Kann man als Betrachter*in mit einer Zeichnung verschmelzen – oder sie sogar spazierend neu zusammensetzen? Man kann! Im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach sind gerade internationale Positionen von neun Künstlerinnen zu sehen, die ihr Zeichnen in den Raum erweitern. Toll toll toll. 

Einmal hatten wir bei Tony Cragg ein exklusives Foto-Shooting mit Markus Lüpertz, da sprachen wir auch über das, was er so macht. Er sei Maler-Bildhauer, hat Markus Lüpertz uns damals gesagt: Im Unterschied zum Bildhauer-Bildhauer sehe er die Skulptur nicht als Volumen, sondern als Summe von Flächen. 

Beim Bildhauer-Bildhauer wisse man beim Herumgehen schon, wie kommen werde, weil sich das Hinten aus der Logik des Vorne ergäbe. „Bei mir können Sie hinten ganz andere Dinge erleben, weil ich an die Skulptur immer in Ansichten gehe.“ 

Seine Maler-Skulptur, sagte uns Markus Lüpertz damals, sei „eine eigene Gattung“.

Zeichnung als Volumen denken

An diese Sätze mussten wir denken, als wir durch die „Zeichen-Räume“ im Kunstmuseum Villa Zanders gingen; denn der Zeichen-Raum scheint uns auch eine eigene Gattung zu sein.

Beim Zeichnen denkt man ja eher an eine solitäre Fläche aus Papier, auf der der Künstler, dem schönen Bonmot Paul Klees zufolge, die Striche spazieren führt. 

Aber man kann die Striche ja auch durch den Raum spazieren führen, die Zeichnung also als Volumen denken. Warum nicht?

^{Foto oben: Kamilla Szíj, „Latentes Element 1 (2012/2016),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

In diesem Sinne könnte man viele der Werke der neun Künstlerinnen, die gerade in der Villa Zanders versammelt sind, mit Markus Lüpertz – und, anders als bei ihm: gegendert – vielleicht Zeichner*innen-Skulpturen nennen – im Unterschied zur Zeichner*innen-Zeichnung, bei der man auf einen Blick gleich immer alles sieht.

Im Inneren des Diamanten

Ach ja: Eine Maler-Skulptur sei mit einem Diamanten vergleichbar, der aus hunderten von Flächen einen Kreis ergibt, hat Markus Lüpertz uns damals ebenfalls erklärt. Das gilt für die Zeichner*innen-Skulptur in unseren Augen genauso.

Mit dem entscheidenden Unterschied, dass man sich bei einer Zeichner*innen-Skulptur im Innern des Diamanten befindet und staunend an die Ränder, auf Wände, Decke, manchmal auch: auf Böden, schaut. Und auf das oftmals zeichenlose Loch dazwischen, das sich im Idealfall ebenfalls aus der Logik der Ränder ergibt.

Mit einer solchen Zeichner*innen-Skulptur kann man verschmelzen. Wenn man sie denn erwandert: so, wie die Künstler*innen zuvor den Raum erwandern mussten, um sie zu zeichnen – ganz Auge, Arm und Bein.

So irgendwie. 

Mit Wanderschuhen schon gar nichtr

Bei Monika Bartholomé kann man das besonders hübsch erleben.

Bartholomé hat ihren Raum mehrere Tage lang – hoch konzentriert – mit wandhohen Papierbahnen samt Tusche & Acryl tapeziert und teilmöbliert: Zeichnung, die die Architektur der Villa Zanders teils aufnimmt, teils konterkariert. 

^{Foto oben: Monika Bartholomé,“Raumzeichnung für die
Villa Zanders“ (2026, Detail), Bergisch Gladbach 2026}

Es gibt auch Zeichnerinnen-Skulpturen von Monika Bartholomé, die den Boden okkupieren. Aber dann kann man sie gar nicht – oder nur unter Auflagen – betreten. Mit Wanderschuhen schon mal gar nicht.

Nein: Gescheitert ist sie nicht

Sie würde nichts vorzeichnen, hat Monika Bartholomé uns im Gespräch verraten. Ihr Raumzeichnen sei „ein Wagnis ohne Radiergummi“: Mit jedem neuen Strich könne sie scheitern. 

Nein: Gescheitert ist Monika Bartholomé mit ihrer Zeichner*innen-Skulptur, die frei nach Markus Lüpertz in räumlichen Ansichten gedacht ist, auf keinen Fall.

Manche Zeichner*innen-Skulptur muss an aber nicht nur aktiv erkunden: Beizeiten nimmt sie einen auch an der Hand und führt durch ihren Raum, der sich beim Gehen verändert. Kunst und Betrachter*in werden ein Paar.

Das ist bei der Zeichnerinnen-Skulptur von Angela Lubič mit ihren Klebestreifen-Strichen der Fall. Kein Wunder also, dass sie „Linienführung“ heißt.

Dabei ergeben sich sogar Positionen, bei denen sich die Striche an den Wänden und der Decke wie im Film im Gehtempo zu einer Einheit zusammenschließen: sich Flächen bilden, die gegen die Ursprungs-Flächen der Wände und der Decke rebellieren, dem Villen-Raum einen zweiten Raum überstülpen.

^{Foto oben: Angela Lubič, „Linienführung“ (2026, Detail),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Gehend & sehend selber finden

Von diesen Positionen haben wir aber keine Fotos gemacht. Wir wollen ja nicht unsereins linienführend tätig werden: Wir sind ja keine Skulpturen-Zeichner!

DIESE Positionen soll bitteschön Jede*r in Bergisch Gladbach gehend & sehend selber finden. Dankeschön.

Wir haben noch einen weiteren erklärten Lieblings-Raum: „Nach Babel“ von Julia Ziegler.

Im ehemaligen Wohnraum der Villa Zanders sind in künstlerischer Freiheit Vorderschnitte von Wörterbüchern an die Wand getürmt, die illustrieren, welche Anfangsbuchstaben in welcher Sprache wie oft verteilt sind: im Lateinischen ist es besonders oft das „C“, im Ungarischen eher „E“.

Dabei verschwimmen die Strukturierungen zu ebenso verwirrenden wie dekorativen graphischen Mustern, die ihrer Aussagekraft verlustig gegangen sind. Das hat uns Babyloniern aus der KunstArztPraxis natürlich besonders gefallen.

^{Foto oben: Cambridge Dictionary vor „Nach Babel“ (2026),
Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Summa summarum ist es in „Zeichen-Räume“ so, wie wir es seit Jahren generell von unserer Praxis-Kanzel predigen: Kunst kann & darf man nicht einfach über sich ergehen lassen, Kunst muss man sich ergehen.

Das gilt für diese tolle Schau, in der die Künstlerinnen ihre Striche eben nicht nur übers platte Land, vulgo: Papier spazieren führen, sondern durch die Gebirgs-Welt der Zimmer, besonders. (19.04.2026)

^{„Zeichenräume“ ist noch bis zum 16. August 2026 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen.}

^{Anmerkung: Mit Jolanta Wagner aus Polen gibt es auch eine „klassische“ Zeichnerin in der Schau im Kunstmuseum Villa Zanders: eine Zeichnerin, die aber trotzdem Zeichen-Räume schafft.}

^{Denn sie strukturiert auf ihren teils monumentalen Papier-Bahnen die Dinge der Städte (eine schlicht „BG“ genannte vielleicht Bergisch Gladbach?) neu – und korrespondiert mit ihren verwirrenden Ordnungen wiederum mit Julia Zieglers vom Verbalen ins Graphische gewendeten „Nach Babel“.}

^{Und mit Borges‘ Erwähnung der Klassifizierung der Tiere in einer chinesischen Enzyklopädie. Aber das nur nebenbei.}

^{Foto oben: Jolanta Wagner, „Double Map of the City V“ (2026, Deal),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Das Kunstmuseum Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
Papiertiger aus Acryl. Eckart Hahn in der Villa Zanders 
Traum hinter Geste: Ruth Marten in der Villa Zanders
Mehr Babel war nie! Jenny Michel in Bergisch Gladbach (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Wie sagen wir’s den Bienen? “HONIG” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
In Brüchen denken: “Martin Noël – Otto Freundlich” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
33 Malantworten: Rolf Rose in der Villa Zanders
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
“Bibliomania” in Bergisch Gladbach: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Der Beitrag „Zeichenräume“ in der Villa Zanders: Eigene Gattung! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Als florierende KunstArztPraxis haben wir ja Geld wie Heu, deshalb schließen wir hin und wieder die Patientenpforte und reisen komplett ins befreundete Ausland. Diesmal ging’s nach Bayern, ins Haus der Kunst: zu Sandra Vásquez de la Horra. Hier das Ausflugsprotokoll* unserer Schülerpraktikantin Lucija.

^{*Naja, „Ausflugsprotokoll“ trifft es diesmal nicht so wirklich.
Lucija hat es anders angepackt als unsere Schülerpraktikantinnen bisher.
Aber lesen Sie selbst.}

Letzte Woche ist meine Baka Zora gestorben, mit 94 Jahren. Sie ist aus Zagreb nach Deutschland gekommen, da war sie fast so jung wie ich. Sie hat sich hier nie richtig wohl gefühlt, von den Deutschen ungeliebt, auch missverstanden. 

Aber sie war trotzdem eine starke Frau.

Jugend in Diktaturen

Meine Baka hat zwei Kriege erlebt, den ersten in Zagreb, den zweiten in Kroatien aus der Ferne.

Und sie ist unter Tito groß geworden, dem jugoslawischen Diktator. Im Vergleich zu Pinochet, unter dem Sandra Vasquez de la Horra groß geworden ist, war Tito allerdings ein Waisenknabe.

Die Jugend in der Diktatur, das Unwohlsein in der Fremde: Ich glaube, das sind zwei Sachen, was beide verbindet. Das habe ich aber erst in München begriffen, weil wir eine sehr gute Führung hatten. 

Da lebte meine Baka noch.

^{Foto oben: Sandra Vásquez de la Horra, „Der Sprung des Herrn Maus“ (2008),
Haus der Kunst, München 2026; © an der Kunst: VG Bild Kunst 2025}

Die Haut der Zeichnung

Ich mag die starken Frauen und Müttern auf den Bildern, die in München nicht nur an den Wänden hängen, sondern witzig aufgefaltet auf Tischen stehen. Die Farben, aber auch die tiefschwarze Dunkelheit der Gespenster.

Ich mag, dass das Papier, weil es in Bienenwachs getränkt ist, so was von Haut hat. Ich mag das Geheimnisvolle, das zum Teil ja aus indigenen Mythen stammt. Dass Pflanzen und Vulkane und Menschen magisch ineinander übergehen wie in einem fernen Paradies.

So zu zeichnen muss viel Kraft und Ruhe geben. Energie. „Soy Energía“: So heißt die Ausstellung ja auch.

^{Foto oben: Sandra Vásquez de la Horra, „Schöpfer der Kreatur“ (2015),
Haus der Kunst, München 2026; © an der Kunst: VG Bild Kunst 2025}

Schönheit. Grausamkeit. Geheimnis.

Ich glaube, dass Sandra Vásquez de la Horra ihre Heimat Chile auf ihren Zeichnungen mitgenommen hat. Dass sie die Heimat, die sie im Kopf hat, in ihre Zeichenhand hat fließen lassen.

Mit ihrer ganzen Schönheit, aber auch mit all der Grausamkeit. Und mit ihrem Geheimnis, das gut und böse sein kann.

Da ist sehr viel Sehnsucht in den Bildern. Aber auch Verzweiflung, finde ich.

Aber vielleicht kommt mir das alles auch nur so vor, weil es meine Baka gab.*

^{*Nein, dass ist alles drin, liebe Lucija! Aber
noch mehr. Das wirst du später merken.
Wenn dein Körper andere Erinnerungen
gespeichert hat.}

^{Foto oben: Sandra Vásquez de la Horra, „Geknebeltes Fräulein“ (2015),
Haus der Kunst, München 2026; © an der Kunst: VG Bild Kunst 2025}

Tito hat Bakas Mama mal ein Grundstück am Meer gestohlen, einen Kühlschrank gab es dafür im Tausch, damit sind wir quitt, hat Tito gesagt. Der Kühlschrank ist natürlich längst kaputt.

Aber das war nur ein Grundstück am Meer! Pinochet hat den Menschen ihre Leben gestohlen. Er hat sie umgebracht, ihre Kinder verschleppt. Die waren plötzlich weg.

Und er hat ihnen ihre Geschichte gestohlen. So wie Hitler. Und wie Putin gerade in der Ukraine.

Wer findet die Geschichten?

Deshalb glaube ich, dass die Figuren bei Sandra Vásquez de la Horra auf dem Papier im Leeren schweben.

^{Foto oben: Sandra Vásquez de la Horra, „Soy Energía“,
Ausstellungsansicht, Haus der Kunst, München 2026};
^{© an der Kunst: VG Bild Kunst 2025}

Da ist keine Geschichte mehr, aber man weiß natürlich, dass da eine sein müsste. Denn die Figuren sind viel zu spannend gezeichnet, um keine Geschichte zu haben.

Ich wünschte, ich könnte den Figuren ihre Geschichten zurückgeben.*

^{*Kannst du doch, liebe Lucija! Wir wissen, dass dich der „Spruch“ von uns nervt,
aber: Kunst ist im Idealfall magische Verheißung! Auch für Geschichten.}

Dass die Bilder von Sandra Vásquez de la Horra jetzt im Haus der Kunst hängen, finde ich gut. Hitler hat das Haus ja bauen lassen, um kitschige Bilder hineinzuhängen, die er gut fand und die alle Deutschen gefälligst gut zu finden hatten. Er war ja Hobbymaler.

Die Bilder von Sandra Vásquez de la Horra hätte sich Hitler niemals in sein Haus der Kunst gehängt. Sie hätten ihn geärgert. Vielleicht sogar Angst gemacht. Auch deshalb ist es gut, dass sie da hängen.

Kunst als Heimat

Überhaupt: Die Bilder, die ich mag aus dieser Zeit, als Hitler an der Macht war, hat Hitler lächerlich gemacht. Die sie gemalt haben, sind ins KZ gekommen oder haben fliehen müssen an Orte, wo sie sich nicht zu Hause fühlten. Auch Deutsche. Und viele hatten dann nur noch ihre Kunst als Heimat.

Dazu passt, dass Sandra Vásquez de la Horra viele ihrer Bilder in München einfach mit Nadeln ungerahmt in die Wand gesteckt hat: Damit sie notfalls schnell zusammenpackt werden können, wenn sie aus Deutschland fliehen muss? Zu sowas könnte es ja bald schon wieder kommen. 

Vielleicht ist meine Baka Zora gerade noch rechtzeitig gestorben. Ich lebe ja in einer Zeit, in der Hass und Verachtung für Andere wieder ausreicht, um die Macht zu übernehmen.

Was bitte ist mit diesem Deutschland los? (05.04.2026)

^{„Sandra Vásquez de la Horra. Soy Energía“ ist noch bis zum 17. Mai 2026 im Haus der Kunst in München zu sehen.}

Betriebsausflüge in der KunstArztPraxis:
6: „Honiggelb“ in Wiesbaden
5: Nick Cave in Wassenaar
4: „Kafka: 1924“ in München
3: Nicole Eisenman in München
2:“Geordnete Verhältnisse“ in Nürnberg
1: „Kunst für Tiere“ in Rüsselsheim

Homepage vom Haus der Kunst

Der Beitrag Betriebsausflüge 7: Vásquez de la Horra in München erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

In der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen ist gerade „German Pop Art“ aus der Sammlung von Heinz Beck zu Gast. Die Grafiken und Multiples illustrieren, wie politik- und konsumkritisch die deutsche Variante im Vergleich zu ihrer britischen und amerikanischen Schwester war. Und wie erschreckend aktuell noch ist.

In „German Pop Art“ in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen haben Zwei von uns Dreien ein Lieblingswerk.

Es zeigt das in Pop-Art-Manier recht grobkörnige Bild eines US-Langstreckenbombers, der, anders als das Original, statt Sprengkörpern über Vietnam echte Lippenstifte abwirft. Für uns ganz große Kunst. In vielerlei Hinsicht.

Ein offenes Kunstwerk

Denn Wolf Vostells „Objekt B 52“ (1968) denkt nicht nur zwei scheinbar unvereinbare, auf den zweiten Blick aber evident gut zusammen zu denkende Dinge fast schon surrealistisch zusammen: Es ist in gewisser Weise auch das, was Umberto Eco „offenes Kunstwerk“ nannte.

Weil es semiotisch vieles bedeuten kann, ohne arbiträr zu sein.

Weist Wolf Vostell mit seinem „Objekt B 52“ etwa auf die Verharmlosung des Krieges in der medialen Berichterstattung hin – oder verharmlost er ihn vielleicht sogar selbst? Möchte er uns sagen, dass die US-Army lieber rote Kosmetik übers rote Vietnam hätte ausschütten sollen statt bräunliches, stinkendes, aus Benzin erzeugtes Napalm?

Oder übt er Kritik am Imperialismus der USA, der neben Öl-Imperialismus – das Paraffin des Lippenstifts! – ja immer auch Konsum-Imperialismus war? 

Wow! Ein Pop-Art-Anti-Andy-Warhol!

Egal. Wir lesen Vostells Lippenstiftbomber eh eher postmodern.

Für uns ist „Objekt B 52“ ein ehrlicheres Porträt von Donald Trump als jenes, das in der von Trump mit Schmähtafeln auf demokratische Vorgänger unterfütterten Ahnengalerie der US-Präsidenten im Weißen Haus mit seinem neuen Goldglitzer-Ballsaal zum Hängen kam.*

^{*auch ehrlicher als eines, dass Andy Warhol aus dieser trashigen
Gemengelage gegen harte Dollar hätte machen können!}

Weil es das Gesicht des verurteilten Sexualstraftäters (Lippenstift) mit dem des Welt und Gesellschaft spaltenden Tyrannen (Bomber) vereint.

In unseren Augen zeigt Wolf Vostell in der Retrospektive auf diese Weise eine Traditionslinie auf, die bis in unsere Gegenwart hinüberreicht – und die ihre wahren Interessen auch immer zu verschleiern verstand.

Woke ist der neue Kommunismus!

Imperialistisch und ölversessen waren die USA ja immer schon. Nur haben es die früheren Präsidenten nicht so unverschämt offen & so hyperrealistisch formuliert wie Donald Trump.

Und wir hatten als Demokraten in Europa bisher einfach das Glück, nicht auf dem – inzwischen eben weniger anti-kommunistischen als vielmehr anti-woken – Speiseplan zu stehen. 

^{Bild oben: Siegfried Neuenhausen, „Freiheitsstatue“, 1972
© VG Bild-Kunst, Bonn 2025}

Und dann verweist „Objekt B 52“ natürlich auch auf jene geschminkten Lügen, die zu völkerrechtswidrigen Missetaten – Massenvernichtungswaffen im Irak! Der Drogen-Präsident von Venezuela! Der Russland vernichten wollende Faschismus der Ukraine! – seit jeher offenbar immer auch dazugehören.*

^{*im Vietnamkrieg war es bekanntlich der angebliche
Angriff Nordvietnams auf einen US-Zerstörer.}

Johannes 1,14 (Trump-Bibel-Version)

Das ideologische Neusprech von 1984 ist ja nicht erst mit Friedens-Nobelpreis-Medaillen-Besitzer Donald Trump über die Welt gekommen. Aber mit Donald Trump sind die alternativen Fakten evangelikales Fleisch geworden und haben unter uns gelebt (Johannes 1,14, Trump-Bibel-Version).*

^{*wir sagen dies, obwohl Donald Trump das US-Verteidigungsministerium
nicht in Friedens-, sondern wahrheitsgemäß in Kriegsministerium umbenannt hat.
Obwohl, BTW: Warum eigentlich nicht in „Donald Trump Ministry of War“?}

In Oberhausen zeigt sich diese Aktualität der „German Pop Art“, die obige Gedanken beim Betrachten in uns ausgelöst hat, bei Weitem nicht nur in Vostells „Objekt B 52“:

Die deutsche Variante war zwar genauso bunt und schrill, teils auch genauso dekorativ wie ihre Geschwister in Großbritannien und den USA. Aber weitaus politik- und konsumkritischer – und teils auch humorvoller – war sie auch.

Die deutschen Künstler*innen waren eben WIRKLICH Kinder von Karl Marx & Coca Cola, mit einem Aperol Spritz aus Karl Valentin & Josef Beuys. Uns war das neu: in „German Pop Art“ für uns die größte Überraschung.

^{Foto oben: Timm Ulrichs, „Ich kann keine Kunst mehr sehen“ (1975),
Ludwiggalerie Schloss Oberhausen, 2026}

Der kluge kuratorische Kniff

Dass die Überraschung gelang, liegt in unseren Augen vor allem daran, dass Kuratorin Sarah Hülsewig die Pop Art mit einem klugen Kniff als eine Zeitströmung betrachtet hat: eine Zeitströmung, die nur 4,5 Jahre überspannte.

So passen eben auch Klaus Staeck und Tim Ulrichs – oder Fluxus, sprich: Mary Bauermeister: in den Sechzigerjahren in New York bekanntlich eng befreundet mit Robert Rauschenberg und Jasper Johns, mit hinein.

Ach ja: Wir haben weiter oben ja gesagt, dass Wolf Vostells Lippenstiftbomber nur von Zweien von uns das Tollste ist. Der Dritte hat in „German Pop Art“ ein anderes Lieblingswerk.

Er lässt schön grüßen und ausrichten, dass es doch wichtiger sei, statt in die USA auf das zu schauen, was gerade vor der eigenen Haustüre passiere.

Reicher sammelt größer

Deshalb hat unser Einer Siegfried Neuenhausens raumgreifende Skulptur „Die Bürger von B.“ (1967) aus der Schau in Oberhausen herausgepickt: die einzige Arbeit aus der Sammlung von Peter & Irene Ludwig – den Namensgebern der Ludwiggalerie.

Die haben halt immer größer & unikatärer & US-amerikanischer gesammelt als der Düsseldorfer Rechtsanwalt Heinz Beck. Waren als Unternehmer ja auch weitaus reicher & notgedrungen auch kapitalistischer als er. 

Im Titel verweisen „Die Bürger von B.“ auf die „Bürger von Calais“, die Auguste Rodin zwischen 1884 und 1886 demokratisch vom Sockel auf die Erde holte.

Ende der Solidargemeinschaft

Wo letztere sich aber für die vom fremden Truppen belagerte Stadt in großer Geste aufopferten, blicken erstere nurmehr monadisch starr ins Leere.

Aus der Solidargemeinschaft ist eine Gruppe uniformer Egos geworden, die sicher – so unsere Gedanken in der Schau! –, im besten Fall aus Trotz, die Nazis wählen. Oder eben in Schockstarre sind.

^{Foto oben: Ein Bürger von B. schaut ungerührt auf auf Siegfried Neuhausens
kopf- und hirnlose Figur der Grafik „nichts gesehen, nichts gehört, nichts gemerkt,
nichts getan“ (1964, links). Und auf „Das da hätte fast die Welt regiert“ (1970).}

Was das betrifft, gibt es in „German Pop Art“ allerdings andere Werke, die deutlicher die Brücke zum damals nicht wirklich aufgearbeiteten und heute noch überaus fruchtbaren Schoß des Faschismus schlagen.

Und auf diese Werke schauen die uniformen „Bürger von B.“ in Oberhausen! Das ist der zweite kuratorische Kniff, der uns Dreien unisono mega gefallen hat. (15.02.2026)

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Der Katalog ist ebenfalls ein Kracher.}

Bonus-Track: „British Pop Art“, Ludwiggalerie Schloss Oberhausen, 2019*

^{*ebenfalls Sammlung Heinz Beck! Mega.}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Der Beitrag Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art“ erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Er fuhr zum Oberindianer mit dem Sonderzug nach Pankow, sang mit einem Apachen über Kometen und fand eine Cello-Spielerin so erregend: Udo den Panik-Rocker kennen alle. Aber kennen Sie auch Udo, den Likörellen-Maler? Testen Sie’s aus! Es winken nice Preise zur großen Udo-Sause in Oberhausen! 

Es geht um drei mal je 2 Eintrittskarten plus DIN-A4-Poster zur Lindenberg-Schau „Kometenhaft panisch“, das sogar gerollt, also ungeknickt verschickt wird! Die Gewinn-Pakete hat uns die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zur Verfügung gestellt. Danke, Ludwiggalerie Schloss Oberhausen!

Keine Panik auf der Titanic: Gewinnen kann Jede*r!

Übrigens können Sie beim schicken Klicken durch zehn Fragen ruhig mal einen auf Rudi Ratlos machen, denn hinterm Horizont geht’s auch in der KunstArztPraxis weiter: Gewinnen kann nämlich Jede*r – egal, wie schlecht oder gut sein oder ihr Quiz-Ergebnis ausfällt!

Sie oder er muss nur bis zum 13. Juli 2025 mitmachen*. Und danach natürlich durch unsere bezaubernde Lotto-Fee vom Baggersee aus der Lostrommel gefischt werden! Am Ende unseres Udo-Lindenberg-Quizzes steht genauer, wie es geht.

^{*also leider kein Gewinnspiel mehr! 🙁}

Alles Paletti, Jonny Controlletti?

Na, dann ist ja alles klar auf der Andrea Doria! Und nun: Eierlikör entkorkt, Hut in die Stirnfalte geschraubt, Sonnenbrille aufgenast, Schalmei gestimmt und Raten starten. „Yeah. Mit der KunstArztPraxis durch Udos Kunst-Galaxis! Und dann mit Valerie in die Ludwiggalerie / Schloss Oberhausen, da gibt es keine Kunst-Banausen!“ (von uns gefälschter O-Ton des Künstlers).

Aber jetzt erstmal viel Spaß.

Ciao mit Curaçao.
Ihre KunstArztPraxis

Das Udo-Lindenberg-Quiz

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Nochmal?

^{„Udo Lindenberg. Kometenhaft panisch – Likörelle, Udogramme, nackte Akte & viel mehr“ läuft in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen sowie im kleinen Schloss. Wie lange? Bitte auf die Homepage des Museums schauen!}

Die legendären KunstArztPraxis-Quizze:
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Das Foto-Kunst-Foto-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Hochromantisch! Das Caspar-David-Friedrich-Quiz
Voll verrätselt: Das Symbolismus-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Albrecht Dürer forever! Quiz zum 495. Todestag
Fit für Kippi? Das Martin-Kippenberger-Quiz
Pack’s aus! Das Christo-und-Jeanne-Claude-Quiz (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine!)
Video, ergo sum: Das Nam-June-Paik-Birthday-Quiz
Das Gerhard-Richter-Geburtstags-Quiz
Funky Funky Funky: Das Kunstpalast-Electro-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Jeder Mensch ein Quizzer? Der Beuys-Jahr-Bio-Test
Lüster, Glaube und Verfall: Das Barock-Modern-Quiz

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

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Wie jede florierende Arzt-Praxis, die etwas auf sich hält, so hat natürlich auch die unsrige Kunst im Sprech- und Wartezimmer. Für uns sind das Freunde, die uns bei der Arbeit über die Schulter schauen, manchmal tröstend visuell umarmen, bisweilen kritisch hinterfragen. Und hin und wieder kriegen wir uns mächtig in die Wolle.

Keinen dieser Freunde wollen wir missen. Dass es sich dabei natürlich IMMER um käufliche Freunde handelt, ist uns herzlich egal.

Wir brauchten keine 30 Sekunden

Vor vier Jahren haben wir mit Cole Freundschaft geschlossen. Wir haben ihn baden sehen und waren sofort schockverliebt.

Der Anblick von Susanna hätte uns drei alte weiße Männer kaum mehr verzücken können. Dabei trägt Cole noch Badehose.

Normalerweise drehen wir unsere sauer verdienten Taler dreimal um, bevor wir einem Bild tief in die Augen schauen und es fragen, ob es unser Freund sein will.

Bei Cole brauchten wir keine 30 Sekunden. So eine platonische Liebe auf den ersten Blick hatten wir noch nie.

^{Ist auch Ulrike Theusners Lieblingsbild: „Cole taking a bath“ (2021).
Bis August 2025 im Museum August Macke Haus in Bonn.}

Wir hatten die Gelegenheit, wir waren mit Ulrike Theusner essen. Wir haben Sie trotzdem nicht gefragt, ob der Cole des echten Lebens, mit dem nun wiederum SIE befreundet ist und von dem ein Foto in Bonn in der Vitrine liegt, ein liebenswerter Charakter sei. UNSER Cole ist es – aus künstlerischer Perspektive – auf jeden Fall.

Was wir an unserem Cole so lieben

An UNSEREM Cole lieben wir deshalb alles, wir können gar nicht immer sagen warum. Eigentlich lieben wir sogar, dass wir nicht wissen, ob er da unten im Bachlauf überhaupt noch lebt.

Er schwebt ja so im Bild, in diesen strudelnden, strömenden, schlingenden, saugenden Strichen – Strichen, aus denen selbstverständlich auch er besteht. Denn UNSER Cole ist längst Teil dieses halluzinatorischen, künstlichen Paradieses, das ihn als Landschaft gespenstisch umgibt wie ein vampirischer Körper.

Ob ihn die Natur, der er als Mensch evolutionär entwuchs, zu sich zurückgerufen hat, sprich: ob schon die Fische schon an ihm nagen, bleibt im Rausch der Zeichnung offen.

^{„Ulrike Theusner. Schattenseiten“, Ausstellungsansichten, Museum August Macke Haus, Bonn 2025}

Das war schon bei Macke nicht anders

So gesehen ist Cole vielleicht nur für uns etwas Besonderes. Theusners Werke spielen ja alle in diesem Zwischenreich.

Da ist sehr viel groteske (digitale) Entfremdung im Spiel, viel abgründige Maskerade, die ja selbst dort anonyme Distanz zu sich und zu Anderen schafft, wo ihr Träger – siehe Karneval – doch eigentlich ganz dionysisch feiern will.

Und: Derart bonbonfarben bunt wie Ulrike Theusner kann nur Jene*r die vermeintlich unschuldige Landschaft malen, der zuvor das komplexe, dämonische Urbane von Berlin oder New York inhaliert hat. Also die Unschuld aufs Krasseste verlor.

Aber das war ja schon im Expressionismus – siehe August Macke – nicht anders.

^{Ulrike Theusner badet im Licht ihrer – im Übrigen mit Spots blendend
ausgeleuchteten! – künstlichen Paradiese, Bonn 2025; © Foto: AushilfsKunstÄrztin Maja Köster}

Jetzt ist es wieder etwas ruhiger um Cole geworden, aber vor fünf Tagen musste er erstmal ein Bad in der Menge nehmen.

Bei der Eröffnung war es nämlich so voll wie sonst nichtmals in einer Blockbuster-Van-Gogh-Ausstellung in Venedig. Stoisch hat er den Ansturm ertragen – er liegt ja eigentlich im Bachbett, weil ihn die Menschenmasse gerade ankotzt.

Aber, das hat er schnell gemerkt: Er ist ja auch in diesem fiebrigen Gewässer, mit dem er permanent verschmilzt, selbst dann nicht allein, wenn ihn keiner von uns anstarrt! Da wuseln ja überall Geister durchs Gebüsch, wie um die anderen Gestalten Theusners auch.

Es sind – wie beim Heiligen Antonius oder bei Goya oder bei Munch oder bei Ensor – nicht unbedingt die guten.

^{Auch Ulrike Theusners „Schlaf“ (2020) gebiert Ungeheuer!
Museum August Macke Haus, Bonn 2025}

Wir können diese Geister im flüchtig expressiven Strich der Pastell-Zeichnung zumeist nur erahnen. Aber wir sind uns sicher, dass Cole sie durch die geschlossenen Lider seiner Augen sieht.

Und die Besucher*innen in Bonn, die sind ihm ferne Schatten.

Was machen diese Bilder nachts?

Wir werden Cole sicher noch ein paarmal in Bonn besuchen, aus purer Sehnsucht, er fehlt uns sehr: in dieser Fremde, wo er jetzt ist. Bei seinen echten Freunden, die er so lange nicht hat sehen dürfen. Weil wir ihn dem Ganzen entrissen haben. 

Ob Cole uns böse ist? Verachtet? Hasst? Gehasst wird man ja heutzutage gern.

Vermutlich denkt er gerade nicht einmal an uns. Und zückt wie all die anderen Schaumgeborenen der Ausstellung sein Smartphone, um sich narzisstisch darin zu spiegeln, wenn der letzte Besucher*innen-Schatten verschwunden ist.

Wenn es einsam wird im Raum. Wenn alle Masken fallen. Wenn das Museumslicht erlischt. Wenn das Theater beginnt.

Ulrike Theusner, „Beautiful Boredom“ (2022),
Museum August Macke Haus, Bonn 2025; © Foto: AushilfsKunstÄrztin Maja Köster

Derweil starren wir Heimgekehrten auf Coles leeren Nagel an der Wand im Wartezimmer. Und seufzen: Wie schön wird das sein, wenn unser guter Freund im Sommer endlich zu uns zurückkommt.

Dann war die Trennung nur ein schlechter Traum. (13.04.2025)

^{„Ulrike Theusner. Schattenseiten“ ist noch bis zum 17. August 2025 im Museum August Macke Haus in Bonn zu sehen. Ach ja: Wer Cole auch gern badend bei sich zuhause hätte: Sein Bild ist, wie das aller anderen gezeigten Werke, im Katalog.}

^{Anmerkung: Fast alle Fotos auf dieser Seite stammen von unserer AushilfsKunstÄrztin Maja, die Kunst und Deutsch studiert. Danke, Maja! Das hast du richtig gut gemacht. Deine KunstArztPraxis.}

Homepage des Museums August Macke Haus Bonn

Der Beitrag Cole, ein Freund. Ulrike Theusner in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wir sind sehr gern in Wunderkammern. Für uns sind das natürlich gewachsene künstliche Paradiese, deren Bewohner*innen, die zugleich ihre Schöpfer*innen sind, zumindest die Chance besitzen, in ihnen glücklich zu werden. Künstler*innen sind ja Kurator*innen ihrer Alltagswelt, die sie mit ihren Werken, oft mit Bezügen untereinander, möblieren.

Bei Eduard Roijen in Düsseldorf haben wir das mal mit einer begehbaren Collage verglichen, bei Hans von Hoermann in Prien am Chiemsee mit der Knotenschrift „Quipu“ der Inka: weil es sich für die jeweilige Wunderkammer so anbot. 

Sampling aus Trash, Punk, Gothic, Jazz & Porno

Bei Hans von Hoermann zum Beispiel wimmelte es nur so von Bezügen:

Verknüpfungen, die der Künstler bis zu seinem Tod in seinem Reich mit all seinen Objekt-Kästen, Materialbildern und Collage-Heftchen, den Arrangements aus Schneekugeln und Kinderpuppen, afrikanischen Figuren und indonesischen Masken, chinesischen Plastik-Drachen und Katzen-Girlanden, Bienenwaben und Muschel-Stelen, historischen Gemälden und Postern indischer Gottheiten, präparierten Schmetterlingen und Perlenketten, Spazierstock-Bouquets und katholischen Devotionalien, dem Schrecken vom Amazonas und der Herrscherin der Dunkelheit Elvira geschaffen hatte. 

Und zwar allein für sich, für niemand sonst. Und, nein: leider nicht, um glücklich zu werden, wie wir beim Hausbesuch 2023 zu erkennen glaubten. Sondern, um als letzter Inka unter all den Aliens am Chiemsee zu überleben.

Jetzt sind Hans von Hoermanns Material-Bilder und Objektkästen vom Atelierhaus des Künstlers in die Galerie von Christian Pixis nach München gewandert – gemeinsam mit Hans von Hoermanns in Kunst verwandelte Kommoden, seinem Schaukelstuhl. Im weißen Schrank aus dem lichtdurchfluteten Atelierraum stecken keine Horror-Videos mehr, sondern Reliquien aus dem ganzen Haus, die der Galerist als pars pro toto dort arrangiert hat. 

Als kleine Wunderkammer sozusagen.

Und in Hans von Hoermanns Rekorder steckt immer noch die selbst aufgenommene Kassette der „Einstürzenden Neubauten“, die er offenbar besonders geschätzt hat. Wenn man ihn bittet, drückt der nette Galerist auf Play.

^{Der Himmel über Hoermann stammt von Gesine Braun.}

Sogar den quadratischen Arbeitstisch mit seinem Wirrwarr aus Abertausenden übereinander und nebeneinander gestapelter, von Hans von Hoermann kopierter und danach ausgeschnittener Comic-Figuren hat der Galerist nach München verfrachtet! Auch die fein säuberlich auf zwei Zwischenböden gestapelten, bereits fertigen Kopiercollage-Heften sind noch da.

Er hat sich viel Mühe gemacht!

Auch wenn das zentrale Blatt mit seinem aus dem Zusammenhang gerissenen Imperativ-Wort „ERZÄHLT“ auf der Reise verloren ging (weshalb wir es hier noch einmal zeigen): Der Galerist hat sich sehr viel Mühe gemacht.

Hier in der Galerie wurde also alles getan, damit sich Hans von Hoermanns Werke auch in der Fremde heimisch fühlen könnten. Aber es ist trotzdem etwas Merkwürdiges mit ihnen vorgegangen, was aber bei genauerem Nachdenken unausweichlich war: Die einzelnen Teile des Gesamtkunstwerks sind nämlich vereinsamt. 

Das führte bei den Material-Bildern und Objektkästen notgedrucken zu einem Wandel der Persönlichkeit. Aus den Rudeltieren sind einsame Wölfe geworden, aus Mannschaftsspielern Einzelkämpfer. Bei Erwin Hapke haben wir bei Ausstellungen in Nürnberg und Kevelaer vor langer Zeit etwas Ähnliches bemerkt.

Kann ein Kunstwerk überhaupt überleben, wenn man es dem Gesamtzusammenhang jenes künstlichen Paradieses herausreißt, mit dem es, oft über Jahrzehnte, symbiotisch verwachsen ist?

Oder wird es sogar besser, weil es in der Vereinsamung plötzlich aufatmen kann? Weil man es ohne die Bezüge des natürlichen künstlichen Paradieses von seinen Fesseln befreit, als Individuum endlich sichtbar macht?

Wir können es nicht mit Bestimmtheit sagen. Wir können nur konstatieren: Wir haben dieselben Werke Hans von Hoermanns in Prien und in München gesehen: Werke, die auf eine sehr überraschende Art und Weise komplett verschieden von sich selber waren.

Weil sich das, was man gern Kontext nennt, gewandelt hatte; weil aus der natürlichen eine synthetische, aus der vom Künstler kuratierten eine fremdkuratierte Wohnstatt geworden war. Aus dem Urwald ein Zoo. 

Es war ein neues Sehen!

Wir wollen nicht verhehlen, dass uns als Betrachter dieser Persönlichkeitswandel zwischen erstem Entdecken in Prien und Wiedersehen in München durchaus gefallen hat.

Es war ja wieder mal ein neues Sehen. Für Studien am Kollektiv war ersteres, für Studien am Individuum letzteres hilfreich. Man kam sich auch nicht mehr so unglaublich erschlagen vor.

Und kryptisch, voller Verheißung, eine Geheimschrift: Das bleiben diese zauberhaften Fetische Hans von Hoermanns hier wie dort.

(16.03.2025)

^{„Hans von Hoermann, 1940-2020. Objekte, Materialbilder, Kopierbücher, Atelier“ ist gemeinsam mit den Arbeiten von Gesine Braun noch bis zum 29. März 2025 in der Galerie Christian Pixis in München zu sehen.}

^{Und SO war es in der originalen Priener Wunderkammer:}

Die Wunderkammern in der KunstArztPraxis:
In Wunderkammern 1: Helmut Kunkel, Aschaffenburg
In Wunderkammern 2: Eduard Roijen, Düsseldorf
In Wunderkammern 3: Rosa Haus, Hombroich
In Wunderkammern 4: Hans von Hoermann, Prien

Und, weil es ja auch einmal eine Wunderkammer war:
Im Märchenreich: Zu Gast bei Mary Bauermeister
Mary Bauermeister: Abschied vom Märchenreich

Homepage der Galerie Christian Pixis

Der Beitrag Aus Wunderkammern: Hans von Hoermann, München erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Insgesamt sind es drei Gewinn-Pakete, die uns die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen der KunstArztPraxis zur Verfügung gestellt hat. Danke, Ludwiggalerie Schloss Oberhausen!

In einem der Booklets geht es um Loriots Rolle als Künstler, Kritiker und Karikaturist im Allgemeinen, im anderen Booklet im Speziellen um die spannende Geschichte von Loriots 1984 quasi an der Stasi vorbeigeschmuggelten Ausstellung in seiner Geburtsstadt Brandenburg an der Havel. Alleine dafür lohnt sich schon, klärendes Licht in den taubtrüben Ginst am Musenhain zu bringen.

Gewinnen kann übrigens Jede*r – egal, wie schlecht oder gut sein Quiz-Ergebnis ausfällt! Sie oder er muss nur bis zum 16. Februar 2025 mitmachen. Und natürlich Glück haben, wenn wir mal das Kind nach vorne und in die Lostrommel greifen lassen! Am Ende unseres Loriot-Quizzes steht genauer, wie es geht. Nur soviel vorweg: „Brat fettlos mit Salamo ohne“ reicht nicht aus. Und ein Klavier gibt’s auch nicht.

Egal. Mutter, wir danken Dir.

Ihre KunstArztPraxis

Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz

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^{© der Fotos: Holger Jacobs/KAP (Teaserbild), Holger Jacobs (Frage 1), Paderborner/KAP (Frage 2),
Studio Loriot (Fragen 3, 4, 5, 6, 8), CCC (Fragen 7, 10), Radio Bremen/Do Leibgirries (Frage 9), ADCD (Frage 11)}

<sup>„Ach was. LORIOT – Künstler, Kritiker und Karikaturist“ ist noch bis zum 18. Mai 2025 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen.

Zum reichhaltigen Rahmenprogramm gehören Filmvorführungen, Vorträge (etwa zur komischen Bildgeschichte), Führungen mit Kuratorin Sarah Hülsewig sowie ein Cartoon-Workshop, bei dem es zwar kein Jodel-, wohl aber ein Witzbold-Diplom zu erwerben gibt. Da hat man dann auch was Eigenes und kann das Gefühl haben werden, auf eigenen Füßen zu stehen (2. Futur nach Sonnenaufgang).</sup> 

Loriot in der KunstArztPraxis: Kunst: Möglich, aber sinnlos! Loriot zum 100. Geburtstag

Die legendären KunstArztPraxis-Quizze:
Das Foto-Kunst-Foto-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Hochromantisch! Das Caspar-David-Friedrich-Quiz
Voll verrätselt: Das Symbolismus-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Albrecht Dürer forever! Quiz zum 495. Todestag
Fit für Kippi? Das Martin-Kippenberger-Quiz
Pack’s aus! Das Christo-und-Jeanne-Claude-Quiz (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine!)
Video, ergo sum: Das Nam-June-Paik-Birthday-Quiz
Das Gerhard-Richter-Geburtstags-Quiz
Funky Funky Funky: Das Kunstpalast-Electro-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Jeder Mensch ein Quizzer? Der Beuys-Jahr-Bio-Test
Lüster, Glaube und Verfall: Das Barock-Modern-Quiz

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Der Beitrag Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Bekannt wurde die New Yorker Künstlerin Ruth Marten mit Ihren Collage-Übermalungen von Kupferstichen des 19. Jahrhunderts. Jetzt hat sie sich ein Portfolio von Tänzerinnen eines Pariser Varieté-Theaters geschnappt. In unseren Augen ist das künstlerische Traumdeutung. Aber von Anfang an:

Die Tänzerinnen des Folies Bergère waren einsam wie Sumpf-Krokodile und bettelarm wie Kirchenmäuse, und während sich der Rest von Paris in den Zwanzigerjahren bei Jazz-Musik, Josephine Baker & gefährlichen Ideen allen nur erdenklichen Lastern hingab, hockten sie nackt in ihren kargen, nur von einem Vorhang möblierten Stuben und bliesen Trübsal. 

Diesen namenlosen Tänzerinnen war nichts geblieben: nichts, außer einer einzigen persönlichen Geste, einer einzigen ausgeklügelten Körperhaltung, einer einzigen individuellen Stellung der Hände und der Füße.

Und hätte der britisch-polnische Fotograf Stanisław Julian Ignacy Ostroróg alias Laryew nicht Mitleid mit ihnen gehabt und sie für sein Portfolio „NUS“ (1923) daheim abgelichtet, dann wären selbst diese Gesten, Haltungen, Stellungen für immer verloren.

Tänzerinnen-Träume aus Gouache

Natürlich hatten auch die Tänzerinnen des Folies Bergère in ihrer einsamen Nacktheit Träume.

Interessanterweise sind diese Träume ausgerechnet in jenen einzigartigen Gesten, Haltungen und Stellungen verborgen, die Stanisław Julian Ignacy Ostroróg alias Laryew im Paris der Zwanzigerjahre festgehalten hat: Das haben wir aber erst im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach begriffen.

Es ist nämlich Ruth Marten zu verdanken, diesen Zusammenhang zwischen Traum und Geste in „All About Eve“ mittels ihrer Gouache-Technik quasi seelen-archäologisch aufgedeckt zu haben. Mit hüpfendem Herzen.

Das Techtelmechtel mit dem Schwan

Offenbar hätten die Tänzerinnen des Folies Bergère am liebsten in fremden Nestern auf blauen Eiern gebrütet, in Röcken aus Spaghetti im Fleischbällchen-Regen frohlockt.

Mit Freuden hätten sie in Beckett’schen Meerschaum-Pfeifen viel Rauch um Nichts gemacht – oder wären unter den Blicken schlafender Brancusi-Köpfe gern lustvoll mit Einbau-Schränken verschmolzen.

Sie wünschten sich mehr Arme als Indiens kosmischer Tänzer Shiva, Penisse als Hut-Ständer oder kirchturmhohe Kletter-Wand. Und ein akrobatisches, fast schwereloses Techtelmechtel mit einem – wie wir vermuten: göttlichen – Schwan: Das wünschten sie sich auch.

Einige dieser Tänzerinnen wollten sich offenbar gänzlich in Schnee – oder Zucker? – oder Salz? – auflösen, in Flammen aufgehen oder in einer rotierenden Kaffeetasse posend im Malstrom des Lebens verstrudeln – während wiederum andere in einer Art exotischer Mimikry mit floralen Tapeten zu verwachsen wünschten.

Die liaison dangereuse mit dem Reptil

Sturmumtoste Leuchttürme, selbstwässernde Blumen oder chromglänzende Motorräder: Das wollten sie werden. Und erstaunlich Viele von ihnen ersehnten sich offenbar eine liaison dangereuse mit einem Krokodil. 

Natürlich träumte ein neonumrahmter Teil dieser armen, einsamen Tänzerinnen – wie der ganze Rest von Paris in den verruchten Zwanzigerjahren – auch vom Laster. Bezeichnenderweise gehören die drei Beweis-Couachen von Ruth Marten inzwischen zum Bestand des Neon Museums in Las Vegas, denn dahin ist das Laster ja bekanntlich irgendwann von Paris aus migriert.

Das ist unser Lieblingstraum

Eine, die ebenfalls vom Laster träumte, war in der ärmlichen Einsamkeit ihrer Behausung zumindest noch ein düstrer Wand-Teppich geblieben. Vor ihm hat Ruth Marten im Kunstmuseum Villa Zanders den Wunsch freigelegt, mit einem Krokodil in einer schummrigen Hafen-Bar im Rotlicht-Viertel an der Seine, durch die schwüle Nacht tanzend, zu versumpfen.

Unter allen Träumen von „All About Eve“ in Bergisch Gladbach ist DAS unser liebster. 

Der mitgedachte Fußtritt

Offenbar gehörte es zur Phantasie der namenlosen Tänzerin unbedingt dazu, dass besagtes Krokodil ihr beim schummrigen Versumpfen in der Hafen-Bar auf die Füße treten solle:

Anders ist die von Stanisław Julian Ignacy Ostroróg alias Laryew 1923 festgehaltene Stellung, die die schläfrige Tollpatschigkeit des Reptils im Nichts eines eher monologischen pas de deux mitdenkt, gar nicht zu deuten.

Aber das können wir, wie schon gesagt, erst dank der großartigen Ruth Marten glockenklar sehen.So ergibt in Ruth Martens „All About Eve“ selbst die groteskeste, absurdeste, bei Laryew irgendwie noch ins Leere laufende Geste, Haltung, Stellung im Nachhinein dieser künstlerischen Traumdeutung unumstößlich Sinn. (12.01.2025)

^{„Ruth Marten. All About Eve“ ist noch bis zum 21. April 2025 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen. Der Katalog mit allen 63 ausgestellten Träumen ist selber einer. Darüber hinaus sind in einem Raum der Ausstellung auch noch rund 30 Arbeiten von Ruth Marten aus den letzten 15 Jahre zu sehen. Auch eine Schau.}

^{Ach ja: Während Sie dies lesen, ist Ruth Marten in ihrem New Yorker Atelier bereits dabei, weitere Träume der Tänzerinnen des Folies Bergère auszugraben. Sie ist nämlich noch nicht fertig mit ihrer künstlerischen Traumdeutung, rund 30 Träume fehlen ihr noch! Wir haben schon einige der neuesten Arbeiten gesehen. Und die sind ebenfalls große Klasse.}

Bonus-Tracks: Ruth Marten in Brühl (2018) und Köln (2022)

Ruth Marten in der KunstArztPraxis:
Ruth Marten in Köln: Köpfe im Tentakel-Käfig
Gut eingelaufen: “The Schuh Show” in Köln

Das Kunstmuseum Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
Mehr Babel war nie! Jenny Michel in Bergisch Gladbach
Wie sagen wir’s den Bienen? “HONIG” in der Villa Zanders
In Brüchen denken: “Martin Noël – Otto Freundlich”
33 Malantworten: Rolf Rose in der Villa Zanders
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
“Bibliomania” in Bergisch Gladbach: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Villa Zanders

Der Beitrag Traum hinter Geste: Ruth Marten in der Villa Zanders erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Nach unserer Reise zu Caravaggio ging Einer von uns für 15 Monate zum Militär. Es gab ja Wehrpflicht damals, die Menschen dachten noch, der Russe stünde vor der Tür: und würde nicht zögern einzutreten, wenn man ihn nicht schreckte. Und: Für diesen Schrecken des Russen müsse man selbst das grotesk absurde Alberne des Wehrdiensts persönlich ertragen.

Man müsse für die Gemeinschaft Opfer bringen, frage nicht, was dein Staat für dich tun kann: So dachte man damals zum Teil tatsächlich. Es war halt eine andere Zeit. 

Egal. Jedenfalls: Während wir beiden Anderen im Zivildienst sichtbar Sinnvolles vollbrachten, fuhr unser Einer als Flieger der Luftwaffe mit dem Fahrstuhl im Schichtdienst in die Erde. Genauer: in einen Bunker, dessen Eingang zur Verwirrung russischer Spionage-Satelliten als mysteriöses Einfamilienhaus getarnt worden war.

Mysteriös deshalb, weil besagtes Einfamilienhaus täglich hunderte, mit gut sichtbaren olivgrünen Bussen herangekarrte, gut sichtbare olivgrüne Männer verschluckte – eine Männermenge, deren Gesamt-Volumen das Gesamt-Volumen des Einfamilienhauses bei Weitem übertraf. 

Der kafkaeske Bau im kafkaesken Bunker

Unter der Erde musste unser Einer mit Leuchtstiften in Spiegelschrift ihm unverständliche Kombinationen aus Buchstaben und Zahlen auf die Rückseite einer riesigen Plexiglas-Wand schreiben, die über Leitern auf drei Etagen zu hintergehen war. 

Die babylonischen Kolonnen waren auf schmalen Papierstreifen ratternd von irgendwoher aus einer Art Fax-Gerät hervor gequollen: Geheimbotschaften, die die eingeweihten Zeitsoldaten an ihren Radar-Konsolen VOR der Plexiglas-Wand für irgend etwas Wichtiges zu entschlüsseln wussten.

Zwischen diesen Absurditäten herrschte unter der Erde für Flieger gähnende Leere, deshalb hatte unser Einer Franz Kafkas „Sämtliche Erzählungen“ in einer Ausgabe des Fischer-Taschenbuch-Verlags in der Beintasche seiner olivgrünen Soldatenhose. Dies schien ihm für die grotesk absurde Albernheit seiner Existenz unter Tage die passende Lektüre. 

Jede freie Minute las er in Kafkas Erzählungen. Es war ein Akt der Selbsterhaltung: sein kafkaesker Bau im kafkaesken Bunker.  

„Kameraden, Blauland hat uns den Krieg erklärt!„

Während der gähnenden Leere eines Nato-Manövers, in dem Russland „Blauland“ hieß, zog unser Einer seinen Kafka abermals aus der Hose und begann, nichts Böses ahnend, „Zum Nachdenken für Herrenreiter“ zu lesen, diese Parabel vom Unglück des Siegens im Kampf.

Weit kam er nicht, da ein angetrunkener Oberstleutnant wutentbrannt auf ihn zustürmte und ihm das Buch mit dem formschönen Satz: „Wir sind im Krieg, hier wird nicht gelesen!“, brutal entriss.

Ungehorsam und persönliche Beleidigung seiner selbst als Vorgesetztem schien dem Oberstleutnant unseres Einen Lektüre zu sein.

Die Wunde durch Kafkas Vornamen im Buchrücken, die aus dem Wort ein körperliches Bild macht, zeugt bis heute von der Bestrafung des Vergehens. Franz Kafka heißt für uns seit 1984 Fanz.

Das träumende Auge des möglichen Pferdes

Auf dem Cover der „Sämtlichen Erzählungen“ war, wie bei den Fischer-Taschenbuch-Ausgaben üblich, eine der Zeichnungen des Autors abgedruckt: die erste, die wir Alle von Kafka in unserer Jugend sahen. 

Uns war sofort klar, dass sie von Kafka stammen musste: Sie war einfach zu dilettantisch, als dass ein professioneller Illustrator sie eigens fürs Buch hätte verfertigt haben können. Und einfach zu toll.

Allein das zauberhafte träumende Auge dessen, was wir als Pferd erkannt zu haben glauben, ist ein Hit.

Diese Zeichnung können & wollen wir nicht so recht beschreiben, deshalb drucken wir sie hier einfach ab, und zwar in ihrer – Kafkas von Max Brod gnadenlos zerschnittenem* Zeichenheft entnommenen – korrekten Ausrichtung, also in ihrer ganzen, fast schon kosmologischen, himmelstürzenden Schwerelosigkeit:

^{*Schäm dich, Max Brod!}

Wie kann man diese Zeichnung mit dem verkrümmten Pferd (?) und seinem skelettartigen Reiter (?) samt seiner kalligraphischen Peitsche (?) lesen?

Wir haben unter uns Dreien einmal herumgefragt. Einer von uns meint, dass der Reiter sein Pferd mit der Peitsche über ein Hindernis manövriere, ein anderer, dass er es dazu animiere aufzustehen.

Derjenige von uns aber, der beim Bund gewesen ist, schwört Stein auf Bein, dass der Reiter sein Pferd in die Knie zwingen – oder gar von der Tischkante in den Abgrund stürzen? – wolle, damit es im Wettkampf nicht siege.

Wenn dem so wäre, dann hätte der Herrenreiter aus der fragmentarischen Lektüre des Nato-Manövers im Bau unter der Erde, anders als der wutentbrannte Oberstleutnant in seinem virtuellen Maulwurfskrieg, am Ende doch noch über sich nachgedacht.

Aber im Grunde haben wir natürlich alle recht. Bei Kafka muss man ja eh permanent in Gedanken die Laufrichtung ändern.

Eine Zeichnung könnte auch von Polke sein

Inzwischen haben wir alle Zeichnungen Kafkas gesehen, die zum Großteil zwischen 1901 und 1907 entstanden sind, es war ja erst seit kurzem möglich: Über 100 von ihnen wurden 2021 bei C.H. Beck zum ersten Male editiert. Zuvor waren sie im Bankschließfach einer Zürcher Bank verborgen gewesen als ein unbekannter Schatz.

Seitdem wissen wir, dass Kafkas Zeichnungen keine Illustrationen von Kafkas Geschichten sind, sondern in ihrem tollen – und garantiert gewollten! –Dilettantismus eigenständige, teilweise ganz großartige Werke, in denen Realismus ins teils unheimliche Phantastische kippt.

^{(Bild: Könnte auch von Polke sein: Franz Kafkas Trinker, von Max Brod als Cover-Girl missbraucht für seine Kafka-Biografie von 1937. Für uns besonders toll: der Schatten des Glases!)}

Eine Zeichnung könnte auch von Polke sein. Und eine Schar wie an unsichtbaren Fäden hängender Fußsoldaten mit Bajonett-Gewehren ist auch darunter, die vor einem riesenhaften, anonym bleibenden Herrenreiter fast untergehen: mit wenigen Strichen auf den Punkt gebracht, wie Militär bis heute funktioniert.

Im Übrigen scheint Kafka seinen Zeichnungen mehr zugetraut zu haben als seinen Texten – vor allem beim Traum. Zumindest finden sich in seinen Briefen immer wieder Zeichnungen zwischen den Worten.

Worüber man nicht reden kann, das glaubte Kafka offensichtlich, darüber sollte man zeichnen. Text und Zeichnung, das waren für Kafka zwei paar Schuhe, nicht Teile eines Paars. Gegen seinen stürzenden Herrenreiter als Covergirl der „Sämtlichen Erzählungen“ hätte er sich auf jeden Fall verwahrt* – gegen ihre Veröffentlichung zum Teil natürlich auch.*

^{*Schäm dich, Max Brod!}

Trotzdem können die Bilder ihre Nähe zur Geheimschrift, aus deren Ornamenten sie zum Teil gemacht sind, nicht leugnen, aber das ist bei Kafka ja kein Widerspruch.

Ein wenig ist es wie bei der Tötungsmaschine in der Erzählung „Die Strafkolonie“, die das vom Militärgericht der Insel festgestellte Verbrechen – „Ungehorsam und Beleidigung des Vorgesetzten“ – dem Opfer auf die Leinwand seines Rückens kritzelt, bis er im Sterben dann doch versteht.

Rätselhafter Text wird zur körperlichen Zeichnung, zur existentiellen Wunde. So irgendwie.

Taucht einmal sogar Charlie Chaplin auf?

Ach ja: Humor gibt es natürlich auch, den ganz eigenen, kafkaesken!

Es ist ein Slapstick-Humor, ein Lachen über existentielle Lächerlichkeiten, übers Straucheln, die plötzliche Ohnmacht des Schlafes beim Schreiben, das blinde Torkeln des Spaziergängers durchs existentielle Nichts.

Vieles ist eingeflossen, was der Kinogeher Kafka aus dem Kintopp der Zehnerjahre kannte, vom Stummfilm, der im Grunde ja noch reines, von Text zerschnittenes Bild war.

^{Irren wir uns, oder ist das auf der um 1905 entstandenen
Kafka-Zeichnung nicht Charlie Chaplin?}

Und wenn wir uns nicht irren, taucht einmal sogar Charlie Chaplin auf.

In diesem Sinn sind Kafkas Zeichnungen für uns kinematographische Standbilder, die Figuren in der Bewegung eingefroren: im Sturz, im Schritt, im Lauf, in der Geste, im Denken, im Sprung. Beim Dienen, beim Kartenspielen, beim Sich-in-der-Finte-selbst-Erstechen.

Die erstarrten Figuren taumeln über die Blätter wie über eisige Flächen, der Spazierstock greift ins Leere. Aber vielleicht ist es auch ein Degen? Bei den Zeichnungen Kafkas ist es eben genauso wie bei seinen Texten: viele Deutungen sind möglich, viele sogar richtig.

Für uns zum Beispiel sind die Zeichnungen Bilder jenes grotesk absurden Albernen, das unser Einer in seiner Zeit als Flieger unter der Erde 15 Monate lang empfunden haben muss. Danke, Fanz Kafka. In seinem Namen. (02.06.2024)

<sup>Anmerkung: Beim Bund lebte unser Einer ohnehin wie in Kafkas Erzählungen. Gleich bei seiner Ankunft in der Kaserne unweit des Bunkers wäre er fast ins Gefängnis gekommen, sprich: genauso überraschend verhaftet worden wie Josef K. im „Prozess“: und zwar, weil er hinterm Kasernentor statt der gebogenen Straße mit seiner schweren Tasche, in der sich auch Kafkas „Erzählungen“ befanden, die Abkürzung zwischen den gehissten Fahnen hindurch hatte nehmen wollen (zum Glück wurde er rechtzeitig von einem brüllenden Wachmann vor der Freveltat bewahrt). 

Danach lebte unser Einer, wie schon erwähnt, 15 Monate lang eine kafkaeske Existenz im Bau. Er erfuhr aus 40 Jahre alten Schulungsfilmen, in denen weiße Atompilze zu Barockmusik in den blauen Himmel wuchsen, dass er sich mit dem Klapp-Spaten ein Schutz-Loch zu graben habe, sobald er den Blitz der Detonation erblickt hätte. Und er lernte, den Menschen nicht in die Augen zu schauen, sondern auf die Schulterklappen, Ranghöhere nicht aus Sympathie zu grüßen, sondern aus Angst vor Bestrafung.

Im rechten Gebrauch der ABC-Schutzmaske wurde unser Einer von einem rothaarigen Hauptmann mit Kaiser-Wilhelm-Bart unterrichtet, der Gasmasken aus dem Ersten Weltkrieg sammelte – aber nur solche, die einen Durchschuss aufwiesen. Bei ihrer Präsentation steckte der Hauptmann seinen Zeigefinger wackelnd durch das Loch, um grinsend zu demonstrieren, dass Gasmasken nicht vor ALLEN Toden schützten.

Sein Lieblingswitz war kurzatmig: „In der Regel haben Männer rote Bärte.“ Das war so der in Worte gefasste Humor SEINER Bilder.</sup>

Appendix: Kafka, der Gezeichnete

Wie schon geschrieben sind für uns Kafkas Zeichnungen Standbilder aus Filmen. Das kommt dem Comic sehr nahe.

In unseren Augen gibt es zwei große Comic-Zeichner, die sich sehr erfolgreich an Franz Kafka abgearbeitet haben: Robert Crumb und Nicolas Mahler. Die Ergebnisse könnten unterschiedlicher nicht sein: auch ein Beleg dafür, wie fasziniert unterschiedlich man Kafka als Person & Autor deuten kann.

Robert Crumbs detailliert-nervöser, mit den eigenen Neurosen aufgeladener Strich skizziert in großer Ernsthaftigkeit eine ängstliche, vom Leben im Mütterchen Prag bedrückte Figur: die ganze alte, in der Forschung & im Feuilleton schon vielfach durchgekaute Geschichte vom übermächtigen Vater und den Frauen und den Gespenstern.

Zudem macht Crumb den unverzeihlichen Fehler, zur Illustration der „Verwandlung“ einen Käfer zu zeichnen – ein faux-pas, den zu unterstehen sich Kafka ausdrücklich verbeten hatte.* Und natürlich ist den Wünschen Franz Kafkas vollumfänglich nachzukommen! Nicht wahr, Max Brod?**

Nicolas Mahler hingegen reduziert Kafka auf dicke Striche, die die dicken Striche Kafkas im Sinne seiner Komik irgendwie weiterdenken. Das ist in Mahlers gewollten Dilettantismus fast so grandios wie Kafkas Kunst. Und kommt dem, was wir über Franz Kafka und seine Tusche-Werke denken, wesentlich näher.

Wir verehren Robert Crumb, wir haben das an anderer Stelle schon einmal ausgeführt: Er ist ein ganz, ganz Großer. Aber was Franz Kafka als Gezeichneten betrifft, so geben wir Nicolas Mahler ausnahmsweise mal (und zwar eindeutig) den Vortritt.

^{*Schäm dich, Robert Crumb!
**Schäm dich, Max Brodl!}

KunstArztPraxis-Betriebsausflug: „Kafka 1924“, Villa Stuck, München 2024

Franz Kafka in der KunstArztPraxis:
Betriebsausflüge (4): “Kafka: 1924” in München
“Kippenbergers Kosmos steckt im ‘Kafka’”
In der Strafkolonie: Cardiff & Miller in Duisburg

Kafka-Seite der S. Fischer Verlage

Der Beitrag Zum 100. Todestag: Kafka, der Zeichner erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Freunde sind schon eine tolle Sache. Sie kommen, wenn man sie herbeisehnt, und gehen wieder, wenn sie nerven. Ihr Besuch ist immer eine Bereicherung, die im Gedächtnis bleibt. Freunde geben viel von sich preis, wenn man nur interessiert genug nachfragt. Man kann Ihnen unverwandt in die Augen schauen. Und wenn man Glück hat, schaut man selbst zurück.

Und das Beste: Freunde sind nicht käuflich. Und: Anders als Familie kann man sich Freunde aussuchen – wenn auch nicht im Katalog.

Nicht käuflich? Nicht im Katalog? Von wegen! In artotheken kann man sich Freunde für geringes Geld per Register ordern. Rund 130 dieser Bibliotheken für Bilder gibt es in Deutschland, darunter auch die in Köln. Sie war zwar nicht die erste – die eröffnete 1968 in Berlin –, aber ein halbes Jahrhundert ist sie auch schon alt.

Wenn man einen Fünfer im Jahr an Grundgebühr zu zahlen bereit ist, dann kann man sich für weitere sieben Euro einen neuen Freund mit nach Hause nehmen, der dann sogar noch versichert ist. 1.500 gerahmte Zeichnungen, Drucke und Fotografien sowie Kleinskulpturen stehen zur Auswahl.

Wenn die Chemie stimmt: verlängern!

Zehn Wochen hat man dann Zeit, um dem Bild in die Augen zu schauen und ihm interessierte Fragen zu stellen. Wenn die Chemie stimmt, kann man nochmal verlängern. 2.200 Nutzer*innen im Jahr machen derzeit von dem sehr demokratischen, sympathischen Angebot Gebrauch.

Das sind die harten Fakten, die wir entgegen unserer sonstigen Gewohnheit hier mal deutlich nennen. Weil wir finden, dass es bei dieser geringen Hemmschwelle durchaus noch viel mehr Nutzer*innen für einen derartigen Freundschaftsdienst der Stadt geben sollte.

In der Kölner artothek im spätgotischen Bürgerhaus Saaleck unweit des Doms gibt es auch immer wieder Ausstellungen zeitgenössischer Künstler, die wir Kunstfreunden hiermit ebenfalls wärmstens ans Herz legen. Zum Jubiläum allerdings sind hier rund 60 Porträts internationaler Künstler*innen wie Elvira Bach, Rosemarie Trockel, Joseph Beuys, C.O. Paefgen oder David Shrigley aus Ankäufen und Schenkungen der letzten 50 Jahre versammelt.

Es ist eine Ahnengalerie auch der Kölner Kunstgeschichte. Und natürlich eine Hängung gewordene Geburtstagsparty im Freundeskreis.

Diesen Gesichtern kann man unverwandt in die skeptischen, geometrischen, lachenden, weinenden oder gleich ganz pfützenhaften Augen blicken – und sich seine liebsten Bekanntschaften zwecks Beziehungsvertiefung zumindest schon einmal für nach der Feier reservieren lassen. Ist bei einigen allerdings schon geschehen – da müsste man sich länger gedulden.

Blaue Augen, heiße Ohren

Noch etwas haben Bilder mit Freunden gemeinsam: Sie können ein Geheimnis für sich behalten! Dabei würde man so gerne wissen, was all diese Wesen so gehört und gesehen haben in den vielen Kölner Wohnstuben, in denen sie schon hingen.

Sicher viel. Und sicher auch Geheimnisvolles.

Vielleicht sind deshalb die Ohren des namenlosen Helden auf Heike Kati Baraths mit Lackspray verfeinertem, „Ohne Titel“ betitelten Aquarell auch so rot glühend.

Aber: Rinnt Baraths schief grinsendem Männlein mit seinen blauen Knopfaugen da nicht feines Blut aus dem Mund? Und warum entzieht sich die „Magdalena“ (1995) von Marlene Dumas so konsequent unseren kontaktsuchenden Blicken?

Ach: Wer sagt denn, dass Freunde nicht auch ein bisschen unheimlich oder beizeiten unbequem sein dürfen – oder sonstwie aus dem Rahmen fallen können? Und warum sollte sich aus einer Freundschaft nicht auch mal Bis(s) in etwas mehr als neuneinhalb Wochen eine Amour fou entwickeln? Eben. (06.02.2023)

^{„Face to Face“ ist noch bis zum 4. März 2023 in der artothek Köln zu sehen.}

Homepage der artothek Köln
Ausleihe der artothek Köln

Appendix: Serviervorschlag zur Gesichtserkennung

Wir Drei von der KunstArztPraxis sind ja eher schlichte Gemüter. Und gefallen die einfachen Lösungen, auch in der Kunst. Deshalb sind wir froh, dass artothek-Leiterin Astrid Bardenheuer extra für uns mitten im Gespräch noch ein Kunstwerk aus der Schublade gezogen hat, das es (warum auch immer) nicht in die Endauswahl der besten Freunde von „Face to Face“ geschafft hat.

Das Kunstwerk stammt vim süddeutschen Bildhauer und Objektkünstler Alf Schuler, der uns bis dato komplett unbekannt gewesen ist. Dabei war er auf zwei documenten vertreten und hat auch schon in Düsseldorf, Aachen und Köln ausgestellt. Asche hiermit auf unsere Häupter.

Wir sprechen vom Wandstück „Rohrschnur“ (1979), und genau das ist es zunächst auch: ein Rohr und eine Schnur. Aber wenn noch ein Nagel und die Schwerkraft dazukommen, dann formt sich daraus nicht zuletzt auch wegen der unterschiedlichen Dickigkeiten und Elastizitäten der Materialien etwas, was wir sofort als Umriss eines Gesichts – ja sogar als Konterfei und Antlitz – erkannt zu haben glauben. Ebenso grandi- wie schnörkellos.

„Rohrschnur“ ist also eine Art Rorschachtest für unsere Gesichtserkennung, ein Porträt ohne Eigenschaften, ein offenes Kunstwerk, ein Serviervorschlag zum Denken, an dem Umberto Eco seine Freude gehabt hätte und Robert Musil auch. Der Umriss markiert die Leerstelle, an der unsere Phantasie sich abarbeiten soll: ein simples, allgemein verständliches Bild für all die Bilder, die wir uns vom Menschen nunmal machen. Toll.

Den geneigten Leser*innen unserer Kolumnen würden wir ohnehin sehr raten, irgendwo in der Wohnung an exponierter Stelle einen Nagel in die Wand zu hauen, der ausschließlich mit ausgeliehenen Bildern aus einer artothek behangen werden darf. Und um einem Kölner artotheken-Nagel ein Einweihungs-Gesicht zu geben, empfehlen wir hiermit mit Nachdruck Schulers „Rohrschnur“.

Der Beitrag Freunde zum Ausleihen: 50 Jahre artothek Köln erschien zuerst auf KunstArztPraxis.