Gerade feiert der „Bananensprayer“ Thomas Baumgärtel an sage und schreibe 40 Kunstorten des Niederrheins sein 40-jähriges Dienstjubiläum. Berühmt wurde er mit dem Sampling einer Frucht, die Andy Warhol 1966 erfunden hat. Uns macht das Rumbanane ratlos. Eine Polemik.

Wir sagen es nur ungern, aber an Bananen kleben Pech & Schwefel. Ihre Existenz im Discounter verdankt sich nämlich einem teuflischen System, das auf Ausbeutung, Umweltverpestung und Unterdrückung von Menschenrechten basiert.

Wenn wir ein Symbol für kriminellen Turbokapitalismus erfinden müssten, für sündhaften Konsum: Die Dessert-Banane (musa × paradisiaca) wäre erste Wahl. Wie Künstler ausgerechnet diese Frucht zur Inkarnation von sozialer Anarchie, kreativer Freiheit & kultureller Vielfalt verklären konnten, ohne dafür vom Publikum verlacht zu werden, ist uns ein Rätsel. 

Aber: Sie haben es getan!

Aber sie haben es getan. Und vielleicht ist es kein Wunder, dass zwei Künstler hierbei den Rahmen bilden, denen Kunst nicht zuletzt Gelddruck-Maschine ist & war. 

Andy Warhol war der erste. 1966 hatte er den Einfall, eine Litho-Fassung der musa × paradisiaca als Abziehbildchen auf das Cover des ein Jahr später gepressten Debüt-Albums „The Velvet Underground & Nico“ zu drucken. 

Wer sie abzog, sah rosa Fleisch. Wer sie ungepellt beließ, kann auf Auktionen heute bis zu 110.000 US-Dollar machen.

Es ging nicht um Banane. Never.

Die Plattenfirma versprach sich durch den großen Künstler-Namen einen Verkaufs-Kick, Andy Warhol noch mehr Ruhm. Es ging schon damals um Kommerz & Selbstvermarktung. Nicht um Banane.

^{Foto oben: Andy Warhol & Sängerin Nico mit der Original-Banane des Covers von
„The Velvet Underground & Nico“ in seiner Factory, New York 1966 (Symbolbild)}

Mauricio Cattelan war der vorerst letzte. 106 n. D.* hatte er den to-TAL verrückten Einfall, auf der Art Basel Miami Beach 2019 ein echtes Exemplar der musa × paradisiaca mit Panzerband an die Kojen-Wand zu kleben und zum Kunstwerk zu erklären. 

^{*nach Duchamp}

Kunst = Krypto (Beuys 2.0)

Sechs Jahre später verspeiste der chinesische Bitcoin-Milliardär Justin Sun vor laufender Kamera in Hongkong ein Cattelansches Exemplar, das er zuvor für 6,2 Millionen US-Dollar bei Sotheby’s in New York ersteigert hatte.

Nicht, ohne dabei die Konzept-Kunst des Italieners mit Blockchain-Währung zu vergleichen. Also Blase mit Blase.

^{Foto oben: Maurizio Cattelan (nach): „Comedian (Cucumber Edition)“ (2026).
Hieran hat die Hammer Sammlung Bloehme neulich für 75 Cent von uns die Rechte erworben}

Und er hat ja recht: Auch im digitalen Turbokapitalismus kann heutzutage jeder Tech-Bro-Schnösel mit einer Idee fast für umme Fantastilliarden scheffeln. Und sich als geniales Wesen fühlen, das der verachtenswerten Masse niederer Bananenfresser in ihrer Matrix unendlich überlegen ist. 

Früher war Kunst = Kapital. Heute ist Kunst = Krypto. Treffender als durch den hohlen Anarchismus der verspeisten Kunst-Banane kann man die Augenwischereien des jeweiligen Marktes kaum entlarven.* Ohne es zu merken, versteht sich. Selbstreflexion ist Technik Bros fremd.

^{*hohl ist der Anarchismus schon deshalb, weil Justin Sun ja gar nicht die verspeiste Banane ersteigert
hat, sondern für 6,2 Millionen die IDEE, eine x-beliebige Banane an die Wand zu pinnen – was eh
spinnert genug ist! Heißt aber: einfach vom Butler bei Erewhon in L.A. neue Banane kaufen lassen,
mit Panzerband an die Milliardärsvilla-Wand pinnen – und, hex hex: Kunstwerk wieder heile.}

Seit ihn die musa küsste

Irgendwo zwischen Warhol und Cattelan steht, kunstgeschichtlich vielleicht etwas kleiner an Statur, Thomas Baumgärtel.

Mit Andy Warhol teilt er das Motiv, mit Maurizio Cattelan – zumindest ein wenig – den Sinn für öffentlichkeitswirksame Aktionen. 

1986 hatte Baumgärtel während seines Zivildienstes in einem katholischen Krankenhaus in Rheinberg angeblich den Gedanken, eine Banane ans Kreuz zu nageln, um die Ordensschwestern zu schockieren: Gänsehaut..

Die von ihm heute so genannte „Ur-Banane“ ward geboren.

Seit ihn diese musa küsste, ist der „Bananen-Sprayer“ nicht mehr wegzudenkender Teil des rheinischen Kunstbetriebs.

^{Bild oben: Naja: Eigentlich hat ja Martin Luther die „Ur-Banane“ ans Kreuz geschlagen!
Aber wir wollen mal nicht päpstlicher sein als der Papst (Symbolbild)}

Momentan sind 40 von Baumgärtels „Werkgruppen“ unter dem Motto „Freiheit für Kunst“ und dem Marketingeltangel-Titel „NiederrheinTour 2026“ in 40 Museen und Galerien NRWs zu sehen:

„Werkgruppen“, in denen die sympathische Frucht der Ausbeutung nicht immer, aber zumeist die meiste Zeit im Zentrum steht.

Da Thomas Baumgärtel seine Seele für eine Handvoll Dollar der turbokapitalistischen Unsichtbarkeit-Maschine überschrieben hat, dürfen wir nicht nur seine – irgendwie schon SEHR an Andy Warhols Fassung erinnernde – Variante hier nicht zeigen, sondern auch nicht sein ganzes, von ihm liebevoll „Œuvre“ genanntes Werk. 

^{Foto oben: Gleichen einander irgendwie fast schon wie ein Ei dem anderen:
Kunst-Banane von Andy Warhol (rechts) und von Thomas Baumgärtel (Symbolbild)}

Unsere verdammte Pflicht & Schuldigkeit

Aber wir als KunstArztPraxis-Künstler besitzen natürlich die anarchische Freiheit, die musa × paradisiaca baumgärteliensis zu beschreiben. Und auch die verdammte kreative Pflicht & Schuldigkeit, Unzeigbares zu visualisieren.

Vor allem, wenn es sich um derart verbotene Früchtchen handelt.

Auf der „NiederrheinTour 2026“ jedenfalls gibt es die musa × paradisiaca baumgärteliensis als Hakenkreuz-Verschnitt, Bananen-Berg und in Ukraine-Farben.

Es gibt sie als Rolling-Stones-Zunge, am Kreuz, als Brücken-Bogen oder als Gondel mit Snoopy auf dem Canale Grande. Es gibt sie als Bananenrepubliks-Adler, mit Dürers Hasen, dem Pissoir Duchamps und mit dem Hut von Joseph Beuys. Und wrapped à la Christo.

Es gibt sie auf Mülleimern, Koffern und Benzinkanistern, auf Scheiben & Schildern, Spaten & Schaufeln, Kartons & Tüten; als Sofa und Corona-Spritze, in Filz oder kinetisch mit Drehmoment.

Es gibt sie also immer & überall. Gut gemeint aber gähn.

^{Foto oben: Thomas Baumgärtels Banane mit Beuys-Hut;
hier in Joseph Beuys‘ Intuitions-Bananen-Kiste (Symbolbild)}

Und auf dem Ausstellungsplakat zur „NiederrheinTour 2026“ ist die Licht bringende Fackel der New Yorker Freiheitsstatue, für Geschichts-Fans eigentlich selbst schon hinreichend Liberté-Symbol, durch eine offenbar Freiheit symbolisieren sollende Baumgärtel-Banane ersetzt.

Klar, dass wir das auch nicht zeigen dürfen.

Auf der „NiederrheinTour 2026“ wird man vom „Bananensprayer“ an seinen 40 Ausstellungsorten übrigens schon draußen vor der Tür in Empfang genommen.

Denn seit 1991 nutzt Thomas Baumgärtel seine von ihm so genannte „Originalbanane“* bekanntlich auch, um sie, mit oder gegen den Willen der jeweiligen Besitzer, an die Fassaden von Kulturstätten zu sprühen, die er für wichtig hält: „adeln“, wie er das nennt.

^{*ACHTUNG: „Originalbanane“ ungleich „Ur-Banane“!
Das sind völlig unterschiedliche paar Schuhe.}

Derart wunderzuheilen vermögen WIR nicht!

5.000 Geadelte auf aller Welt sollen es inzwischen sein, darunter das Museum of Modern Art (MoMa) in New York, die Tate Modern in London oder das Peggy-Guggenheim-Museum in Venedig.

Institutionen also, die Thomas Baumgärtels Nobilitierung dereinst allesamt dringend nötig hatten. 

Und tatsächlich: Mit der Banane an der Eingangstüre geht es besagten Institutionen schon deutlich besser! Puh. Wir fühlen wieder Puls.

Selbst Rezepte aus der KunstArztPraxis hätten derlei Wunderheilung nicht vermocht.

Und Rezepte aus der KunstArztPraxis vermögen bekanntlich sehr, sehr viel.

^{Foto oben: musa × paradisiaca baumgärteliensis an der Fassade der
Tate Gallery of Modern Art (Tate Modern) in London (Symbolbild)}

Ansonsten ist es beim Baumgärtelschen Adeln natürlich so wie bei Auszeichnungen generell: dass sich im künstlichen Licht der ausgezeichneten Größen vor allem auch die – bisweilen nicht immer genauso großen – Auszeichnenden sonnen können.

„Ick bün all dor!“

Im Mai 2026 kam auch das denkmalgeschützte Haus Te Gesselen in Kevelaer, das älteste Wohnhaus von NRW, zu den Geadelten hinzu.

Weil es im Reigen der 40 Ausstellungsorte am Niederrhein neben dem phantastischen Œuvre Erwin Hapkes eben auch Thomas Baumgärtels – in unseren Augen nicht ganz so phantastisches – Frühwerk zeigt, müssen seine Bewohnerinnen jetzt für immer mit einem Abklatsch der „Originalbanane“ leben.

Es ist wie beim Hase und beim Igel: Wenn die Te Gesseler ab sofort am Wochenende nach Hause kommen, war Thomas Baumgärtel schon all dor. 

^{Foto oben: Nur, um es noch einmal zu sagen & zu zeigen:
Erwin Hapkes Œuvre im Haus Te Gesselen ist phantastisch!}

„Die Banane wird zur universellen Signatur einer offenen Enzyklopädie der Transformation“, charakterisiert Thomas Baumgärtel seine musa × paradisiaca baumgärteliensis: in einer Form esoterischer Kryptik, die auf dem Kunstmarkt, für den sie gemacht ist, sicher gut ankommt.

Für alles – also für nichts?

Wir Normalsterblichen aus der KunstArztPraxis können diesen Satz in seiner Tiefe leider nicht zur Gänze erfassen, vulgo: Wir verstehen ihn nicht. Es sei denn, dass mit der „offenen Enzyklopädie der Transformation“ gemeint ist, dass die Schablone der Banane bei Baumgärtel prinzipiell für alles stehen kann. Also für nichts? 

Nein, halt: Für EINES steht die Banane in unseren Augen, durch die Bank weg, schon: für Thomas Baumgärtel nämlich. Für uns hat der „Bananensprayer“ die musa × paradisiaca zur Selbstbeweihräucherungs-Marke transformiert. Zum Label, das nicht auf Kunst, sondern auf ihn selbst verweist.

In diesem Sinne ist die Banane tatsächlich eine Signatur. Ein „Baumgärtel fecit“. Wie bei Rembrandt, nur halt mit Schale. 

Wo bleibt eigentlich das Eigentliche?

Wir jedenfalls sehen die Banane auf einem Bild oder an einer Wand und denken: „Soso, der Baumgärtel war auch schon hier!“ Und gehen weiter.

Über sicherlich tiefgreifende Kritik, die sich unter der rauen Schale im Fruchtfleisch verbergen mag, denken wir offen gestanden vorm Weitergehen eher weniger nach. 

Will sagen: Für uns lenkt die Banane vom Eigentlichen, sofern dieses Eigentliche denn geben soll – und zumindest hin und wieder gibt es dieses in unseren Augen Eigentliche schon –, eigentlich eher ab. 

Wir wollen an dieser Stelle gar nicht auf die – Entschuldigung, unsere Meinung: Vermessenheit eingehen, die in dem Umstand zutage tritt, sein eigenes Dienstjubiläum, also sich selbst, mit 40 (in Worten: vierzig!) parallelen Ausstellungen feiern zu lassen.

Wir wollen auch nicht nach den Gründen forschen, die 40 (in Worten: vierzig!) Kultur-Institutionen am Niederrhein dazu brachten, bei diesem – Entschuldigung, unsere Meinung: Größenwahn mitzumachen – darunter wirklich renommierte Häuser wie das Museum Schloss Moyland oder das Museum Kurhaus Kleve.*

^{* dass diie WIRKLICH renommiert sind: Ja, das zeigt uns
schon am Eingang, tatatataaa, natürlich: die Banane!}

Wir möchten aber trotzdem kurz darauf verweisen, dass das mit der Banane in unseren Augen auf Dauer, also über die Jahrzehnte betrachtet doch auch für ihren Schöpfer ziemlich langweilig werden muss? Und mit Street-Art, wie ihr Schöpfer meint, hat das in unseren Augen sowieso nichts mehr zu tun.

Umschulung zum Gurkensprayer?

Deshalb möchten wir Herrn Baumgärtel bei allem gebotenen Respekt und mit der uns eigenen Bescheidenheit untertänigst vorschlagen, es vielleicht doch einmal mit der heimischen Gurke zu versuchen. Die ist nämlich durch den monothematischen „Gurkenfotografen“ Ricardo Reuss noch nicht hinlänglich geadelt worden.

Es muss ja nicht gleich die von der AfD besetzte Spraywald-Gurke sein (‚tschuldigung, der musste raus).

Im Vergleich zur Banane ist die Gurke nämlich ein eher unschuldiges Gewächs, mit dem man, bei eigenem Anbau, sogar der Ausbeutung, der Umweltverpestung und der Missachtung der Menschenrechte im Turbokapitalismus ein Schnäppchen, äh: ein Schnippchen schlagen kann.

^{Foto oben: Für uns die bessere Banane: die Gartengurke (Cucumis sativus).
Ricardo Reuss, „Gurkenchristkind“ (1972), Sammlung Bloehme, Hamm 2025}

Vielleicht wäre Rumgegurke statt Rumbanane ja tatsächlich eine gangbare Alternative? Ein paar Serviervorschläge haben wir in diesem Beitrag auf jeden Fall schon mal versteckt.

In diesem Sinne: Lang lebe der lautere Frutar(t)ismus! Für eine klimaneutrale Vegane Kunst (VA).

Bitteschön. Dankeschön. Ihre KunstArztPraxis (31.05.2026)

<sup>Erwin Hapke ist nur noch heute sowie am 7. und 14. Juni jeweils von 14:00 bis 17:00 Uhr im Dachstuhl von Haus Te Gesselen in Kevelaer zu sehen: ungelogen: wirklich phantastisch.

Ach ja: Die Arbeiten von Thomas Baumgärtel werden noch bis zur zentralen Finissage am 27. September im Museum Kurhaus Kleve zu diversen Zeiten an 40 diversen Orten ausgestellt. Infos unter 40 Jahre Bananensprayer. NiederrheinTour2026.

Da gibt’s dann auch mehr im Angebot als die musa × paradisiaca baumgarteliensis, auch Verdienstvolleres. Es ist ja nicht so, dass wir alles von Thomas Baumgärtel Banane fänden. Und auf sein humanitäres Engagement hinweisen möchten wir hier ausdrücklich auch.

Allerdings auch darauf, dass man fast alle Werke, sofern noch verfügbar, käuflich erwerben kann. Die „NiederrheinTour2026“ ist halt auch eine NiederrheinVerkaufsTour.</sup>

Gurken in der KunstArztPraxis:
159,2 Millionen für van Goghs „Gurkenmädchen“!
Ricardo Reuss: Der Fotograf der Gurke
Sommerloch-Porträts 6: Erwin Wurms Gurke
Arcimboldos 430. Todestag: Manifest des Frutar(t)ismus

Street-Art und Pseudo-Street-Art in der KunstArztPraxis:
Gekleisterte Botschaften: Der Street-Art-Künstler Tim Ossege
Woher kennen Sie Erwin Hapke, Mr. Brainwash?
Ein Tod verschwindet: Harald Naegeli in Köln
Harald Naegeli in Köln: Ein Tod verschwindet weiter
Keine Kunst! Was Richard David Precht vergaß

40 Jahre Bananensprayer. NiederrheinTour2026
Homepage von Thomas Baumgärtel

Der Beitrag 60 Jahre Kunst-Banane. Ein Gurken-Plädoyer erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte. Vor allem dann, wenn eine Ausstellung derart amourös asterix daherkommt wie „Antike reloaded“ im Clemens Sels Museum Neuss! Lassen wir also einfach wieder einmal nur die Fotos sprechen. Weil silentium ja bekanntlich aurum est.

Zur Ausstellung selbst haben wir in unserem „Antike-Reloaded“-Quiz ohnehin schon hinreichend Verrätseltes gesagt.

(24.05.2026)

^{„Antike Reloaded. Von Asterix bis Amor“ ist nur noch bis zum 7. Juni 2026 im Clemens Sels Museum Neuss zu sehen Also unbedingt sputen.}

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 38: Günther Uecker in Remagen
Reine Bildgebung 37: Kerstin Brätsch in Bonn
Reine Bildgebung 36: William Kentridge in Essen
Reine Bildgebung 35: Eckart Hahn in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 34: „Before the Wind“ in Paderborn
Reine Bildgebung 33: „Teilweise möbliert“ in Krefeld
Reine Bildgebung 32: Elias Sime in Düsseldorf
Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguley in Duisburg
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Unsere Quizze mit dem Clemens Sels Museum*:
Beim Teutates, oder?!? Das „Antike Reloaded“-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Das Foto-Kunst-Foto-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Voll verrätselt – das Symbolismus-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)

^{*danke, Clemens Sels Museum!}

Homepage des Clemens Sels Museums Neuss

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Es ist vorbei, unwiederbringlich: Das Werk von Erwin Hapke wird verbrannt. Aber vorher ist das, was noch übrig ist, für ein paar Wochenenden öffentlich zu sehen: In Kevelaer, genauer: im Haus Te Gesselen, dem ältesten Wohnhaus von NRW. Für uns das schönste temporäre Museum der Welt.

Wir haben Erwin Hapkes Werk schon einmal sterben sehen. Im Sommer 2021 war das, vor fast fünf Jahren, fünf Jahre nach Erwin Hapkes Tod, in seinem Elternhaus in Fröndenberg. Da wurde es vertrieben, in Einzelteile zerrissen und in Kartons verpackt. Aus guten Gründen. Leider.

Wie sollen wir das nennen? Das Ganze hörte einfach auf zu atmen. Endgültig, für uns, im Grunde. Dabei war es so einmalig gewesen, dass einem jedes Mal beim Eintritt der Atem stockte.

35 Jahre hatte der promovierte Biologe dieses Elternhaus nicht mehr verlassen. Um alle Wände und Tische, Stühle und Regale mit einer zweiten Haut aus Insekten, Rindern, Hexen, Akrobaten, Flüchtlingsgruppen und erinnerten Architekturen zu überziehen. Gefaltet aus Papier & Blech.

Wie ist die Fülle erklärbar?

35 Jahre lang gefaltet, tagaus, tagein. Vom frühen Morgen bis in die Abendstunden, so denken wir uns das: Nur so ist diese unfassbare Fülle in unseren Augen erklärbar. Jeden Tag gespielt, bis ihn der Tod schließlich abholte.

Und das Ticken der Zeit auf diese künstlerisch konzeptuelle Art & Weise zum Stillstand gebracht.

^{Foto oben: Erwin Hapke, „Nietzsche-Zimmer“ (Detail),
Fröndenberg 2023}

Wir waren die ersten Fremden, die dieses Gesamtkunstwerk nach Erwin Hapkes Tod 2016 zu Gesicht bekamen.

Mehrere Millionen Menschen auf aller Welt nahmen über unsere Fotos und unsere Multimedia-Reportage im WDR damals Anteil – teils wegen der skurrilen Geschichte, zum Teil aber sicher auch wegen dieses grandiosen Werks. So hoffen wir uns das.

Die Zeit tickt wieder!

Mit Erwin Hapkes Tod jedenfalls zog die Zeit tickend wieder ein ins Haus in Fröndenberg, das Erwin Hapke gern als Museum erhalten gewusst hätte: Und diese Zeit galoppierte den Erben, der Schwester, dem Neffen, schließlich davon.

^{Foto oben: Erwin Hapke, „Insektenzimmer“ (Detail),
Fröndenberg 2023}

Außer einem Fähnlein Aufrechter interessierte sich über Jahre fürs Gesamtkunstwerk ernsthaft niemand mehr. 

Die fünf Minuten Ruhm waren vorüber.

Nein: eigentlich keiner

Auch nicht, trotz kurzzeitig anderer Signale, trotz Ausstellungen in Zürich, in Nürnberg oder, schon einmal früher, in Kevelaer, die Stadt.

2021 also wurde das Gesamtkunstwerk vernichtet. Wir waren dabei, wir haben zugesehen. Mit Hand anlegen konnten wir nicht. Seitdem gibt es das Haus nurmehr virtuell exklusiv in der KunstArztPraxis. Ein schwacher Trost.

Nein: eigentlich keiner.

^{Foto oben: Erwin Hapke in der Ausstellung „Geordnete Verhältnisse“,
Kunsthalle Nürnberg, 2022}

Die Kartons wanderten in die Scheune von Haus Te Gesselen bei Kevelaer, um vielleicht irgendwann irgendwo anders wieder unterzukommen. Die Hoffnung, die zuletzt stirbt, blieb. Damals war es aber schon vorbei, im Grunde wussten wir das.

Trotzdem haben wir es erst richtig begriffen, als sich die Deckel der Kartons im April 2026 in dieser Scheune für uns hoben. Als wir sahen, was alles im Einzelnen noch weiter zerstört worden war allein durch die Jahre. Mit seinen üblen Gehilfen, der Zeit und der Schwerkraft, hatte der Tod auch hier ganze Arbeit geleistet.

Vor allem die filigranen Architekturen hatten die abgesunkenen Deckel der Umzugskartons erdrückt.

^{Foto oben: Zerdrückte Architekturen Erwin Hapkes,
Haus Te Gesselen, Kevelaer 2026}

Kuratorischer Akt der Befreiung

Was rudimentär überlebt hat, das ist nun im grandiosen Dachstuhl des Hauses Te Gesselen zu sehen, noch einmal fünf Jahre später, also zehn nach Erwin Hapkes Tod.

In einem kuratorischen Akt der Befreiung ist dieses Rudimentäre aus den Kartons gekrochen. Es hat die Nischen besiedelt, ist über die Firstbalken in schwindelerregende Höhe bis zu den Sparren hochgeklettert, hat den herrlich groben Holzboden besetzt.

Dort steht es trotzig im Verbund mit den Figuren aus Blech, die so leicht wie die Papierfaltungen von Zeit und Schwerkraft nicht totzukriegen sind.

In unseren nostalgiebetrübten Augen wirkt das fast so, als hätten diese Überlebenden des großen Ganzen hier noch einmal eine temporäre Heimat gefunden.

Als würde die Schönheit des Einzelwesens, die in der seriellen Menge des Gesamtkunstwerks bisweilen unterging, sogar neu erstrahlen. Ein gutes zweites Ende für etwas, das vor fünf Jahren schon gestorben war.

Eine Vertrautheit ist geblieben

Das atmet auch. Aber es atmet anders. Wie beim Wiedersehen mit alten Freunden, die man aus den Augen verlor und von denen man jetzt denkt, wie sehr sie sich verändert haben.

Aber eine gewisse Vertrautheit ist trotz allem geblieben. Und dann war es natürlich auch schön & überraschend zu sehen, wie viel KunstArztPraxis in die Ausstellung mit eingeflossen ist.*

^{*nein, nein, davon hatten wir wirklich nichts gewußt. Danke also,
Kurator Matthias David! Das war eine schöne Überraschung.}

Da sind wir raus

Ach, übrigens: In der Abenddämmerung der Sonntage will man das, was von Hapkes Papierwerk übrigblieb, aber nicht mehr „brauchbar“ ist, den Flammen übergeben.

Als Performance ist dies sicher würdevoller als der posthume Verfall in Kartons. Und wohl auch psychologisch ein guter Abschluss: Wir haben die Familie unter dem Druck des Museums-Wunsches seines Schöpfers beinah zusammenbrechen sehen.

Aber da sind wir raus, für uns ist das zu hart. Das sollen andere dokumentieren, die eventversessener sind. Das Kultur-Fernsehen zum Beispiel, das sich schon angekündigt hat.

Wir bleiben dem Spektakel fern und trauern. Einmal mehr. Vielleicht zum letzten Mal. (16.05.2025)

^{Erwin Hapke ist neben heute und morgen noch am 23. und 24. Mai  jeweils von 11:00 bis 17:00 Uhr und am 31. Mai sowie am 7. und 14. Juni jeweils von 14:00 bis 17:00 Uhr im Dachstuhl von Haus te Gesselen in Kevelaer zu sehen:  dem, man kann es gar nicht häufig genug betonen, für uns wohl schönsten temporären Museum der Welt. Darunter gibt es das Frühwerk von Thomas Baumgärtel. Aber das ist, bei allen Verdiensten seines Schöpfers, in unseren Augen, eher Banane.}

<sup>Ach ja: Wir haben ein Buch über das Falt-Haus Erwin Hapkes gemacht, als es noch stand. Kostenpunkt: 38 Euro.

Beim Kettler-Verlag ist das Buch schon lange ausverkauft. Wer trotzdem noch ein Exemplar ergattern möchte, der erwerbe es sehr gerne per Online-Bestellung über diesen Link.

Oder direkt vor Ort in Kevelaer. Im schönsten temporären Museums-Shop der Welt.</sup>

^{Zu guter Letzt: Unser Kunstprojekt zur Räumung des Gesamtkunstwerks von Erwin Hapke 2021. Objekte Erwin Hapkes, gesehen durch Erwin Hapkes Polaroid-Kamera. Und eben mit dem Blick von KunstArzt1. Voilà:}

Erwin Hapke in der KunstArztPraxis:
360°-Rekonstruktion: Ein neues Haus für Erwin Hapke
Exklusiv, als Vorabdruck: „Honig“ aus „Hapke“
Erwin Hapke: Das Ende eines Gesamtkunstwerks
Erwin Hapke: Welten falten
Erwin Hapke, Welten-Falter – ungefaltet!
Endlich im Licht! Hapke & Henschel in Kevelaer
Betriebsausflüge (2): “Geordnete Verhältnisse”
Woher kennen Sie Erwin Hapke, Mr. Brainwash?

Der Beitrag In Kevelaer, für kurze Zeit: Last Exit Erwin Hapke erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Rechtzeitig zum 50. Todestag von Max Ernst beleuchtet das Bonner Museum August Macke Haus die kollegiale Freundschaft seines Namensgebers mit dem späteren Surrealisten. Das ist nicht nur thematisch erstaunlich fruchtbar, sondern zeigt auch einen Ernst, den man noch nie zuvor gesehen hat.

Es gibt derzeit viele gute Gründe, ins Museum August Macke Haus zu pilgern: Die Ausstellung „Visionen der Moderne“ mit ihren rund 80 Exponaten steckt nämlich voller kleiner Highlights. 

In der Zusammenschau beleuchtet sie die frühe Freundschaft des späteren Surrealisten Max Ernst zum „unvergesslichen“ August Macke, dessen Werke „durch ihre fast beunruhigende Ruhe, ihre wahre Eleganz und ihre außergewöhnlichen visuellen Reize“ für Max Ernst stets eine „Augenweide“ waren – ihre unterschiedlichen Blicke auf Bonn, Köln und den Krieg sowie, in einem Exkurs, die Bedeutung ihrer Partnerinnen.  

Und, für uns als Expositions-Therapeuten extra wichtig: Der Humor kommt dabei nicht zu kurz.

Die Welt der Wunder

Ernsts Freundschaft zu Macke begann um 1911 und endete drei Jahre später abrupt mit Mackes Tod im Ersten Weltkrieg, in den dieser zu Ernsts Entsetzen mit Begeisterung gezogen war.

Sie fällt damit genau in jene Zeit, die Max Ernst als Periode von „Ausflügen in die Welt der Wunder“ bezeichnet hat: eine Welt der „Chimären, Phantome, Dichter, Ungeheuer, Philosophen, Vögel, Frauen, Irren, Magier, Erotik, Steine, Insekten, Berge, Gifte und so fort“. 

Klingt schon ausgefuchst surrealistisch. Ist aber, wie man in Bonn sehr schön entdecken kann, noch ganz den Lehrjahren des Expressionismus verpflichtet.

^{Bild oben: Max Ernst, „Von der Liebe in den Dingen“ (1914), August Macke Haus,
Bonn 2026; © für die Kunst: VG Bild-Kunst, Bonn 2026}

Das größte kleine Highlight

Am schönsten kann man das unserer Meinung nach auf einem achteckigen Gemälde Max Ernsts entdecken, das in Form- und Farbgebung der expressionistischen Unterart des „orphischen Kubismus“ von Robert Delaunay verpflichtet ist.

1919 hat Max Ernst es wohl gemalt – in einem Jahr also, in dem er die Collage als zentrale Ausdrucksform entdeckte und zusammen mit Johannes Baargeld und Hans Arp die Kölner Dada-Gruppe ins Leben rief. Auch das schwingt beides als Grundierung mit.

^{Bild oben: Max Ernst, „Im Zoologischen Garten in Köln“ (1919);
© für die Kunst: VG Bild-Kunst, Bonn 2026}

Im Werkverzeichnis ist das Bild noch als „verschollen“ markiert, ist aber vor Kurzem aus der Versenkung einer Privatsammlung wieder aufgetaucht und jetzt in „Visionen der Moderne“ – Tusch & Trommelwirbel! – erstmals überhaupt öffentlich zu sehen.

Und ganz, ganz herrlich ausgeleuchtet. Zu Recht natürlich! Denn dieses Bild, das ist für uns das größte kleine Highlight.

Auf eine Wolke aus wattiger Farbe gebettet und aus der Vogelperspektive betrachtet tritt uns darauf, wie der Titel verrät, der Zoologische Garten von Köln entgegen, der hier ganz offensichtlich Tatort eines abscheulichen Verbrechens geworden ist:

Irgendjemand hat das Eingangstor aufgebrochen und die animalischen Insassen – damals rund 700 Arten! – entfleuchen lassen. Statt ihrer hüpft ein ortsfremder Hirsch mit einem Kreuz zwischen den Hörnern vom Rot ins Lila.

Und draußen im Gelbgrünen tobt ein Männlein mit Ziegenbart & Fliege, das nach offizieller Lesart des wundervollen Katalogs zur Ausstellung eine Karikatur des damaligen Zoodirektors Ludwig Wunderlich sein könnte. 

^{Bild oben: Herr Wunderlich muss leider draußen bleiben. Max Ernst,
„Im Zoologischen Garten in Köln“ (1919, Detail); © für die Kunst: VG Bild-Kunst, Bonn 2026}

Es würde die Erregung erklären

Letztendlich ist das natürlich nicht beweisbar, aber dank des Kölner Zoo-Archivs haben wir ein hübsches Foto von Ludwig Wunderlich nebst Gattin Henni bei der Kur vorliegen, das eine gewisse Ähnlichkeit zumindest nahelegt.

Und es würde die irre Erregung des Männleins ob des Verbrechens erklären.

Dann wäre der leergefegte Garten jenes aus dem Innern der Karikatur nach Außen gestülpte „gefährliche Ödland am Rande des Wahnsinns“, das Max Ernst laut seiner „Rheinischen Erinnerungen“ genau in dieser Zeit zu erkunden beschloss.

Der Karikatur wohlgemerkt! Der echte Ludwig Wunderlich scheint ja ein eher vernünftiger Mensch gewesen zu sein.

^{Foto oben: Zoodirektor Ludwig Wunderlich mit Ehefrau Henni in Kur (1926);
© Archiv Kölner Zoo. Danke, Kölner Zoo-Archiv!}

Dass Max Ernst nicht nur – wie August Macke – leidenschaftlicher Zoo-Geher war, sondern in einer biografischen Skizze – neben den „freundschaftlichen, oft erhitzten Gesprächen mit dem Malerdichter August Macke“ – auch seine „häufigen Besuche in der Bonner Irrenanstalt“ erwähnenswert findet, erwähnen wir hier nur am Rande.

Das Lob des Schöpfers im Geschöpfe

Egal. Beim bekreuzigten Hirschen ist die Sache ohnehin klarer, denn sein Porträt schmückt nicht nur einen Jugend-Kult-Likör auf Kräuterbasis, sondern viele Hagiographien seit dem Mittelalter: Es ist natürlich der „Hubertushirsch“!

Der Stirnwaffen-Träger soll dem namensgebenden Heiligen aus Lüttich an einem Karfreitag erschienen sein, als dieser noch ein ruchloser Jäger war. Danach war er lammfrommer Christ ohne jede Mord-Allüre.

Seitdem steht der Hubertushirsch für die Achtung göttlicher Schöpfung. Er ist die inkarnierte Warnung an den Waidmann, mit seinen Kugeln sitt- und sparsam umzugehen – sprich: nur sinnvoll abzuknallen. 

^{Bild oben: Süüüüß! Max Ernst, „Im Zoologischen Garten in Köln“ (1919, Detail);
© für die Kunst: VG Bild-Kunst, Bonn 2026}

Wie dem auch sei: Unter jenen Mischwesen, die sich im Bestiarium der malerischen Moderne vor allem später tummeln sollten, ist Max Ernst Hubertushirsch auf jeden Fall ein eher possierlicher Exot. Und er bespiegelt den Umstand, dass vor allem im Ernst’schen Frühwerk christliche Motivik (nicht immer nur) fröhliche Urständ feierte.

Wegen dieser Exotik jedenfalls ist Ernsts heilbringender Paarhufer im Kölner Zoo, über dessen Eingangs-Gatter sich einstmals die Blicke zweier unbekreuzter Hirsche kreuzten, in dessen Innern sich zu Wunderlichs Zeiten aber eher Löwen, Seelöwen und Eisbären ferner Länder tummelten, sehr gut aufgehoben.

An dieser Stelle möchten wir noch kurz erwähnen, dass Ernsts Hubertushirsch ein ikonographisch eher mickriger Achtender ist – und da sind die Ohren schon mitgezählt! Während es Wunderlichs Abbild durch seine himmelschreienden Hände immerhin auf mindestens neun Enden bringt – oder auf die viel wahrscheinlicheren zehn.

Aber es gibt da nun mal jenen rechts getragenen Handschuh, der eben nur vier schwarze Leder-Finger hat wie die Trickfilm-Figuren der späten Zehnerjahre im Kintopp. Vielleicht haben diese Max Ernst ja inspiriert. 

Und dann gibt es ja noch die Zoo-Allee mit ihren Bäumen, die ihre Ast-Geweihe ebenfalls gen Himmel strecken! Formal sehr fein gemacht, Herr Ernst! Chapeau.

^{Bild oben: Beim Meister von Werden im 15. Jahrhundert ist der Hubertushirsch
natürlich ein stattlicher Zwölfender! Das sind, wenn man die Ohren abzieht,
doppelt so viele Enden wie beim Cervidae hubertiensis maxernstuli}

Die viel gewichtigere Frage

Viel schwerer wiegt in unseren Augen aber ohnehin die Frage, wie das Hubertushirsch-Phantom auf seinem Ausflug in die Welt der Wunder in die gefährliche Ödnis des leergefegten Kölner Zoo gekommen ist. In uns gibt es hierfür nur zwei sinnvolle Erklärungen. 

So könnte es der göttliche Auftrag des Hubertushirschen gewesen sein, in den Kölner Zoo einzubrechen, um den verweichlichten Tieren ihre animalische Freiheit zurückzuschenken – auch jenen „nackten Wilden“, die dort selbst unter Wunderlich in so genannten Völkerschauen zum Ergetzen des bürgerlichen Publikums ausgestellt worden sind.*

^{*unter Wunderlich waren es unter anderem
Menschen aus Somalia, Samoa und Indien.}

Hierfür spräche, dass der Schöpfer des Cevidae hubertiensis maxernstuli, der Dadamax, sich in einem gemeinsam mit Hans Arp verfassten Poesiestück selbst als „Führer der Revolution der Seepferde gegen Hagenbeck“ verstanden hat. Dann wäre der Hubertushirsch sein (hier noch ungefiedertes) Alter ego.

Kein Wunder, dass Direktor Wunderlich, erklärter Erbe von Carl Hagenbecks naturalistischer Zoo-Philosophie, vor Wut schäumend Purzelbäume schlägt.

Es könnte aber auch sein, dass sich der Hubertushirsch nach dem abscheulichen Verbrechen freiwillig in Wunderlichs leergefegtes Zoogelände zurückgezogen hat wie der Heilige Hubertus von Lüttich in die Wälder der Ardennen – oder wie der von Max Ernst vielzitierte Einsiedler-Mönch von Heisterbach ins Bonner Siebengebirge.

Auf der Flucht vor bösen Jägern? Um sich selbst vorm Aussterben zu bewahren? Zum Trost des Wunderlichs?

Dann wären die Kapriolen des Zoodirektors vorm aufgebrochenen Tor keine Verzweiflungshüpfer, sondern Freudensprünge: dem – ja auch finanziell lukrativen – Umstand geschuldet, nach dem Vogelhaus (1889) und dem Insektenhaus (1905) – und nach den darbenden Weltkriegsjahren – bald ein einzigartiges Hubertushirsch-Gehege eröffnen zu können! Eine Welt-Sensation.

Dieser Scharfsinn! Dieser Humor!

Wer also Augen hat zu sehen, und eine Seele zu erfassen, der benutze in Bonn die äußerst seltene Gelegenheit zu starken künstlerischen Erlebnissen.

Den Blinden aber kann man nicht einmal empfehlen, sich lebenslänglich zu bebrillen. 

Könnte von uns sein, als Kommentar zur aktuellen Bonner Schau. Dieser Scharfsinn! Dieser Humor!

Die angeführte Passage stammt aber von Max Ernst himself.

Und zwar aus einem Zeitungsartikel von 1913, zur „Ausstellung Rheinischer Expressionisten“, deren im Übrigen von August Macke gestalteter Plakatentwurf gerade in „Visionen der Moderne“ hängt – und in der Max Ernsts eigenes Werk in guter Fülle vertreten war. 

Ein bisschen journalistisches Geschmäcke hat das schon.

^{Bild oben: August Macke, „Plakatentwurf Ausstellung Rheinischer Expressionisten“ (1913),
August Macke Haus, Bonn 2026}

Können & wollen wir hier aber trotzdem genau so stehenlassen. Denn es trifft auch auf „Visionen der Moderne“ im Museum Ernst Macke Haus pfeilgerade zu.

Der ganzen kleinen Highlights wegen. Lauter Augenweiden. (10.05.2026)

^{„Visionen der Moderne. August Macke & Max Ernst“ ist, auch mit zahlreichen anderen selten gezeigten Werken, noch bis zum 23. August 2026 im Museum August Macke Haus in Bonn zu sehen. Und sehen, auch das macht die Ausstellung deutlich: das war im Bereich der Kunst bei Ernst & Macke ebenfalls ein großes Thema.}

<sup>Anmerkung 1: Für diesen Beitrag haben wir uns extra in unserer KunstArztPraxis-Klause zurückgezogen und noch einmal die knapp 600 Seiten von Max Ernsts gesammelte Schriften komplett durchgelesen: in jener hübsch editierten Gesamt-Ausgabe, die Gabriele Wix 2022 herausgegeben hat – und deren Lektüre wir hiermit ausdrücklich empfehlen: gerade, weil Max Ernst (wie wir!) Kunst & Poesie immer zusammendenkt.

Alle Max-Ernst-Zitate sind dieser Ausgabe entnommen.

Anmerkung 2: Wenn wir schon bei Lektüre-Tipps sind, empfehlen wir hiermit aus gegebenem Anlass auch noch ausdrücklich die Novelle „Der Irre“ (1910) von Georg Heym. Die ist nicht nur grandios geschrieben, sondern illustriert zum Thema Wahnsinn & Expressionismus alles, was man zu Max Ernsts „Im Zoologischen Garten in Köln“ so wissen muss.</sup>

^{Anmerkung 3, zu guter Letzt: Als Max Ernst 1919 seinen leergefegten Zoologischen Garten malte, herrschte dort an Hirschen aus aller Welt (außer aus Australien) kein Mangel. Unter Direktor Ludwig Wunderlich lebten in den Hirschhäusern in der Hirschallee des Zoos zum Beispiel der afrikanische Berberhirsch, der japanische Sikahirsch, der Dubowskyhirsch, der Saumer aus Ceylon, der Schweinshirsch aus Indien, den Pferdehirsch aus Borneo, der Mähnenhirsch von den Molukken und der Axishirsch, der indische Barasinga und der seltene Leierhirsch von Malakka. Nur der Hubertushirsch fehlte. Danke für die „Infos“, Kölner Zoo-Archiv!} 

Das August Macke Haus in der KunstArztPraxis:
Wir machen mit! „August Macke & Friends“ in Bonn
Cole, ein Freund. Ulrike Theusner in Bonn

Tiere in der KunstArztPraxis:
„Surreale Tierwesen“ in Brühl: Zoo mit Zerberbus
Das Wir im Tier: „Lovely Creatures“ in Aachen
Wie man dem toten Hasen Joseph Beuys erklärt
Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund
Betriebsausflüge 1: „Kunst für Tiere“ in Rüsselsheim

Homepage des Museums August Macke Haus

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Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte. Vor allem dann, wenn eine Ausstellung derart beschlagen poetisch daherkommt wie „Günther Uecker. Die Verletzlichkeit der Welt“ im Arp Museum Bahnhof Rolandseck in Remagen! Lassen wir also einfach wieder einmal nur die Fotos sprechen.

Zur großartigen Ausstellung selbst haben wir an anderer Stelle ja bekanntlich schon berichtet.

Aber jetzt: Voilà:

(03.05.2026)

^{„Günther Uecker. Die Verletzlichkeit der Welt“ ist noch bis zum 14. Juni 2026 im Arp Museum Bahnhof Rolandseck zu sehen: nach Auskunft vieler unserer Patient*innen übrigens die beste Ausstellung, die sie vor Ort bisher gesehen haben.}

^{Es ist die letzte Schau, an der der Guenther Uecker noch mitarbeiten konnte. Und es ist die letzte Schau von Kuratorin Jutta Mattern, die uns sehr viele schöne Ausstellungen geschenkt hat. Danke, Jutta Mattern! Es war uns immer eine große Freude.} 

Das Arp Museum Bahnhof Rolandseck in der KunstArztPraxis:
Der Transformator. Günther Uecker in Remagen
Romantik in cold blood. Hausbesuch bei Axel Hütte
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith im Arp Museum
Unser Totem: der Wolf. Kiki Smith in Remagen
Was die Natur vergaß: Christiane Löhr in Remagen
Die Haut der Seele: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Stella Hamberg: Kraft und Sinnlichkeit
Überall Tatoos: Franziska Nast in Remagen
Freiheit durch Weglassen: Rodin und Arp in Remagen
Wir sind geheilt! “Goldene Zeiten” in Remagen
Paula Modersohn-Becker in Remagen: Frau = Birke
Warum überflüssig? “Luxus und Glamour” in Remagen

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 38: Kerstin Brätsch in Bonn
Reine Bildgebung 36: William Kentridge in Essen
Reine Bildgebung 35: Eckart Hahn in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 34: „Before the Wind“ in Paderborn
Reine Bildgebung 33: „Teilweise möbliert“ in Krefeld
Reine Bildgebung 32: Elias Sime in Düsseldorf
Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguley in Duisburg
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Arp Museums Bahnhof Rolandseck in Remagen

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Im Von der Heydt-Museum Wuppertal sind gerade knapp 200 Werke des geborenen Elberfelders Carl Grossberg (1894-1940) zu sehen: einem der ganz großen Magier der neuen Sachlichkeit. Die erste Retrospektive seiner menschenleeren Landschaften, Städte und Fabrikhallen seit über 30 Jahren ist eine kleine Sensation.

Häuser haben keine Beine: Sie können nicht weglaufen. Das Licht liegt auf den Dächern träge in der Sonne, und Schatten kriechen wie ein Faultier über die Fassaden. Für frühe Fotografen waren Häuser & Dächer & Fassaden deshalb, der ellenlangen Belichtungszeiten wegen, erste Wahl. 

Die frühe Stadt-Fotografie ist belichtungsbedingt menschenleer. Wenn überhaupt, dann huschen schildkrötenlahme Flaneure als verwischte Geister oder schwarze Schatten übers Trottoir selbst der Millionenstädte.

Der damals gerade aufbrausende Verkehr ist ohnehin wie durch Zauberhand verschwunden.

Magie aus Unzulänglichkeiten

Die frühe Stadt-Fotografie zeigt das Urbane nicht, wie es wirklich war, im Gegenteil: Sie zeigt es so, wie selbst seine Bewohner*innen es in Wirklichkeit nie zu Gesicht bekamen.

Die frühe Stadt-Fotografie dokumentierte nicht – weil sie es nicht konnte. Die frühe Stadt-Fotografie war aus technischer Unzulänglichkeit geborene, fast schon surreale Magie.*

^{*ist nicht von uns. Ist (ungefähr) von Walter Benjamin}

Wenn wir die Bilder von Carl Grossberg betrachten, dann fallen uns diese frühen menschenleeren Fotos ein. Er hat sie sicher gekannt.

Fotos, die das Tempo als zentralen Motor der Moderne einfach schlucken – deren nostalgisch anmutende Entschleunigung einer beschleunigten Welt wundersam irritiert. So wie auf den Gemälden Carl Grossbergs eben, wo jedes Schwung-Rad stillsteht. Wo kein Kessel dampft. Wo Schnee liegt auf den Schloten.

Mit dem entscheidenden Unterschied allerdings, dass Carl Grossbergs Zauber keiner Unzulänglichkeit entspringt, sondern höchster malerischer Raffinesse. Dort war leere Magie. Hier ist Magie der Leere. 

^{Bild oben: Carl Grossberg, „Der gelbe Kessel“ (1933),
Von der Heydt-Museum, Wuppertal 2026}

Wir sehen keinen Gegensatz

Deshalb sehen wir im Grunde auch kaum einen Gegensatz zwischen dem „Realismus“ von Grossbergs Städten & Fabriken und jenen „Traumbildern“, die mit Laternengeistern oder Spuk-Gestalten, mit Vögeln, Affen, Fledermäusen – und einmal auch mit einem über die Fassade kletternden Faultier! – besiedelt sind:

Als wäre die Natur aus dem Zoo entwichen und hätte sich das Urbane nach dem Verschwinden der Menschheit zurückerobert. 

Wir sehen keinen Gegensatz, weil für uns Carl Grossbergs Realismus nicht vorrangig „sachlich“ ist, sondern eben tiefgründig magisch.

^{Bild oben: Carl Grossberg, „Vorstadtspuk“ (1920, Detail)
Von der Heydt-Museum Wuppertal, 2026}

Begrifflich präferieren wir Franz Roh

Deshalb präferieren wir auch einen Konkurrenz-Begriff zur „Neuen Sachlichkeit“, der unseres Erachtens ein wenig zu Unrecht in Vergessenheit geraten ist, aber etwa zeitgleich, 1925, entstand. Er stammt von Franz Roh, der nicht nur Kunstkritiker und Kurator, sondern ein fulminanter Collage-Künstler war.

„Magischer Realismus“ lautet der Begriff, und der trifft es, was die geheimnisvolle Darstellung des Vertrauten betrifft: die fast schon metaphysisch aufgeladenen Fassaden, Maschinen, Möbel, Dinge – in unseren Augen irgendwie besser.

In neusachlichen Weimarer Zeiten nicht nur, aber vor allem auch bei Carl Grossberg.

^{Foto oben: Carl Grossberg, „Stahlmöbel“ (1935),
Von der Heydt-Museum Wuppertal, 2026}

Und sonst?

Wir mögen, wie Grossberg Bilder aus Hausfassaden-Flächen staffelt, um diese Staffelung dann wieder durch kriechende Schatten irritierend zu dekonstruieren.

Und wir mögen, wie Grossberg Landschaft – neben Stadt & Fabrik sein dritter Schwerpunkt – verfremdend auf die Größe von Modell-Eisenbahn-Idyllen zusammenschrumpft.

Das alles ist nichts anders als meisterlich, vielleicht sogar ein Stück weit altmeisterlich zu nennen. So wie der unsichtbare Pinselstrich, die Lasur.

Laut Museumsdirektor Roland Möning brauchte Carl Grossberg Monate für jedes Bild. Der Fortschritt ist halt auch beim Malen eine Schnecke.

^{Bild oben: Man beachte, wie sich der Baum-Schatten in Urban-Schatten verästelt! Das
ist real schon ziemlich magic. Carl Grossberg, „Würzburg, Wagnerei“ (1925, Detail),
Von der Heydt-Museum Wuppertal, 2026}

Und dann haben wir noch ein erklärtes Lieblingsbild in „Carl Grossberg“: die „Weißen Röhren“, die 1933 entstanden sind.

Für uns moderner als Thomas Ruff

Uns war es beim Betrachten damals, als sei das Gemälde ein sepiagetöntes Foto, auf dem Carl Grossberg rotierende Teile und gläserne Röhren mit ihren wirbelnden chemischen Innereien gleißend weiß übertünchte, um der Maschine malerisch den innewohnenden Zauber unproduktiver Erstarrung zurückzugeben.

Ein bisschen so wie das, was Thomas Ruff mit seiner auf Glas-Negativen der Dreißigerjahre (!) basierenden Serie industrieller „Maschinen“ ab 2003 versucht hat. Nur noch moderner. Das ist hierzu zumindest unsere Lieblingsphantasie.*

^{* eine Lieblings-Phantasie, die wir in Bezug auf Ruff hier leider nicht
illustrieren können. Die Unsichtbarkeits-Maschine verhindert das.
Und DIESE Maschine ruht nie still.} 

Von daher finden wir es schön, dass „Carl Grossberg“ unter anderem in einem „Epilog“-Raum die Brücke nicht nur zur Pop Art schlägt, sondern auch zu zwei der großen Magier unserer fetischisierten Maschinen- und Warenwelt: Konrad Klapheck und Bruno Goller.

Die rätselhafte Kälte

Oder zu Thomas Demands „Hole“ von 2013, in dem sich die rätselhafte Kälte, die auch vielen Werken Carl Grossbergs eigen ist, ins Unheimliche dreht.

Denn Magie der Leere im Sinne Carl Grossbergs sein: Das kann Fotografie, wenn sie denn technisch ausgereifte Kunst ist, auch heute noch.

Und was, wenn aus den menschenleeren Städten auch die Tiere verschwunden sind? Wenn nur noch autonome Maschinen wüten?

Wir müssen gar nicht auf den „Terminator“ warten: Carl Grossberg hatte auch hierzu seine Vision. In Form eines Automaten auf einem Drahtseil unter freiem Himmel, der einen verrückten Schatten auf die Erde wirft.

Die unscheinbare Skizze befindet sich in einem Notizheft, das in Wuppertal zu sehen ist. Darunter ist als Entstehungsdatum der 30. Januar 1933 vermerkt.

Jener Tag also, an dem Reichspräsident Paul von Hindenburg Adolf Hitler zum Reichskanzler der Weimarer Republik ernannte.

^{Foto oben: Carl Grossberg, „Seiltanzende Maschine mit Schatten“ (1933)
Von der Heydt-Museum Wuppertal, 2026}

In Zeiten von KI aktueller denn je

Es dauerte bekanntlich nicht lange, da hatte dieser Hitler wie von Carl Grossberg vorhergesehen mit seinen Panzern, Bombern und Raketenwerfern einen Weltenbrand entfacht.

Dass die Menschheit diesen überlebte, bekam der Künstler nicht mehr mit: Nachdem er als Fahrer im Range eines Oberstleutnants infolge eines Autounfalls mit tödlichem Ausgang vor ein Kriegsgericht gestellt worden war, nahm sich der schon von seinem Einsatz im Ersten Weltkrieg traumatisierte Carl Grossberg 1940 im französischen Laon mit seiner Dienstwaffe das Leben.

In Zeiten von KI jedenfalls ist Grossbergs „Seiltanzende Maschine“ aktueller denn je. Denn es besteht ja überhaupt kein Grund zur Hoffnung, dass die Maschinen nach ihrer Machtergreifung den traumtänzerischen Wahnsinn des homo urbanus nicht wiederholen. (26.04.2026)

^{„Carl Grossberg. Sachlich – Magisch – Visionär“ ist noch bis zum 30. August 2026 im Von der Heydt-Museum Wuppertal zu sehen. Und, ja: ein paar Passanten gibt es manchmal doch. Und auch ein, zwei dampfende Schlote.}

Nachfolger der Neuen Sachlichkeit in der KunstArztPraxis:
Die Kunst der Stanze: „Annem işçi“ im Marta
Papiertiger aus Acryl. Eckart Hahn in der Villa Zanders

Homepage des Von der Heydt-Museums Wuppertal

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Kann man als Betrachter*in mit einer Zeichnung verschmelzen – oder sie sogar spazierend neu zusammensetzen? Man kann! Im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach sind gerade internationale Positionen von neun Künstlerinnen zu sehen, die ihr Zeichnen in den Raum erweitern. Toll toll toll. 

Einmal hatten wir bei Tony Cragg ein exklusives Foto-Shooting mit Markus Lüpertz, da sprachen wir auch über das, was er so macht. Er sei Maler-Bildhauer, hat Markus Lüpertz uns damals gesagt: Im Unterschied zum Bildhauer-Bildhauer sehe er die Skulptur nicht als Volumen, sondern als Summe von Flächen. 

Beim Bildhauer-Bildhauer wisse man beim Herumgehen schon, wie kommen werde, weil sich das Hinten aus der Logik des Vorne ergäbe. „Bei mir können Sie hinten ganz andere Dinge erleben, weil ich an die Skulptur immer in Ansichten gehe.“ 

Seine Maler-Skulptur, sagte uns Markus Lüpertz damals, sei „eine eigene Gattung“.

Zeichnung als Volumen denken

An diese Sätze mussten wir denken, als wir durch die „Zeichen-Räume“ im Kunstmuseum Villa Zanders gingen; denn der Zeichen-Raum scheint uns auch eine eigene Gattung zu sein.

Beim Zeichnen denkt man ja eher an eine solitäre Fläche aus Papier, auf der der Künstler, dem schönen Bonmot Paul Klees zufolge, die Striche spazieren führt. 

Aber man kann die Striche ja auch durch den Raum spazieren führen, die Zeichnung also als Volumen denken. Warum nicht?

^{Foto oben: Kamilla Szíj, „Latentes Element 1 (2012/2016),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

In diesem Sinne könnte man viele der Werke der neun Künstlerinnen, die gerade in der Villa Zanders versammelt sind, mit Markus Lüpertz – und, anders als bei ihm: gegendert – vielleicht Zeichner*innen-Skulpturen nennen – im Unterschied zur Zeichner*innen-Zeichnung, bei der man auf einen Blick gleich immer alles sieht.

Im Inneren des Diamanten

Ach ja: Eine Maler-Skulptur sei mit einem Diamanten vergleichbar, der aus hunderten von Flächen einen Kreis ergibt, hat Markus Lüpertz uns damals ebenfalls erklärt. Das gilt für die Zeichner*innen-Skulptur in unseren Augen genauso.

Mit dem entscheidenden Unterschied, dass man sich bei einer Zeichner*innen-Skulptur im Innern des Diamanten befindet und staunend an die Ränder, auf Wände, Decke, manchmal auch: auf Böden, schaut. Und auf das oftmals zeichenlose Loch dazwischen, das sich im Idealfall ebenfalls aus der Logik der Ränder ergibt.

Mit einer solchen Zeichner*innen-Skulptur kann man verschmelzen. Wenn man sie denn erwandert: so, wie die Künstler*innen zuvor den Raum erwandern mussten, um sie zu zeichnen – ganz Auge, Arm und Bein.

So irgendwie. 

Mit Wanderschuhen schon gar nichtr

Bei Monika Bartholomé kann man das besonders hübsch erleben.

Bartholomé hat ihren Raum mehrere Tage lang – hoch konzentriert – mit wandhohen Papierbahnen samt Tusche & Acryl tapeziert und teilmöbliert: Zeichnung, die die Architektur der Villa Zanders teils aufnimmt, teils konterkariert. 

^{Foto oben: Monika Bartholomé,“Raumzeichnung für die
Villa Zanders“ (2026, Detail), Bergisch Gladbach 2026}

Es gibt auch Zeichnerinnen-Skulpturen von Monika Bartholomé, die den Boden okkupieren. Aber dann kann man sie gar nicht – oder nur unter Auflagen – betreten. Mit Wanderschuhen schon mal gar nicht.

Nein: Gescheitert ist sie nicht

Sie würde nichts vorzeichnen, hat Monika Bartholomé uns im Gespräch verraten. Ihr Raumzeichnen sei „ein Wagnis ohne Radiergummi“: Mit jedem neuen Strich könne sie scheitern. 

Nein: Gescheitert ist Monika Bartholomé mit ihrer Zeichner*innen-Skulptur, die frei nach Markus Lüpertz in räumlichen Ansichten gedacht ist, auf keinen Fall.

Manche Zeichner*innen-Skulptur muss an aber nicht nur aktiv erkunden: Beizeiten nimmt sie einen auch an der Hand und führt durch ihren Raum, der sich beim Gehen verändert. Kunst und Betrachter*in werden ein Paar.

Das ist bei der Zeichnerinnen-Skulptur von Angela Lubič mit ihren Klebestreifen-Strichen der Fall. Kein Wunder also, dass sie „Linienführung“ heißt.

Dabei ergeben sich sogar Positionen, bei denen sich die Striche an den Wänden und der Decke wie im Film im Gehtempo zu einer Einheit zusammenschließen: sich Flächen bilden, die gegen die Ursprungs-Flächen der Wände und der Decke rebellieren, dem Villen-Raum einen zweiten Raum überstülpen.

^{Foto oben: Angela Lubič, „Linienführung“ (2026, Detail),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Gehend & sehend selber finden

Von diesen Positionen haben wir aber keine Fotos gemacht. Wir wollen ja nicht unsereins linienführend tätig werden: Wir sind ja keine Skulpturen-Zeichner!

DIESE Positionen soll bitteschön Jede*r in Bergisch Gladbach gehend & sehend selber finden. Dankeschön.

Wir haben noch einen weiteren erklärten Lieblings-Raum: „Nach Babel“ von Julia Ziegler.

Im ehemaligen Wohnraum der Villa Zanders sind in künstlerischer Freiheit Vorderschnitte von Wörterbüchern an die Wand getürmt, die illustrieren, welche Anfangsbuchstaben in welcher Sprache wie oft verteilt sind: im Lateinischen ist es besonders oft das „C“, im Ungarischen eher „E“.

Dabei verschwimmen die Strukturierungen zu ebenso verwirrenden wie dekorativen graphischen Mustern, die ihrer Aussagekraft verlustig gegangen sind. Das hat uns Babyloniern aus der KunstArztPraxis natürlich besonders gefallen.

^{Foto oben: Cambridge Dictionary vor „Nach Babel“ (2026),
Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Summa summarum ist es in „Zeichen-Räume“ so, wie wir es seit Jahren generell von unserer Praxis-Kanzel predigen: Kunst kann & darf man nicht einfach über sich ergehen lassen, Kunst muss man sich ergehen.

Das gilt für diese tolle Schau, in der die Künstlerinnen ihre Striche eben nicht nur übers platte Land, vulgo: Papier spazieren führen, sondern durch die Gebirgs-Welt der Zimmer, besonders. (19.04.2026)

^{„Zeichenräume“ ist noch bis zum 16. August 2026 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen.}

^{Anmerkung: Mit Jolanta Wagner aus Polen gibt es auch eine „klassische“ Zeichnerin in der Schau im Kunstmuseum Villa Zanders: eine Zeichnerin, die aber trotzdem Zeichen-Räume schafft.}

^{Denn sie strukturiert auf ihren teils monumentalen Papier-Bahnen die Dinge der Städte (eine schlicht „BG“ genannte vielleicht Bergisch Gladbach?) neu – und korrespondiert mit ihren verwirrenden Ordnungen wiederum mit Julia Zieglers vom Verbalen ins Graphische gewendeten „Nach Babel“.}

^{Und mit Borges‘ Erwähnung der Klassifizierung der Tiere in einer chinesischen Enzyklopädie. Aber das nur nebenbei.}

^{Foto oben: Jolanta Wagner, „Double Map of the City V“ (2026, Deal),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Das Kunstmuseum Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
Papiertiger aus Acryl. Eckart Hahn in der Villa Zanders 
Traum hinter Geste: Ruth Marten in der Villa Zanders
Mehr Babel war nie! Jenny Michel in Bergisch Gladbach (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Wie sagen wir’s den Bienen? “HONIG” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
In Brüchen denken: “Martin Noël – Otto Freundlich” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
33 Malantworten: Rolf Rose in der Villa Zanders
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
“Bibliomania” in Bergisch Gladbach: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Villa Zanders

Der Beitrag „Zeichenräume“ in der Villa Zanders: Eigene Gattung! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wir haben ja an anderer Stelle schon geschrieben, wie erfrischend aktuell & politisch sich „German Pop Art“ in Oberhausen präsentiert. Aber die Ausstellung hat auch drei Kindheits-Erinnerungen in uns geweckt: und zwar an Heintje, Ministeck & an die DDR. Ein Wochenend-Triptychon.

Zu guter Letzt: Klaus Peter Bremer, „Art B 013 (Ulbricht)“ (1967)

Von 1961 bis zum Fall der von Walter Ulbricht ohne Absicht errichteten Mauer schickte die Großmutter von KunstArzt3 regelmäßig Care-Pakete zur Verwandtschaft in die von ihr bis zum Schluss hartnäckig so genannte Ostzone. Und regelmäßig kam ein Dankesbrief zurück.

Auf jedem dieser Dankesbriefe klebte mindestens eine Walter-Ulbricht-Marke jener Art, die Klaus Peter Bremer nachgeschaffen hat.* 

^{*Zumindest bis in die frühen Siebzigerjahre, denn 1971 fiel der mit Stalins Duldung
quasi diktatorisch herrschende Staatsratsvorsitzende bei Leonid Breschnew
in Ungnade und wurde vom großen Sowjet-Bruder abgesägt.
Die Dauermarken-Serie „Aufbau“ (1973-1981) übernahm.}

Die Dankesbriefe wanderten in Omas Sekretär, die im warmen Wasser losgelösten und unter Bücher-Stapeln der „Drei ???“ getrockneten Walter Ulbrichts ins Briefmarken-Album: KunstArzt3 war bekennender Philatelist.

Bitte um Inventarliste

Als KunstArzt3 so ungefähr fünf war, schickte die Verwandtschaft einen mit Walter Ulbricht in rot & lila – also mit 35 Pfennig – frankierten Dankesbrief mit der Bitte, demnächst doch jedem Care-Paket einen Zettel beizulegen, auf dem die enthaltene West-Ware komplett aufgelistet sei. 

^{Bild oben: Das ist das gute, recht große Stück: zu sehen in Oberhausen.
Klaus Peter Bremer, „Art B 013 (Ulbricht)“ (1967)}

Vor allem Kaffee Haag und Milka-Vollmilch-Schokolade stünden bei DDR-Grenzern hoch im Kurs.

Das rot-weiß reduzierte Profil des zum Personenkult neigenden Funktionärs Walter Ulbricht war das Erste, was Einer von uns vom real existierenden Sozialismus zu Gesicht bekam.

Die Geschichte vom kriminellen, Eigentum für den Privatbedarf enteignenen Grenzer war die erste, die er aus diesem exotisch fernen Deutschland im Gedächtnis trägt. 

Beides schreckte ihn nicht ab, den Marken später, als er schon Numismatiker war, über die innerdeutsche Grenze hinterher zu reisen. Wir Anderen reisten natürlich mit.

^{Foto oben: Satz Walter-Ulbricht-Marken (1961-1971),
gedruckt im VEB Deutsche Wertpapierdruckerei 
in Leipzig. Frankaturwert: 5,40 Ost-Mark}

Aber da war aus dem Beton-Kommunisten Walter Ulbricht längst der Beton-Kommunist Erich Honnecker geworden. Und der passte Leonid Breschnew viel besser in den Kram.

Die Marke hatte gelogen

Was sollen wir sagen: Die Marke hatte gelogen, das erste Bild der DDR war falsch. Die DDR war weder rot noch grün noch lila. Die DDR war, nicht nur der Fassaden wegen, in unseren Augen grau bis ins Mark. 

Aber die Geschichte vom bösen Grenzer stimmte. Das kann die ganze KunstArztPraxis bezeugen.

Wir erinnern uns noch gut an grimmige Männer mit tief ins Gesicht gezogenen Schirmmützen, die uns als allseits verdächtigen Klassenfeinden im Auftrag des MfS bei der Einreise im Zug wortlos den Tagesvisum-Stempel in die Reisepässe rammten. 

Wir erinnern uns an Fließbänder, auf die wir besagte Reisepässe bei der Einreise mit dem Auto zu legen hatten: wie sie in einer weit entfernten Baracke – also für uns als unserer Identität Beraubten: im komplett Ungewissen – verschwanden. 

Um danach – im Sommer: je heißer, je länger – im stickigen Auto eingesperrt abwarten zu müssen, ob es den steingrau Uniformierten vielleicht doch noch gefiel, uns zu befehlen auszusteigen.

^{Foto oben: Nicht nur die Marken wurden abgestempelt!
DDR-Tagesvisa im BRD-Reisepass, Ein- und Ausreise.
© Clemensfranz/CC BY-SA 3.0. Unsere Pässe von
damals sind – leider, leider – allesamt verschollen}

Um auf der Suche nach irgendetwas Verdächtigem – Kaffee Haag? Milka-Vollmilch-Schokolade? – die Rückbank und die Vordersitze aus dem Auto auszubauen & die Innenverkleidungen aus den Türen zu reißen.

Das Klacken der geräuschlosen Schleuse

Wir erinneren uns auch noch an jene schier endlose Schleuse am Grenzübergang Friedrichstraße, in die Jeder von uns alleine hinein musste, wenn wir von West-Berlin zu Fuß in den Osten wollten:

An jenen Schlitz, durch den uns, einzeln in der geräuschlosen Leere zwischen den Schleusen-Türen stehend, von einer unsichtbaren Macht hinter einer schwarzen, unser jeweiliges Ich bespiegelnden Scheibe der Reisepass – ja, im Grunde: boshaft entrissen wurde.

Bevor am anderen Ende der Schleuse irgendwann die Tür in den real existierenden Sozialismus mit einem Klacken automatisch aufschwang und uns drüben wieder deutsch-deutsch-deutsch vereinte. Im humorlosen Grau.

Ach ja: KunstArzt1 erinnert sich noch gut an jenen Grenzer, der ihn mit professioneller Kälte aus der Schlange Einreisender herauswinkte und in einem Nebenraum anwies, sich bis auf die Unterhose auszuziehen: vermutlich, weil ihm sein für seine Punker-Freundin getragener schwarzer Latex-Seesack suspekt erschien. Weil er es konnte.

Auch dieser Grenzer hat weder Kaffee Haag noch Milka-Vollmilch-Schokolade bei ihm gefunden.

Dieses bleierne Gefühl der Ohnmacht

Aber er hatte DAS in ihm erzeugt, was jeder Grenzer auf persönlichen Wunsch des Staatsrats-Vorsitzenden Erich Honnecker und im Dienste des Regimes nicht nur in ihm erzeugen sollte: ein Gefühl vollkommener Ohnmacht gegenüber einer Staatsgewalt, der man komplett & immer ausgeliefert war. Das Gefühl, jederzeit verhaftet werden zu können. Das Gefühl, vielleicht nicht mehr rauszukommen aus der DDR.

Dieses bleierne Gefühl verließ uns bei jeder unserer Wanderungen durch Ost-Berlins graue Straßen nie.

Bremers Ulbricht ist ein Fehldruck!

Das Gesicht des regimegemachten Grenzers hatte KunstArzt1 noch im Gedächtnis, als KunstArzt3 das Profil Walter Ulbrichts auf der Marke schon vergessen hatte.

Wir sollen schön grüßen: Erst Klaus Peter Bremer hätte es ihm in der Ausstellung „German Pop Art“ wieder in Erinnerung gebracht.

Ach ja: Er hat in seinem Briefmarken-Album noch einmal nachgeschaut: Sein „Art B 013 (Ulbricht)“ von 1967 muss ein Fehldruck sein!

Die Kontur von Ulbrichts Brille ist zu lang ausgeformt, mancher weiße Strich zu schwungvoll; der Weißrand ist zu schmal, das Rot für die DDR zu fröhlich. Zudem gibt es zu viele Zacken. 

^{Foto oben: Zwei der echten Walter Ulbrichts von KunstArzt3 auf einer
Ausgabe der DDR-Zeitung „Junge Welt“: jenem Zentralorgan der FDJ,
das KunstArzt2 1984 (sic!) herzklopfend in die BRD ausgeführt hat}

Auch wenn Philatelisten heute mindestens so alt ausschauen wie Walter Ulbricht nach seinem brutalen Sturz 1971: Klaus Peter Bremers Fehldruck ist sicher trotzdem auch in diesen Kreisen immer noch ein Vermögen wert. 

Auf jeden Fall ideell. Als Kunst. Auch zur Erinnerung. Für uns. Und für alle, die noch demokratisch denken – also, schlichtweg: denken – können.

Damit diese Verrohung und Verblödung von – im Grunde vermutlich liebenswerten – Menschen durch menschenverachtende Regime NIE MEHR passiert. (12.04.2026)

<sup>P.S.: Obige Gedächtnis-Marke zum 500. Geburtstag Albrecht-Dürers am 21. Mai 1971 stammt von Bodo Boden: Sie ist ebenfalls in „German Pop Art“ zu sehen. Es hat sie in Wirklichkeit so nie gegeben, Bodens Bild stammt eh von 1969. Aber der Künstler hat seinen Dürer mit einem von Philatelisten heißbegehrten und idealerweise auf einem „Ersttagsbrief“ abgegebenen „Ersttagsstempel“ versehen, den eine Marke am Erstausgabetag in einem speziellen Postamt – hier natürlich Nürnberg – erhielt. Dass das A.D. im Stempel für Albrecht Dürer oder Anno Domini stehen könnte, finden wir witzig.

Die DDR hatte mehrere Albrecht-Dürer-Gedächtnis-Marken, die viel schöner waren als die der BRD. Für die DDR gehörte Albrecht Dürer als Renaissance-Künstler in eine Ahnenreihe, die letztlich in den sozialistischen Realismus führte. Lernt man alles, wenn man Briefmarken sammelt, sagt KunstArzt3.</sup>

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Was man sieht, zeigt diese Fotostrecke:}

Appendix: Woran sich die KunstArztPraxis ebenfalls kollektiv erinnert

Wenn wir unser kollektives KAP-Gedächtnis aktivieren und in Personal-Union an die DDR denken, erinnern wir uns an sehr viel mehr als an Post von Walter Ulbricht, an aschgraue Fassaden oder grimmige, steingraue Grenzer. 

Wir erinnern uns an die gespenstischen Schemen von Soldaten der Nationalen Volksarmee (NVA) in den dunklen Nischen zugemauerter U-Bahn-Stationen, die „Geisterbahnhöfe“ der U6 und U8 nach Ost-Berlin, wenn man, verlangsamt, natürlich ohne Halt, durchfuhr.

Wir erinnern uns an ein herzlos blechernes, fast schon KI-generiertes, seine Verlogenheit hinausposaunendes „Willkommen in der Deutschen Demokratischen Republik“ aus den hellgrauen Lautsprechern am ersten Bahnhof hinter der Grenze bei der Einreise, das uns jedesmal das Blut in den Adern gefrieren ließ – und bei der Ausreise an jene Spiegel, die von NVA-Soldaten mit Schäferhunden & Maschinengewehren an langen Stangen unter Zug-Waggons geschoben wurden, damit ja kein Bürger dem Arbeiter- und Bauernstaat entwich.

Wie erinnern uns an die abgewetzten Kleider jener alten Frauen, die uns im Bahnhofs-Restaurant in Ost-Berlin, nervös nach links und rechts schauend, unter dem allgegenwärtigen Foto des diktatorischen Genossen Erich Honecker – verantwortlich für Schießbefehl, Stasi-Bespitzelung, Zwangsadoptionen – anbettelten, die letzten Pfennige aus den 25 DDR-Mark unausführbarem Zwangsumtausch, die nicht in Bücher geflossen waren, nicht fässerweise in wässrige Club Cola zu investieren, sondern doch – bitte, bitte – in ihre schwieligen Hände zu legen.

Wir erinnern uns an die Heerscharen hinter Büschen wegelagernder Lada Schigullis der Deutschen Volkspolizei, die am Rand der Autobahnen ausschließlich devisenfetten West-Deutschen auflauerten, sobald diese es aus Unwissenheit wagten, die 100 Stundekilometer Tempolimit zu überschreiten. Wie sie plötzlich im Rückspiegel auftauchten, die Sirenen; an die auch hier obwaltende kalte Verachtung bei den anschließenden Verhören am Straßenrand.

Und wir erinnern uns an die Plätze von Leipzig, Dresden und Weimar, die wir kurz nach dem Mauerfall 1989 mit einem koreanischen Studien-Freund besuchten: Auf JEDEM dieser Plätze gab es eine neu eröffnete, sehr ranzig dreinblickende, rasch vom Westen hergeschaffte Imbiss-Bude. Und vor JEDER dieser Imbiss-Buden standen gefühlt zehn dummdreist dreinblickende Neonazis mit Glatzen, Springerstiefeln und Bierdosen. Wo bitte kamen die her?

Egal. Dieser Studien-Freund, der über Goethe promovierte, ist jedenfalls nie mehr nach Deutschland zurückgekommen.

Ach ja: Vor Kurzem ist ein anderer Freund von uns mit der Familie nach Brandenburg gezogen. Der Sohn berichtet, in seiner Klasse fände ausnahmslos JEDE*R die AfD, die dem massenmordenden, vergewaltigenden, folternden, brandschatzenden & wie weiland Genosse Honnecker zu Zwangsadoptionen neigenden Beton-Stalinist Putin am besten in den Kram passt, wegen ihrer geilen TikTok-Videos sexy.

Ostdeutschland will seine menschenverachtende Diktatur zurück – vor allem jenes Ostdeutschland, das sie nicht erleben musste. Aber diesmal bitte gleich die faschistische Variante. Damit sich endlich irgendwas ändert. Was ist ja egal.

Das bleierne Gefühl der Ohnmacht von unsren DDR-Besuchen damals ist in unsren Köpfen zurück.

^{Ach ja: Nach dem Fall der Mauer hat sich die Verwandtschaft aus der Ostzone KEIN EINZIGES MAL mehr bei der Großmutter von KunstArzt3 gemeldet. Der Form halber sei auch dies vermerkt.}

^{Und noch eine Anmerkung: Doch, doch: Wir erinnern uns auch noch an die Heerscharen schmieriger Gebrauchtwagen-Händler, die 1990 nach Ostdeutschland kamen, um zu maßlos überteuerten Preisen ihre schrottigen West-Autos zu verticken. An die ganzen folgenden Demütigungen, die der kapitalistische Westen dem – tja: irgendwie auch naiven – Osten angedeihen ließ. Stimmt soweit. Aber: nichts, nichts – AB-SO-lut NICHTS! – rechtfertigt es, deshalb das Böse, den Faschismus, also den Untergang von uns allen zu wählen.}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
German Pop Art Nostalgie 2: Ministeck
German Pop Art Nostalgie 1: Heintje
Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art„
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Homepage und deutscher Philatelisten e.V.

Der Beitrag German Pop Art Nostalgie 3: die DDR erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wir haben ja an anderer Stelle schon geschrieben, wie erfrischend aktuell & politisch sich „German Pop Art“ in Oberhausen präsentiert. Aber die Ausstellung hat auch drei Kindheits-Erinnerungen in uns geweckt: und zwar an Heintje, Ministeck & an die DDR. Ein Wochenend-Triptychon

Im Mittelteil: Reinhard Voigt, „Tulpen“ (1974) und „Hörzu“ (1971)

Den alten Griechen galten die Atome als die kleinsten Teilchen, das war falsch. Heute wissen wir es besser: Die kleinsten Teilchen sind die Pixel. 

Pixel gab’s schon immer, seit dem Urknall; also auch in den 1970er Jahren. Und darauf basierende Computerspiele sowieso. Unser Computerspiel hieß „Master Mind“. Und unsere Pixel waren analog.

Ein Gutteil unserer Pixel kam von Ministeck. Und ihr Erfinder Helmut Gottwald war unser Shigeru Miyamoto.

Als der Helm noch Rembrandt war

Stundenlang steckten wir nach Gottwalds Vorlagenbüchern Pferde und Tiger, Stillleben mit Blumen und Piratenschiffe auf weiße Plastik-Gitter.

Aber auch Kunst wie den 5.100-teiligen „Mann mit dem Goldhelm“, der damals noch von Rembrandt war.

^{Bild oben: Anonym, „Der Mann mit dem Goldhelm“
(um 1650/1655), Ministeck-Version. Heute nix mehr wert.} 

Heute nix mehr wert.

Diesen Teil unserer Sauerländer Kindheit sehen wir, wenn wir Reinhard Voigts „Tulpen“ (1974) sehen. Dabei haben SEINE Pixel nichtmals die komplexe Chemie von Ministeck, also keine Moleküle.*

^{*bei Ministeck gab es Einser, Zweier-, Dreier- und Viererblöcke.
Bei Reinhard Voigts „Tulpen“ ist alles atomarer Einser.} 

Freitag ist Freutag!

Aber Reinhard Voigt schuf nicht nur Tulpen, die in unseren Augen Ministeck-Tulpen sind: Er schuf neben einem Ministeck-Jüngling auch eine Ministeck-„Hör zu“. Mit Ministeck & Geduld & Spucke ist nämlich prinzipiell alles verpixelbar.

Wie Rolf Kaukas Comic „Fix&Foxi“, so kam auch die Fernsehzeitschrift „Hör zu“ am Freitag. Wir brachten sie den Eltern, wenn wir freitags „Fix&Foxi“ holten*, vom Kiosk mit. 

^{*“Micky Maus“ hingegen holten wir Montags.
Weil sie ebenda erschien.}

Wir sind extra in Einem seiner elterlichen Keller gestiegen und sind seiner Mutters (leider nicht mehr ganz komplette) „Hör zu“-Sammlung durchgegangen.

Aber wir haben nur ein einziges Weihnachts-Cover von 1951 gefunden, das Reinhard Voigts Fassung zumindest annähernd entspricht.

Auf den vorhandenen Dezember-Ausgaben der 1960er und 1970er Jahre findet sich kein einziger Weihnachtsmann! Nur 1971 Blacky Fuchsberger mit abgenommener Weihnachtsmann-Maske; aber das kommt ja als Vorlage nicht infrage.

Es ist also nicht auszuschließen, dass Reinhard Voigt das Motiv erfunden hat.*

^{*Spoiler-Alarm: In Anmerkung 2
klären wir das hinlänglich auf!}

^{Foto oben: Cover der Dezember-Ausgabe von „Hör zu“ (1951),
Norddeutsche Ausgabe mit Europa-Programm vom 20. bis 26. Dezember}

Die Pixel des Urknalls

Egal. Jedenfalls markierten unsere Mütter, während wir mit „Fix&Foxi“ in den elterlichen Badewannen verschwanden, mit dem Kugelschreiber in der „Hör zu“ jene Sendungen, die ihnen in der kommenden Woche zwischen 18:00 Uhr und 23:00 Uhr – das war die sogenannte Sendezeit – in unseren drei Programmen – ARD, ZDF, WDR, wir hatten ja nichts – sehenswert erschienen. 

So strukturierte „Fix&Foxi“ unsere kindlichen Säuberung-Rituale, bei denen die Hände schmutzig blieben, und die „Hör zu“ unseren Alltag bis zum sogenannten Sendeschluss, sprich: bis zu den Pixeln des „Testbilds“. Vor dem komplett verpixelten Rauschen, das angeblich ein Echo des Urknalls war, also irgendwie schon digitaler Sternenstaub.*

^{*Dazwischen verpixelten aber immer wieder auch die Sendungen.
Dann mussten die Väter auf’s Dach und die Antenne richten.}

Bonus-Track: „Fix&Foxi“, Ludwiggalerie Schloss Oberhausen, 2018

Im Gegensatz zu Donald Duck, Micky Maus und Pumuckl gab es die Helden von Fix&Foxi nicht bei Ministeck.

Natürlich haben wir trotzdem versucht, sie nachzustecken, die Realität des Comics in analoge Pixel aufzulösen, diese kleinsten Teilchen auch Fuxholzens:

Mit Geduld & Spucke kann man aus Ministeck ja alles formen. 

Uns allen allerdings fehlten Geduld & Spucke.Wir schon schon bei Lupo und Pauli und Professor Knox, sprich: in der zweiten Reihe, gescheitert.

^{Bild oben: analoge LEGO-Pixel kann jeder,
lieber Ai Wei Wei. Ministeck ist Kunst!}

(11.04.2026)

^{Anmerkung 1: Das mit den Tulpen und dem Ministeck hat uns keine Ruhe gelassen, deshalb haben wir bei Reinhard Voigt einfach einmal nachgefragt, ob ihn Ministeck beeinflusst habe.}

^{„Nein, überhaupt nicht“, hat Reinhard Voigt uns geantwortet. „Ich kannte dieses Ministeck gar nicht. Eine Inspiration waren die Kreuzsticharbeiten meiner Mutter.“  Auch mit Zierstich & Geduld & Spucke ist nämlich prinzipiell alles verpixelbar.}

^{Und da haben wir uns plötzlich wieder daran erinnert, dass es auch in den 1970er Jahren Pixel gab, die unsere Mütter liebten:}

^{Knüpfarbeiten zum Beispiel nach Kunstmotiven, die mit einer speziellen Nadel durch ein „Stramin“ genanntes Baumwoll-Raster gezogen werden mussten.}

^{Und denen man sich widmen konnte, während im Fernsehen am Freitagabend nach der 20-Uhr-„Tagesschau“ (ARD) der angekreuzte „Derrick“ (ZDF) lief: Es hieß ja „Hör zu“ und nicht „Schau hin“.}

^{Anmerkung 2: Und dann hat uns Reinhard Voigt auch noch verraten, wie es zum „Hör zu“-Motiv gekommen ist:} 

^{„Das war eine Auftragsarbeit. Die Werbeabteilung der ‚Hör zu‘ verschenkte zur Weihnachtszeit an ihre Kunden Grafiken. Und 1971 wollte man von mir eine Arbeit haben.}

^{Man gab mir eine gewisse Anzahl von ‚Hör zu‘-Titeln, von denen ich mir ein Motiv aussuchen sollte. In dem Stapel der Titel befand sich eine Picasso-Zeichnung, gewissermaßen das Porträt eines Weihnachtsmanns.}

^{Das empfand ich für den Zweck äußerst passend: Weihnachtsmann –Weinachtsgeschenk und nicht zuletzt eine Hommage an Picasso.}

^{Bild oben: Reinhard Voigt, „Verstand ist wichtiger als Busen“ (1971)}

<sup>Die Arbeit wurde gedruckt und geliefert. Am nächsten Tag klingelte das Telefon und mir wurde gesagt, höhere Instanzen hätten den Siebdruck abgelehnt und ich solle doch bitte nochmal eine Arbeit machen. Daraufhin  suchte ich wieder zwischen den Titeln und fand ein anderes Cover, das mir gefiel: ein Foto von Senta Berger, mit dem schönen Satz ‚Verstand ist wichtiger als Busen‘. Und so kam es zu zwei ‚Hör zu‘- Grafiken.“

Ach ja, jetzt erkennen wir Picassos Weihnachtsmannnatürlich auch. Entschuldigung. Noch so ein Kunstfehler, den wir begangen haben.</sup>

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Was man sieht, zeigt diese Fotostrecke:}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
German Pop Art Nostalgie 1: Heintje
Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art„
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

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Wir haben ja an anderer Stelle schon geschrieben, wie erfrischend aktuell & politisch sich „German Pop Art“ in Oberhausen präsentiert. Aber die Ausstellung hat auch drei Kindheits-Erinnerungen in uns geweckt: und zwar an Heintje, Ministeck & an die DDR. Ein Wochenend-Triptychon.

Zum Auftakt: Dieter Glasmacher, „Heintje mein bester Freund“ (1971)

Seit unserer Jugend im Sauerland sind der Welt einige Kulturtechniken abhanden gekommen. Die Kulturtechnik des Rücktritts in der Politik zum Beispiel. Oder die Kulturtechnik des Blinkens im Straßenverkehr. 

Die Kulturtechnik der Kunden-Zuwendung an der Supermarktkasse. Die Kulturtechnik des Verzichts zugunsten einer Solidar-Gemeinschaft, der Scham als soziales Korrektiv.

Und die Kulturtechnik, bei mangelnder Kenntnis einfach mal den Mund zu halten.

Das oben Gesagte gilt nicht für Heintje. Vom Guten in der Welt verstand er viel.

Wenn Heintje den Mund auftat, entquoll ihm glockenhelle Tugend: gepaart mit einer Mutterliebe, die selbst vor astronomischen Ausgaben für Schloss-Geschenke nicht zurückschreckte. Die Tränen teilte, Schmerzen heilte. Die Schmerzen der Omatschis auch.

Das musikalisch Schöne, Ideale

Heintje war das musikalisch Schöne, Ideale – des Schlagers wie der Volksmusik. Wer eine von Heintjes 40 Millionen verkauften Tonträgern erstand oder seine Filme sah, die sich dem Publikum vollends zuwandten, der fühlte sich zu Recht als Kunde König*in. 

^{Foto oben: Heintje 1970. Danke, Wikipedia! © CC BY-SA 3.0 nl}

Schämen mussten sich die anderen. Zum Beispiel wir. Krächzende Knaben, die der Mutter nichtmals Blumen schenkten: höchstens am Muttertag.

Von einem Top-Ten-Hit nach dem nächsten ganz zu schweigen.

Unsere Mütter liebten Heintje fast so sehr wie uns. „Mama“ war ihre Bibel, die Hülle von „Heidschi Bumbeidschi“ (1968) hing bei einer im Näh-Zimmer gerahmt an der Wand.

Als Haftbefehl nichtmals Quark war

Die Zeilen „Aber Heidschi bumbeidschi es schlafen / Am Himmel die Schäflein die braven“ enthalten den ersten unsauberen Endreim der Musik-Geschichte, an den wir uns unisono erinnern können.

Und da war Haftbefehl noch nicht mal Quark im Schaufensta.

^{Foto oben: Cover von Heintjes Single „Heidschi
Bumbeidschi“ (1968), © Ariola Music}

Ach ja: „Heintje – Mein bester Freund“, in dem der Hauptakteur singend die längst verlorene Ehe seiner alleinerziehenden Mutter rettet, war unser Aller erster Kinofilm.

In den Einer von uns während eines Wander-Urlaubs 1971 im Spessart – vermutlich aus alleinerziehenden beziehungsweise. aus allein erziehenden Gründen – natürlich mit der Mutter, ging.*

^{*der Vater lag derweil mit Hexenschuss im Bett.}

Wir wissen noch, wo wir saßen, als wir vom tragischen Stimmbruch Heintjes aus der „Sauerländischen Volksblatt“ erfuhren. Auch an das damit verknüpfte und damals nicht hinterfragte, uns aber trotzdem zutiefst verstörende Foto von Heintje im Krankenhaus-Bett.*

^{*deshalb unsere Frage an den Deutschen Presserat heute:
Ins Krankenhaus – wegen eines Stimmbruchs? Rüge???}

Die Nachricht von Heintjes Rücktritt aus dem Musik-Geschäft traf uns ins Mark. Als er irgendwann später als Hein Simons zurückkam, war er ein anderer.

Wir glauben, Dieter Glasmacher kann uns verstehen. 1970 gründete er sein – sehr erfolgreiches – „Institut für Heintje-Forschung“: Noch 2025 gab es eine Ausstellung mit gesammelten Erkenntnissen & Reliquien in Lüneburg.

Den Katalog hat er uns zugeschickt. Er ist sehr schön.

Dieter Glasmachers Bild mit seinen Schreibschrift-Linien in Oberhausen jedenfalls ist eine Homestory, die – vielleicht sogar mit einem „Star-Schnitt“ versehen – aus der „Bravo“ unserer frühen Pubertäten erwachsen sein könnte.

Oder aus einem Pennäler-Aufsatz über ein von 1967 bis 1972 agierendes Jahrhundert-Idol.

^{Foto oben: Dieter Glasmachers Bestandsaufnahme seiner
Heintje-Forschung mit KunstArztPraxis-Katze Ari, Köln 2026.
Katzen gehörten leider nicht zu Heintjes Repertoire}

In wenigen Bildern fasst Glasmachers Druck Heintjes Wesen adäquat zusammen.

Dass er seiner Mutter Hanny (im Kittel) bei der Hausarbeit auf den ihm von ihr am 3. August 1969 geschenkten Socken den Staubsauger hinterherträgt, ist für Kulturtechniker*innen eine noch größere Geste, als ihr das Saugen abzunehmen.

Da verzeihen wir Dieter Glasmacher gern, dass er den Klarnamen von Heintje, Hendrik Nikolaas Theodoor Simons, auf seinem Werk gleich vierfach – Hendrix Nikolaus Theodor Simon – falsch geschrieben – oder eben bewusst eingedeutscht? – hat.

Denn UNSER Hendrix war Heintje ja auf jeden Fall.

^{Bild oben: Dieter Glasmacher, „Heintje
mein bester Freund“ (1971, Detail)}

Heintje würde immer noch blinken!

So steht eines unverbrüchlich fest: Alle heute abhanden gekommenen Kulturtechniken – vom Verzicht über die Kunden-Zuwendung bis hin zum Rücktritt – beherrschte Heintje in meiner & in seiner Kindheit aus dem Effeff.

Würde er, wenn er noch derselbe wäre, heute noch.

Und wir sind sicher: Heintje hat früher garantiert geblinkt, wenn er mit seinem Pony Bubi irgendwo hin abgebog!

Vielleicht sogar, wie auf dem Bild von Dieter Glasmacher, mittels hinterrücks betätigtem Pferde-Schwanz. (10.04.2026)

^{Bild oben: Dieter Glasmacher, „Heintje
mein bester Freund“ (1971, Detail)}

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Was man sieht, zeigt diese Fotostrecke:}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art„
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

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