Sie rufen außerhalb unserer Sprechzeiten an: Wir sind in Urlaub. Als Überbrückungsmusik erzählt Ihnen deshalb unser AB in einer Mini-Serie, was uns mit einigen der von uns porträtierten Künstler*innen verbindet. Den Auftakt macht Karin Kneffels Kuh als Missing Link.

Das Tollste an unserem Studium in Münster war der Westfälische Kunstverein, der uns unter anderem in Form von Jahresgaben phantastische Offerten machte. 1991 waren grandiose Nutz- und Schlachtvieh-Porträts einer recht unbekannten Malerin namens Karin Kneffel im Angebot, wofür wir uns als Sauerländer sofort bewarben.

Wir erhielten den Zuschlag und entschieden uns beim Fleischbeschau vor Ort für eine Kuh in Frontalansicht, die uns der damalige Kunstvereinsleiter Friedrich Meschede persönlich verpackte. Wir hätten auch ein Schaf im Profil haben können, aber das wollten wir nicht.

Denn wenn ein paarhufiger Wiederkäuer unsere Erinnerungslandschaft bis heute beweidet, dann ist es die von ihren Kindern getrennte, da zur Milchproduktion für Menschen bestimmte und uns auf ihrer Wiese hinterm Stacheldraht mit trauriger Neugier betrachtende Kuh.

Ströme der Ställe, Ströme der Tränen

Kneffels Kuh schlossen wir sofort ins Herz. Unentwegt erfreuten wir uns an ihrer majestätischen Würde, denn für uns war sie nie Teil jener seriellen Herde, für die Kneffel sie geschaffen hatte. Sie war immer eine stolze Persönlichkeit, ein Individuum von animalischem Adel, mit den Königinnen und Päpsten der Museumswände auf Augenhöhe.

Irgendwann mussten wir unsere Sammlung ausmisten und warfen unsere Kuh in die gierigen Klauen des Kunstmarkts. Bis heute besteht eine unserer herkulischsten Taten im Verarbeiten dieser Trennung, und die Flüsse unserer Tränen fließen dabei durch unsere Herzen wie weiland die vom griechischen Heros umgeleiteten Ströme durch die Rinderställe des Augias.

Immer noch dasselbe Vieh?

Vor ein paar Jahren sahen wir unsere Kuh plötzlich auf der Art Cologne wieder. Wundervoll ausgeleuchtet, hing sie an einer Extra-Wand in der Koje eines bekannten Kunsthändlers und sah deshalb stattlicher aus denn je. Erkannt haben wir sie trotzdem sofort: Sie war nicht gealtert. Firnissen kann Karin Kneffel gut.

Wieviel sie jetzt wohl kosten mochte? Wir hätten sie gern zurückgekauft und haben deshalb neugierig nachgefragt, denn die Kühe des Kunstmarkts tragen ab einer bestimmten Marke kein Preisschild mehr am Revers. Die Antwort hat uns offen gestanden ziemlich überrascht.

Vom Viertel Rind zur ganzen Herde

Um unserer Überraschung Ausdruck zu verleihen, haben wir die diversen Preise unserer Ex-Kuh einmal in jene Tauschwährung umgerechnet, die ihrem Gegenstand entspricht:

Beim Kauf von Kneffels Kuh hätten wir 1991 fürs gleiche Geld ein Viertel Rind vom Münsteraner Fleischer bekommen, beim Verkauf vom Metzger in München immerhin schon ein halbes. 25 Jahre später wollte der Viehhändler der Art Cologne ein gutes Dutzend junger Milchkühe im besten Alter dafür haben – lebendige, wohlgemerkt.

Inzwischen war aus unserer Ex-Kuh ein goldenes Kalb geworden, dessen Preis auf keine Kuhhaut ging. Rinderwahnsinn einmal anders.

Hätten wir die Kuh noch besessen, dann hätten wir mit ihr also eine Existenz als Viehbauern im Rheinland begründen können. Was aber riskant gewesen wäre, denn irgendwie sind wir ja längst auf den Weg in eine milch- und fleischloses Epoche.

Ende des Carnivorozäns

Vielleicht werden unsere veganen Enkel die Milch- oder Schlachtkühe unserer Jugend also nur noch von jenen alten Schinken kennen, von denen auch Kneffels Kuh dann einer geworden ist. Dann wächst auf den Weiden unserer Erinnerung im Sauerland nur noch Hafermilch. Und Fleischzucht findet, wenn überhaupt, ausschließlich im 3D-Drucker oder in der Petrischale statt.

Ob Kneffels Kuh dann noch einen Pfifferling wert ist auf dem Kunstmarkt? Uns wäre es egal. Wir würden ihr jederzeit wieder ein Heim in unserem Stall herrichten – diesmal standesgemäß an den Wänden unserer KunstArztPraxis. (16.08.2026 / 14.07.2024)

^{Anmerkung: Für unsere Kunsterziehung war der Westfälische Kunstverein auch unter Meschedes Nachfolger Heinz Liesbrock wegweisend, und hätten wir als Studenten nur etwas mehr Geld für Jahresgaben besessen, dann hätten wir uns bis zum Ende unseres Studiums eine stattliche Sammlung mit Arbeiten von Ulrich Erben, Eduardo Chillida, Stephen Shore, Franz Erhard Walther, Günther Förg, Josef Albers, John Cage, Ernst Wilhelm Nay, Claes Oldenburg, Marina Abramovic, Eduardo Chillida, Hans Haacke, Andreas Gursky, Nam June Paik, Dan Graham, Tony Cragg, Roni Horn oder Per Kirkeby aufbauen können. Deshalb posaunen wir es hiermit in die Welt: Veräußert Eure Deutsche-Bank-Aktien! Kauft Jahresgaben!!}

Karin Kneffel in der KunstArztPraxis:
Von surrealer Gegenwart: Karin Kneffel in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (10): „Im Augenblick“ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Westfälischen Kunstvereins

Der Beitrag Sommerloch-Porträts 1: Karin Kneffels Kuh erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

In rund 100 Werken beleuchtet „Zu den Sternen!“ im Arp Museum Bahnhof Rolandseck unsere disparaten Weltraum-Bilder: Vom romantischen Sehnsuchts-Mond bis hin zum erschlafften Raketen-Phallus der Gegenwart. Wir denken dabei auch an Sigmund Jähn, dem KunstArzt3 die falschen Fragen stellte. Oder nicht?

Vor rund 20 Jahren ergab sich für unseren KunstArzt3 die glückliche Gelegenheit, recht lange allein mit Sigmund Jähn (1937-2019) zu plaudern, dem ersten Deutschen im Weltall.

Er konnte ihm viele Fragen stellen.

Bereitwillig sprach Jähn über Klaustrophobie in Sojus-Kapseln, Juri Gagarin als Vorbild und den Ost-Sandmann im Universum. Und über schwerelose Weltraum-Wanderungen in den Wassertanks der Sternenstadt Swjosdny Gorodok bei Moskau.

Aber eine Frage verärgerte ihn derart, dass er unserem Einen mit erhobenem Zeigefinger den guten Rat gab, die Russen auf dem Feld der Kosmonautik bloß nicht zu unterschätzen.

Damit war das Gespräch beendet.

^{Foto oben: Hier steckt der Zeigefinger noch lässig im Jackett-Aufhänger:
Sigmund Jähn im Gespräch mit KunstArzt3, Bonn 2005; letzterer ein
wenig nachverwischt (er möchte hinlänglich unsichtbar bleiben).}

SOLCHE Fragen hätten wir gewünscht!

Die Unterschätzung der Russen und die Verärgerung des Kosmonauten mal hintangestellt, finden wir zwei Anderen von der KunstArtzPraxis, dass unser Einer Sigmund Jähn definitiv die falschen Fragen gestellt hat.

Ist es im All nicht unendlich öde? Haben Raketen Gefühle? Tickt das belebte Universum vielleicht queer?

Endete ein Exodus ins Extraterristische wie der von Elon Musk anvisierte, aber schon vom Expressionisten Wenzel Hablik erträumte nicht unweigerlich in Wolkenkuckucksheim? Und sind nicht ohnehin wir Erdlinge die wahren Aliens?

SOLCHE Fragen hätten wir uns von unserem Einen gewünscht.* 

^{Foto oben: Wood & Harrison, „Bored Astronauts on the Moon“ (2011),
Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen 2026}

^{*und vielleicht noch jene, ob nicht ohnehin die hehre Kunst allein wahrhaft
kosmisch sein könne. Aber dann wäre Sigmund Jähn sicher noch sauerer geworden.}

Zum Glück gibt es im Arp Museum Bahnhof Rolandseck jetzt die Ausstellung „Zu den Sternen! Weltraum und Weltflucht seit der Moderne“, die Antworten auf diese entscheidenden Fragen zu geben sucht.

In rund 100 Werken aus Malerei, Skulptur, Fotografie sowie mithilfe von – teils speziell für die Schau geschaffenen – Rauminstallationen und Videoarbeiten von Künstlerinnen wie Yale Bartmann, Katharina Sieverding oder Dominique Gonzalez-Foerster führt sie mit einem Schwerpunkt auf die Zwanzigerjahre vor Augen, wie sich der Blick aufs All im Laufe der Zeit gewandelt hat.

^{Foto oben: Lavinia Schulz & Walter Holdt, „Bühnenkostüm“ (Entwurf 1923),
Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen 2026}

Dabei ist gerade der dargestellte Zusammenhang zwischen gesellschaftlicher Krisenstimmung und außerirdischen Utopie-Ideen schon ziemlich aktuell.

Nur an den großen – vielleicht ohnehin rein männlichen? – Raumfahrt-Legenden von Juri Gagarin über Neil Armstrong bis hin zu Sigmund Jähn ist die Ausstellung nicht wirklich interessiert.* Aber das wäre ja auch ein ganz anderer Fokus.

^{*deshalb sind wir weiter oben mäandernd in diesen
Krater textlich etwas hineingestoßen. Exkurs us, please!}

Bestmöglich wegen Kunst!

Wahrscheinlich leben wir ohnehin noch immer auf der besten aller möglichen Welten: auch, weil wir mithilfe der Kunst und unserer Rakete im Kopf alle gemeinsam zu den Sternen reisen und die wichtigen Fragen stellen können.

Fragen, für die echte Kosmonauten wie Sigmund Jähn vielleicht sogar die falschen Ansprechpartner sind.*

^{*schön, dass ihr das endlich auch begreift,
Kollegen! Nach der Sache mit Yayoi Kusama
sollten wir eh mal langsam das Kriegsbeil
begraben. Euer KunstArzt3}

Nicht zuletzt das machte uns die – im Übrigen von Direktorin Julia Wallner glänzend kuratierte – Schau in Remagen deutlich.

^{Foto oben: „Zu den Sternen!“, Ausstellungsansicht,
Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen 2026}

Und während wir so unterm Arp’schen Kosmos wandelten, erschien vor unseren geistigen Augen plötzlich Elon Musk, wie er nach dem dritten Aufguss in der Sauna in weißem Bademantel und weißen Filzpantoffeln mit einem Glas Tequilla Sunrise in der Linken auf die Terrasse seiner Billionärs-Villa tritt:

Nur, um beim Anblick des spektakulärsten aller Sonnenuntergänge sehnsuchtsvoll seufzend daran zu denken, wie schön es jetzt wäre, auf dem Mars zu sein. 

Oder, mit Aristophanes & Arthur Schopenhauer gesprochen: in Wolkenkuckucksheim.

Was wir Elon Musk nur raten können

Wir können Elon Musk indes nur raten, im Arp Museum mal nach jenem Marsianer Ausschau zu halten, der – vermutlich in größter Verzweiflung! – hinterm Haus mit Mona Schulzeks Raumkapsel notgelandet ist. Der könnte ihm schon was erzählen.

Oder gleich über jene Sende-und-Empfangs-Anlage Kontakt zu den Aliens aufzunehmen, die die ausgebildete Funkerin Schulzek etwas weiter unten hoffnungsfroh installiert hat.

Das echte Universum ist nämlich eine Scheißgegend. Allein die hineinprojizierten Träume der Künstler*innen sind, trotz vieler Zweifel, voller Wunder. (09.08.2026)

^{„Zu den Sternen! Weltraum und Weltflucht in der Moderne“ läuft noch bis zum 10. Januar 2027 im Arp Museum Bahnhof Rolandseck in Remagen.}

<sup>Anmerkung: Während seines Gesprächs mit Sigmund Jähn war KunstArzt3 übrigens verdutzt, wie klein der Kosmonaut tatsächlich war: 1 Meter 67, um genau zu sein (wir haben recherchiert). In den Verklärungs-Windungen seines Hippocampus wohnte er nämlich seit Jahrzehnten mietfrei als Zwei-Meter-Riese. Und als solcher taucht er im Film „Good Bye Lenin!“ (2003) ja quasi auch auf.

Wir Drei von der KunstArztPraxis sprechen bei derlei Phänomenen diagnostisch übrigens gern von retrospektiver kosmonautischer Makropsie: eine Art mediales Alice-im-Wunderland-Syndrom, welches uns die Statur raumfahrender Helden aufgrund der mythischen Bilder, die wir von ihnen haben, stark vergrößert in Erinnerung ruft.

Ach ja: Juri Gagarin maß 1 Meter 57. Für den homo kosmonauta ist das Weltall mnemotechnisch eine Streckbank.</sup>

Bonus-Track: „Outer Space. Faszination Weltraum“, Bundeskunsthalle, Bonn 2014

Appendix: David Fried in der Hammer Sammlung Bloehme

Im Dezember 2025 haben wir hier in der KunstArztPraxis einen Adventskalender mit Werken aus der Hammer Sammlung Bloehme zum Thema „Werden und Vergehen“ gemacht – Anlass war eine entsprechende, von uns kuratierte Ausstellung in Herrn Bloehmes Bibliothek. Türchen #13 war dem Düsseldorfer US-Künstler David Fried gewidmet, der uns schon mehrfach ins All entführte. Und sein Vater hat in New York sogar die NASA ausgetrickst.

Dieses 13. Türchen öffnen wir jetzt aus gegebenem Anlass noch einmal. Voilà:

Oft blüht die Kunst im Unscheinbaren. Bei guter Street-Art ist das manchmal so. Oder bei dem oben gezeigten Aufnäher der „Weightless Artists Assoziation (SPARTNIK)“: eine Edition (für Freunde) des Düsseldorfer US-Künstlers David Fried, der die Vereinigung (für Freunde) erfunden hat. Es war ein Geschenk; die Mütze hat Gastro-Sammler Bloehme dahinternähen lassen.  

Von David Fried befinden sich drei Regentropfen-Bilder in der Hammer Sammlung Bloehme, die einmal ins opulente Wohnzimmer der Gastro-Villa sollen (daran arbeiten wir noch): David Fried hat sie nachts vom Atelierfenster aus mit einer 10.000- Watt-Lampe so hell erleuchtet, dass irgendwann die Polizei kam und wissen wollte, was da Anarchisches vor sich geht. 

Wegen des starken Lichts sieht der Regenschauer aus wie die Perseiden hoch Zwanzig, also in apokalyptisch. Das finden wir richtig toll.

Woher kommt das Faible?

Das Faible für Weltraum und Astronautik erklärt sich bei David Fried übrigens familiär: Sein Vater hat in seinem Fotostudio in New York über Jahrzehnte alle Filme der NASA entwickelt & abgezogen, die die Astronauten von ihren Raum- und Mondausflügen zurück zur Erde brachten. 

Nach jeder Mission kamen zwei NASA-Beamte mit einem Koffer zu ihm ins Studio, dessen Griff mit Handschellen am Handgelenk eines der NASA-Beamten befestigt war, und gaben ihm Weisung, wie viele Abzüge er von diesen Top-Secret-Negativen jeweils machen sollte. Und David Frieds Vater ist in die Dunkelkammer gegangen und hat jeweils einen Abzug mehr gemacht. 

Und den hat er dann in schwereloser künstlerischer Anarchie für sich behalten.

Auf diese Weise ist im Rotlichtmilieu der Dunkelkammer ein hübsches Sümmchen illegaler Mond- und Erdfotografien zusammengekommen, die David Fried geerbt hat. Wir haben sie gesehen. (13.12.2025) 

^{Anmerkung 2: Der Vollständigkeit halber sei dies hier auch noch vermerkt: Bei besagtem Treffen vor 20 Jahren sprach KunstArzt3 auch noch ausgiebig, wenn auch nicht ganz so ausgiebig wie mit Sigmund Jähn, mit Ulf Meerbold, dem ersten deutschen ASTROnauten im All (1983). Von DIESEM Gespräch ist ihm aber nur noch Herrn Meerbolds freundliche Bescheidenheit erinnerlich.}

^{Anmerkung 3: Wir werden die Kosmonautik der Russen nie wieder unterschätzen. Versprochen, Sigmund Jähn. Mit Grüßen nach ganz weit oben.}

Und, weil wir auch Reinhold „Reini“ Furrer (1940-1995), den Mann nach Ulf Meerbold, nicht vergessen wollen:

Das Arp Museum in der KunstArztPraxis:
Der Transformator. Günther Uecker in Remagen
Romantik in cold blood. Hausbesuch bei Axel Hütte
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith im Arp Museum
Unser Totem: der Wolf. Kiki Smith in Remagen
Was die Natur vergaß: Christiane Löhr in Remagen (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Die Haut der Seele: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Stella Hamberg: Kraft und Sinnlichkeit
Überall Tatoos: Franziska Nast in Remagen
Freiheit durch Weglassen: Rodin und Arp in Remagen
Wir sind geheilt! “Goldene Zeiten” in Remagen
Paula Modersohn-Becker in Remagen: Frau = Birke
Warum überflüssig? “Luxus und Glamour” in Remagen

Homepage des Arp Museums Bahnhof Rolandseck
Homepage von David Fried

Der Beitrag Rakete im Kopf. „Zu den Sternen!“ in Remagen erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wir wissen nicht warum, aber seit Kurzem spült uns Mark Zuckerbergs Algorithmus vermehrt Bilder einer gewissen Alice in die Timeline. Eigentlich gibt es nur einen Grund dafür. Der Algorithmus will von uns wissen: Ist das diese berühmte nationale Kunst, die die AfD propagiert?

Aus unsanften Träumen erwachend, scrollen wir gern nach Tröstlichem im Netz, und immer werden wir bei Meta mega fündig. Neulich dank eines Posts der AfD-Fraktion Bad Salzuflen. 

Der Trost-Post zeigte den Scherenschnitt einer Biedermeier-Dame mit Dutt im Halbprofil, den Christiane Luise Duttenhofer (1776-1829) wohl nicht schöner hätte scherenschneiden können. Und darunter stand geschrieben: „Alice wird gut!“

Etwas verdutzt waren wir offen gestanden schon darüber, dass ausgerechnet die AfD-Fraktion Bad Salzuflen Alice bisher für böse hielt, aber diese Hoffnung machende Wende freut uns natürlich trotzdem ungemein.

^{Screenshot oben: AfD-Fraktion Bad Salzuflens Beitrag – nebst unserem
(natürlich längst mit Hass & Häme kommentierten Kommentar.
© AfD-Fraktion Bad Salzuflen}

Und tatsächlich spült uns Mark Zuckerbergs Algorithmus seit Wochen meta viele Fotos in die Timeline, die Alices Wandel zum Guten, Wahren, Schönen proaktiv dokumentieren.*

^{*wir zeigen im Folgenden nur die Fotos des Unternehmens DigitalPulse DE.
Das sind einfach die schönsten, wahrsten, besten.}

Das Volk schenkt Schäferhunde

Auf diesen Fotos ist das früher nah am Wahnsinn schrabbende Flackern des Hasses in Alices Augen einem Blickslächeln der Güte gewichen. Die einstmals arrogante Hähme bodentiefer Mundwinkel? Weggewischt!

Zugunsten einer Himmelsmilde, die deutsche Babys küsst; die deutsche Schäferhunde-Welpen, die ihr das deutsche Volk in Rudeln darbringt, streichelt, füttert, Gassi führt. 

Allenthalben, statt verkrampfter Finger bei der Verteidigung des Schnitzel-Brötchens: Umarmung, Liebe. Menschlichkeit. 

^{Foto oben: Hatten wir je behauptet, dass Alice deutsche Babys küsst? Weit gefehlt,
das tun doch nur die Diktatoren! Deutsche Babys küssen ALICE! Vielleicht
wegen der 2.000 Euro Begrüßungsgeld? Danke, Alice! © DigitalPulse DE}

Die gute Alice macht Selfies mit akademischen Rentnerinnen, die ihr altes Ego eigentlich bis 75 oder länger weiterarbeiten lassen wollte. Oder sie hilft behinderten Kindern, die sie einstmals aus Regelschulen verbannt wissen wollte, in den Schulbus.

Ja: Die gute Alice kniet demütig betend in der Kirche. Oder sie fährt zu Remigrierten nach Kabul oder anderswo, um nachzusehen, ob es ihnen dort auch wirklich gut geht!?!

Was sollen wir sagen? In Kabul oder anderswo geht es den Remigrierten – Alice wusste es schon immer! Danke, Alice!– offensichtlich besser als bei uns.

^{Foto oben: Auch wenn sie nicht zum deutschen Volk gehören dürfen: Allen Remigrierten
geht’s dank Alices Fremdvolkesnähe in ihren Herkunfts-Heimaten gleich primstens.
Und deren neuer Vater ist Alice auch. Danke, Alice! © DigitalPulse DE}

Und Jede*n, wirklich JEDE*N bittet die gute Alice vorm Adlon oder vorm Café Kranzler oder in der guten Stube daheim in der Schweiz zu sich an den Frühstückstisch!

Oder sie wünscht Jede*r*m mit einem Latte to Go in der Hand oder beim Joggen vor Fachwerkhäusern oder mit einer Rose auf der Motorhaube ihrer Limousine sitzend oder mit einer ziemlich kleinen Sonnenblume im Haupthaar zumindest einen guten Morgen.

Und Jede*r, wirklich JEDE*R wünscht Alice in den Kommentar-Spalten einen guten Morgen zurück.

^{Foto oben: Alice lässt sich von den links-versifften Grünen weder Schnitzel-Brötchen
noch Miniatur-Sonnenblume im Haupthaar wegnehmen! © DigitalPulse DE}

So gut ist Alice auf diesen Fotos geworden, dass sie manchmal gar nicht mehr aussieht wie sie selbst. Wie kann man der Welt da draußen dennoch zum Ausdruck bringen, dass es tatsächlich Alice ist, die derart gut geworden ist?

Zum Glück gibt es die neuen, guten Künstler aus dem Volk: die Straßenmaler, Modellateure und Luftballon-Bezeichner, die die neue, gute Alice nach Fotos oder Wahlplakaten (oder aus dem Gedächtnis) so abmalen oder nachmodellieren, wie sie laut AfD-Fraktion Bad Salzuflens Beitrag bald geworden ist. 

Kinder sind Rembrandts

Alice macht es den Künstlern aber auch wirklich leicht: Schon kleinste Kinder können dank ihrer blicklächelnden Himmelsmilde Mini-Rembrandts werden! Oder Mini-Rubiks: wenn sie die blicklächelnde Himmelsmilde aus kubischen Zauberwürfeln formen.

^{Foto oben: Bitteschön. Dankeschön. Alice mit Nachwuchs-Künstlerin Kahinta
Fu aus Wuppertal; © DigitalPulse DE}

Schade, dass diese auf den Fotos ausschließlich weiblichen Nachwuchs-Künstlerinnen, dann im Alter den auf den Fotos ausschließlich männlichen Straßenmalern, Modellateuren und Luftballon-Bezeichnern weichen müssen.

Irgendjemand muss später ja auch den guten Künstlern den Abwasch machen.

Aber natürlich sind auch diese, uns dank Meta in die Timeline gespülten Mega-Fotos Kunst! Schließlich fixieren sie den „entscheidenden Augenblick“ (Henri Cartier-Bresson), der Alices gutes Wesen offenbart!

Das kann nicht Jede*r, wir kennen uns da aus.

Wir misstrauen Erwin Furtkamp

Gemacht wurden sie nicht nur von der DigitalPulse DE. Geschossen wurden sie auch von Künstlern mit bisher ungehörten deutschen Namen wie Rizky Kandang Jex, Putri Utami, René Ha, Siti Aisyah, Orson Pershick, Sage Isadori oder Marijona Feiferiene! 

^{Foto oben: Wie, Dein Lieblings doch nicht Schnitzel-Brötchen, sondern Söder Kebap?
Auf jeden Fall más integración, Digga! Wallah. Teşekkür, Alice! © DigitalPulse DE}

Und von Erwin Furtkamp, aber bei dem steht „KI-Inhalt“ hinterm Namen. Dem trauen wir deshalb nicht über den Weg.

Egal: Auch Erwin Furtkamp ist ein kühner Wegbereiter, der für seine Meinung, die man hierzulande ja nicht nur nicht sagen, sondern auch nicht zeigen, malen, fotografieren darf, unendlich viel riskiert.

Schließlich drohen in unserer Meinungsdiktatur nicht nur politische Verfolgung und staatlicher Zensur, sondern sicher auch noch unaussprechlich Schlimmeres. Erst unter der grundguten, basisdemokratischen Alice – Danke, Alice! – wird das ja nach den Neuwahlen 2027 anders werden.

Ist das die Kunst der Zukunft?

Ist das die national bedeutende Kunst der Zukunft, die sich die AfD in ihren Positions-Papieren wünscht? Die „im Einklang steht mit der Nationalkultur, die uns alle verbindet und jedermann zur Aneignung offensteht“?

Die sich an „Volk, Freiheit und Nation“ orientiert, „einen positiven Bezug zur Heimat“ herstellt, ein „Beitrag zu deutscher Identitätsfindung“ sein will?

Die sich der „Kultur des Wahren, Guten und Schönen“ verpflichtet fühlt? Genauso wie Alice, die Gute, Schöne, Wahre?!?

^{Foto oben: In der AfD-Kunst werden biedermeierliche Agitprop-Traditionen
endlich wieder groß geschrieben. Danke, Alice, dass das jedermann zur
Aneignung offensteht. © DigitalPulse DE}

Wir wissen es nicht, lieber Algorithmus. Wir wissen nur eins: Mit DIESER Alice können wir endlich wieder ruhig träumen.

Danke, Mark Zuckerberg! Und: Danke, Alice! Sie Gute.

Ihre Schlafschafe aus der KunstArztPraxis (02.08.2026)

<sup>Anmerkung: Wir danken der Firma DigitalPulse DE für den hier abgebildeten Content, der sich auch über die anderen angegebenen Kanäle verbreitet. Wir hätten der Firma DigitalPulse DE gerne auch persönlich gedankt, aber entgegen deutschem Recht hat die Firma DigitalPulse DE – wie auch ihre Firmen-Geschwister Was Passiert In Deutschland?, I Love Germany oder German Pulse – kein Impressum, das ihre wahre Adresse oder doch zumindest eine E-Mail. ausweist. Die auf Facebook hinterlegte Adresse stimmt offenbar nicht.

Wir vermuten, dass all diese deutschen Firmen, wie auch die deutschen Künstler*innen Rizky Kandang Jex, Putri Utami, René Ha, Siti Aisyah, Orson Pershick, Sage Isadori oder Marijona Feiferiene, wie die rund 120.000 anderen Propaganda-Bots, in Russland wohnen. Es sei denn, das Zentrum für Politische Schönheit schickt uns doch noch ein Bekennerschreiben.

Ach ja: Ab heute (02.08.2026) müssen KI-Inhalte in Deutschland gekennzeichnet werden. Ob sich Herr Putin daran hält?</sup>

^{© DigitalPulse DE. Oder vielleicht doch das Zentrum für Politische Schönheit?}

KI in der KunstArztPraxis:
„Liebes Chatbot, dichte mir“: KI für Kippenberger
(Pendant zu Lieber Dichter, dichte mir: Lyrik für Kippenberger)
K21 vs. KI: Kann ein Algorithmus Jenny Holzer? (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)

Facebook-Homepage der DigitalPulse DE
Facebook-Homepage von Rizky Kandang Jex
Facebook-Homepage von Putri Utami
Facebook-Homepage von René Ha
Facebook-Homepage von Siti Aisyah
Facebook-Homepage von Orson Pershick
Facebook-Homepage von Sage Isadori
Facebook-Homepage von Marijona Feiferiene

Facebook-Homepage von Erwin Furtkamp (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

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Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte. Vor allem dann, wenn eine Ausstellung eine derartige Neu-Entdeckung ist wie „Carl Grossberg“ im Von-der-Heydt-Museum Wuppertal. Lassen wir in guter alter Tradition also wieder einmal einfach einmal nur die Fotos sprechen.

Über Grossbergs Magie der (Menschen-)Leere haben wir andernorts ja schon genug sinniert.

(26.07.2026)

^{„Carl Grossberg. Sachlich – magisch – visionär“ ist noch bis zum 30. August 2026 im Von der Heydt-Museum in Wuppertal zu sehen.}

Magie der Leere. Carl Grossberg in Wuppertal

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 40: „Zeichenräume“ in der Villa Zanders
Reine Bildgebung 39: „Antike reloaded“ in Neuss
Reine Bildgebung 38: Günther Uecker in Remagen
Reine Bildgebung 37: Kerstin Brätsch in Bonn
Reine Bildgebung 36: William Kentridge in Essen
Reine Bildgebung 35: Eckart Hahn in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 34: „Before the Wind“ in Paderborn
Reine Bildgebung 33: „Teilweise möbliert“ in Krefeld
Reine Bildgebung 32: Elias Sime in Düsseldorf
Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguley in Duisburg
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Von der Heydt-Museums Wuppertal

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In Bergisch Gladbach sind gerade über 100 teils handkolorierte Radierungen des belgischen Einmaligkeits-Künstlers James Ensor (1860-1949) zu sehen. Uns haben es vor allem Ensors Phantastik & Humor angetan. Die wuselige Darstellung humaner Unzulänglichkeiten. Die Gerippe! Und die Nähe zu unserem Hausgeist E.A. Poe.

Als Rezept für Weltverständnis ziehen wir Drei von der KunstArztPraxis in letzter Zeit ja gerne die Erzählungen des unvergleichlichen Edgar Allan Poe zurate.

Bei Ruth Marten für die Isolation des Einzelnen in der Corona-Pandemie den „Mann der Menge“ (1840) zum Beispiel. Oder bei Marianna Simnett wegen des dämonischen Selbst-Vernichtungswillens von AfD-Wählern den „Alb der Perversheit“ (1845).

E.A. Poe ist gerade unser Diagnose-Guru. Wir haben viel von ihm gelernt.

Aufschlussreich fürs Gesamtwerk

Umso mehr hat es uns gefreut, beim von uns seit Jahrzehnten ebenfalls – bisher als Maler – hoch geschätzten James Ensor im Kunstmuseum Villa Zanders gleich zwei Drucke entdeckt zu haben, denen besonders groteske Poe-Erzählungen zugrunde liegen: namentlich „König Pest“ (1835) und „Hopp-Froschs Rache“ (1849). 

Der schönste Druck ist für uns die Radierung „König Pest“ (1895). Und der für Ensors Werk aufschlussreichste ist er in unseren Augen auch.

Für uns ist Ensors „König Pest“ wie das Film Still aus einer Poe-Verfilmung von Roger Corman aus den frühen Sechzigern. Oder – wir sind ja in Belgien, dem eigentlichen Land des Comics – wie ein Panel aus einer Graphic Novel von Jean Dufaux.

Wir können sicher davon ausgehen, dass Ensors zeitgenössische Betrachter*innen Poes Geschichte sehr gut kannten. Für die Jüngeren unter den geneigten Lesenden erzählen wir kurz, was bisher geschah:

Gerade sind die zechprellenden Matrosen Legs & Hugh auf ihrer Flucht vor einer wütenden Wirtin ins Haus eines Bestatters eingedrungen, das in einer verseuchten Sperr-Zone im London des 14. Jahrhunderts liegt.

Da öffnet sich die Tür.

Und da sitzt dann der Rote Tod in sechs seiner Masken – darunter Erzherzog*in Pest-Beule und Anapest sowie die Herzoge Pest-Ilenz und Buda-Pest, – um ein gewaltiges Punsch-Fass am Tisch.

^{Foto oben: Nur, um es mal gezeigt zu haben: Filmstill aus Roger Cormans Poe-Verfilmung
„Die Maske des Roten Todes“ (1964). Mit dem unvergleichlichen Vincent Price, absolut sehenswert!
Und bei der gesellschaftlichen Maskerade garantiert von Ensor wie von Poe beeinflusst.}

Wasser- und Schwindsucht, Gicht, Suff und Syphilis spielen dabei ebenfalls eine zentrale Rolle.

Bild größtmöglicher Skurrillität

Im „launisch flackernden Licht“ (Poe) einer Holzkohlen-Funzel im Schädel eines von der Decke baumelnden Skeletts, welches bei Ensor, anatomisch korrekt, vor allem nach oben abstrahlt, blicken wir also auf die visuell interessanteste Szene der Erzählung: eine Szene, die den beiden Betrachtern innerhalb – wie auch uns außerhalb – des Bildes größtmögliche Bildlichkeit gewährt. Ohne Illustration zu sein. 

Danach geht es für die Jüngeren unter uns folgendermaßen weiter:

Legs begräbt König Pest lebendig in einem Weinkeller und tötet den Gichtigen mit der von der Decke genommenen Skelett-Funzel, bevor er Hugh aus dem Punsch-Fass befreit, in das dieser zur Strafe dafür geworfen worden war, dass er König Pest der Schauspielerei bezichtigt hatte. Der Säufer ersäuft.

^{Bild oben: Diese Staunenden sind auch wir! Legs (oben) & Hugh auf James Ensors
„König Pest“ (1895). So gut wie möglich freigestellt: Bei Ensor wirbeln
die Linien ja meistens vogelwild durcheinander.}

Und Legs & Hughes gehen mit den beiden überlebenden (?) Damen der Tisch-Gesellschaft ab. 

Das Ende mitsehen

Im Verbund mit der Zeichnung zu Poes Erzählung „Hopp-Frosch“ über die grausame Rache eines von der Obrigkeit gepeinigten Narren an seinen Herren wird klar, dass Ensor dieser Aspekt der Handlung – der (mörderische) Sieg der Armen, Kleinen, Gedemütigten über die (bösen) Mächte und Autoritäten – neben allem Visuellen ebenfalls stark gereizt hat.

Wie schon gesagt: Man muss davon ausgehen, dass Ensors Zeitgenossen Poes Erzählungen sehr gut kannten: Sie werden das in „Hopp-Frosch“ direkt dargestellte Ende auch bei der skurrilen Tisch-Gesellschaft von „König Pest“ mitgesehen haben.

^{Bild oben: An der Decke verkokeln die Mächtigen zu einer „stinkenden, hässlich eklen und
nicht mehr unterscheitbaren Masse“ (Poe). James Ensor, „Hopp-Froschs Rache“ (1898),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Christus, der Sozi

James Ensors Sympathie für die Obdachlosen und die einfachen Arbeiter, Bauern, Mägde und Prostituierte in seiner belgischen Geburtsstadt Ostende, der er bis zum Tod weitgehend treu blieb, wird in der Schau auch andernorts mehr als einmal direkt offenbar:

Bei den Porträts von Zeitgenossen, aber auch in den zahlreichen Stichen mit Christus, der den Atheisten Ensor nicht als eschatologischer Heilsbringer, sondern als Phänomen und – vor allem – wegen seiner frühsozialistischen Ideen interessiert hat.

Als Jemand, der sich vom Ostender Bürgertum mit seinen sozialen Maskeraden nie richtig akzeptiert gefühlt hat, der sich ob dieser Umgebung als „seltsames Insekt“ porträtierte wie Kafka später seinen Gregor Samsa, war hier – bei Hopp-Frosch, bei Jesus – vermutlich ein Anker.

„Lärmendes Lach-Gebrüll“

Diese Nähe ist, in Bezug auf unseren Hausgeist Edgar Allan Poe, schon schön genug. Noch schöner finden wir aber, dass Ensor – und zwar entgegen seiner eigenen Ansicht!* – in unseren Augen ein wichtiges literarisches Prinzip von Poe ins Visuelle überführt hat, wo es genausogut hingehört: in „König Pest“, aber auch in vielen anderen Bildern.

^{*“Im Hinblick auf Poe empfinde ich eine englisch-belgische Sympathie des Imaginären
und nicht etwa einen direkten Einfluss“, sagt James Ensor. Wir sehen da mehr.}

EIN Kniff in Poes Texten besteht ja darin, das Schreckliche so lang zu potenzieren, bis Grauen in Komik umschlägt. 

Für uns scheint ein Gutteil von Ensors Grafiken ähnlich zu funktionieren: Auch er packt so viel Phantastik, Schrecken oder menschliche Makel in ein Bild, dass man unweigerlich schmunzeln muss.

Zumindest uns geht das so.

Wie Hugh in Poes „König Pest“, der angesichts der im Grunde ja sehr gruseligen Tisch-Gesellschaft unweigerlich „in ein langes, lautes und lärmendes Lach-Gebrüll ausbrach, welches man als durchaus unmäßig und übel unangebracht bezeichnen muss“.

^{Foto oben: Schmunzeln übelst unangebracht! James Ensor,
„Der Tod verfolgt die Menschenmassen“ (1896),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Es ist bezeichnend, dass sich Ensors schönster Bilderzyklus mit den sieben Todsünden befasst – klar, dass es zum Gutteil die Sünden der Reichen, der Mächtigen sind.

Für viele Sünden braucht es schließlich Kohle.

Da muss sogar die Sonne kotzen

Aber auch der Berufsstand der Ärzte, der alles daransetzt, dem Tod in die Hände zu spielen, kriegt bei Ensor sein Fett weg!

„Frau X um 7 Uhr krepiert“, steht auf einem Blatt. „1000 Francs erhalten“. Oder: „Schwamm im Bauch gelassen. Bauchfell-Entzündung unvermeidlich.“

„Unten Pest, oben Pest, überall Pest“, ist ein anderes Blatt betitelt:

Ob der darauf zu Tage tretenden, zum Himmel schreienden sozialen Ungerechtigkeit, die in dreckschwarzen Fußabdrücken oder Kothaufen unter der Sitzbank am belgischen Strand ihren Ausdruck findet, muss sogar die Sonne kotzen.

^{Bild oben: Da muss sogar die Sonne kotzen: James Ensor,
„Unten Pest, oben Pest, überall Pest“ (1904, Detail),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Die pupsenden Hintern

So richtig laster- oder stümperhaft geht es bei James Ensor allerdings erst in Massen zu. Auf vielen der in Bergisch Gladbach ausgestellten Drucke herrscht deshalb ein ganz bemerkenswertes Treiben wie im Wimmelbuch: wobei Jede*r Jede*n an Lächerlichkeit offenbar zu überbieten sucht. 

Mit fatalem Ergebnis: Wenn die Menschen in ihrer Hybris zum Schlittschuhlaufen in Scharen aufs Eis gehen wie die Kuh, der es zu bunt wird, dann kann man fast schon sicher sein, dass sie bei Ensor stürzen.

Und wenn die Menschen ins Wasser steigen oder vom Strand aus mit Ferngläsern ins Erhabene schauen wollen, dann ist die unendliche Natur meist komplett ungenießbar: Irgendein nackter oder pupsender Hintern, irgendein im Flachen seekrank sich übergebender Tourist, irgendwelche kopulierenden Pärchen oder zum Ertrinken in die Luft gestreckten Beine verstellen garantiert den Blick. 

Oder doch Voyeur*innen?

Oder sind die mit den Ferngläsern ohnehin nur Voyeur*innen? Egal. Die Sonne lacht sich in diesem Fall auf jeden Fall ins Fäustchen.

Und dann ist da ja auch noch Jesus! Wenn Jesus der Menschenmenge den Sozialismus predigt oder (leider leidlich wundervolle) Wunder tut – bei der Vermehrung der Fische am See Genezareth gerade einmal ein Dutzend mickrige Fische und eine Krabbe! –, dann schaut sowieso niemand hin.

Stattdessen plaudern alle sorglos durcheinander, als ob’s kein Ende gäbe.

Aber ein Ende gibt es!

Aber ein Ende gibt es – für Jede*n! Irgendein Skelett, ob mit oder ohne Sense, steht bei Ensor garantiert schon irgendwo in einer Ecke und wartet.

Es sei denn, dass es sich am Ofen vorm Schnittern erst nochmal kurz erwärmen will. Auch ziemlich komisch.

^{Foto oben: James Ensor, „Skelette, die sich wärmen wollen“ (1895),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Das alles ist auf den zur Schau gestellten Stichen mitunter so detailreich dargestellt, dass die Villa Zanders – dankenswerter Weise! – Lupen bereitstellt, um möglichst viele Aspekte zu erfassen. 

Und trotzdem wirbeln die Striche oftmals in künstlerischer Freiheit vogelwild durcheinander: Gewimmel selbst dort suggerierend, wo es inhaltlich gar nicht so furchtbar wimmelt. 

Da ist es schön, dass in der Ausstellung neben den reinen Drucken oft Exemplare hängen, die James Ensor höchstpersönlich koloriert hat. Die sind wegen der Farben weit leichter zu lesen. 

^{Bild oben: Porträt des Künstlers als Käfer: James Ensor, „Seltsame Insekten“ (1888, Detail),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Vermutlich wusste James Ensor das auch.

Ensor ist ein irrer Spinner

An seinen offenbar als bieder empfundenen Kritikern aus der belgischen Upper Class und ihren teils sündhaften, teils banalen Vergnügungen hat sich James Ensor also vor allem in seiner Kunst gerächt. Wie Edgar Allan Poe.

Am Deutlichsten sicher in der schönen Radierung „Der Pisser“ (1887), auf der sich der Künstler einmal mehr nicht nur in die Garde der verrückten Narren à la Hopp-Frosch einreiht („Ensor est un fou“), sondern irgendwie auch den Gassi gehenden Hund eines Pfeife rauchenden Spießers auf dem Graffiti an der von seinem Alter Ego angepissten Wand einen echten Haufen machen lässt.

^{Bild oben: „Ensor ist verrückt“ steht auf der Wand, James Ensor,
„Der Pisser“ (1887), Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Dieses kluge Spiel mit den Ebenen bei Ensor mögen wir bei Ensor fast ebenso gern wie seinen wilden Strich.

Und noch etwas: Bei aller Nähe zu Edgar Allan Poe, aber auch zu Künstlern von Bosch, Rembrandt, Daumier oder Hogarth ist James Ensor immer ein Weg weisender Einzelgänger geblieben. Einmaligkeits-Künstler wollen wir ihn nennen – selbst auf dem Feld der Striche & Stiche.

Auch das kann man in dieser fulminanten Schau im Kunstmuseum Villa Zanders sehr gut bestaunen. (19.07.2026)

<sup>„James Ensors phantastische Welten“ läuft noch bis zum 15. November 2026 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach.

Dort gibt es auch noch Darstellungen der belgischen Küstenlandschaft und die beachtliche Werkgruppe der „Liebesgärten“, Ensor war eben erstaunlich vielseitig: sogar vielseitiger, als wir vorher wussten. Aus Vollständigkeitsgründen hätten wir auch darauf eingehen können, aber das passte uns hier nicht so richtig ins Konzept.‘

Man muss auch loslassen können.</sup>

Das Kunstmuseum Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
„Zeichenräume“ in der Villa Zanders: Eigene Gattung!
Papiertiger aus Acryl. Eckart Hahn in der Villa Zanders 
Traum hinter Geste: Ruth Marten in der Villa Zanders
Mehr Babel war nie! Jenny Michel in Bergisch Gladbach (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Wie sagen wir’s den Bienen? “HONIG” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
In Brüchen denken: “Martin Noël – Otto Freundlich” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
33 Malantworten: Rolf Rose in der Villa Zanders
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
“Bibliomania” in Bergisch Gladbach: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Villa Zanders

Der Beitrag Von Poe gelernt? James Ensor in der Villa Zanders erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Am 15. Juli 2026 wird Rembrandt Harmenszoon van Rijn 420 Jahre alt. Wir feiern den Geburtstag mit der Kindheits-Erinnerung an den berühmtesten aller Rembrandts, der am Ende gar keiner war. Und schildern, was wir dem letztendlich heilsamen Schock mit dem „Mann mit dem Goldhelm“ verdanken.

^{Für Rembrandts Mann mit dem Goldhelm (um 1650/1655-1986)}

Neben Jan Vermeers „Herr und Dame beim Wein“ war auch „Der Mann mit dem Goldhelm“ von Rembrandt Teil des Dekors unserer Kindheit. Schummrig ausgeleuchtet, hing er bei einem Klassenkameraden im Wohnungsflur.

Eigentlich war es ein Goldhelm mit Mann, beziehungsweise nur ein Helm, der offenbar als Tarnkappe fungierte:

Der sehr dunkle Mann war im Kontrast zu seinem grellem Schutzschmuck in diesem Ambiente nahezu unsichtbar.

^{Foto oben: Sofa und Tapete haben seit den 1960er Jahren mehrfach gewechselt.
Der falsche Vermeer – hier: 1970er Jahre – hängt immer noch im Sauerland.}

Der Rembrandt passte perfekt hinein

Der Flur war ein Schlauch. Den Boden versank in einem Meer fein bemusterter, beige befranster, dunkelroter Läufer.

Die Wände waren mit dunkelbraunen Tapeten-Ornamenten verkleidet, die Decke mit dunkelbraunen Brettern aus Energiespargründen abgehängt.

Wir erinnern uns noch lebhaft an ein Telefon, das bis auf die Wählscheibe in einer barock bestickten Brokathülle steckte.

Es thronte auf einem Adress-Register. Drückte man auf Buchstaben-Knöpfe, dann schnellte die entsprechende Seite mit Telefonnummern heraus.

Alles in allem war das ein Interieur, das im Drogenrausch vermutlich Horrortrips produziert.

Der Rembrandt passte perfekt hinein.

^{Foto oben: Eines echten Rembrandts würdig – auch wenn der Brokat
aus Plastik war: Barocke Telefonhaube „SIEMENS POST FETP 611-2“
für Fernsprechtischapparat „FETAP 611-2“ im Sauerland (Symbolbild, ohne Adress-Register)}

Einmal in Jahr lud uns der Klassenkamerad zum Geburtstag ein. Nach der Kuchenschlacht knubbelten wir uns in freudiger Erregung an einem Ende des psychodelischen Wohnungsflurs.

Am anderen Ende nahm der Vater den Rembrandt unter unseren Blicken vorsichtig von der Wand, stellte ihn auf den Boden und hängte statt seiner eine Zielscheibe an den Haken.

Es war eine jener Scheiben, an denen die Mitglieder Sauerländer Schießvereine fürs Schützenfest den montäglichen Königsschuss – oder, bei schmalem Geldbeutel, dessen Vermeidung – übten.

Der Flur war zum Schießstand geworden: Aus der düstren Tiefe des Raumes kam der Vater auf uns zu und überreichte uns feierlich ein Luftgewehr.

^{Foto oben: Könnte auch ein Orden eines Sauerländer Schützenkönigs sein.
Ist aber eine Teilnehmer-Medaille vom 5. Frühjahrsmarsch Oberostendorf 1972}

Bis zum Hals im Boden versunken, überwachte Rembrandts Mann unterm Goldhelm das Spektakel. Nur sein Kopf ragte aus dem blutroten Schützengraben des aufgewühlten Teppichmeers: Wir konnten ihn erahnen, weil er unter seinem wehrhaften Helm ja schattenhaft da sein musste.

Wir kannten diesen Rembrandt, diesen berühmtesten, rembrandtschsten aller Rembrandts, auch aus unseren Schul- und Lesebüchern, gut.

^{Foto oben: „Rembrandt malt seinen ‚Mann mit dem Goldhelm‘.
Im Rahmen!“ (Tableau vivant, vor 1986)}

Wir waren Sonntagsschützen

Was sollen wir sagen? Wir waren Sonntagsschützen. Die unendlich weit entferne Scheibe bot uns im Chiaroscuro des Raumes nur einen ungefähren Anhaltspunkt.

Wir sind uns deshalb auch nicht sicher, ob die Löcher, die unsere Geschosse unter dem Hallo der jeweils Anderen in breiter Streuung in die Tapete bohrten, vom Rembrandt wirklich verdeckt werden konnten, nachdem er die Schirmherrschaft über die Wand wieder übernommen hatte.

Vermutlich hätte die „Nachtwache“ unsere rabiaten Flurschäden besser kaschiert. Es war ja ein Bombardement über Jahre.

Ohnehin hätte Rembrandts Amsterdamer Büchsenschützengilde noch besser ins Interieur hineingepasst als dieser einzelkämpferische Goldhelm, für dessen magische Präsenz uns die Geburtstagsballerei eine ganz eigene Deutung schuf: Der Helm musste die Krone eines mythischen Schützenkönigs sein!

Und den Mann hatte Rembrandt so nebulös, quasi als Platzhalter gemalt, weil der Schützenkönig in der Wirklichkeit ja in jedem Jahr ein Anderer war.

Bis heute sind wir verwundert

Bis heute sind wir verwundert, dass der über den Teppichwassern schwebende Goldhelm unter unserem Beschuss keinen Schaden nahm: Er war wohl gar nicht aus Farbe, sondern aus Stahl.*

^{*bei Gotthold Glover ist Rembrandts Helm allerdings
aus purem Ateken-Gold! Alsoweich. Sehr, sehr weich.}

Schaden nahm der Goldhelm erst am 13. März 1986, kurz vor den Iden:

Nämlich, als die Staatlichen Museen zu Berlin unter Begleitung eines riesigen Medienwirbels bekanntgaben, dass sich der Inbegriff von Rembrandts Meisterschaft, der Rembrandt unter den Rembrandts, als – plötzlich zweitrangige – „Werkstattarbeit“ entpuppt habe.

Das nach der „Mona Lisa“ berühmteste Bild der Welt hatte von einer Sekunde auf die nächste aufgehört zu existieren.

Danach wurde sicher auch der Goldhelm, wie wir ihn kannten, aus seinem schummrigen Flur augenblicklich ins Exil eines noch dunkleren Dachbodens verbannt.

Er war ja, des großen Namens als glitzernder Speerspitze beraubt, selbst als Kopie nichts mehr wert.

^{Foto oben: Man konnte sich auf Rembrandts Ruhm plötzlich nicht mehr ausruhen!
Auch nutzlos gewordene Dekor-Kissen verschwanden in den Achtzigerjahren
sang- und klanglos aus den guten Stuben kleinbürgerlicher Häuser, …}

Wir erinnern und noch lebhaft an den Schock, der nach der Enttarnung selbst durch unsere eigentlich noch gar nicht kunstbegeisterten Reihen lief.

Es war wirklich ein Schock, fast kollektives Entsetzen, heute nicht mehr zu begreifen: eine weitere Schuss- oder Stichwunde in unseren naiven Glauben an die Unfehlbarkeit von Autoritäten, an die unerschütterliche Beständigkeit der Welt.

Andere mögen noch wissen, wo sie sich befanden, als die „Challenger“ zu Teufelshörnern explodierte oder die Zwillingstürme stürzten.

Wir erinnern uns, wo wir saßen, als der bis dahin unsterbliche Mann unter dem wehrhaften Goldhelm aufgrund seiner Achillesferse – dem falschen Maler, den falschen Malern? – unter großer Anteilnahme der Weltpresse fiel: nämlich mit der „Westfalenpost“ vor der Nase am elterlichen Frühstückstisch.

Es ist nicht übertrieben, wenn wir sagen, dass damals auch unsere Kindheit und Jugend ein Stück weit mehr verloren ging.

^{Foto oben: Wenn der Schock zu groß wird, dann muss man sich Kunst
eben echt trinken: Pils-Werbung von 1988. Da war Rembrandt schon
zwei Jahre der Mann OHNE Goldhelm.}

Die Sache mit dem Goldhelm war unsere erste wirklich prägende Begegnung mit den Gesetzen des Kunstmarkts. Das Verblassen seiner Aura machte uns skeptisch gegenüber den glitzernden Blendgranaten des Betriebs.

Sichtbar machen, unsichtbar bleiben

Angeschlagen tauchten wir unsere Körper bis zum Hals in die Fluten des Biggesees, der uns nicht nur von den schießwütigen Ritualen unserer Sauerländer Kindheit reinwusch, sondern auch (nahezu) unverwundbar machte gegenüber den Verführungen des Marktgeschreis.

Und wir beschlossen, auf diesem Schlachtfeld, mit einem Tarnkappen-Helm aus Azteken-Gold gewappnet, so weit wie möglich selbst im Dunkeln, so weit wie möglich ewig unsichtbar zu bleiben.

Das ist es, was wir dem „Mann mit dem Goldhelm“ verdanken. (12.07.2026)

^{Anmerkung: Alle analogen Inszenierungen dieses Beitrags fanden im herrschaftsfreien Raum der Intuitionskiste von Joseph Beuys statt. Was würden wir ohne diesen Beuys nur machen. Zudem danken wir dem Hammer Gastro-Sammler Bloehme für sein Entgegenkommen.}

Bonus-Track: „Inside Rembrandt“, Wallraf-Richartz-Museum, Köln 2019

Rembrandt in der KunstArztPraxis:
Wir sind geheilt! „Goldene Zeiten“ in Remagen
German Pop Art Nostalgie 2: Ministeck

Der Beitrag Der Mann ohne Goldhelm. Rembrandt zum Geburtstag erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Einmal hätten wir fast ein Werk von Eberhard Havekost angekauft. Im Museum Kurhaus Kleve haben wir es nun endlich im Original gesehen: unbegreifbar wie alle 200 dort versammelten Gemälde und Grafiken der Retrospektive, die die Filter unserer Wahrnehmungs-Speicher im digitalen Raum erproben. Toll.

Wir waren nie im Berliner Atelier von Eberhard Havekost. Wir haben ihn weder je gesprochen noch gesehen, wir glauben, wir kennen nichtmals ein Porträt-Foto von ihm. Für uns ist Eberhard Havekost immer ein Phantom geblieben. Null Materie. Eins Schatten.

Genauso wenig greifbar wie die Techno-Beats jener Clubs, in denen er als DJ zur Jahrtausendwende aufgelegt haben soll. Genauso wenig greifbar wie seine Bilder.

Wohl weil leichter fassbar

Dabei hätte es Gelegenheit genug gegeben. Wir haben in den Nullerjahren nämlich mehrmals kurz davor, eins seiner Werke für die Hammer Sammlung Blöhme anzukaufen. Eine Serie. Oder doch zumindest eine Grafik.

Dafür waren wir aber nur mit Eberhard Havekosts Galeristen in Dresden und München im Gespräch. Nichtmals mit denen in New York.

Aber dann entschied sich Herr Blöhme, lieber die „Neue Leipziger Schule“ zu sammeln als „Dresden Pop“. Lieber Tim Eitel & Jochen Plogsties als Eberhard Havekost & Thomas Scheibitz.

Wohl weil, auch stilistisch, leichter fassbar. 

^{Bild oben: Wahrscheinlich unhaltbar, aber für uns trotzdem ein Selbst-Porträt von
Eberhard Havekost: „Raum 6, B 06“ (2006), Museum Kurhaus Kleve, 2026}

Eine der uns damals von den Dresdner Galeristen Eberhard Havekosts angebotenen Gemälde-Serien haben wir jetzt in der Ausstellung „Benutzeroberflächen. Arbeiten 1994-2009“ im Kunstmuseum Kurhaus Kleve im Original gesehen.

Zumindest vermuten wir das. Es gibt wohl zwei Varianten.*

^{*die andere hängt dauerhaft
im Musée de Grenoble} 

Oberfläche: meisterlich!

Das Angebot von damals ist ein Vierteiler und hat ein sündhaft teures La-Sede-Design-Ledersofa in den für Havekost typischen, ungewöhnlichen An- und Ausschnitten als Motiv.

^{Foto oben: Eberhard Havekost, „Shimmery Mauve, B 07“
(2007, Detail), Museum Kurhaus Kleve, 2026}

Wir erinnern uns noch, wie fasziniert wir damals von der malerischen Gestaltung der ledrigen, fast durchschimmernden Oberfläche waren. Sofern sich dies auf dem Galleristen-pdf – dem digitalen Bild des analogen Bildes eines Sofas – überhaupt sagen ließ.

Vor Ort in Kleve fühlten wir uns dann aber in unserer Faszination von damals voll bestätigt. Die Ausgestaltung der ledrigen, fast durchschimmernden Oberfläche IST meisterlich. An den Kunstakademien der DDR hat man ja noch handwerklich zu malen gelernt.

Künstler. Nicht Krösus

Inzwischen wissen wir, dass wir dieses Sofa in den Nullerjahren wohl im Atelier von Eberhard Havekost gesehen hätten: Hier soll das Vorbild für die Gemälde gestanden haben.

Havekost hat es natürlich secondhand erworben. Er war ja Künstler. Nicht Krösus.

Wie wir dem Katalog zur Ausstellung entnehmen, gehörte von allen Dingen im Atelier das Sofa zu den fünf liebsten. 

Neben Terpentin-Dosen, Bananenkisten, Adidas-Kartons, einem Plastik-Weihnachtsbaum und einem Selbstporträt der Tochter als kleine Hexe.

^{Bild oben: Könnte das Bild des Plastik-Weihnachtsbaums im Atelier sein:
Eberhard Havekost, „Glück, B08“ (2008), Museum Kurhaus Kleve, 2026}

Startplatz für Weltraum-Abenteuer

Das Sofa sei der fremdeste Gegenstand in seinem Atelier, hat Eberhard Havekost der Kunsthistorikerin Susanne Altmann laut Katalog verraten – sie war im Gegensatz zu uns 2009 direkt vor Ort.

Es funktioniere „als Starthilfe, um gedanklich ins Weltall aufzubrechen, und als guter Schlafplatz.“

Zudem wirke es „als bürgerliches Accessoire wie ein Hinweis darauf, dass ich möglicherweise auch ein bequemes Leben führen könnte.“

So klug durchdacht hat Eberhard Havekost, nach allem, was man hört & liest, gesprochen.

^{Bild oben: Vielleicht Ergebnis eines Weltraum-Abenteuers vom Atelier-Sofa aus,
auf jeden Fall ungreifbar: Eberhard Havekost, „Mondsteine“ (2012, Detail),
Museum Kurhaus Kleve, 2026. Fulminant gemalt, wie die Palme daneben.
Und eben unser Sofa.}

Das Sofa ist eine von den im Klever Ausstellungstitel erwähnten „Benutzeroberflächen“, aber im übertragenen Sinne, also buchstäblich; sprich: analog, für ECHTE Körper. 

Das unterscheidet es von vielen der anderen Oberflächen, die Eberhard Haverkost auf seine coole, entlarvende Art so irritierend wie stilistisch vielfältig „abgebildet“ hat. Farbfeld & Flagge inklusive. Und gestisch gibt es auch.

Man könnte jetzt sagen: Das abgebildete Sofa existierte WIRKLICH, es stand ja in Eberhard Havekosts Atelier, und dies hier ist das Bild davon. Aber das zu sagen ist bei Eberhard Havenkost zu wenig. Ein Sofa ist ein Sofa. Aber für Eberhard Havekost wird es erst bei ein Sofa ist ein Sofa ist ein Sofa interessant. 

Platons Feuer heißt jetzt Photoshop

Wir sehen nämlich gar kein Bild vom Sofa, zumindest vermutlich nicht. Wir sehen das Bild vom Bild eines Sofas, und zwar vermutlich das analoge Bild eines digitalen Bildes eines analogen Sofas.

Bevor er mit dem Malen anfing, hat Eberhard Havekost offenbar Fotos vom Designer-Stück gemacht, in den für Havekost typischen, ungewöhnlichen An- und Ausschnitten. So sieht kein Mensch. So sieht ein Apparat.

Und dann ist er unterm Wummern der Beats aus dem Atelier virtuell hinab in seine digitale Dunkelkammer gestiegen, um die Oberflächen so lange zu manipulieren, bis das Materielle daraus entwichen war.

^{Foto oben: Eberhard Havekost, „Shimmery Mauve, B 07“
(2007, Detail), Museum Kurhaus Kleve, 2026}

Platons Feuer heißt ja heutzutage Photoshop. Und seine flackernden Schatten sind bunt.

So ist das nämlich: Eberhard Havekosts Sofa hängt in Platons Höhle an der Wand, es gehört zum Inventar. Und zeigt uns auf diese Weise, dass wir wohl noch sehr viel tiefer in der gut möblierten Höhle stecken als erhofft.

Dass wir nichtmals die Schatten der Dinge sehen, sondern höchstens die Schatten der Schatten, das Bild des Bildes des Sofas: Die Vorlagen der Bilder Eberhard Havekosts kommen vorrangig aus Filmen, von Videos, aus Magazinen und dem Internet.

Und manchmal sehen wir sogar lediglich den Filter, die nackte Höhlenwand: den leeren Screen, das auf Leinwand gespeicherte Medium. Blinde Anschauung. Null Begriff.

^{Bild oben: Medium & Speicher. Eberhard Havekost, „Kosmos, B 11 (3/7)“
(2011, Detail), Museum Kurhaus Kleve, 2026}

Ach, was sagen wir: Wir sehen nichtmals den leeren Screen, sondern oft nur eine Idee, einen Teil davon. In An- und Ausschnitten eben! Vielfach beschränkte Erkenntnis: Ja, das ist auch ontologisch toll gemacht.

Und hätte vielleicht sogar dem ollen Platon, der die Künstlerei bekanntlich nicht besonders schätzte, gefallen.

Hat es das Sofa je gegeben?

Seit Kleve fragen wir uns trotzdem: Hat es das Sofa, dessen mehrfach bespiegeltes Abbild aus Farbe auf Leinwand wir angeblich sehen, wirklich gegeben?

Diese brillant gemalten Palmen? Die ganzen Vorstadthäuser, die Sniper, die Drohnen, die Schrottplatz-Autos, die Frauen hinter den Gesichtern?

Auf allen diesen Bildern (von den Bildern (von den Bildern (von den Bildern)))? 

Eberhard Havekost, das Phantom, der Schatten, dieser Apparat: Der rezeptorische Auflösungs-Filter auch seiner selbst kann uns ja viel erzählen.

^{Bild oben: Wahrscheinlich unhaltbar, aber für uns trotzdem ein Selbst-Porträt
von Eberhard Havekost: „Raum 8, B 06“ (2006), Museum Kurhaus Kleve, 2026}

Egal. Heute leben wir ohnehin an einer Schwelle zur kompletten Sofalosigkeit. Wir werden das reale Sofa bald nämlich nicht mehr nötig haben: mit einem VR-Chip im Hirn, der uns jederzeit VORGAUKELN kann, dass wir uns auf ein Sofa setzen. Vorausgesetzt, wir setzen uns dann überhaupt noch – wo ewiges Liegen doch bequemer ist. Das ist ja in der Sofa-Matrix noch nicht klar.

Wir werden uns auf IRGENDETWAS setzen, was in unserer Wahrnehmung wie ein Sofa aussehen KANN, und jedes Mal wird dieses Setzen anders sein. Anders aussehen. Sich auch anders anfühlen.

In Platons virtueller Höhle haben wir die freie Wahl.

Wenn wie in dieser Höhle wohnen

Nur eins steht fest: Wenn WIR dereinst in dieser virtuellen Höhle wohnen, dann werden wir uns endlich doch noch auf Eberhard Havekosts Sofa setzen. Es wird ein sündhaft teures La-Sede-Design-Ledersofa sein, das uns die KI akkurat aus den Gemälde-Serien des Künstlers zusammengeneriert hat. Natürlich secondhand. Versteht sich.

Dieses abgeranzte Sofa wird in Eberhard Havekosts einstigem Berliner Atelier stehen. Und Eberhard Havekost wird sich leibhaftig zu uns setzen und mit uns reden: auf seine klug durchdachte Art. 

Und wenn sich im Gespräch dann zeigt, dass es das Sofa, das Atelier & Eberhard Havekost, dass es Techno & Berlin & die Nullerjahre tatsächlich gegeben hat, dass Irgendetwas greifbar wird von alledem, vom Ding, vom Ort, vom Tag, vom Menschen: Dann kaufen wir der Hammer Sammlung Bloehme unterm Wummern der Beats stante pede doch noch ein Bild. (05.07.2026)

^{„Eberhard Havekost. Benutzeroberflächen. Arbeiten 1994-2019“ ist noch bis zum 18. Oktober 2026 im Museum Kurhaus Kleve zu sehen. Ein Katalog soll erscheinen.}

Appendix: Tim Eitel in der Hammer Sammlung Bloehme

Im Dezember 2025 haben wir hier in der KunstArztPraxis einen Adventskalender mit Werken aus der Hammer Sammlung Bloehme zum Thema „Werden und Vergehen“ gemacht – Anlass war eine entsprechende, von uns kuratierte Ausstellung in Herrn Bloehmes Bibliothek. Türchen #7 war Jochen Plogsties, der ja eher ein Kind der „Neuen Leipziger Schule“ ist, gewidmet, Türchen #8 Tim Eitel.

Dieses achte Türchen öffnen wir jetzt aus gegebenem Anlass noch einmal. Voilà:

Wir bleiben kurz beim publikumswirksamen Revers-Etikett der „Neuen Leipziger Schule“, namentlich bei Tim Eitel, der auf jeden Fall berühmter als Jochen Plogsties aus Advents-Kalender-Türchen #7 ist. Die „Zeitungen“ hat unser Gastro-Sammler sogar schon einmal an eine Eitel-Retrospektive nach Südkorea ausgeliehen: Soviel zum Ruhm, der Kontinente überspannen kann. Wie das Gerücht.

Die „Zeitungen“ seien in Los Angeles entstanden, sagte uns, glaube ich, Eitels eigenartige Galeristin, aber wir wissen es nicht mehr. Fest steht, dass die Farbe damals im Sonnenstaat aus der Palette des Malers entwichen ist wie der Teufel aus den Besessenen.  

Trotzdem stellen wir uns vor, dass Eitel das Gemälde im Glücksspiel-Sumpf Las Vegas gemalt hat, wo die Obdachlosen bekanntlich in endlos dunklen Tunneln unter der Erde hausen müssen.

Für uns zeigt das Bild nämlich nur vordergründig Gazetten, die der Wind an die Gitter der New Yorker U-Bahn geweht hat wie im Gangsterfilm.

Für uns zeigt es vor allem die Wohnstatt von Einem, der keine Wohnstatt mehr hat. Der auf der farblosen Schattenseite dieser Glitzer-Glitter-Welt am Boden liegt. Den die Menschheit vergessen hat wie die Neuigkeit von neulich.

Und der vor 15 Minuten vielleicht noch selbst in der Zeitung stand.

^{Leider nicht in der Hammer Sammlung Bloehme, aber:
Eitels „Untitled (Coat)“ (2010) soll unterstreichen,
warum wir bei „Zeitungen“ denken, wie wir denken.}

Hier: Schnee von Gestern

Noch ist es mit dem Ruhm des Künstlers Eitel Sonnenschein. Aber der Künstler denkt weiter.

Denn wenn man seine „Zeitungen“ schräg gegens Licht hält, dann kann man erkennen, dass eines der „Zeitungs-Fotos“ ein verschwommenes Abbild von Tim Eitels fünf Jahre früher entstanden Gemälde „Krümmung“ (2002) ist: eines von jenen wundervollen Großformaten, auf der die Welt noch bunt & in Ordnung scheint.

Hier, auf „Zeitungen“: Schnee von gestern.

Für uns ist „Zeitungen“ ein Emblem für die Vergänglichkeit von Allem, ein Vanitas-Stillleben, ein Memento Mori. Und wir sind sehr froh, es für die Hammer Sammlung Bloehme erworben zu haben. (08.12.2025)

Das Bilder der Bilder (der Bilder) in der KunstArztPraxis:
Gegen.Bilder.Terror, 1989: Richters „18. Oktober 1977“
Auf der Grenze: Die Malerei der Vivian Greven
Vivian Greven: Die Kunst der Stunde
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn

Homepage des Museums Kurhaus Kleve

Der Beitrag Eberhard Havekost: Porträt des Malers als sein Sofa erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Ohne Takako Saito wären wir vielleicht nie ins phantastische Kunstmuseum Bochum gepilgert – und das wäre wahrlich unverzeihlich gewesen! Dem Museum verdanken vor allem die Entdeckung der Punkte von Kuno Gonschior. Für KunstArzt3 besser als die Punkte der Yayoi Kusama.

An den Punkten von Yayoi Kusama im Museum Ludwig wäre die KunstArztPraxis ja neulich fast ähnlich spektakulär zerbrochen wie die Beatles 1970 an Yoko Ono – wobei wir Zwei in diesem Fall John Lennon sind und unser notorischer Nörgler KunstArzt3 der ganze Rest. Aber wir wollen die Sache hier nicht unnötig verkomplizieren.

Der Sturm hat sich ja auch fast gelegt.

Trotzdem keimte der Sturm wieder etwas auf, als wir wegen des Fests für Takako Saito kürzlich im wundervollen Kunstmuseum Bochum durch die ständige Sammlung striffen. Dort gibt es nämlich Arbeiten des uns zu unserer Schande bis dato völlig unbekannten Malers Kuno Gonschior (1935-2010).

^{Foto oben: Nur zur Erinnerung: Dies sind die Punkte von Yayoi Kusama im
Museum Ludwig. Nervig, meint KunstArzt3. John Lennon sind da anderer Meinung.}

Und die sind über und über mit Punkten versehen.

Demnach haben neben Yoyoi Kusama nicht nur Takako Saito und Mary Bauermeister in den Sechzigerjahren in New York Punkte-Bilder gemalt, sondern Im Ruhrpott zur gleichen Zeit auch dieser Mann. 

Und nicht nur das: Anders als Takako Saito und Mary Bauermeister ist Kuno Gonschior diesen von ihm so genannten „Fleckenbildern“ mit derselben Obsession wie Yoyoi Kusama ihren „Polka Docs“ treu geblieben. Und er hat sogar, wie Yoyoi Kusama, Dinge: Kugeln, Wände, überpunktet!

Warum also bricht Yayoi Kusama im Museum Ludwig gerade alle Besuchs-Rekorde des Universums, während Kuno Gonschior hierzulande gar niemand kennt? Da waren wir schon etwas baff.

^{Foto oben: Kuno Gonschior, „Vibration, Kugel rot-grün“ (1969),
Kunstmuseum Bochum, 2026}

Der Ätschibätsch-Zettel des KunstArzts3

Natürlich hat es sich unser notorischer Nörgel-Kollege nicht nehmen lassen, uns ein paar Tage später zur Beantwortung dieser Frage triumphierend einen belehrenden Ätschibätsch-Zettel an die Kühlschrank-Tür zu heften. Den wollen wir anderen Beiden hier einfach mal komplett zitieren

Obwohl wir schon kurz anmerken müssen, dass dieser Ätschibätsch-Zettel in unseren vier Augen schon ein wenig arrogant rüberkommt! Allein schon die Anzahl an Rufzeichen spricht Bände. An Punkten hingegen wurde gespart.*

^{*den MUSSTEN wir jetzt machen!}

Egal. Der geneigte Lesende kann sich sein Urteil ja selber bilden. Deshalb voilà:

„Werte Kollegen, 

erinnert ihr Euch noch, wie baff wir im Kunstmuseum Bochum vor den Fleckenbildern von Kuno Gontschior standen und uns fragten, warum Kuno Gontschiors Punkte nicht genauso berühmt wie Yayoi Kusamas Punkte sind? Ich habe drüber nachgedacht und kann es euch sagen!

Das liegt einfach daran, dass Yoyoi Kusamas Punkte den Nerv der Zeit viel besser treffen! Kusamas Punkte bleiben nämlich an der Oberfläche. Sie machen aus Dingen Kunst-Dekor, Design-Tapeten für Selfie-Knipser! Yoyoi Kusamas Punkte springen auch dem ins Auge, der gar nicht sehen kann. Yayoi Kusamas Punkte versteht Jede*r. Weil es an ihnen nichts zu verstehen gibt.

Yayoi Kusamas Punkte sind Geschmack – Kuno Gontschiors Punkte sind Philosophie! Yoyoi Kusamas Punkte kleben, Kuno Gontschiors Punkte schweben! Sie erzeugen in den Köpfen Töne, die es auf den Bildern gar nicht gibt! Die Sinnlichkeit von Kuno Gontschiors Punkten ist wahr – und falsch zugleich! Hier geht‘s ums Sehen lernen. Wenn Ihr versteht, was ich meine.

Ihr lobt an Yayoi Kusama ja immer so das Immersive. Kuno Gonschior ist auch immersiv, aber er schafft das auf der platten Leinwand! Er braucht dazu keine musealen Riesenräume – weil er die Riesenräume auf der kleinsten Fläche mit der Farbe selbst erzeugen kann! Und wenn Kuno Gonschior Objekte bepunktet, dann punktiert er sie: Wir schauen mitten rein ins Herz des Dings. DAS ist der springende Punkt.

Sorry, Leute, aber das ist um LÄNGEN besser als bei Yoyoi Kusama! Auch wenn keine spektakuläre Biografie dahintersteckt, auf die die Medien abfahren. Auch wenn Kuno Gontschior keine gewieften Vermarkter mit Marketingeltangel-Qualitäten gefunden hat (wahrscheinlich hat er sie auch nicht gesucht). 

Auch wenn sich DIESE Punkte eben NICHT als analoger Hintergrund fürs digitale Platte eignen. Oder fürs oberflächliche Betrachten. Denn DAS prallt an ihrer auch gedanklichen Tiefe einfach ab. 

SO ist das nämlich! Nichts für ungut, aber ätschibätsch. Euer Kollege KunstArzt3“

Trotz aller seiner Fehler hochgeschätzt

Man könnte zum oben Gesagten viel gegensagen, aber wir lassen das jetzt einfach mal so unkommentiert hier stehen. Das Wichtigste haben wir beiden Anderen, zu Yayoi Kusama und ihrer faszinierenden Ausstellung im Kölner Museum Ludwig,  ja andernorts eh schon gesagt. 

Und was Kuno Gontschior angeht, so stimmen wir sowieso mit unserem – trotz aller seiner Fehler natürlich nach wie vor hochgeschätzten! – Kollegen überein.

^{„SICHTBAR – Die eigene Sammlung“ und „Das Raunen der Sammlung III“, Kunstmuseum Bochum, 2026}

Hammer! Kracher!! Treppenlos!!!

Überein stimmen wir auch beim Kunstmuseum Bochum, das uns unisono umgehauen hat. Allein das treppenlose Treppenhaus ist eine Schau für sich – von der ständigen Sammlung mit ihren wirklich phantastischen Hängungen ganz zu schweigen.

Inklusive jenes Parts, der momentan im dritten Teil der Reihe „Das Raunen der Sammlung“ – der mit der Pseudo-Gonschior-Tapete! – bewundert werden kann.

Zudem laufen momentan noch zwei Sonder-Schauen, die wir den geneigten Lesenden hiermit als gesamte KunstArztPraxis sehr (!) ans Herz legen wollen: 

^{Foto oben: Hammer! Kracher!! „Treppenhaus“ des
Kunstmuseums Bochum, 2026}

^{„How We Meet. Yoko Mohri & Ei Arakawa-Nash“, Kunstmuseum Bochum, 2026}

„How We Meet“, in der sich die beiden japanischen Künstler Yoko Mohri & Ei Arakawa-Nash auf sehr originelle Weise nicht nur mit den Verbindungen zwischen Wasser, Klang & Raum oder Apfel und Strom auseinandersetzen.

Sondern vor allem auch mit der Schenkung von fulminanten Fluxus-Werken der Bochumer Galeristin Inge Baecker.

Demokratisch balancieren

Und die Ausstellung „Das öffentliche Grün“ zum 150. Geburtstag des Bochumer Stadtparks, die aber generelle Fragen stellt zum Spazieren, Flanieren, Balancieren im demokratisch gehegten & gepflegten Raum.

^{Foto oben: „How We Meet. Yoko Mohri & Ei Arakawa-Nash“,
Ausstellungsansicht, Kunstmuseum Bochum, 2026}

Hier wie dort lassen wir aber lieber mal die Bilder sprechen. Vor Ort gibt es dann ohnehin sehr informative Broschüren zur kostenlosen Mitnahme.

^{„Das öffentliche Grün“, Kunstmuseum Bochum, 2026}

Da steht dann alles drin. Punkt und aus. (28.06.2026)

^{„How We Meet. Yoko Mohri & Ei Arakawa-Nash“ ist noch bis zum 13. September 2026 im Kunstmuseum Bochum zu sehen. „Das öffentliche Grün“ läuft ebendort noch bis zum 1. November. Und dem „Raunen der Sammlung III“ kann noch bis zum 31. Dezember 2026 gelauscht werden. Auf das danach zu Lauschende sind wir schon sehr gespannt. Denn: Wir gehen sicher nochmal hin! Schon allein des treppenlosen Treppenhauses wegen. Und, natürlich: wegen Kuno Gonschior}

^{Anmerkung 1: Kuno Gonschior ist natürlich kein Unbekannter, wir haben uns ein wenig umgehört. International genießt er als Vertreter der Konkreten Kunst immer noch einen exzellenten Ruf. Aber der Ruf droht zu verblassen – ganz im Gegensatz zu seinen immer noch wahnsinnig frischen Fleckenbildern. Eines steht sowieso fest: An Kuno Gonschior bleiben wir von der KunstArztPraxis auch in Zukunft dran.}

<sup>Anmerkung 2: Wir müssen doch noch einmal etwas zu Yayoi Kusama im Museum Ludwig sagen, und diesmal sind wir uns alle Drei einig. Es geht um vier „Editionen“ vor allem von den Polka-Dot-Kürbissen, die „in enger Zusammenarbeit mit der Künstlerin und ihrem Studio (YAYOI KUSAMA Inc.) realisiert“ worden sind und die das Museum „exklusiv“ nur vor Ort anbietet. Die „Editionen“ sind auf je 500 Exemplare „limitiert“. Mit GEDRUCKTER (!!!) Signatur.

Früher nannten wir sowas Poster-Druck. Das gab es für maximal 20 Mark im Museums-Shop und hing in unseren Studenten-Butzen. 

Diese „exklusiv“ „realisierten“ „Editionen“ mit ihren GEDRUCKTEN (!!!) Kusama-Unterschriften hingegen kosten 2.400 Euro (in Worten: ZWEITAUSENDVIERHUNDERT EURO!!!) EACH. Wir haben uns sicher verrechnet, aber wenn ALLE 2.000 Exemplare verkauft würden, dann machte das laut unseren Berechnungen 4,8 Millionen Euro. Für einen Poster-Druck, den das Museum durch seinen überhöhten Preis als Kunstwerk kaschiert. 

Vermutlich ist das alles nur eine Erweiterung des Kunst-Begriffs. Aber wir halten das gelinde gesagt für fast schon betrügerische Nepperei.</sup>

^{Ach ja: „Yayoi Kusama“ im Museum Ludwig ist offiziell am 2. August 2026 zu Ende! Und wie gesagt: Zwei von (uns) Dreien gefällt das!}

Punkte in der KunstArztPraxis:
Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven!
Pro & Contra Yayoi Kusama 2: Mehr als Punkte!!

Homepage des Kunstmuseums Bochum

Der Beitrag Wer punktet besser? Yayoi Kusama vs. Kuno Gonschior erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Statt einer Trauerfeier wünschte sich die große Fluxus-Künstlerin Takako Saito (1929-2025) in einem ihrer Testamente nach ihrem Tod ein Fest. Dieses Fest haben ihr ihre Freunde nun im Kunstmuseum Bochum ausgerichtet. Es war einer Takako Saito würdig. Und einer Tabrukokos, wie sie jetzt heißt, auch.

^{Für Tabrukokos (2025-∞)}

Im Februar mussten wir eine Freundin verbrennen, es ging nicht anders, sie war tot. Wir drückten einen gelben Buzzer, ein Metall-Schlund aus unfassbarer Hitze tat sich auf, und sie fuhr ein: So heißt das im Bestattungsdeutsch. Aber vorher legten wir noch spontan die Hände auf den Sarg. Die letzte Verbindung.

Das war im Krematorium auf dem Kölner Westfriedhof, und irgendwie finden wir es rührend, dass Takako Saito offenbar 30 Jahre früher am selben Ort etwas Ähnliches gemacht hat. Natürlich radikaler und geplant, und überaus poetisch: als Performance.

Sie war ja Künstlerin, nicht KunstArzt wie wir.

Zehennägel als Grabbeigabe

1995 war das, vor der Verbrennung des amerikanisch-kölschen Fluxus-Künstlers Al Hansen. Der hatte sich ein Happening gewünscht statt einer Trauerfeier.

Gerade hat die versammelte Gemeinde nach einer Blabla-Dada-Rede eigens verteilte Spucktüten aufgeblasen und unter lautem Getöse zum Platzen gebracht.

Danach hat sich ein junger Künstler die Socken ausgezogen und Zehennagel-Ränder als Grabbeigabe von seinen Füßen abgeschnitten.

Dann tritt Takako Saito an Al Hansens Sarg. 

^{Zeichnung oben: Takako Saitos Aktion bei Al Hansens Beerdigung,
Köln 1995, in der Erinnerung des Takako-Freundes mit der Blätter-
Schnurrbart-Maske; © Johannes Stahl. Danke, Johannes Stahl!}

Takako trägt ein weißes „Game T-Shirt“, auf dem sie Menschen während einer Performance in Venedig sechs Jahre zuvor mit dem Filzstift Punkte hatte verbinden und neben ihrer Linie signieren lassen.

Auch die Namen von Fluxus-Kolleg*innen wie Wolfgang Feelisch, Mieko Shiomi, Jon Hendricks, Yasunao Tone, Sarah Seagull, Gino di Maggio, Robin „Bluebeard“ Page oder Willem de Ridder sind darunter.

^{Foto oben: Dieses 1989 eingesetzte „Game-T-Shirt“ einer Aktion in Venedig
trug Takako Saito 1995 auf der Beerdigung von Al Hansen in Köln. Später
schenkte sie es dem Freund mit der Blätter-Schnurrbart-Maske.}

In Kontakt mit den Freunden bringen

Mit diesem Game-T-Shirt reibt Takako Saito im Kölner Krematorium nun über die Sarg-Griffe, als wolle sie sie polieren. Und rüttelt dann plötzlich derart heftig am Korpus, wie man es der zierlichen Person gar nicht zugetraut hätte.

Das wissen wir von einem von Takakos Freunden, der damals dabei war: dem mit der Blätter-Schnurrbart-Maske.

Er habe geglaubt, Takako wolle sichergehen, dass Al Hansen wirklich gestorben sei, hat uns der Blätter-Schnurrbart-Masken-Freund nach dem Fest auf der Terrasse des Kunstmuseums Bochum verraten.

Erst viel später habe er von ihr erfahren, dass es ihr in Wirklichkeit darum gegangen sei, den Fluxus-Kollegen über die auf das T-Shirt geschriebenen Autogramme „noch einmal in Kontakt mit den Freunden zu bringen“.

Nach dem Tod noch einmal in Kontakt mit den Freund*innen bringen: Das wollte, in Takako Saitos Fall, auch das Fest auf der Dachterrasse des Kunstmuseums Bochum Ende Mai. Takakos Freude hatten es ihr ausgerichtet.

Die Künstlerin hatte es sich in einem ihrer Testamenten nicht ganz so, aber doch sehr ähnlich gewünscht. So hat es uns ein anderer Freund Takakos auf dem Fest erzählt: der mit der Uhren-Schnurrbart-Maske.

^{Foto oben: Von Takako Saito noch zu Lebzeiten gestaltete
Einladung zu ihrem Fest, nun schon Tabrukokos, Düsseldorf 2025}

Bochum war dabei gleich mehrfach gut gewählt: Hier fand Ende der Siebzigerjahre Takako Saitos erste Performance statt; das Kunstmuseum widmete ihr 2023 mit „Pi-Pi- po, po – Ein Portrait von Takako“ eine große Retrospektive, in deren Folge es ein Buch-Performance-Kleid – und von uns ein Porträtfoto von Takako Saito in eben jenem Performance-Kleid – ankaufte.

Letzteres hielt die KunstArztPraxis ein paar Wochen am Leben. Danke, Kunstmuseum Bochum! Für beides.

Außerdem ist das Kunstmuseum Bochum eines der interessantesten Häuser, die wir in den letzten zehn Jahren kennenlernen durften.* Warum uns das bis zum Takako-Fest derart durch die Lappen ging, ist uns KOMPLETT schleierhaft.**

^{*dazu vielleicht später mehr.
**hierzu schweigen wir beschämt.}

TAFKATS ist jetzt Tabrukokos

„Make new creatures together“ lautete das Festtags-Motto – wobei neue Kreaturen bei Takako Saito immer zwischen den Menschen entstehen. In diesem Zusammenhang sollte nicht unerwähnt bleiben, dass Takako Saito da, wo sie jetzt ist, auch als andere Kreatur lebt, mit anderem Namen: als Tabrukokos nämlich!

Wir haben beim Freund mit der Uhren-Schnurrbart-Maske nachgefragt, was es damit auf sich hat. „Es gibt in der japan-buddhistischen Variante die Vorstellung, dass Personen postmortem einen neuen Namen bekommen (Kaimyō)“, hat er uns geschrieben. „Diesen hat Takako sich selbst gegeben. Darin verstecken sich einige Wörter: Ta ist die Referenz auf ihr altes Ich, koko heißt: hier.“

Mit „Tabrukokos“ war auch die Einladungskarte zum Fest für Takako Saito unterschrieben.

Was sollen wir sagen? Beim Takako-Fest gab es genug Möglichkeiten, gemeinsam neue Kreaturen zu erschaffen: zeichnerisch, sprachlich, bastelnd und in Takakos Aktionen – nicht zuletzt mit einem ihrer Schachspiele, die man im Gegensatz zum „White Chess“ der Fluxus-Kollegin Yoko Ono wirklich ganz traditionell spielen kann: sofern man über genügend räumliche Vorstellungskraft verfügt natürlich!

Ein japanischer Musiker brachte eines der von Takako Saito gebauten Instrumente – und mit ihm sogar eine der Museums-Skulpturen auf der Dachterrasse – zum Klingen. Dazu gab es neben einem Extra-Souvenir-Shop auch eine Ball-, eine Book Dress- sowie eine Silent-Music-Performance.

^{Es funktioniert! Takako Saito, „Book Dress Performance“, Kunstmuseum Bochum, 2026}

Und dabei zeigte sich ganz wunderbar: Im Unterschied zu den Re-Performances von Marina Abramovic funktionieren die von Takako Saito auch ohne Takako Saito. Weil sie sich dabei nie selbst ins Zentrum stellte, oder die starken Bilder. Auch nicht das Individuum, sondern das dialogische Prinzip*, die kommunikative Energie dazwischen: das You & Me. 

^{*sorry, Martin Buber!}

Geteilte Freude …

Deshalb fehlt dem Ganzen auch der Abramovicsche Schmerz: Im Zentrum steht der Spaß. Und den kann man teilen. Der kann auf Jedermann und Jederfrau überspringen. Danke nochmal auch für die derart doppelte Freude, Takako Saito!

^{Danke für die Freude auch an die Takako-Freunde! Impressionen vom Takako-Fest, Kunstmuseum Bochum, 2026}

„Wir spielen, bis dass uns der Tod abholt.“ So lautet ein Satz des Dadaisten und Prä-Fluxus-Künstlers Kurt Schwitters, den wir zig-mal am Küchenschrank von Erwin Hapke zu lesen bekamen. Ein solcher Satz wäre mit Takako Saito nicht zu machen. Beziehungsweise nur als halbe Wahrheit!

„Ich spiele, bis dass mich der Tod abholt“, hätte sie wohl auch gesagt. Aber dann wäre sicher gekommen: „Und danach spiele ich mit dem Tod als Tabrukokos weiter.“ 

Und dann hätte sie vielleicht noch ergänzt: „Spielt ihr derweil mit meinem Totenhemd.“ 

Ach ja: Tage nach dem Fest sind wir an Takako Saitos Grab gewesen. Sie hat sich verbrennen lassen, wie das bei Fluxus-Künstler*innen und ihren besten Freund*innen offenbar so Usus ist. Takakos Urne liegt unter dem Baum eines Friedwalds bei Düsseldorf, teils in japanischer Erde: Der Bruder hatte sie aus der Heimat mitgebracht.

Zehn Freund*innen seien auf der Beerdigung gewesen, sagte uns der Freund mit der Blätter-Schnurrbart-Maske: der kleinste Kreis. Eine Zeremonie habe es auf Takakos Wunsch hin nicht gegeben: keine Blabla-Dada-Rede, keine schallende Spucktüten-Performance wie bei Al Hansen.

Aber es gab Silent Music, der Bescheidenheit einer Takako Saito angemessen. Ihrer leisen Poesie.

^{Foto oben: „Silent Music Performance“ während des Takako-Fests,
Kunstmuseum Bochum, 2026}

Auch eine Erinnerungsstätte habe Takako nicht gewollt, sagte der Freund mit der Blätter-Schnurrbart-Maske. Wir denken uns, sie wollte allein durch ihre Kunst im Gedächtnis bleiben.

Das wäre dann die Aufgabe für die Nachwelt, Takako Saitos Hausaufgabe. Das Spiel von uns allen.

Es hat übrigens eine Weile gedauert, bis wir Takako Saitos Baum – eine Buche – gefunden hatten. Es ist ein Gemeinschaftsbaum, die Künstlerin ruht nicht allein. Me & You, Asche zu Asche, Punkt zu Punkt. Letzte Verbindungen schaffen, über den Tod hinaus.

Auch zu Unbekannten, natürlich! Körper-Elemente, die sich unterirdisch treffen: neue Kreaturen im Wurzelwerk des Waldes. Tabrukokos wird das gefallen. Wo immer sie auch ist.

Ach ja: Wir hatten die Federn von Pusteblumen im Gepäck, die wir nach der Verbrennung der Freundin vorm Krematorium auf dem Westfriedhof in Köln gesammelt hatten. Wir ließen sie frei und sahen den stillen Tönen eine Weile beim Niederschweben zu.

Unsere letzte Verbindung zu Takako Saito? Unsere erste zu Tabrukokos? So irgendwie dazwischen vielleicht.

Es müssen Geheimnisse bleiben

Und huch: Takako Saitos Lebensdaten auf dem Schild an der Buche sind falsch! Demnach wäre sie noch einen Monat kürzer Tabrukokos gewesen & wir hätten einen Monat zu früh einen Nachruf geschrieben! Und einen Monat später geboren worden wäre sie auch.

Wir wissen nicht warum, es ist nicht so einfach. Wir haben bei den Takako-Freund*innen aber auch nicht nachgefragt. Weder bei dem mit dem Schnurrbart-Blatt noch bei dem mit der Schnurrbart-Uhr noch bei irgendeinem oder irgendeiner anderen. Ist ohnehin ganz unser Humor.

Und: Es müssen ja auch noch Geheimnisse bleiben.  (21.06.2026)

^{Letzte Anmerkung zum Fest: Sogar René Block war da. Schön.}

Fluxus & friends in der KunstArztPraxis:
Schach in der Mausefalle: Zum Tod von Takako Saito
Zum Geburtstag: 90 neue Grapefruits für Yoko Ono
Kunst entsteht im Kopf, wie Liebe! Yoko Ono im K20
Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven!
Mary Bauermeister: Begräbnis mit Feldsalat
Ebenen gewechselt. Zum Tod von Mary Bauermeister (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Mary Bauermeister: Die Auferstehung von Oberagger (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Mary Bauermeister: Abschied vom Märchenreich (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Im Märchenreich: Zu Gast bei Mary Bauermeister (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Bochum

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Verführung & Zerstörung, Schönheit & Wahnsinn, Kontrolle & Ohnmacht: Das sind die Elemente, aus der Marianna Simnetts surreale Träume sind. Daraus ergibt sich im Max Ernst Museum ein phantastisches Abbild unserer realen Gegenwart. Weil wir ja Monster sind. Manche nach außen, manche nach innen.

Im Grunde ist es müßig zu erwähnen, aber: Auch wir KunstArztPraxis-Ärzte sind Monster! Das Böse schlummert träge in uns, jederzeit kann es erwachen. Es ist nicht einfach, es schläfrig zu halten: Die Welt um uns herum macht es uns ziemlich schwer. 

Es tobt so viel Verrohung & Verblödung da draußen: Verrohung & Verblödung, die jene Werte überrollt, die uns seit Kindesbeinen heilig sind. Da könnte man schonmal unverzeihlich die Contenance verlieren – und ebendiese Werte selbst verraten.

Sogar bei Mordphantasien haben wir uns offen gestanden gegenseitig schon erwischt.

Zum Glück gibt es den Surrealismus. Er setzt seine Bilder unter anderem gegen jenen bösartigen Irrsinn, der gerade auch in Deutschland wieder um sich greift.

Dieses Heulen der Schlafschafe mit den Wölfen, diese Lust nicht nur am fremden, sondern auch am eigenen Untergang. Dieser Alb der Perversheit. Nur ohne Schaudern.*

^{*für die Epoche zeigte das 2024/2025 sehr schön die Ausstellung 
„Aber hier leben? Nein Danke. Surrealismus & Faschismus“ 
im Lehnbachhaus in München. Das war toll.}

Aber er hält auch uns aufrecht Schaudernden am Rande des Abgrunds den inneren Spiegel vor. Und bewahrt uns in unserer Ohnmacht vor Schlimmerem: dem Sprung. 

Der Surrealismus bietet uns an, sich unseren bösen Phantasien zu stellen – und sie als das zu entlarven, was sie sind. Er konfrontiert uns mit unseren tiefsten Ängsten und niedersten Trieben – irgendwo zwischen Ekel, Schönheit und Humor.

Deshalb ist der Surrealismus unsere liebste Expositions-Therapie.

Die surreale Geisteshaltung

Wir wollen das mal die surrealistische Weltsicht nennen, die surreale Geisteshaltung. Denn für uns ist der Surrealismus keine Epoche der Kunstgeschichte: Für uns ist er ein Hebel, mit dem man den Verrohungen & Verblödungen der Gegenwart klug & heilsam begegnen kann. 

^{Foto oben: Was könnte diese Pferdefuß-Reliquie anderes verbergen,
als ein Horn vom Huf des Bösen? Marianna Simnett, „Behuft“ (2025),
Max Ernst Museum, Brühl 2026}

^{„Marianna Simnett. Headless“, Max Ernst Museum, Brühl 2026}

Dass dem so ist, zeigt uns das Max Ernst Museum in Brühl in Ausstellungen immer wieder.

Diesmal mit der grandiosen Marianna Simnett: weil sie den Surrealismus des Namensgebers, des Schöpfers des Hausengels, der die Welt in der Manier eines Trumps oder Putins wutschnaubend niedertrampelt, – weil sie den ganzen Irrsinn da draußen schön, humorvoll & eklig weiterdenkt. 

Was wir sehen

Wir sehen die Kronen dämonischer Göttinnen, die sich, aus goldenen Tierleibern zusammengeschustert, nach oben räkeln. Eine mittels Folterinstrument zum himmelschreienden Schweigen verdammte Bronzefrau.

^{Foto oben: Schweigen mit gespaltener Zunge. Marianna Simnett,
„Gescholten“ (2025), Max Ernst Museum, Brühl 2026}

^{Reise durch die Fetisch-Unterwelt: Marianna Simnett, „Der abgetrennte Schwanz“ (2022), Max Ernst Museum, Brühl 2026}

Wir sehen Mischwesen zwischen Schwein & Mensch, denen der Schwanz als missing link abhanden gekommen ist. Einen Schwan, der eine Hyäne vergewaltigt; und einen anderen, der, halb Menschenfleisch, halb Vogelfedern, einem Arm entspringt.

Wir sehen ein Einhorn mit menschlichen Innereien, das vom Leben ausgeweidet wurde wie unsere kühnsten Träume. Und wir sehen tote Tiere, die andere tote Tiere mit dem Auto so lange in Stop-Motion totfahren, bis sie verwesen.

Aber dieser ganze hybride Totentanz, dieser technoide Blutrausch, diese Monster auf vier Pfoten: Das sind doch alle wir! Oder könnten es zumindest sein. Im schlummernden Innern.

^{Foto oben: Lust oder Schmerz? Marianna Simnett. „Hyäne und Schwan
mitten im Geschlechtsakt“ (2019), Max Ernst Museum, Brühl 2026}

Weil wir ja Monster sind

Ach ja: Wir sehen auch Gemälde, die Bilder aus Max Ernst doppelbödigem Collage-Roman „La femme 100 têtes“ von 1929 neu interpretieren, die tausend Köpfe der Hydra, das abgetrennte Haupt der Medusa: aus surrealer Geisteshaltung, als surrealistische Weltsicht.

Weil wir ja Monster sind.

Monster am Vorabend der Katastrophe. Am Abgrund stehend, mit der perversen Lust zum Sprung. Ob schaudernd oder nicht. Einmal mehr. (14.06.2026)

^{„Marianna Simnett. Headless“ ist noch bis zum 5. Juli 2026 im Max Ernst Museum in Brühl zu sehen.}

^{Anmerkung 1: Natürlich hätten wir auch gern Max Ernsts „Hausengel“ im Original gezeigt. Aber, leider, der geneigte Lesende wird es schon ahnen: Auch DARAUF hält die Unsichtbarkeits-Maschine ihre Krallen. (Wie soll man da nicht böse werden?)} 

^{Anmerkung 2: Ach ja: Für alle, die sich darüber echauffieren, dass wir oben neben der Verrohung nicht von Verdummung, sondern von Verblödung sprechen: Doch doch, da gibt es einen graduellen Unterschied. Wer zum Beispiel glaubt, die Regierung habe uns mit der Corona-Impfung Chips implantiert, Donald Trump sei der von Gott gesandter Erlöser oder Wladimir Putin dürfe aus Angst vor einer Nato-Osterweiterung in der Ukraine Zivilisten massakrieren, Kriegsgefangene foltern, Frauen vergewaltigen und Eltern ihre Kinder entreißen lassen – wer also am Abgrund steht und unbedingt springen – und uns alle mit hinabreißen – will: Der ist nicht dumm, der ist blöd. Und wer eine Partei wählt, die die Schulpflicht abzuschaffen gedenkt, der will, dass alle anderen genauso blöd werden sollen wie er selbst. Punkt. Ende. Aus.}

Das Max Ernst Museum in der KunstArztPraxis:
Wer war Max Ernst? „Image“. Ein Steckbrief
Der Mann aus Gips. Alberto Giacometti (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Vom Teppich-Menschen: Nevin Aladağ (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Karin Kneffel: Surreale Gegenwart (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
“Surreale Tierwesen” in Brühl: Zoo mit Zerberbus
Sommerloch-Porträts 3: Robert Wilsons Mund
Sommerloch-Porträts 1: Tim Burtons Hand
Surrealist im Geiste. Robert Wilson

Website des Max Ernst Museums

Der Beitrag Weil wir ja Monster sind. Marianna Simnett in Brühl erschien zuerst auf KunstArztPraxis.