaus Peter Bremers Fehldruck ist sicher trotzdem auch in diesen Kreisen immer noch ein Vermögen wert. 

Auf jeden Fall ideell. Als Kunst. Auch zur Erinnerung. Für uns. Und für alle, die noch demokratisch denken – also, schlichtweg: denken – können.

Damit diese Verrohung und Verblödung von – im Grunde vermutlich liebenswerten – Menschen durch menschenverachtende Regime NIE MEHR passiert. (12.04.2026)

<sup>P.S.: Obige Gedächtnis-Marke zum 500. Geburtstag Albrecht-Dürers am 21. Mai 1971 stammt von Bodo Boden: Sie ist ebenfalls in „German Pop Art“ zu sehen. Es hat sie in Wirklichkeit so nie gegeben, Bodens Bild stammt eh von 1969. Aber der Künstler hat seinen Dürer mit einem von Philatelisten heißbegehrten und idealerweise auf einem „Ersttagsbrief“ abgegebenen „Ersttagsstempel“ versehen, den eine Marke am Erstausgabetag in einem speziellen Postamt – hier natürlich Nürnberg – erhielt. Dass das A.D. im Stempel für Albrecht Dürer oder Anno Domini stehen könnte, finden wir witzig.

Die DDR hatte mehrere Albrecht-Dürer-Gedächtnis-Marken, die viel schöner waren als die der BRD. Für die DDR gehörte Albrecht Dürer als Renaissance-Künstler in eine Ahnenreihe, die letztlich in den sozialistischen Realismus führte. Lernt man alles, wenn man Briefmarken sammelt, sagt KunstArzt3.</sup>

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Was man sieht, zeigt diese Fotostrecke:}

Appendix: Woran sich die KunstArztPraxis ebenfalls kollektiv erinnert

Wenn wir unser kollektives KAP-Gedächtnis aktivieren und in Personal-Union an die DDR denken, erinnern wir uns an sehr viel mehr als an Post von Walter Ulbricht, an aschgraue Fassaden oder grimmige, steingraue Grenzer. 

Wir erinnern uns an die gespenstischen Schemen von Soldaten der Nationalen Volksarmee (NVA) in den dunklen Nischen zugemauerter U-Bahn-Stationen, die „Geisterbahnhöfe“ der U6 und U8 nach Ost-Berlin, wenn man, verlangsamt, natürlich ohne Halt, durchfuhr.

Wir erinnern uns an ein herzlos blechernes, fast schon KI-generiertes, seine Verlogenheit hinausposaunendes „Willkommen in der Deutschen Demokratischen Republik“ aus den hellgrauen Lautsprechern am ersten Bahnhof hinter der Grenze bei der Einreise, das uns jedesmal das Blut in den Adern gefrieren ließ – und bei der Ausreise an jene Spiegel, die von NVA-Soldaten mit Schäferhunden & Maschinengewehren an langen Stangen unter Zug-Waggons geschoben wurden, damit ja kein Bürger dem Arbeiter- und Bauernstaat entwich.

Wie erinnern uns an die abgewetzten Kleider jener alten Frauen, die uns im Bahnhofs-Restaurant in Ost-Berlin, nervös nach links und rechts schauend, unter dem allgegenwärtigen Foto des diktatorischen Genossen Erich Honecker – verantwortlich für Schießbefehl, Stasi-Bespitzelung, Zwangsadoptionen – anbettelten, die letzten Pfennige aus den 25 DDR-Mark unausführbarem Zwangsumtausch, die nicht in Bücher geflossen waren, nicht fässerweise in wässrige Club Cola zu investieren, sondern doch – bitte, bitte – in ihre schwieligen Hände zu legen.

Wir erinnern uns an die Heerscharen hinter Büschen wegelagernder Lada Schigullis der Deutschen Volkspolizei, die am Rand der Autobahnen ausschließlich devisenfetten West-Deutschen auflauerten, sobald diese es aus Unwissenheit wagten, die 100 Stundekilometer Tempolimit zu überschreiten. Wie sie plötzlich im Rückspiegel auftauchten, die Sirenen; an die auch hier obwaltende kalte Verachtung bei den anschließenden Verhören am Straßenrand.

Und wir erinnern uns an die Plätze von Leipzig, Dresden und Weimar, die wir kurz nach dem Mauerfall 1989 mit einem koreanischen Studien-Freund besuchten: Auf JEDEM dieser Plätze gab es eine neu eröffnete, sehr ranzig dreinblickende, rasch vom Westen hergeschaffte Imbiss-Bude. Und vor JEDER dieser Imbiss-Buden standen gefühlt zehn dummdreist dreinblickende Neonazis mit Glatzen, Springerstiefeln und Bierdosen. Wo bitte kamen die her?

Egal. Dieser Studien-Freund, der über Goethe promovierte, ist jedenfalls nie mehr nach Deutschland zurückgekommen.

Ach ja: Vor Kurzem ist ein anderer Freund von uns mit der Familie nach Brandenburg gezogen. Der Sohn berichtet, in seiner Klasse fände ausnahmslos JEDE*R die AfD, die dem massenmordenden, vergewaltigenden, folternden, brandschatzenden & wie weiland Genosse Honnecker zu Zwangsadoptionen neigenden Beton-Stalinist Putin am besten in den Kram passt, wegen ihrer geilen TikTok-Videos sexy.

Ostdeutschland will seine menschenverachtende Diktatur zurück – vor allem jenes Ostdeutschland, das sie nicht erleben musste. Aber diesmal bitte gleich die faschistische Variante. Damit sich endlich irgendwas ändert. Was ist ja egal.

Das bleierne Gefühl der Ohnmacht von unsren DDR-Besuchen damals ist in unsren Köpfen zurück.

^{Ach ja: Nach dem Fall der Mauer hat sich die Verwandtschaft aus der Ostzone KEIN EINZIGES MAL mehr bei der Großmutter von KunstArzt3 gemeldet. Der Form halber sei auch dies vermerkt.}

^{Und noch eine Anmerkung: Doch, doch: Wir erinnern uns auch noch an die Heerscharen schmieriger Gebrauchtwagen-Händler, die 1990 nach Ostdeutschland kamen, um zu maßlos überteuerten Preisen ihre schrottigen West-Autos zu verticken. An die ganzen folgenden Demütigungen, die der kapitalistische Westen dem – tja: irgendwie auch naiven – Osten angedeihen ließ. Stimmt soweit. Aber: nichts, nichts – AB-SO-lut NICHTS! – rechtfertigt es, deshalb das Böse, den Faschismus, also den Untergang von uns allen zu wählen.}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
German Pop Art Nostalgie 2: Ministeck
German Pop Art Nostalgie 1: Heintje
Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art„
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Homepage und deutscher Philatelisten e.V.

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Wir haben ja an anderer Stelle schon geschrieben, wie erfrischend aktuell & politisch sich „German Pop Art“ in Oberhausen präsentiert. Aber die Ausstellung hat auch drei Kindheits-Erinnerungen in uns geweckt: und zwar an Heintje, Ministeck & an die DDR. Ein Wochenend-Triptychon

Im Mittelteil: Reinhard Voigt, „Tulpen“ (1974) und „Hörzu“ (1971)

Den alten Griechen galten die Atome als die kleinsten Teilchen, das war falsch. Heute wissen wir es besser: Die kleinsten Teilchen sind die Pixel. 

Pixel gab’s schon immer, seit dem Urknall; also auch in den 1970er Jahren. Und darauf basierende Computerspiele sowieso. Unser Computerspiel hieß „Master Mind“. Und unsere Pixel waren analog.

Ein Gutteil unserer Pixel kam von Ministeck. Und ihr Erfinder Helmut Gottwald war unser Shigeru Miyamoto.

Als der Helm noch Rembrandt war

Stundenlang steckten wir nach Gottwalds Vorlagenbüchern Pferde und Tiger, Stillleben mit Blumen und Piratenschiffe auf weiße Plastik-Gitter.

Aber auch Kunst wie den 5.100-teiligen „Mann mit dem Goldhelm“, der damals noch von Rembrandt war.

^{Bild oben: Anonym, „Der Mann mit dem Goldhelm“
(um 1650/1655), Ministeck-Version. Heute nix mehr wert.} 

Heute nix mehr wert.

Diesen Teil unserer Sauerländer Kindheit sehen wir, wenn wir Reinhard Voigts „Tulpen“ (1974) sehen. Dabei haben SEINE Pixel nichtmals die komplexe Chemie von Ministeck, also keine Moleküle.*

^{*bei Ministeck gab es Einser, Zweier-, Dreier- und Viererblöcke.
Bei Reinhard Voigts „Tulpen“ ist alles atomarer Einser.} 

Freitag ist Freutag!

Aber Reinhard Voigt schuf nicht nur Tulpen, die in unseren Augen Ministeck-Tulpen sind: Er schuf neben einem Ministeck-Jüngling auch eine Ministeck-„Hör zu“. Mit Ministeck & Geduld & Spucke ist nämlich prinzipiell alles verpixelbar.

Wie Rolf Kaukas Comic „Fix&Foxi“, so kam auch die Fernsehzeitschrift „Hör zu“ am Freitag. Wir brachten sie den Eltern, wenn wir freitags „Fix&Foxi“ holten*, vom Kiosk mit. 

^{*“Micky Maus“ hingegen holten wir Montags.
Weil sie ebenda erschien.}

Wir sind extra in Einem seiner elterlichen Keller gestiegen und sind seiner Mutters (leider nicht mehr ganz komplette) „Hör zu“-Sammlung durchgegangen.

Aber wir haben nur ein einziges Weihnachts-Cover von 1951 gefunden, das Reinhard Voigts Fassung zumindest annähernd entspricht.

Auf den vorhandenen Dezember-Ausgaben der 1960er und 1970er Jahre findet sich kein einziger Weihnachtsmann! Nur 1971 Blacky Fuchsberger mit abgenommener Weihnachtsmann-Maske; aber das kommt ja als Vorlage nicht infrage.

Es ist also nicht auszuschließen, dass Reinhard Voigt das Motiv erfunden hat.*

^{*Spoiler-Alarm: In Anmerkung 2
klären wir das hinlänglich auf!}

^{Foto oben: Cover der Dezember-Ausgabe von „Hör zu“ (1951),
Norddeutsche Ausgabe mit Europa-Programm vom 20. bis 26. Dezember}

Die Pixel des Urknalls

Egal. Jedenfalls markierten unsere Mütter, während wir mit „Fix&Foxi“ in den elterlichen Badewannen verschwanden, mit dem Kugelschreiber in der „Hör zu“ jene Sendungen, die ihnen in der kommenden Woche zwischen 18:00 Uhr und 23:00 Uhr – das war die sogenannte Sendezeit – in unseren drei Programmen – ARD, ZDF, WDR, wir hatten ja nichts – sehenswert erschienen. 

So strukturierte „Fix&Foxi“ unsere kindlichen Säuberung-Rituale, bei denen die Hände schmutzig blieben, und die „Hör zu“ unseren Alltag bis zum sogenannten Sendeschluss, sprich: bis zu den Pixeln des „Testbilds“. Vor dem komplett verpixelten Rauschen, das angeblich ein Echo des Urknalls war, also irgendwie schon digitaler Sternenstaub.*

^{*Dazwischen verpixelten aber immer wieder auch die Sendungen.
Dann mussten die Väter auf’s Dach und die Antenne richten.}

Bonus-Track: „Fix&Foxi“, Ludwiggalerie Schloss Oberhausen, 2018

Im Gegensatz zu Donald Duck, Micky Maus und Pumuckl gab es die Helden von Fix&Foxi nicht bei Ministeck.

Natürlich haben wir trotzdem versucht, sie nachzustecken, die Realität des Comics in analoge Pixel aufzulösen, diese kleinsten Teilchen auch Fuxholzens:

Mit Geduld & Spucke kann man aus Ministeck ja alles formen. 

Uns allen allerdings fehlten Geduld & Spucke.Wir schon schon bei Lupo und Pauli und Professor Knox, sprich: in der zweiten Reihe, gescheitert.

^{Bild oben: analoge LEGO-Pixel kann jeder,
lieber Ai Wei Wei. Ministeck ist Kunst!}

(11.04.2026)

^{Anmerkung 1: Das mit den Tulpen und dem Ministeck hat uns keine Ruhe gelassen, deshalb haben wir bei Reinhard Voigt einfach einmal nachgefragt, ob ihn Ministeck beeinflusst habe.}

^{„Nein, überhaupt nicht“, hat Reinhard Voigt uns geantwortet. „Ich kannte dieses Ministeck gar nicht. Eine Inspiration waren die Kreuzsticharbeiten meiner Mutter.“  Auch mit Zierstich & Geduld & Spucke ist nämlich prinzipiell alles verpixelbar.}

^{Und da haben wir uns plötzlich wieder daran erinnert, dass es auch in den 1970er Jahren Pixel gab, die unsere Mütter liebten:}

^{Knüpfarbeiten zum Beispiel nach Kunstmotiven, die mit einer speziellen Nadel durch ein „Stramin“ genanntes Baumwoll-Raster gezogen werden mussten.}

^{Und denen man sich widmen konnte, während im Fernsehen am Freitagabend nach der 20-Uhr-„Tagesschau“ (ARD) der angekreuzte „Derrick“ (ZDF) lief: Es hieß ja „Hör zu“ und nicht „Schau hin“.}

^{Anmerkung 2: Und dann hat uns Reinhard Voigt auch noch verraten, wie es zum „Hör zu“-Motiv gekommen ist:} 

^{„Das war eine Auftragsarbeit. Die Werbeabteilung der ‚Hör zu‘ verschenkte zur Weihnachtszeit an ihre Kunden Grafiken. Und 1971 wollte man von mir eine Arbeit haben.}

^{Man gab mir eine gewisse Anzahl von ‚Hör zu‘-Titeln, von denen ich mir ein Motiv aussuchen sollte. In dem Stapel der Titel befand sich eine Picasso-Zeichnung, gewissermaßen das Porträt eines Weihnachtsmanns.}

^{Das empfand ich für den Zweck äußerst passend: Weihnachtsmann –Weinachtsgeschenk und nicht zuletzt eine Hommage an Picasso.}

^{Bild oben: Reinhard Voigt, „Verstand ist wichtiger als Busen“ (1971)}

<sup>Die Arbeit wurde gedruckt und geliefert. Am nächsten Tag klingelte das Telefon und mir wurde gesagt, höhere Instanzen hätten den Siebdruck abgelehnt und ich solle doch bitte nochmal eine Arbeit machen. Daraufhin  suchte ich wieder zwischen den Titeln und fand ein anderes Cover, das mir gefiel: ein Foto von Senta Berger, mit dem schönen Satz ‚Verstand ist wichtiger als Busen‘. Und so kam es zu zwei ‚Hör zu‘- Grafiken.“

Ach ja, jetzt erkennen wir Picassos Weihnachtsmannnatürlich auch. Entschuldigung. Noch so ein Kunstfehler, den wir begangen haben.</sup>

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Was man sieht, zeigt diese Fotostrecke:}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
German Pop Art Nostalgie 1: Heintje
Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art„
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Der Beitrag German Pop Art Nostalgie 2: Ministeck erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wir haben ja an anderer Stelle schon geschrieben, wie erfrischend aktuell & politisch sich „German Pop Art“ in Oberhausen präsentiert. Aber die Ausstellung hat auch drei Kindheits-Erinnerungen in uns geweckt: und zwar an Heintje, Ministeck & an die DDR. Ein Wochenend-Triptychon.

Zum Auftakt: Dieter Glasmacher, „Heintje mein bester Freund“ (1971)

Seit unserer Jugend im Sauerland sind der Welt einige Kulturtechniken abhanden gekommen. Die Kulturtechnik des Rücktritts in der Politik zum Beispiel. Oder die Kulturtechnik des Blinkens im Straßenverkehr. 

Die Kulturtechnik der Kunden-Zuwendung an der Supermarktkasse. Die Kulturtechnik des Verzichts zugunsten einer Solidar-Gemeinschaft, der Scham als soziales Korrektiv.

Und die Kulturtechnik, bei mangelnder Kenntnis einfach mal den Mund zu halten.

Das oben Gesagte gilt nicht für Heintje. Vom Guten in der Welt verstand er viel.

Wenn Heintje den Mund auftat, entquoll ihm glockenhelle Tugend: gepaart mit einer Mutterliebe, die selbst vor astronomischen Ausgaben für Schloss-Geschenke nicht zurückschreckte. Die Tränen teilte, Schmerzen heilte. Die Schmerzen der Omatschis auch.

Das musikalisch Schöne, Ideale

Heintje war das musikalisch Schöne, Ideale – des Schlagers wie der Volksmusik. Wer eine von Heintjes 40 Millionen verkauften Tonträgern erstand oder seine Filme sah, die sich dem Publikum vollends zuwandten, der fühlte sich zu Recht als Kunde König*in. 

^{Foto oben: Heintje 1970. Danke, Wikipedia! © CC BY-SA 3.0 nl}

Schämen mussten sich die anderen. Zum Beispiel wir. Krächzende Knaben, die der Mutter nichtmals Blumen schenkten: höchstens am Muttertag.

Von einem Top-Ten-Hit nach dem nächsten ganz zu schweigen.

Unsere Mütter liebten Heintje fast so sehr wie uns. „Mama“ war ihre Bibel, die Hülle von „Heidschi Bumbeidschi“ (1968) hing bei einer im Näh-Zimmer gerahmt an der Wand.

Als Haftbefehl nichtmals Quark war

Die Zeilen „Aber Heidschi bumbeidschi es schlafen / Am Himmel die Schäflein die braven“ enthalten den ersten unsauberen Endreim der Musik-Geschichte, an den wir uns unisono erinnern können.

Und da war Haftbefehl noch nicht mal Quark im Schaufensta.

^{Foto oben: Cover von Heintjes Single „Heidschi
Bumbeidschi“ (1968), © Ariola Music}

Ach ja: „Heintje – Mein bester Freund“, in dem der Hauptakteur singend die längst verlorene Ehe seiner alleinerziehenden Mutter rettet, war unser Aller erster Kinofilm.

In den Einer von uns während eines Wander-Urlaubs 1971 im Spessart – vermutlich aus alleinerziehenden beziehungsweise. aus allein erziehenden Gründen – natürlich mit der Mutter, ging.*

^{*der Vater lag derweil mit Hexenschuss im Bett.}

Wir wissen noch, wo wir saßen, als wir vom tragischen Stimmbruch Heintjes aus der „Sauerländischen Volksblatt“ erfuhren. Auch an das damit verknüpfte und damals nicht hinterfragte, uns aber trotzdem zutiefst verstörende Foto von Heintje im Krankenhaus-Bett.*

^{*deshalb unsere Frage an den Deutschen Presserat heute:
Ins Krankenhaus – wegen eines Stimmbruchs? Rüge???}

Die Nachricht von Heintjes Rücktritt aus dem Musik-Geschäft traf uns ins Mark. Als er irgendwann später als Hein Simons zurückkam, war er ein anderer.

Wir glauben, Dieter Glasmacher kann uns verstehen. 1970 gründete er sein – sehr erfolgreiches – „Institut für Heintje-Forschung“: Noch 2025 gab es eine Ausstellung mit gesammelten Erkenntnissen & Reliquien in Lüneburg.

Den Katalog hat er uns zugeschickt. Er ist sehr schön.

Dieter Glasmachers Bild mit seinen Schreibschrift-Linien in Oberhausen jedenfalls ist eine Homestory, die – vielleicht sogar mit einem „Star-Schnitt“ versehen – aus der „Bravo“ unserer frühen Pubertäten erwachsen sein könnte.

Oder aus einem Pennäler-Aufsatz über ein von 1967 bis 1972 agierendes Jahrhundert-Idol.

^{Foto oben: Dieter Glasmachers Bestandsaufnahme seiner
Heintje-Forschung mit KunstArztPraxis-Katze Ari, Köln 2026.
Katzen gehörten leider nicht zu Heintjes Repertoire}

In wenigen Bildern fasst Glasmachers Druck Heintjes Wesen adäquat zusammen.

Dass er seiner Mutter Hanny (im Kittel) bei der Hausarbeit auf den ihm von ihr am 3. August 1969 geschenkten Socken den Staubsauger hinterherträgt, ist für Kulturtechniker*innen eine noch größere Geste, als ihr das Saugen abzunehmen.

Da verzeihen wir Dieter Glasmacher gern, dass er den Klarnamen von Heintje, Hendrik Nikolaas Theodoor Simons, auf seinem Werk gleich vierfach – Hendrix Nikolaus Theodor Simon – falsch geschrieben – oder eben bewusst eingedeutscht? – hat.

Denn UNSER Hendrix war Heintje ja auf jeden Fall.

^{Bild oben: Dieter Glasmacher, „Heintje
mein bester Freund“ (1971, Detail)}

Heintje würde immer noch blinken!

So steht eines unverbrüchlich fest: Alle heute abhanden gekommenen Kulturtechniken – vom Verzicht über die Kunden-Zuwendung bis hin zum Rücktritt – beherrschte Heintje in meiner & in seiner Kindheit aus dem Effeff.

Würde er, wenn er noch derselbe wäre, heute noch.

Und wir sind sicher: Heintje hat früher garantiert geblinkt, wenn er mit seinem Pony Bubi irgendwo hin abgebog!

Vielleicht sogar, wie auf dem Bild von Dieter Glasmacher, mittels hinterrücks betätigtem Pferde-Schwanz. (10.04.2026)

^{Bild oben: Dieter Glasmacher, „Heintje
mein bester Freund“ (1971, Detail)}

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Was man sieht, zeigt diese Fotostrecke:}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art„
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Der Beitrag German Pop Art Nostalgie 1: Heintje erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Eigentlich ist die KunstArztPraxis ja immer unisono einer Meinung, aber bei Yayoi Kusama scheiden sich dann doch unsere drei Geister. Wir bringen deshalb anlässlich der Schau im Museum Ludwig einen Diptychon aus Lob & Tadel. Heute: Tadel, vom Trypophobiker KunstArzt3: dem Nörgler aus der Wissenschaft.

2022 stand die japanische Künstlerin Takako Saito (1929-2025) Im Vorfeld ihrer Performance im Klangkleid im Museum Ludwig vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ (1966) – einem der Gründungswerke des Museums vor genau 50 Jahren.* Ein guter Freund kann das bezeugen.

^{*die Retrospektive von Yayoi Kusama versteht
sich auch als Jubiläums-Ausstellung.}

In ihren frühen Jahren habe sie ebenfalls Punktebilder gemalt, sagte Takako Saito vor dem Zwangsmöbel-Stück: 1956 habe sie damit angefangen.

Dabei sei sie vom Meister-Maler Ei-Kyu beeinflusst worden, der seit den frühen Dreißigerjahren mit Punkten gearbeitet habe: genauso wie, man ahnt es längst – natürlich! Yayoi Kusama.

Wenn Punkte öde werden

Das wisse sie, weil sie und Kusama sich im New York der Sechzigerjahre ständig über den Weg gelaufen seien. Die Kunst-Welt dort war klein.

^{Bild oben: Das Universum in der Nusschale: Takako Saito, „Ohne Titel“ (1957)}

„Aber mir sind die Punkte nach ein paar Jahren langweilig geworden. 1963 habe ich deshalb damit aufgehört.“

Das hat Takako Saito laut besagtem Freund, mit dem auch wir von der KunstArztPraxis locker Freundschaft pflegen, vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ im Museum Ludwig gesagt.

Yayoi habe wegen des Erfolgs trotzdem immer weiter gemacht. Und dann soll Takako Saito gesagt haben: „Bei den ‚Polka Dots‘ von Yayoi fällt alle Welt auf diese Krankheits-Geschichte herein.“

Die Punkte fluppen immer noch

Zur Erklärung: Laut Yayoi Kusama gehen ihre „Polka Dots“ auf Halluzinationen ihrer Kindheit zurück, in denen sich die Welt plötzlich mit Punkten überzog.

Bis heute hat sie nach eigener Aussage Ängste, lebt & malt freiwillig in einer Nervenklinik in Tokio.

Und: Offenbar hatte sie wirklich gute Berater aus dem Marketingeltangel! Nach über 60 Jahren unentwegtem Punkte-Malen ist Yayoi Kusama die berühmteste Künstlerin der Welt.

^{Foto oben: Takako Saito durchblättert in ihrem Atelier
ihre Punkt-Gesichter und Punkte-Himmelsscheiben. Düsseldorf 2024}

Zur New Yorker Kunstszene der Sechzigerjahre gehörten übrigens auch Yoko Ono und Mary Bauermeister.

Erstere schlägt, wie Yayoi Kusama, in den Instructions ihrer „Grapefruits“ (1964) die Brücke vom Punkt zur Unendlichkeit, letztere auf ihren Bildern auch. 

Die Amnesie der Kunstgeschichte

ALLE Künstlerinnen haben in New York damals Punkte gemalt, das war meditative Praxis. Und ALLE haben zum Punkten damals von Love, Peace und Universe gesprochen.

Nur hat die Kunstgeschichte das vergessen. Sind ja zur Hälfte tote Frauen. Da kriegt die Kunstgeschichte bekanntlich gerne Amnesie.

^{Foto oben: Punkte-Bilder aus dem New York der Sechzigerjahre
in Mary Bauermeisters Atelier-Haus, Rösrath 2015}

Egal. Wichtig ist, dass Yayoi Kusama mit dem Punktieren der Welt immer weiter gemacht – und den Punkt irgendwie zur künstlerischen Eigenmarke entwickelt hat. Deshalb glauben heute alle, der Punkt gehöre ihr alleine.

Aber man ist ja nicht deshalb einmalig, weil man immer dasselbe macht. Das, was man macht, sollte auch schon einmalig SEIN.

Punkte, Performance, Klamotten, Schachspiel

Tatsache ist, dass sich die Werke von Yayoi Kusama, Takako Saito und Yoko Ono – Dots, Performance, Klamotten, Schachspiel – in so vielen Punkten ähneln.*

^{*Sogar den Kürbis-Fetisch teilte sich Yayoi Kusama mit Takako Saito! Ständig hat sie
Kürbisse gemalt! Aber eben nur eine Zeit lang. Dann wurde es ihr öde.}

Was wissen denn wir?

Kann es also sein, dass Yayoi Kusama deshalb zur berühmtesten Künstlerin der Welt avancierte, weil wir so wenig über das New York der Sechzigerjahre und die künstlerischen Traditionen Japans* wissen?

^{*das mit den „Traditionen Japans“ gilt ja wohl
eher für die Instructions von Yoko Ono
und Takako Saito, KunstArzt3, oder?!?}

Und: Ist ein bescheidenes, individuelles Klangkleid von Takako Saito nicht viel sympathischer als Yayoi Kusamas 450-teilige Überpunktungs-Kollektion – Taschen-Punkte! Turnschuh-Punkte! Luxus-Punkte! – für Louis Vuilleton?*

^{*auch das sehen wir anders! Siehe die
tollen 1968er-Kleider auf dem Foto!}

^{Foto oben: „Yayoi Kusama“, Ausstellungsansicht,
Museum Ludwig, Köln 2026. Tolle Kleider. Von 1968. Aus New York!}

Das ist gar nicht der Punkt!

Aber das ist gar nicht der Punkt. Auch sonst kann ich mit dem „Polka Dot“ von Yoyomi Kusama nämlich nicht viel anfangen.

Ich habe einfach kein Auge dafür – gerade dort nicht, wo er das Ding millionenfach übertüncht. Oder den Raum. Denn dieses heute so beliebte „Immersive“ liegt mir fern.

Das liegt aber vielleicht auch daran, dass ich von Kunst nicht überwältigt werden will. Kunst soll mich nicht an die Hand nehmen. Ich hätte gern, wenn sie auf Distanz bleibt zu mir.

Das hat auch etwas mit Respekt mir als Betrachter gegenüber zu tun. Alles andere ist Penetranz.

^{Foto oben: Wirkt wie Kunst der Aborigines. Ist aber Yayoi Kusamas
„Every Day I Pray For Love“ (2023), Museum Ludwig, Köln 2026}

Aber das sehen die beiden anderen KunstÄrzte vielleicht anders.*

^{*nö, lieber KunstArzt3: Mit DIESEM Punkt sind wir dann doch d’accord.
Haben wir aber auch schon SO oft drüber gesprochen zusammen!
Schöne Grüße!!! Deine KunstÄrzte1&2}

Nichts gegen Konzept-Kunst!

Nichts gegen Konzept-Kunst, die immer das Gleiche macht. Peter Dreher, On Kawara, Erwin Hapke: alles tolle Sachen. Weil sie mein Denken animieren, das Denken mit dem Knie.

Hier aber sehe ich nur Überreizung. Effekt. Ich kann mir da nicht helfen, aber für mich ist Yoyomi Kusamas punktuelles Grenzen-Überschreiten Mode-Trip.

Für mich schaffen Yoyomi Kusamas „Polka Docs“ aalglatte Oberflächen, sind Punkte-Fashion ohne Reibungspunkte, Pop-Art-Deko. Sie führen trotz vermeintlich poetischer Titel nicht zu poetischer Erkenntnis, sondern von der Ausstellung direkt in den Museums-Shop.

^{Foto oben: Museums-Shop in der Buchhandlung König
im Museum Ludwig, Köln 2026. Fürs Kusama-Mechantising
gibt’s extra zusätzlich noch einen Sonder-Stand im Foyer.}

Einfach nur Wow!

Die Grenzen zwischen Körper und Raum auflösen, Grenzen überschreiten, das wollen ja Viele. Das man das will, das kann man lernen. Es ist doch immer noch die Frage, wie man es macht.

Und die Inbesitznahme der Welt durch Kunst ist in meinen Augen beispielsweise Günther Uecker mit seinen Nägeln viel besser geglückt. Und Louise Bourgeois das mit der Angst.

Was soll’s. Die Massen werden ins Museum strömen – vermutlich auch die jungen Massen, die sonst nicht ins Museum gehen. Niederschwellig ist das, was Yoyomi Kusama macht, ja auf jeden Fall. Besucher-Rekorde Hilfsausdruck.

Diese jungen Massen werden dann Yayoi Kusamas immersive Räume stürmen und sie als Staffage für ihre Selfies per Film & Foto auf Insta & TikTok ins mediale Universum spülen, während sich das echte Universum ganz klein fühlt dabei.

Denn so sehr Yayoi Kusama das Publikum auch einlädt, das eigene Ego dank Dots im Kosmos aufzulösen: Ihr Werk wird von einer Generation Z konsumiert, die nurmehr das eigene Ich, wenn’s hochkommt, im Raster ihrer Punkte ins Unendliche vergrößert.

^{Foto oben: Yayoi Kusama, „Infinity Mirrored Room – Illusion Inside the Heart“ (2025),
Herz-Innenansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Ein Werk wird Inszenierungskunst für Social Media – und das Museum zur Personenkultstätte für narzisstische Influencer. So gesehen: doch wieder analoger Spiegelsaal der Gegenwart.

Von Berufswegen sympathisch

Ach ja: Yayoi Kusamas Gedanke, dass Kunst heilen könne, ist mir als KunstArzt schon von Berufswegen sehr sympathisch – und wenn ich das richtig sehe, dann hat es bei Yayoi Kusama selbst, zumindest um zu überleben, ja auch ganz gut geklappt.

Allerdings sind Yayoi Kusamas „Polka Docs“ nicht die Art von Kunst, die mich persönlich heilen könnte. Punkt und Aus. (15.03.2026)

<sup>„Yayoi Kusama“ läuft noch bis zum 2. August 2026 im Museum Ludwig in Köln; es muss online ein Zeitfenster-Ticket gebucht werden, denn es wird, da muss man kein Prophet sein, voll.

Man kann das Ganze nämlich auch ganz anders sehen als unser ansonsten hochgeschützter KunstArzt3-Kollege in seinem trypophobischen Wahn! Und natürlich sind bei den über 300 Arbeiten – von der ersten Zeichnung Mitte der Dreißigerjahre bis zu heutigen Werken – weitaus mehr als Punkte zu sehen. Und auch die Ausstellungs-Architektur ist richtig klasse – wie man hoffentlich an den Fotos von KunstArzt1 erkennen kann!

Dazu aber wie oben schon versprochen nächste Woche (22.03.2026) mehr.</sup>

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln
Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund
Kasper König: Porträt der Schenkung als ihr Schenker
Gerhard Richter Retro: „Neue Bilder“ in Köln (2017)

Zur Entfremdung bei der Kunstbetrachtung:
Der Herr im Kunstpalast. „Elias Sime. Echo“

Homepage des Museums Ludwig

Der Beitrag Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Indem sie ihre farbliche Abstraktionen als Körper in die Ausstellungsräume wachsen lässter, weckt Kerstin Brätsch die an sich ja platte Malerei mit „MƎTAATEM“ im Kunstmuseum Bonn zum Leben. Neben Neuproduktionen sind über 100 Werke der letzten 15 Jahre zu sehen. Die Arrangements sind pure Alchemie.

Die Älteren werden sich erinnern: Der letzte Marta-Preis der Wemhöner-Stiftung ging an Lena Henke, und wir Drei von der KunstArztPraxis hatten der Jury Lena Henke auf Einladung des Marta Herford höchstpersönlich vorgeschlagen! Darauf sind wir bis heute mächtig stolz. 

Ende 2026 wird Kerstin Brätsch der aktuelle Marta-Preis überreicht, und wir können uns keine würdigere Nachfolgerin für Lena Henke denken. Denn Kerstin Brätsch macht tolle Kunst, die die – ihrem Wesen nach ja eigentlich fast platte – Malerei in Raum & Körper(n) weiterdenkt.

Dieses Fast-Platte-Malerei-in-Raum-&-Körper-Weiterdenken ist bei Kerstin Brätsch immer geistig ebenso sauber grundiert wie äußerst sinnlich ausgeführt.

Grandios pulsierend umgesetzt

Und ist im Kunstmuseum Bonn jetzt auch kuratorisch grandios pulsierend umgesetzt (Danke, Friederike Fast!).

In „MƎTAATEM“ kann man auf Bildern sitzen und durch Bilder gehen wie durch Zimmer. Da gibt es Malerei, die als Tapete mit abstrakten Felsen, Wolken und Gesichtern die hohen Wände symmetrisch überwuchert, wie eine zweite Haut.

Es gibt Malerei, die Schatten wirft. Die anderer Malerei als Sockel dient. Die Wege versperrt, Perspektiven öffnet oder monstergleich auch noch den kleinsten Zwischenraum beherrscht.

Andernorts gefriert Malerei zur abstrakten Landschaft: So wie bei „Fossil Psychics for Christa“, die Kerstin Brätsch mit Unterstützung des Stukkateurs Walter Cipriani geschaffen hat: „versteinerte skulpturale Pinselstriche“, wie Brätsch das nennt.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Für Brätsch ist die „Fossil Psychics“-Serie auch eine Hommage an Steine: „ihre Präsenz, ihre Stille und ihre Fähigkeit, die Zeit zu konservieren.“ Wie der polierte Querschnitt durch Achate. Auch Natur ist Teil des malerischen Körpers.

Das hat eine visuelle Schönheit, die gerade dank der Abstraktionen Assoziationen weckt – und gleichzeitig beim betrachtenden Durchwandern über- und unterschwellig zu Reflexionen über sich selbst als Kunstwerk animiert.

Denken mit dem Knie in Reinkultur. Hach. So etwas gefällt uns Dreien von der KunstArztPraxis ja bekanntlich immer ganz besonders gut.

Ein Glück: Der Raum ist da

Beim betrachtenden Durchwandern von „MƎTAATEM“ jedenfalls war uns, als habe Kerstin Brätsch einen künstlerischen Kernspin-Tomographen mitsamt Sonar und Röntgenröhre angeworfen:

Auf dass wir staunenden Auges hineinschauen könnten in Herz & Lunge – ach, was sagen wir: in alle nur ERDENKLICHEN Organe der abstrakten Malerei.

Während die Bilder in großer Geste atmeten, pulsten und pochten, und zwar, ja: GANZHEITLICH. So zumindest erschien es uns.

Zum Glück ist Raum zum ganzheitlichen Atmen, Pulsen, Pochen dieser Werke im Kunstmuseum Bonn gegeben.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „Atem“ (2024/2025),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Mit „MƎTAATEM“ ist Kerstin Brätsch unserer Meinung nach etwas ganz Zauberhaftes gelungen: Sie hat dem Museums-Körper mit Farbe Leben eingehaucht wie Rabbi Löw dem Lehm.* Wobei ihr Golem klug ist und in Bildern zu uns spricht.

^{*dass dies bei den architektonisch doch recht dominanten Räumen
des Kunstmuseums Bonn in dieser Form nicht ganz einfach ist,
wollen wir zumindest kurz erwähnen.}

Wir müssen das alchemistisch nennen

Wir können das nicht anders als alchemistisch nennen. Was ganz im Sinne Kerstin Brätschs sein sollte. Denn als eine Art Alchemistin versteht sich die Künstlerin offenbar auch.

Da nimmt es kaum Wunder, dass der von uns ja so geliebte objektive Zufall Kerstin Brätsch in einer Glaswerkstatt Restbestände einer Arbeit in die Hände spielte, die ein anderer Alchemist der Malerei 2009 für die Buntglasfenster des Großmünsters in Zürich schuf. Natürlich: Sigmar Polke. 

„Ich habe seine Rest-Achate in meine eigenen Glasarbeiten eingebettet, wie eine Katze, die einen Teller sauber leckt“, sagt Brätsch. Allein für diese schöne Formulierung hat sich die Erwähnung der Anekdote schon gelohnt.

Auch Polke war ein Zauberer, der mit Malerei Räume füllte und Pavillons zu lebendigen Körpern machte! Wir wollten das als kleinen Exkurs aus gegebenem Anlass hier nur kurz ins Gedächtnis rufen.

Die Alchemie muss aber stimmen!

Zur Alchemie des Atmens, Pulsens & Pochens von Kerstin Brätschs Werken gehört nicht nur, dass sie ihren Malerinnen-Körper in gewisser Weise dadurch erweitert, dass sie mit anderen Künstler*innen oder Kunsthandwerkern kollaboriert.

Dazu gehört auch, dass Brätsch selbst nicht immer weiß, wohin der Prozess der – am Ende allerdings dann doch wieder bewusst gelenkten – Bildfindung führt.

Deutlich wird das bei den „Marmorierungen“, bei denen Kerstin Brätsch den gestischen Pinselstrich gegen übers Blatt laufende Tusche eingetauscht hat. Die Blätter bewegt sie mit dem Marmorier-Meister Dirk Lange gemeinsam hin und her.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Für Brätsch ist dies vor allem eine Arbeit physikalischer Kräfte wie „Schwerkraft, Abstoßung und Anziehung“: eine Arbeit, die zudem von den Eigenschaften der verwendeten Materialien bestimmt wird.

Lang lebe Subjektivität & Autorschaft!

Dass da ja wohl einmal mehr die Frage nach Autorschaft und Subjektivität von der Künstlerin aufgeworfen werde:

Dieser Gedanke geistert da fast schon automatisch durch unsere drei Gehirne, wird aber gleich wieder – Pfft, pfft, Gedanke! – erfolgreich daraus verscheucht.

WIR glauben nämlich noch an Subjektivität & Autorschaft. Und zwar UNISONO.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Wilder Tango für vier Arme?

Wir stellen uns das Procedere lieber als wilden Tango für vier Arme vor, bei dem Papier & Tusche jene Körper sind, die von besagten Armen im Rhythmus bewegt & tänzerisch verschmolzen werden wollen. Und wo vielleicht mal das eine und mal das andere Hand-Paar führt. Bis die Vorlage steht für das – nach dem Tanzen wie gesagt noch nachbereitete – endgültige Werk.

Bei DIESEM alchemistischen Werden würden wir im Atelier gerne einmal Mäuschen spielen.

Wenn nichts dazwischenkommt, dann wird Kerstin Brätsch den mit 25.000 Euro dotierten Marta-Preis Im November 2026 bei einem Festakt im Marta Herford offiziell entgegennehmen; damit verbunden ist eine Einzelausstellung in der dortigen Lippold-Galerie.

Hoch & weit vs. niedrig & Schlauch

Wir sind schon sehr gespannt, wie ihre skulpturale Malerei dort atmen, pulsen oder pochen kann. Nur eins ist klar:

Es wird ein anderes Atmen, Pulsen oder Pochen sein. Denn so viel wunderbaren Platz zum Atmen, Pulsen oder Pochen wie im Kunstmuseum Bonn werden Kerstin Brätschs Bilder in der eher schlauchig & niedrig ausgeformten Lippold-Galerie nicht haben.

^{Foto oben: Selbst zum Raum-Verstellen braucht man Raum!
Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Wir werden auf jeden Fall im November nach Herford reisen. Und vielleicht werden wir sogar berichten.

Aber vorher werden wir sicher noch einige Male staunenden Auges und denkenden Knies durch Kerstin Brätschs hypnotische Bonner Farb-Körper wandern, die auf sehr wundersame Weise Reflexionen über ungeahnte malerische Möglichkeiten mit deren sinnlicher Präsenz in Raum & Körper lebendig verknüpft.

MƎTAATEM eben. (08.02.2026)

^{Kerstin Brätsch. MƎTAATEM“ ist noch bis zum 12. April 2026 im Kunstmuseum Bonn zu sehen.}

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
Der Schatten seiner selbst in Bonn: „From Dawn Till Dusk“
Blick durchs Schaufenster. Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Der brennende Dornbusch. Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn

Homepage des Kunstmuseums Bonn

Der Beitrag Atmen. Pulsen. Pochen. Kerstin Brätsch in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

In Siegen setzt das Museum für Gegenwartskunst (MGK) über 80 Stillleben und Landschaften von Giorgio Morandi mit den Werken anderer Künstler in Dialog. Bei uns hat die fulminante Schau die Erinnerung an ein vergessenes Stillleben ausgelöst, das wir über die Jahre mit Morandi verbunden haben. Auch eine Detektiv-Geschichte.

Als wir für unser Hexenbuch durch die Jahre ein- und ausgingen in Mary Bauermeisters Rösrather Märchenreich, da sahen wir immer wieder durchs Fenster ins Arbeitszimmer auf ein Gemälde mit verstaubten Flaschen.

Dieses Stillleben hat KunstArzt1 immer wieder aus dieser Durchblicks-Perspektive fotografieren müssen, wie unter Zwang: Es gibt durch die Jahre unzählige Fotos davon, die zeitlich nur dank Erinnerungen (und Dateinamen) zuzuordnen sind.

Natürlich dachten wir, der uns (damals) unbekannte Maler habe jene Flaschen abgemalt, die Mary Bauermeister unter seinem Stillleben arrangiert hatte. Aber dann erzählte uns Mary Bauermeister, sie habe die realen Flaschen aufgrund von Ähnlichkeiten nachgesammelt. 

Erst Kunst, dann Wirklichkeit

Demnach war zuerst die Realität der Kunst, und DANN erst eine sich ihr annähernde Form der Wirklichkeit.

Wegen ihrer magnetischen Ruhe waren die gemalten Flaschen, trotz aller Unterschiede auch in der sinnlichen Qualität, in unseren Augen unmittelbar mit Giorgio Morandi verbunden: Morandi musste ihr Vorbild sein.

Vor allem aber schien uns die erzählte Aktion Mary Bauermeisters, dieses Reenactment der Wirklichkeit nach künstlerischer Maßgabe noch besser zu Morandi Werk zu passen als zum Flaschen-Bild an ihrer Wand, ja: fast schon sinnbildlich für unsere Wahrnehmung davon zu sein.

Wie wir das meinen, können wir gut an der Morandi-Schau im MGK Siegen illustrieren, wo neben Landschaften imposant viele seiner Stillleben: Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle und Grafiken, versammelt sind.

^{Foto oben: Giorgio Morandi, „Natura Morta“ (1959. Detail),
Museum für Gegenwartskunst, Siegen 2025}

Denn: Wenn wir die Flaschen Morandis sehen, dann sehen wir Einmaligkeiten aus purer Malerei, die nur vorgeben, Abbild zu sein. Was für Flaschen sollten das auch gewesen sein, die Morandi zum Vorbild hätte nehmen können? Das wäre viel zu profan gedacht.

Der Staub der Ewigkeit

Bei Morandi hat sich ja nichts weniger als die Ewigkeit wie Staub über einen sanften Körper aus Farbe gelegt. Wenn dabei irgend etwas abgebildet sein sollte, dann die Stille der Welt.

Und trotzdem ist beim Betrachten halt immer auch eine Sehnsucht da, die nicht existenten Flaschen Ähnlichkeiten außerhalb des stillen Bildes zu finden. Wie bei Mary Bauermeister.

^{Foto oben: Giorgio Morandi, „Natura Morta“ (1945/1946. Detail),
Museum für Gegenwartskunst, Siegen 2025}

Und mit diesen Ähnlichkeiten vielleicht so etwas wie Seelenruhe.

Im Grunde möchten wir wider besseren Wissens einfach nicht GLAUBEN, dass es zu Morandis Flaschen, Krügen, Schüsseln, Vasen, Schachteln vom Frühwerk der 1920er bis in die 1960er Jahre in Siegen Realitäten gäbe – auch wenn vor allem Luigi Ghirris nahezu kongeniale Fotos aus Morandis Atelier in Genua dies vorgeblich unumstößlich beweisen.

DIESE Illusion wollen wir uns tunlichst bewahren.*

^{*Wir werden Morandis Atelier aus diesem Grund auch
niemals betreten. KEINER von uns Dreien. Never ever.}

Es gibt in unseren Augen halt oft zwei Wahrheiten in der Kunst, und die profanere ist uns immer ein bitzeli zu schal.

Und wo sind nun die echten Flaschen?

Durch die unserer Meinung nach nichts weniger als umwerfende Morandi-Schau in Siegen kam uns nach Jahren die verschüttete Erinnerung an das Flaschen-Bild in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer in Rösrath wieder in den Sinn.

Plötzlich erinnerten wir uns, dass Mary Bauermeister uns den Namen des Künstlers auf einen blauen Klebe-Zettel in den Dummy unseres Hexenbuchs geschrieben hatte! Wir sahen nach. Tatsächlich, da stand er: Josta Stapper.

Wir spürten Josta Stapper im Kunstzentrum Wachsfabrik auf: einer zauberhaften Künstlerkolonie bei Köln, in der auch Mary Bauermeister kurz ein Atelier bewohnte, bevor sie zurück ins Märchenreich nach Rösrath zog.

Unser Hexenbuch hatte sie Josta Stapper vor Jahren zugeschickt. Vor allem dies öffnete uns die Tür.

In Josta Stappers Badezimmer wurde einstmals das Paraffin für die Kerzen der Wachsfabrik geschmolzen: Die acyclischen Spritzer klebten noch auf der Wand hinter dem Spiegel. Verstaubte Flaschen wie die vom Gemälde in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer standen in den Regalen.

Die Zeit stand still. Auch hier.

^{Foto oben: Der Dummy unseres Hexenbuchs mit blauem Klebezettel
von Mary Bauermeister in Josta Stappers Atelier, Köln 2025}

Nein, Giorgio Morandi habe ihn nicht wirklich beeinflusst, so sehr er seine Bilder schätze, sagt Josta Stapper: „Ich bin ja Realist“.

Vielmehr sei er eines Tages ganz profan in den Keller der einstigen Wachsfabrik gestiegen, und da lagen diese Apotheker-Flaschen mit Chemikalien aus den alten Beständen. Die habe er dann mitgenommen in sein Atelier. 

Wie unter Zwang?

Ihr Alter habe ihn fasziniert, die Form, der (echte) Staub, sagt Josta Stapper. In immer neuen Konstellationen habe er sie immer wieder malen müssen – bis heute.

Wie unter Zwang, Herr Stapper? Wir haben nicht gefragt.

^{Foto oben: Unvollendetes Flaschen-Bild
in Josta Stappers Atelier, Köln 2025}

Egal. Wir denken uns dieses Malen des immergleichen Variierten als eine Form meditativer Einkehr, als Zur-Ruhe-Kommen im Prozess des Schaffens. Quasi als Heilung von der Wirklichkeit. Die magnetische Ruhe: Das ist des Profanen andere Seite.

Wie bei Erwin Hapke. Oder bei Peter Dreher, dessen Tag- und Nachtgläser in Siegen vis-à-vis zu Gemälden Giorgio Morandis hängen. Ein bisschen auch wie bei uns, beim Fotografieren von Josta Stappers Flaschen-Stillleben: durch all die Jahre aus der immergleichen Durchblicks-Perspektive in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer.

Und eben, dann doch wieder ähnlich & viel mehr noch als bei uns, trotz aller Unterschiede auch in der sinnlichen Qualität: wie bei Giorgio Morandi selbst.

Stappers Erinnerung geht anders

Das Flaschen-Bild habe Mary Bauermeister ihm Anfang der 1990er Jahre abgekauft, als sie noch Nachbarin und Nachbar waren, sagt Stapper – ein Zehntel ihrer Einkünfte floss ja Zeit ihres Lebens in Werke von Künstler*innen, die knapper bei Kasse waren. 

Ob Mary Bauermeister Flaschen nach dem Abbild seines Bildes zusammengesammelt habe, um sie darunter zu drapieren? Von diesem Reenactment der Wirklichkeit nach seiner künstlerischen Vorgabe will Stapper nichts wissen. Seine Erinnerung geht anders.

Tatsächlich habe er Bauermeister die Vorbilds-Flaschen aus dem Wachsfabrik-Keller mitsamt dem Gemälde überlassen. Sie habe es sich so gewünscht.

^{Foto oben: Perspektiven-Variante, aber immer noch
durch’s Fenster: Josta Stappers Flaschen-Stilleben in
Mary Bauermeisters Arbeitszimmer, Rösrath 2019}

Zwei mögliche Wahrheiten, eine ist profaner, die andere womöglich Illusion. Wie bei den Flaschen von Giorgio Morandi.

Wir wissen nicht, welche Geschichte stimmt – die von Mary Bauermeister oder die von Josta Stapper. UND wir wissen nicht, welches die echten Flaschen sind, die in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer oder die in Josta Stappers Atelier. Aber eines wissen wir: WIR haben die echten Flaschen, WO auch immer, gesehen.

Was sollen wir sagen, Herr Stapper?

Was sollen wir also sagen, Herr Stapper? Wir finden, dass Ihre Kunst mehr mit Giorgio Morandi zu tun hat als Sie denken. Da gibt es viele Resonanzen, zumindest unserer bescheidenen Meinung nach. Wir haben versucht, das aufzuzeigen. Und wir empfehlen Ihnen sehr, nach Siegen zu fahren, ins MGK, um diese Resonanzen mit eigenen Augen zu entdecken. Andere zu sehen gibt es auch.

Darüber hinaus: SO viele grandiose Stillleben mit Flaschen, Krügen, Schüsseln, Vasen, Schachteln – womöglich OHNE reale Flaschen, Krüge, Schüsseln, Vasen, Schachteln – also: So viel wundervoll pure Malerei bekommen Sie so schnell sicher nicht mehr zu sehen.

Dies zumindest ist eine – keineswegs profane – Wahrheit, auf die man sich, trotz deri unterschiedlichsten Erinnerungen im Hintergrund, einigen kann. (25.01.2026)

^{„Giorgio Morandi, Resonanzen“ ist noch bis zum 22. März 2026 im Museum für Gegenwartskunst (MGK) in Siegen zu sehen, das in diesem Jahr zudem sein 25-jähriges Bestehen feiert. Nochmal: Unbedingt hingehen, Josta Stapper!}

^{Anmerkung: Als wir Josta Stapper die Geschichte von den nachgesammelten Flaschen Mary Bauermeisters bei unserem ersten Besuch im Atelier erzählten, da sagte er noch, davon habe er nichts gewusst: „Aber das erfüllt mich mit Stolz“. Das wollen wir Illusionisten von der KunstArztPraxis an dieser Stelle nicht verschweigen – dass auf MBs Flaschen im Märchenreich kein Staub war ebensowenig! Ob danach die Erinnerung daran zurückkam, wie es wirklich war, wie er uns später schrieb? Wir haben Josta Stapper nicht gefragt, auch hierzu nicht. Manche Wahrheit darf in der Kunst getrost im Dunklen bleiben.}

Das MGK Siegen in der KunstArztPraxis:
„Meine Juden“: Miriam Cahn im MGK Siegen
Katja Novitskova: Die glücksberaubten Pinguine
Mariana Castillo Deball: Im Museum der Zukunft
Mehr als heiße Luft: „Die Wolken und die Wolke“ in Siegen
Die Wachstumskurven der Katja Novitskova
Schach in der Mausefalle: Zum Tod von Takako Saito

Homepage des MGK Siegen

Der Beitrag Wo sind die echten Flaschen? Giorgio Morandi in Siegen erschien zuerst auf KunstArztPraxis.