Kann man als Betrachter*in mit einer Zeichnung verschmelzen – oder sie sogar spazierend neu zusammensetzen? Man kann! Im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach sind gerade internationale Positionen von neun Künstlerinnen zu sehen, die ihr Zeichnen in den Raum erweitern. Toll toll toll. 

Einmal hatten wir bei Tony Cragg ein exklusives Foto-Shooting mit Markus Lüpertz, da sprachen wir auch über das, was er so macht. Er sei Maler-Bildhauer, hat Markus Lüpertz uns damals gesagt: Im Unterschied zum Bildhauer-Bildhauer sehe er die Skulptur nicht als Volumen, sondern als Summe von Flächen. 

Beim Bildhauer-Bildhauer wisse man beim Herumgehen schon, wie kommen werde, weil sich das Hinten aus der Logik des Vorne ergäbe. „Bei mir können Sie hinten ganz andere Dinge erleben, weil ich an die Skulptur immer in Ansichten gehe.“ 

Seine Maler-Skulptur, sagte uns Markus Lüpertz damals, sei „eine eigene Gattung“.

Zeichnung als Volumen denken

An diese Sätze mussten wir denken, als wir durch die „Zeichen-Räume“ im Kunstmuseum Villa Zanders gingen; denn der Zeichen-Raum scheint uns auch eine eigene Gattung zu sein.

Beim Zeichnen denkt man ja eher an eine solitäre Fläche aus Papier, auf der der Künstler, dem schönen Bonmot Paul Klees zufolge, die Striche spazieren führt. 

Aber man kann die Striche ja auch durch den Raum spazieren führen, die Zeichnung also als Volumen denken. Warum nicht?

^{Foto oben: Kamilla Szíj, „Latentes Element 1 (2012/2016),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

In diesem Sinne könnte man viele der Werke der neun Künstlerinnen, die gerade in der Villa Zanders versammelt sind, mit Markus Lüpertz – und, anders als bei ihm: gegendert – vielleicht Zeichner*innen-Skulpturen nennen – im Unterschied zur Zeichner*innen-Zeichnung, bei der man auf einen Blick gleich immer alles sieht.

Im Inneren des Diamanten

Ach ja: Eine Maler-Skulptur sei mit einem Diamanten vergleichbar, der aus hunderten von Flächen einen Kreis ergibt, hat Markus Lüpertz uns damals ebenfalls erklärt. Das gilt für die Zeichner*innen-Skulptur in unseren Augen genauso.

Mit dem entscheidenden Unterschied, dass man sich bei einer Zeichner*innen-Skulptur im Innern des Diamanten befindet und staunend an die Ränder, auf Wände, Decke, manchmal auch: auf Böden, schaut. Und auf das oftmals zeichenlose Loch dazwischen, das sich im Idealfall ebenfalls aus der Logik der Ränder ergibt.

Mit einer solchen Zeichner*innen-Skulptur kann man verschmelzen. Wenn man sie denn erwandert: so, wie die Künstler*innen zuvor den Raum erwandern mussten, um sie zu zeichnen – ganz Auge, Arm und Bein.

So irgendwie. 

Mit Wanderschuhen schon gar nichtr

Bei Monika Bartholomé kann man das besonders hübsch erleben.

Bartholomé hat ihren Raum mehrere Tage lang – hoch konzentriert – mit wandhohen Papierbahnen samt Tusche & Acryl tapeziert und teilmöbliert: Zeichnung, die die Architektur der Villa Zanders teils aufnimmt, teils konterkariert. 

^{Foto oben: Monika Bartholomé,“Raumzeichnung für die
Villa Zanders“ (2026, Detail), Bergisch Gladbach 2026}

Es gibt auch Zeichnerinnen-Skulpturen von Monika Bartholomé, die den Boden okkupieren. Aber dann kann man sie gar nicht – oder nur unter Auflagen – betreten. Mit Wanderschuhen schon mal gar nicht.

Nein: Gescheitert ist sie nicht

Sie würde nichts vorzeichnen, hat Monika Bartholomé uns im Gespräch verraten. Ihr Raumzeichnen sei „ein Wagnis ohne Radiergummi“: Mit jedem neuen Strich könne sie scheitern. 

Nein: Gescheitert ist Monika Bartholomé mit ihrer Zeichner*innen-Skulptur, die frei nach Markus Lüpertz in räumlichen Ansichten gedacht ist, auf keinen Fall.

Manche Zeichner*innen-Skulptur muss an aber nicht nur aktiv erkunden: Beizeiten nimmt sie einen auch an der Hand und führt durch ihren Raum, der sich beim Gehen verändert. Kunst und Betrachter*in werden ein Paar.

Das ist bei der Zeichnerinnen-Skulptur von Angela Lubič mit ihren Klebestreifen-Strichen der Fall. Kein Wunder also, dass sie „Linienführung“ heißt.

Dabei ergeben sich sogar Positionen, bei denen sich die Striche an den Wänden und der Decke wie im Film im Gehtempo zu einer Einheit zusammenschließen: sich Flächen bilden, die gegen die Ursprungs-Flächen der Wände und der Decke rebellieren, dem Villen-Raum einen zweiten Raum überstülpen.

^{Foto oben: Angela Lubič, „Linienführung“ (2026, Detail),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Gehend & sehend selber finden

Von diesen Positionen haben wir aber keine Fotos gemacht. Wir wollen ja nicht unsereins linienführend tätig werden: Wir sind ja keine Skulpturen-Zeichner!

DIESE Positionen soll bitteschön Jede*r in Bergisch Gladbach gehend & sehend selber finden. Dankeschön.

Wir haben noch einen weiteren erklärten Lieblings-Raum: „Nach Babel“ von Julia Ziegler.

Im ehemaligen Wohnraum der Villa Zanders sind in künstlerischer Freiheit Vorderschnitte von Wörterbüchern an die Wand getürmt, die illustrieren, welche Anfangsbuchstaben in welcher Sprache wie oft verteilt sind: im Lateinischen ist es besonders oft das „C“, im Ungarischen eher „E“.

Dabei verschwimmen die Strukturierungen zu ebenso verwirrenden wie dekorativen graphischen Mustern, die ihrer Aussagekraft verlustig gegangen sind. Das hat uns Babyloniern aus der KunstArztPraxis natürlich besonders gefallen.

^{Foto oben: Cambridge Dictionary vor „Nach Babel“ (2026),
Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Summa summarum ist es in „Zeichen-Räume“ so, wie wir es seit Jahren generell von unserer Praxis-Kanzel predigen: Kunst kann & darf man nicht einfach über sich ergehen lassen, Kunst muss man sich ergehen.

Das gilt für diese tolle Schau, in der die Künstlerinnen ihre Striche eben nicht nur übers platte Land, vulgo: Papier spazieren führen, sondern durch die Gebirgs-Welt der Zimmer, besonders. (19.04.2026)

^{„Zeichenräume“ ist noch bis zum 16. August 2026 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen.}

^{Anmerkung: Mit Jolanta Wagner aus Polen gibt es auch eine „klassische“ Zeichnerin in der Schau im Kunstmuseum Villa Zanders: eine Zeichnerin, die aber trotzdem Zeichen-Räume schafft.}

^{Denn sie strukturiert auf ihren teils monumentalen Papier-Bahnen die Dinge der Städte (eine schlicht „BG“ genannte vielleicht Bergisch Gladbach?) neu – und korrespondiert mit ihren verwirrenden Ordnungen wiederum mit Julia Zieglers vom Verbalen ins Graphische gewendeten „Nach Babel“.}

^{Und mit Borges‘ Erwähnung der Klassifizierung der Tiere in einer chinesischen Enzyklopädie. Aber das nur nebenbei.}

^{Foto oben: Jolanta Wagner, „Double Map of the City V“ (2026, Deal),
Kunstmuseum Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2026}

Das Kunstmuseum Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
Papiertiger aus Acryl. Eckart Hahn in der Villa Zanders 
Traum hinter Geste: Ruth Marten in der Villa Zanders
Mehr Babel war nie! Jenny Michel in Bergisch Gladbach (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Wie sagen wir’s den Bienen? “HONIG” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
In Brüchen denken: “Martin Noël – Otto Freundlich” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
33 Malantworten: Rolf Rose in der Villa Zanders
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
“Bibliomania” in Bergisch Gladbach: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Der Beitrag „Zeichenräume“ in der Villa Zanders: Eigene Gattung! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wir haben ja an anderer Stelle schon geschrieben, wie erfrischend aktuell & politisch sich „German Pop Art“ in Oberhausen präsentiert. Aber die Ausstellung hat auch drei Kindheits-Erinnerungen in uns geweckt: und zwar an Heintje, Ministeck & an die DDR. Ein Wochenend-Triptychon.

Zu guter Letzt: Klaus Peter Bremer, „Art B 013 (Ulbricht)“ (1967)

Von 1961 bis zum Fall der von Walter Ulbricht ohne Absicht errichteten Mauer schickte die Großmutter von KunstArzt3 regelmäßig Care-Pakete zur Verwandtschaft in die von ihr bis zum Schluss hartnäckig so genannte Ostzone. Und regelmäßig kam ein Dankesbrief zurück.

Auf jedem dieser Dankesbriefe klebte mindestens eine Walter-Ulbricht-Marke jener Art, die Klaus Peter Bremer nachgeschaffen hat.* 

^{*Zumindest bis in die frühen Siebzigerjahre, denn 1971 fiel der mit Stalins Duldung
quasi diktatorisch herrschende Staatsratsvorsitzende bei Leonid Breschnew
in Ungnade und wurde vom großen Sowjet-Bruder abgesägt.
Die Dauermarken-Serie „Aufbau“ (1973-1981) übernahm.}

Die Dankesbriefe wanderten in Omas Sekretär, die im warmen Wasser losgelösten und unter Bücher-Stapeln der „Drei ???“ getrockneten Walter Ulbrichts ins Briefmarken-Album: KunstArzt3 war bekennender Philatelist.

Bitte um Inventarliste

Als KunstArzt3 so ungefähr fünf war, schickte die Verwandtschaft einen mit Walter Ulbricht in rot & lila – also mit 35 Pfennig – frankierten Dankesbrief mit der Bitte, demnächst doch jedem Care-Paket einen Zettel beizulegen, auf dem die enthaltene West-Ware komplett aufgelistet sei. 

^{Bild oben: Das ist das gute, recht große Stück: zu sehen in Oberhausen.
Klaus Peter Bremer, „Art B 013 (Ulbricht)“ (1967)}

Vor allem Kaffee Haag und Milka-Vollmilch-Schokolade stünden bei DDR-Grenzern hoch im Kurs.

Das rot-weiß reduzierte Profil des zum Personenkult neigenden Funktionärs Walter Ulbricht war das Erste, was Einer von uns vom real existierenden Sozialismus zu Gesicht bekam.

Die Geschichte vom kriminellen, Eigentum für den Privatbedarf enteignenen Grenzer war die erste, die er aus diesem exotisch fernen Deutschland im Gedächtnis trägt. 

Beides schreckte ihn nicht ab, den Marken später, als er schon Numismatiker war, über die innerdeutsche Grenze hinterher zu reisen. Wir Anderen reisten natürlich mit.

^{Foto oben: Satz Walter-Ulbricht-Marken (1961-1971),
gedruckt im VEB Deutsche Wertpapierdruckerei 
in Leipzig. Frankaturwert: 5,40 Ost-Mark}

Aber da war aus dem Beton-Kommunisten Walter Ulbricht längst der Beton-Kommunist Erich Honnecker geworden. Und der passte Leonid Breschnew viel besser in den Kram.

Die Marke hatte gelogen

Was sollen wir sagen: Die Marke hatte gelogen, das erste Bild der DDR war falsch. Die DDR war weder rot noch grün noch lila. Die DDR war, nicht nur der Fassaden wegen, in unseren Augen grau bis ins Mark. 

Aber die Geschichte vom bösen Grenzer stimmte. Das kann die ganze KunstArztPraxis bezeugen.

Wir erinnern uns noch gut an grimmige Männer mit tief ins Gesicht gezogenen Schirmmützen, die uns als allseits verdächtigen Klassenfeinden im Auftrag des MfS bei der Einreise im Zug wortlos den Tagesvisum-Stempel in die Reisepässe rammten. 

Wir erinnern uns an Fließbänder, auf die wir besagte Reisepässe bei der Einreise mit dem Auto zu legen hatten: wie sie in einer weit entfernten Baracke – also für uns als unserer Identität Beraubten: im komplett Ungewissen – verschwanden. 

Um danach – im Sommer: je heißer, je länger – im stickigen Auto eingesperrt abwarten zu müssen, ob es den steingrau Uniformierten vielleicht doch noch gefiel, uns zu befehlen auszusteigen.

^{Foto oben: Nicht nur die Marken wurden abgestempelt!
DDR-Tagesvisa im BRD-Reisepass, Ein- und Ausreise.
© Clemensfranz/CC BY-SA 3.0. Unsere Pässe von
damals sind – leider, leider – allesamt verschollen}

Um auf der Suche nach irgendetwas Verdächtigem – Kaffee Haag? Milka-Vollmilch-Schokolade? – die Rückbank und die Vordersitze aus dem Auto auszubauen & die Innenverkleidungen aus den Türen zu reißen.

Das Klacken der geräuschlosen Schleuse

Wir erinneren uns auch noch an jene schier endlose Schleuse am Grenzübergang Friedrichstraße, in die Jeder von uns alleine hinein musste, wenn wir von West-Berlin zu Fuß in den Osten wollten:

An jenen Schlitz, durch den uns, einzeln in der geräuschlosen Leere zwischen den Schleusen-Türen stehend, von einer unsichtbaren Macht hinter einer schwarzen, unser jeweiliges Ich bespiegelnden Scheibe der Reisepass – ja, im Grunde: boshaft entrissen wurde.

Bevor am anderen Ende der Schleuse irgendwann die Tür in den real existierenden Sozialismus mit einem Klacken automatisch aufschwang und uns drüben wieder deutsch-deutsch-deutsch vereinte. Im humorlosen Grau.

Ach ja: KunstArzt1 erinnert sich noch gut an jenen Grenzer, der ihn mit professioneller Kälte aus der Schlange Einreisender herauswinkte und in einem Nebenraum anwies, sich bis auf die Unterhose auszuziehen: vermutlich, weil ihm sein für seine Punker-Freundin getragener schwarzer Latex-Seesack suspekt erschien. Weil er es konnte.

Auch dieser Grenzer hat weder Kaffee Haag noch Milka-Vollmilch-Schokolade bei ihm gefunden.

Dieses bleierne Gefühl der Ohnmacht

Aber er hatte DAS in ihm erzeugt, was jeder Grenzer auf persönlichen Wunsch des Staatsrats-Vorsitzenden Erich Honnecker und im Dienste des Regimes nicht nur in ihm erzeugen sollte: ein Gefühl vollkommener Ohnmacht gegenüber einer Staatsgewalt, der man komplett & immer ausgeliefert war. Das Gefühl, jederzeit verhaftet werden zu können. Das Gefühl, vielleicht nicht mehr rauszukommen aus der DDR.

Dieses bleierne Gefühl verließ uns bei jeder unserer Wanderungen durch Ost-Berlins graue Straßen nie.

Bremers Ulbricht ist ein Fehldruck!

Das Gesicht des regimegemachten Grenzers hatte KunstArzt1 noch im Gedächtnis, als KunstArzt3 das Profil Walter Ulbrichts auf der Marke schon vergessen hatte.

Wir sollen schön grüßen: Erst Klaus Peter Bremer hätte es ihm in der Ausstellung „German Pop Art“ wieder in Erinnerung gebracht.

Ach ja: Er hat in seinem Briefmarken-Album noch einmal nachgeschaut: Sein „Art B 013 (Ulbricht)“ von 1967 muss ein Fehldruck sein!

Die Kontur von Ulbrichts Brille ist zu lang ausgeformt, mancher weiße Strich zu schwungvoll; der Weißrand ist zu schmal, das Rot für die DDR zu fröhlich. Zudem gibt es zu viele Zacken. 

^{Foto oben: Zwei der echten Walter Ulbrichts von KunstArzt3 auf einer
Ausgabe der DDR-Zeitung „Junge Welt“: jenem Zentralorgan der FDJ,
das KunstArzt2 1984 (sic!) herzklopfend in die BRD ausgeführt hat}

Auch wenn Philatelisten heute mindestens so alt ausschauen wie Walter Ulbricht nach seinem brutalen Sturz 1971: Klaus Peter Bremers Fehldruck ist sicher trotzdem auch in diesen Kreisen immer noch ein Vermögen wert. 

Auf jeden Fall ideell. Als Kunst. Auch zur Erinnerung. Für uns. Und für alle, die noch demokratisch denken – also, schlichtweg: denken – können.

Damit diese Verrohung und Verblödung von – im Grunde vermutlich liebenswerten – Menschen durch menschenverachtende Regime NIE MEHR passiert. (12.04.2026)

<sup>P.S.: Obige Gedächtnis-Marke zum 500. Geburtstag Albrecht-Dürers am 21. Mai 1971 stammt von Bodo Boden: Sie ist ebenfalls in „German Pop Art“ zu sehen. Es hat sie in Wirklichkeit so nie gegeben, Bodens Bild stammt eh von 1969. Aber der Künstler hat seinen Dürer mit einem von Philatelisten heißbegehrten und idealerweise auf einem „Ersttagsbrief“ abgegebenen „Ersttagsstempel“ versehen, den eine Marke am Erstausgabetag in einem speziellen Postamt – hier natürlich Nürnberg – erhielt. Dass das A.D. im Stempel für Albrecht Dürer oder Anno Domini stehen könnte, finden wir witzig.

Die DDR hatte mehrere Albrecht-Dürer-Gedächtnis-Marken, die viel schöner waren als die der BRD. Für die DDR gehörte Albrecht Dürer als Renaissance-Künstler in eine Ahnenreihe, die letztlich in den sozialistischen Realismus führte. Lernt man alles, wenn man Briefmarken sammelt, sagt KunstArzt3.</sup>

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Was man sieht, zeigt diese Fotostrecke:}

Appendix: Woran sich die KunstArztPraxis ebenfalls kollektiv erinnert

Wenn wir unser kollektives KAP-Gedächtnis aktivieren und in Personal-Union an die DDR denken, erinnern wir uns an sehr viel mehr als an Post von Walter Ulbricht, an aschgraue Fassaden oder grimmige, steingraue Grenzer. 

Wir erinnern uns an die gespenstischen Schemen von Soldaten der Nationalen Volksarmee (NVA) in den dunklen Nischen zugemauerter U-Bahn-Stationen, die „Geisterbahnhöfe“ der U6 und U8 nach Ost-Berlin, wenn man, verlangsamt, natürlich ohne Halt, durchfuhr.

Wir erinnern uns an ein herzlos blechernes, fast schon KI-generiertes, seine Verlogenheit hinausposaunendes „Willkommen in der Deutschen Demokratischen Republik“ aus den hellgrauen Lautsprechern am ersten Bahnhof hinter der Grenze bei der Einreise, das uns jedesmal das Blut in den Adern gefrieren ließ – und bei der Ausreise an jene Spiegel, die von NVA-Soldaten mit Schäferhunden & Maschinengewehren an langen Stangen unter Zug-Waggons geschoben wurden, damit ja kein Bürger dem Arbeiter- und Bauernstaat entwich.

Wie erinnern uns an die abgewetzten Kleider jener alten Frauen, die uns im Bahnhofs-Restaurant in Ost-Berlin, nervös nach links und rechts schauend, unter dem allgegenwärtigen Foto des diktatorischen Genossen Erich Honecker – verantwortlich für Schießbefehl, Stasi-Bespitzelung, Zwangsadoptionen – anbettelten, die letzten Pfennige aus den 25 DDR-Mark unausführbarem Zwangsumtausch, die nicht in Bücher geflossen waren, nicht fässerweise in wässrige Club Cola zu investieren, sondern doch – bitte, bitte – in ihre schwieligen Hände zu legen.

Wir erinnern uns an die Heerscharen hinter Büschen wegelagernder Lada Schigullis der Deutschen Volkspolizei, die am Rand der Autobahnen ausschließlich devisenfetten West-Deutschen auflauerten, sobald diese es aus Unwissenheit wagten, die 100 Stundekilometer Tempolimit zu überschreiten. Wie sie plötzlich im Rückspiegel auftauchten, die Sirenen; an die auch hier obwaltende kalte Verachtung bei den anschließenden Verhören am Straßenrand.

Und wir erinnern uns an die Plätze von Leipzig, Dresden und Weimar, die wir kurz nach dem Mauerfall 1989 mit einem koreanischen Studien-Freund besuchten: Auf JEDEM dieser Plätze gab es eine neu eröffnete, sehr ranzig dreinblickende, rasch vom Westen hergeschaffte Imbiss-Bude. Und vor JEDER dieser Imbiss-Buden standen gefühlt zehn dummdreist dreinblickende Neonazis mit Glatzen, Springerstiefeln und Bierdosen. Wo bitte kamen die her?

Egal. Dieser Studien-Freund, der über Goethe promovierte, ist jedenfalls nie mehr nach Deutschland zurückgekommen.

Ach ja: Vor Kurzem ist ein anderer Freund von uns mit der Familie nach Brandenburg gezogen. Der Sohn berichtet, in seiner Klasse fände ausnahmslos JEDE*R die AfD, die dem massenmordenden, vergewaltigenden, folternden, brandschatzenden & wie weiland Genosse Honnecker zu Zwangsadoptionen neigenden Beton-Stalinist Putin am besten in den Kram passt, wegen ihrer geilen TikTok-Videos sexy.

Ostdeutschland will seine menschenverachtende Diktatur zurück – vor allem jenes Ostdeutschland, das sie nicht erleben musste. Aber diesmal bitte gleich die faschistische Variante. Damit sich endlich irgendwas ändert. Was ist ja egal.

Das bleierne Gefühl der Ohnmacht von unsren DDR-Besuchen damals ist in unsren Köpfen zurück.

^{Ach ja: Nach dem Fall der Mauer hat sich die Verwandtschaft aus der Ostzone KEIN EINZIGES MAL mehr bei der Großmutter von KunstArzt3 gemeldet. Der Form halber sei auch dies vermerkt.}

^{Und noch eine Anmerkung: Doch, doch: Wir erinnern uns auch noch an die Heerscharen schmieriger Gebrauchtwagen-Händler, die 1990 nach Ostdeutschland kamen, um zu maßlos überteuerten Preisen ihre schrottigen West-Autos zu verticken. An die ganzen folgenden Demütigungen, die der kapitalistische Westen dem – tja: irgendwie auch naiven – Osten angedeihen ließ. Stimmt soweit. Aber: nichts, nichts – AB-SO-lut NICHTS! – rechtfertigt es, deshalb das Böse, den Faschismus, also den Untergang von uns allen zu wählen.}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
German Pop Art Nostalgie 2: Ministeck
German Pop Art Nostalgie 1: Heintje
Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art„
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Homepage und deutscher Philatelisten e.V.

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Wir haben ja an anderer Stelle schon geschrieben, wie erfrischend aktuell & politisch sich „German Pop Art“ in Oberhausen präsentiert. Aber die Ausstellung hat auch drei Kindheits-Erinnerungen in uns geweckt: und zwar an Heintje, Ministeck & an die DDR. Ein Wochenend-Triptychon

Im Mittelteil: Reinhard Voigt, „Tulpen“ (1974) und „Hörzu“ (1971)

Den alten Griechen galten die Atome als die kleinsten Teilchen, das war falsch. Heute wissen wir es besser: Die kleinsten Teilchen sind die Pixel. 

Pixel gab’s schon immer, seit dem Urknall; also auch in den 1970er Jahren. Und darauf basierende Computerspiele sowieso. Unser Computerspiel hieß „Master Mind“. Und unsere Pixel waren analog.

Ein Gutteil unserer Pixel kam von Ministeck. Und ihr Erfinder Helmut Gottwald war unser Shigeru Miyamoto.

Als der Helm noch Rembrandt war

Stundenlang steckten wir nach Gottwalds Vorlagenbüchern Pferde und Tiger, Stillleben mit Blumen und Piratenschiffe auf weiße Plastik-Gitter.

Aber auch Kunst wie den 5.100-teiligen „Mann mit dem Goldhelm“, der damals noch von Rembrandt war.

^{Bild oben: Anonym, „Der Mann mit dem Goldhelm“
(um 1650/1655), Ministeck-Version. Heute nix mehr wert.} 

Heute nix mehr wert.

Diesen Teil unserer Sauerländer Kindheit sehen wir, wenn wir Reinhard Voigts „Tulpen“ (1974) sehen. Dabei haben SEINE Pixel nichtmals die komplexe Chemie von Ministeck, also keine Moleküle.*

^{*bei Ministeck gab es Einser, Zweier-, Dreier- und Viererblöcke.
Bei Reinhard Voigts „Tulpen“ ist alles atomarer Einser.} 

Freitag ist Freutag!

Aber Reinhard Voigt schuf nicht nur Tulpen, die in unseren Augen Ministeck-Tulpen sind: Er schuf neben einem Ministeck-Jüngling auch eine Ministeck-„Hör zu“. Mit Ministeck & Geduld & Spucke ist nämlich prinzipiell alles verpixelbar.

Wie Rolf Kaukas Comic „Fix&Foxi“, so kam auch die Fernsehzeitschrift „Hör zu“ am Freitag. Wir brachten sie den Eltern, wenn wir freitags „Fix&Foxi“ holten*, vom Kiosk mit. 

^{*“Micky Maus“ hingegen holten wir Montags.
Weil sie ebenda erschien.}

Wir sind extra in Einem seiner elterlichen Keller gestiegen und sind seiner Mutters (leider nicht mehr ganz komplette) „Hör zu“-Sammlung durchgegangen.

Aber wir haben nur ein einziges Weihnachts-Cover von 1951 gefunden, das Reinhard Voigts Fassung zumindest annähernd entspricht.

Auf den vorhandenen Dezember-Ausgaben der 1960er und 1970er Jahre findet sich kein einziger Weihnachtsmann! Nur 1971 Blacky Fuchsberger mit abgenommener Weihnachtsmann-Maske; aber das kommt ja als Vorlage nicht infrage.

Es ist also nicht auszuschließen, dass Reinhard Voigt das Motiv erfunden hat.*

^{*Spoiler-Alarm: In Anmerkung 2
klären wir das hinlänglich auf!}

^{Foto oben: Cover der Dezember-Ausgabe von „Hör zu“ (1951),
Norddeutsche Ausgabe mit Europa-Programm vom 20. bis 26. Dezember}

Die Pixel des Urknalls

Egal. Jedenfalls markierten unsere Mütter, während wir mit „Fix&Foxi“ in den elterlichen Badewannen verschwanden, mit dem Kugelschreiber in der „Hör zu“ jene Sendungen, die ihnen in der kommenden Woche zwischen 18:00 Uhr und 23:00 Uhr – das war die sogenannte Sendezeit – in unseren drei Programmen – ARD, ZDF, WDR, wir hatten ja nichts – sehenswert erschienen. 

So strukturierte „Fix&Foxi“ unsere kindlichen Säuberung-Rituale, bei denen die Hände schmutzig blieben, und die „Hör zu“ unseren Alltag bis zum sogenannten Sendeschluss, sprich: bis zu den Pixeln des „Testbilds“. Vor dem komplett verpixelten Rauschen, das angeblich ein Echo des Urknalls war, also irgendwie schon digitaler Sternenstaub.*

^{*Dazwischen verpixelten aber immer wieder auch die Sendungen.
Dann mussten die Väter auf’s Dach und die Antenne richten.}

Bonus-Track: „Fix&Foxi“, Ludwiggalerie Schloss Oberhausen, 2018

Im Gegensatz zu Donald Duck, Micky Maus und Pumuckl gab es die Helden von Fix&Foxi nicht bei Ministeck.

Natürlich haben wir trotzdem versucht, sie nachzustecken, die Realität des Comics in analoge Pixel aufzulösen, diese kleinsten Teilchen auch Fuxholzens:

Mit Geduld & Spucke kann man aus Ministeck ja alles formen. 

Uns allen allerdings fehlten Geduld & Spucke.Wir schon schon bei Lupo und Pauli und Professor Knox, sprich: in der zweiten Reihe, gescheitert.

^{Bild oben: analoge LEGO-Pixel kann jeder,
lieber Ai Wei Wei. Ministeck ist Kunst!}

(11.04.2026)

^{Anmerkung 1: Das mit den Tulpen und dem Ministeck hat uns keine Ruhe gelassen, deshalb haben wir bei Reinhard Voigt einfach einmal nachgefragt, ob ihn Ministeck beeinflusst habe.}

^{„Nein, überhaupt nicht“, hat Reinhard Voigt uns geantwortet. „Ich kannte dieses Ministeck gar nicht. Eine Inspiration waren die Kreuzsticharbeiten meiner Mutter.“  Auch mit Zierstich & Geduld & Spucke ist nämlich prinzipiell alles verpixelbar.}

^{Und da haben wir uns plötzlich wieder daran erinnert, dass es auch in den 1970er Jahren Pixel gab, die unsere Mütter liebten:}

^{Knüpfarbeiten zum Beispiel nach Kunstmotiven, die mit einer speziellen Nadel durch ein „Stramin“ genanntes Baumwoll-Raster gezogen werden mussten.}

^{Und denen man sich widmen konnte, während im Fernsehen am Freitagabend nach der 20-Uhr-„Tagesschau“ (ARD) der angekreuzte „Derrick“ (ZDF) lief: Es hieß ja „Hör zu“ und nicht „Schau hin“.}

^{Anmerkung 2: Und dann hat uns Reinhard Voigt auch noch verraten, wie es zum „Hör zu“-Motiv gekommen ist:} 

^{„Das war eine Auftragsarbeit. Die Werbeabteilung der ‚Hör zu‘ verschenkte zur Weihnachtszeit an ihre Kunden Grafiken. Und 1971 wollte man von mir eine Arbeit haben.}

^{Man gab mir eine gewisse Anzahl von ‚Hör zu‘-Titeln, von denen ich mir ein Motiv aussuchen sollte. In dem Stapel der Titel befand sich eine Picasso-Zeichnung, gewissermaßen das Porträt eines Weihnachtsmanns.}

^{Das empfand ich für den Zweck äußerst passend: Weihnachtsmann –Weinachtsgeschenk und nicht zuletzt eine Hommage an Picasso.}

^{Bild oben: Reinhard Voigt, „Verstand ist wichtiger als Busen“ (1971)}

<sup>Die Arbeit wurde gedruckt und geliefert. Am nächsten Tag klingelte das Telefon und mir wurde gesagt, höhere Instanzen hätten den Siebdruck abgelehnt und ich solle doch bitte nochmal eine Arbeit machen. Daraufhin  suchte ich wieder zwischen den Titeln und fand ein anderes Cover, das mir gefiel: ein Foto von Senta Berger, mit dem schönen Satz ‚Verstand ist wichtiger als Busen‘. Und so kam es zu zwei ‚Hör zu‘- Grafiken.“

Ach ja, jetzt erkennen wir Picassos Weihnachtsmannnatürlich auch. Entschuldigung. Noch so ein Kunstfehler, den wir begangen haben.</sup>

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Was man sieht, zeigt diese Fotostrecke:}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
German Pop Art Nostalgie 1: Heintje
Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art„
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Der Beitrag German Pop Art Nostalgie 2: Ministeck erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wir haben ja an anderer Stelle schon geschrieben, wie erfrischend aktuell & politisch sich „German Pop Art“ in Oberhausen präsentiert. Aber die Ausstellung hat auch drei Kindheits-Erinnerungen in uns geweckt: und zwar an Heintje, Ministeck & an die DDR. Ein Wochenend-Triptychon.

Zum Auftakt: Dieter Glasmacher, „Heintje mein bester Freund“ (1971)

Seit unserer Jugend im Sauerland sind der Welt einige Kulturtechniken abhanden gekommen. Die Kulturtechnik des Rücktritts in der Politik zum Beispiel. Oder die Kulturtechnik des Blinkens im Straßenverkehr. 

Die Kulturtechnik der Kunden-Zuwendung an der Supermarktkasse. Die Kulturtechnik des Verzichts zugunsten einer Solidar-Gemeinschaft, der Scham als soziales Korrektiv.

Und die Kulturtechnik, bei mangelnder Kenntnis einfach mal den Mund zu halten.

Das oben Gesagte gilt nicht für Heintje. Vom Guten in der Welt verstand er viel.

Wenn Heintje den Mund auftat, entquoll ihm glockenhelle Tugend: gepaart mit einer Mutterliebe, die selbst vor astronomischen Ausgaben für Schloss-Geschenke nicht zurückschreckte. Die Tränen teilte, Schmerzen heilte. Die Schmerzen der Omatschis auch.

Das musikalisch Schöne, Ideale

Heintje war das musikalisch Schöne, Ideale – des Schlagers wie der Volksmusik. Wer eine von Heintjes 40 Millionen verkauften Tonträgern erstand oder seine Filme sah, die sich dem Publikum vollends zuwandten, der fühlte sich zu Recht als Kunde König*in. 

^{Foto oben: Heintje 1970. Danke, Wikipedia! © CC BY-SA 3.0 nl}

Schämen mussten sich die anderen. Zum Beispiel wir. Krächzende Knaben, die der Mutter nichtmals Blumen schenkten: höchstens am Muttertag.

Von einem Top-Ten-Hit nach dem nächsten ganz zu schweigen.

Unsere Mütter liebten Heintje fast so sehr wie uns. „Mama“ war ihre Bibel, die Hülle von „Heidschi Bumbeidschi“ (1968) hing bei einer im Näh-Zimmer gerahmt an der Wand.

Als Haftbefehl nichtmals Quark war

Die Zeilen „Aber Heidschi bumbeidschi es schlafen / Am Himmel die Schäflein die braven“ enthalten den ersten unsauberen Endreim der Musik-Geschichte, an den wir uns unisono erinnern können.

Und da war Haftbefehl noch nicht mal Quark im Schaufensta.

^{Foto oben: Cover von Heintjes Single „Heidschi
Bumbeidschi“ (1968), © Ariola Music}

Ach ja: „Heintje – Mein bester Freund“, in dem der Hauptakteur singend die längst verlorene Ehe seiner alleinerziehenden Mutter rettet, war unser Aller erster Kinofilm.

In den Einer von uns während eines Wander-Urlaubs 1971 im Spessart – vermutlich aus alleinerziehenden beziehungsweise. aus allein erziehenden Gründen – natürlich mit der Mutter, ging.*

^{*der Vater lag derweil mit Hexenschuss im Bett.}

Wir wissen noch, wo wir saßen, als wir vom tragischen Stimmbruch Heintjes aus der „Sauerländischen Volksblatt“ erfuhren. Auch an das damit verknüpfte und damals nicht hinterfragte, uns aber trotzdem zutiefst verstörende Foto von Heintje im Krankenhaus-Bett.*

^{*deshalb unsere Frage an den Deutschen Presserat heute:
Ins Krankenhaus – wegen eines Stimmbruchs? Rüge???}

Die Nachricht von Heintjes Rücktritt aus dem Musik-Geschäft traf uns ins Mark. Als er irgendwann später als Hein Simons zurückkam, war er ein anderer.

Wir glauben, Dieter Glasmacher kann uns verstehen. 1970 gründete er sein – sehr erfolgreiches – „Institut für Heintje-Forschung“: Noch 2025 gab es eine Ausstellung mit gesammelten Erkenntnissen & Reliquien in Lüneburg.

Den Katalog hat er uns zugeschickt. Er ist sehr schön.

Dieter Glasmachers Bild mit seinen Schreibschrift-Linien in Oberhausen jedenfalls ist eine Homestory, die – vielleicht sogar mit einem „Star-Schnitt“ versehen – aus der „Bravo“ unserer frühen Pubertäten erwachsen sein könnte.

Oder aus einem Pennäler-Aufsatz über ein von 1967 bis 1972 agierendes Jahrhundert-Idol.

^{Foto oben: Dieter Glasmachers Bestandsaufnahme seiner
Heintje-Forschung mit KunstArztPraxis-Katze Ari, Köln 2026.
Katzen gehörten leider nicht zu Heintjes Repertoire}

In wenigen Bildern fasst Glasmachers Druck Heintjes Wesen adäquat zusammen.

Dass er seiner Mutter Hanny (im Kittel) bei der Hausarbeit auf den ihm von ihr am 3. August 1969 geschenkten Socken den Staubsauger hinterherträgt, ist für Kulturtechniker*innen eine noch größere Geste, als ihr das Saugen abzunehmen.

Da verzeihen wir Dieter Glasmacher gern, dass er den Klarnamen von Heintje, Hendrik Nikolaas Theodoor Simons, auf seinem Werk gleich vierfach – Hendrix Nikolaus Theodor Simon – falsch geschrieben – oder eben bewusst eingedeutscht? – hat.

Denn UNSER Hendrix war Heintje ja auf jeden Fall.

^{Bild oben: Dieter Glasmacher, „Heintje
mein bester Freund“ (1971, Detail)}

Heintje würde immer noch blinken!

So steht eines unverbrüchlich fest: Alle heute abhanden gekommenen Kulturtechniken – vom Verzicht über die Kunden-Zuwendung bis hin zum Rücktritt – beherrschte Heintje in meiner & in seiner Kindheit aus dem Effeff.

Würde er, wenn er noch derselbe wäre, heute noch.

Und wir sind sicher: Heintje hat früher garantiert geblinkt, wenn er mit seinem Pony Bubi irgendwo hin abgebog!

Vielleicht sogar, wie auf dem Bild von Dieter Glasmacher, mittels hinterrücks betätigtem Pferde-Schwanz. (10.04.2026)

^{Bild oben: Dieter Glasmacher, „Heintje
mein bester Freund“ (1971, Detail)}

^{„German Pop Art“ ist noch bis zum 3. Mai 2026 in der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen zu sehen. Was man sieht, zeigt diese Fotostrecke:}

Die Ludwiggalerie Schloss Oberhausen in der KunstArztPraxis:
Gleich bunt in kritisch. „German Pop Art„
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)
Auf nach Zamonien! Walter Moers in Oberhausen
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr)

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Der Beitrag German Pop Art Nostalgie 1: Heintje erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Als florierende KunstArztPraxis haben wir ja Geld wie Heu, deshalb schließen wir hin und wieder die Patientenpforte und reisen komplett ins befreundete Ausland. Diesmal ging’s nach Bayern, ins Haus der Kunst: zu Sandra Vásquez de la Horra. Hier das Ausflugsprotokoll* unserer Schülerpraktikantin Lucija.

^{*Naja, „Ausflugsprotokoll“ trifft es diesmal nicht so wirklich.
Lucija hat es anders angepackt als unsere Schülerpraktikantinnen bisher.
Aber lesen Sie selbst.}

Letzte Woche ist meine Baka Zora gestorben, mit 94 Jahren. Sie ist aus Zagreb nach Deutschland gekommen, da war sie fast so jung wie ich. Sie hat sich hier nie richtig wohl gefühlt, von den Deutschen ungeliebt, auch missverstanden. 

Aber sie war trotzdem eine starke Frau.

Jugend in Diktaturen

Meine Baka hat zwei Kriege erlebt, den ersten in Zagreb, den zweiten in Kroatien aus der Ferne.

Und sie ist unter Tito groß geworden, dem jugoslawischen Diktator. Im Vergleich zu Pinochet, unter dem Sandra Vasquez de la Horra groß geworden ist, war Tito allerdings ein Waisenknabe.

Die Jugend in der Diktatur, das Unwohlsein in der Fremde: Ich glaube, das sind zwei Sachen, was beide verbindet. Das habe ich aber erst in München begriffen, weil wir eine sehr gute Führung hatten. 

Da lebte meine Baka noch.

^{Foto oben: Sandra Vásquez de la Horra, „Der Sprung des Herrn Maus“ (2008),
Haus der Kunst, München 2026; © an der Kunst: VG Bild Kunst 2025}

Die Haut der Zeichnung

Ich mag die starken Frauen und Müttern auf den Bildern, die in München nicht nur an den Wänden hängen, sondern witzig aufgefaltet auf Tischen stehen. Die Farben, aber auch die tiefschwarze Dunkelheit der Gespenster.

Ich mag, dass das Papier, weil es in Bienenwachs getränkt ist, so was von Haut hat. Ich mag das Geheimnisvolle, das zum Teil ja aus indigenen Mythen stammt. Dass Pflanzen und Vulkane und Menschen magisch ineinander übergehen wie in einem fernen Paradies.

So zu zeichnen muss viel Kraft und Ruhe geben. Energie. „Soy Energía“: So heißt die Ausstellung ja auch.

^{Foto oben: Sandra Vásquez de la Horra, „Schöpfer der Kreatur“ (2015),
Haus der Kunst, München 2026; © an der Kunst: VG Bild Kunst 2025}

Schönheit. Grausamkeit. Geheimnis.

Ich glaube, dass Sandra Vásquez de la Horra ihre Heimat Chile auf ihren Zeichnungen mitgenommen hat. Dass sie die Heimat, die sie im Kopf hat, in ihre Zeichenhand hat fließen lassen.

Mit ihrer ganzen Schönheit, aber auch mit all der Grausamkeit. Und mit ihrem Geheimnis, das gut und böse sein kann.

Da ist sehr viel Sehnsucht in den Bildern. Aber auch Verzweiflung, finde ich.

Aber vielleicht kommt mir das alles auch nur so vor, weil es meine Baka gab.*

^{*Nein, dass ist alles drin, liebe Lucija! Aber
noch mehr. Das wirst du später merken.
Wenn dein Körper andere Erinnerungen
gespeichert hat.}

^{Foto oben: Sandra Vásquez de la Horra, „Geknebeltes Fräulein“ (2015),
Haus der Kunst, München 2026; © an der Kunst: VG Bild Kunst 2025}

Tito hat Bakas Mama mal ein Grundstück am Meer gestohlen, einen Kühlschrank gab es dafür im Tausch, damit sind wir quitt, hat Tito gesagt. Der Kühlschrank ist natürlich längst kaputt.

Aber das war nur ein Grundstück am Meer! Pinochet hat den Menschen ihre Leben gestohlen. Er hat sie umgebracht, ihre Kinder verschleppt. Die waren plötzlich weg.

Und er hat ihnen ihre Geschichte gestohlen. So wie Hitler. Und wie Putin gerade in der Ukraine.

Wer findet die Geschichten?

Deshalb glaube ich, dass die Figuren bei Sandra Vásquez de la Horra auf dem Papier im Leeren schweben.

^{Foto oben: Sandra Vásquez de la Horra, „Soy Energía“,
Ausstellungsansicht, Haus der Kunst, München 2026};
^{© an der Kunst: VG Bild Kunst 2025}

Da ist keine Geschichte mehr, aber man weiß natürlich, dass da eine sein müsste. Denn die Figuren sind viel zu spannend gezeichnet, um keine Geschichte zu haben.

Ich wünschte, ich könnte den Figuren ihre Geschichten zurückgeben.*

^{*Kannst du doch, liebe Lucija! Wir wissen, dass dich der „Spruch“ von uns nervt,
aber: Kunst ist im Idealfall magische Verheißung! Auch für Geschichten.}

Dass die Bilder von Sandra Vásquez de la Horra jetzt im Haus der Kunst hängen, finde ich gut. Hitler hat das Haus ja bauen lassen, um kitschige Bilder hineinzuhängen, die er gut fand und die alle Deutschen gefälligst gut zu finden hatten. Er war ja Hobbymaler.

Die Bilder von Sandra Vásquez de la Horra hätte sich Hitler niemals in sein Haus der Kunst gehängt. Sie hätten ihn geärgert. Vielleicht sogar Angst gemacht. Auch deshalb ist es gut, dass sie da hängen.

Kunst als Heimat

Überhaupt: Die Bilder, die ich mag aus dieser Zeit, als Hitler an der Macht war, hat Hitler lächerlich gemacht. Die sie gemalt haben, sind ins KZ gekommen oder haben fliehen müssen an Orte, wo sie sich nicht zu Hause fühlten. Auch Deutsche. Und viele hatten dann nur noch ihre Kunst als Heimat.

Dazu passt, dass Sandra Vásquez de la Horra viele ihrer Bilder in München einfach mit Nadeln ungerahmt in die Wand gesteckt hat: Damit sie notfalls schnell zusammenpackt werden können, wenn sie aus Deutschland fliehen muss? Zu sowas könnte es ja bald schon wieder kommen. 

Vielleicht ist meine Baka Zora gerade noch rechtzeitig gestorben. Ich lebe ja in einer Zeit, in der Hass und Verachtung für Andere wieder ausreicht, um die Macht zu übernehmen.

Was bitte ist mit diesem Deutschland los? (05.04.2026)

^{„Sandra Vásquez de la Horra. Soy Energía“ ist noch bis zum 17. Mai 2026 im Haus der Kunst in München zu sehen.}

Betriebsausflüge in der KunstArztPraxis:
6: „Honiggelb“ in Wiesbaden
5: Nick Cave in Wassenaar
4: „Kafka: 1924“ in München
3: Nicole Eisenman in München
2:“Geordnete Verhältnisse“ in Nürnberg
1: „Kunst für Tiere“ in Rüsselsheim

Homepage vom Haus der Kunst

Der Beitrag Betriebsausflüge 7: Vásquez de la Horra in München erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte. Vor allem dann, wenn eine Ausstellung trotz aller Wucht derartig hingehaucht ist wie Kerstin Brätschs „MƎTAATEM“ im Kunstmuseum Bonn! Lassen wir also einfach in guter alter Tradition wieder einmal nur die Fotos sprechen.

Zur großartigen Ausstellung selbst haben wir ja an anderer Stelle schon berichtet.

Aber jetzt: Voilà:

(29.03.2026)

^{Kerstin Brätsch. MƎTAATEM“ ist noch bis zum 12. April 2026 im Kunstmuseum Bonn zu sehen.}

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
Der Schatten seiner selbst in Bonn: „From Dawn Till Dusk“
Blick durchs Schaufenster. Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Der brennende Dornbusch. Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 36: William Kentridge in Essen
Reine Bildgebung 35: Eckart Hahn in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 34: „Before the Wind“ in Paderborn
Reine Bildgebung 33: „Teilweise möbliert“ in Krefeld
Reine Bildgebung 32: Elias Sime in Düsseldorf
Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguley in Duisburg
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Bonn

Der Beitrag Reine Bildgebung 37: Kerstin Brätsch in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Am Mittwoch (25.03.2026) starb mit Alexander Kluge einer der wichtigsten deutschen Intellektuellen der Gegenwart; er wurde 94 Jahre alt. Wir wollen gar nicht viele Worte machen. Wir erinnern mit Fotos an seine anregende Ausstellung 2017 im Museum Folkwang. Es war auch eine schöne Begegnung.

Danke fürs Shooting, Herr Kluge, für Ihre Zeit, trotz der Strapazen. Und für das tolle Gespräch.

Und, immer wieder: „Ja“.

Ihre KunstArztPraxis (27.03.2026)

Und das haben wir 2017 für den WDR zur Ausstellung geschrieben:

Im Kopf von Alexander Kluge. „Pluriversum“ in Essen

Der Filmemacher und Schriftsteller Alexander Kluge ist einer der wichtigsten deutschen Intellektuellen der Gegenwart. Jetzt kann man ihm mit Filmen, Bildern und Texten im Museum Essen beim Denken und Bildermachen zusehen. Das ist schön, macht aber auch viel Arbeit. Wie großes Kino. Nur ganz anders.

Im Grunde verfertigt sich Alexander Kluges mündliche wie künstlerische Rede wie das Internet. Aus einem schier unendlich scheinenden Wissensfundus schafft er mit großer Leidenschaft überraschende Bezüge, die oft nur auf den ersten Blick willkürlich scheinen. Zwischen Ökonomie und Mythos zum Beispiel. Oder zwischen Liebe, Macht und der Lebenszeit als Währung. Da ist der Weg vom linearen Medium ins multidimensionale Museum nur konsequent.

Berühmt wurde Kluge zum Vertreter des neuen deutschen Autorenfilms („Die Artisten in der Zirkuskuppel: ratlos“, 1968), für sein literarisches Werk erhielt er 2006 den Büchner-Preis. Mit seinen als „Fensterprogramm“ ausgewiesenen Gesprächen mit Wissenschaftlern, Intellektuellen, Schauspielern, Musikern oder Schriftstellern unterwanderte er als Trojaner die Oberflächlichkeit des Privatfernsehens. 

Im Museum Folkwang werden filmische Werke gezeigt, die zum Teil zwar auf früheren Arbeiten basieren, tatsächlich aber eigens für die Ausstellung konzipiert worden sind. Was Kluge im „Pluriversum“ will, ist nichts weniger, als die Filmgeschichte technisch wie inhaltlich weiterdrehen, mit den bewusstseinserweiternden Möglichkeiten der vieldimensionalen Präsentation experimentiert. 

„Ich bin mir sicher, dass sich Museen heutzutage zu Werkstätten wandeln“, sagt Kluge in diesem Sinn. Und hat in diese Werkstatt auch seinen „Atlas“ integriert: ein „Gedächtnis der Bilder“, in dem er mit seinen Editoren über Jahrzehnte das Potenzial zentraler Szenen der Filmgeschichte in neuen Sinnzusammenhängen erproben wollte. Von den dabei entstandenen 400 Stunden Film ist in Essen eine kleine Auswahl zu sehen.

Am deutlichsten wird das Konzept wohl im Herzstück der Ausstellung „Die Verflüssigung des Festen“ (2017), deren Titel auf Karl Marx verweist, aber eben auch auf das eigene Programm: eine von fünf Projektoren erzeugte, musikalisch rhythmisierte Bilderflut, die einen Bogen schlägt von Walgesängen über Tiere im Bombenkrieg über die Mediengeschichte des bewegten und unbewegten Bilds bis hin zum G-20-Gipfel ohne Afrika 2017. Und einer Absurdität namens Donald Trump.

Bis unter die Decke füllt sich so der ganze Raum mit Bildern, die in teils ruhigem Fluss, zumeist aber in wildem Stakkato geschnitten sind. Kluge geht es vor allem um die Leerstellen dazwischen. „Ich habe die Bilder ja bewusst gegeneinander geführt“, sagt Kluge. „In den Lücken entsteht eine Epiphanie, ein Bild nur im Kopf des Betrachters. Ein Film minus ein Film minus ein Film minus ein Film ist in der Summe mehr als ein Film.“

„Im Kino sitzen die Menschen ja fest vor einer flachen Leinwand“, sagt Kluge. „Im Museum aber kommt ihre Bewegung zur Bewegung der Bilder noch hinzu.“ So funktioniert „Pluriversum“ in der Manier einer Simultanbühne oder eines mittelalterlichen Mysterienspiels, bei dem der Besucher von Station zu Station wandert. Allerdings ohne die zwingende Logik eines Handlungsstrangs.

In diesem Sinn hat Kluge seine eigene Arbeit mit dem Weben und Wirken der mythischen Ariachne verglichen, die Athene aus Eifersucht wegen der von ihr in Kleider verwobenen Bilder und Geschichten in eine Spinne verwandelte. Darauf verweist der Eingangsraum: ein Firmament aus Schlüsselwörtern, das im Pluriversum Kluges als Navigationshilfe dienen soll.

„Eigensinn“ steht da zu lesen, „Philosophie der Fußsohle“, „Stalingrad – Das Knie“, „Eingemachte Elefantenwünsche“. Das ist zwar poetisch, aber auch esoterisch und hilft nur dem Eingeweihten, der sich eh schon auskennt. Oder, um im Bild zu bleiben: In der fein wie von Ariachne gesponnenen Textur von Kluges labyrinthischem Denken fehlt dem Einsteiger bisweilen der Ariadnefaden.

Das gilt für manche der teils vom Ausstellungsteam wundervoll arrangierten und präsentierten  Objekte, die ihre Geschichte partout nicht von sich aus preisgeben wollen. Das gilt für Texte und Bücher anderer – befreundeter? – Autoren, die als Sterne die Gedankenwelt Kluges spotartig beleuchten, von denen man aber nicht unbedingt weiß, welche Stelle. 

Das gilt aber auch ein wenig für die interne Struktur der Schau. Nach welchen Kriterien etwa werden manche Filme in Flachbildschirmen an die Wand geworfen, sodass man als Besucher passiv konsumieren muss, während andere an einem Medientisch auf Tablets darauf warten, animiert zu werden? Man kann darauf kommen, hätte den Kopf aber gerne von Anfang an für andere Überlegungen frei.

Für Überlegungen zum Beispiel, die Kluge mit dem archetypischen Bild eines Hauses und seiner aus den Angeln gehobenen Tür unter Verweis auf ein Grimmsches Märchen einen ganzen Kosmos an Assoziationen lostritt. „Das Haus in Mitteleuropa ist nicht beweglich, kann vor Gefahr nicht ausweichen wie das Schiff des Ulysses“, steht an der Fassade. Wen also hineinlassen ins Haus Europa? Und wen abweisen?

„Inhaltlich, formal und technisch ist diese Ausstellung die komplexeste, die jemals im Museum Folkwang zu sehen war“, betont denn auch Museumsdirektor Tobia Bezzola, der das Museum nach fünf Jahren Richtung Lugano verlässt. „Das braucht Zeit.“ So hofft Bezzola den auch auf „Besucher, die mehrmals kommen“. Im Folkwang geht das. Schließlich ist der Eintritt kostenlos.

So entspricht „Pluriversum“ nicht zuletzt dem Selbstverständnis eines Hauses, das sich eigentlich keine Besucher, sondern Bewohner wünscht, die immer einmal wiederkehren, um auf Entdeckungsreise zu gehen oder sich in ein Lieblingsbild zu versenken. Und auch in Kluges Kopf muss man sich halt ein wenig einnisten, um sich darin heimisch zu fühlen.

So funktioniert die ganze Ausstellung in Essen wie jene Flaschenpost, die den Besucher auf einem Podest im Eingangsbereich erwartet. In Seenot warfen Seeleute sie ins Wasser, heißt es da: „Solche Hoffnung zeigt Mut“. Bei Kluge ist das immer vor allem der kantianische Mut, sich seines eigenen Verstandes zu bedienen. An dieser Anstrengung eigener Aufklärung kommt im „Pluriversum“ niemand vorbei.

Und dann schafft die Ausstellung auch noch einen Bezug zu Kluges Schwester Alexandra, die in zentralen Filmen wie „Abschied von Gestern“ (1966) oder „Macht der Gefühle“ (1983) Hauptrollen spielte und im Juni 2017 starb. „Sie fehlt mir sehr“, sagt Kluge. An diesen Stellen merkt man einmal mehr, dass das Denken dieses eher sanften Menschen nicht kalt analytisch funktioniert, sondern auch geprägt ist von großer Emotionalität.

„Alexander Kluge. Pluriversum“ ist noch bis zum 7. Januar 2018 im Essener Museum Folkwang zu sehen. Bei Spector Books ist parallel ein schmaler Katalog mit Bildern, Essays und Interviews erschienen, der sich aber eigentlich als eine Art Künstlerbuch verstehen lässt. Da ist in der Fläche angedeutet, was das Museum bietet. 

Das Museum Folkwang in der KunstArztPraxis:
„Listen to the Echo“: William Kentridge in Essen
Mein Name ist Haare? Frisuren im Folkwang (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Lebenslanges Türenöffnen: Tomi Ungerer zum 90.
„Kippenbergers Kosmos steckt im ‚Kafka’“
Kunst für alle: Keith Haring in Essen

Homepage des Museums Folkwang Essen

Der Beitrag Im Pluriversum. Zum Tod von Alexander Kluge erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Eigentlich ist die KunstArztPraxis ja unisono immer einer Meinung, aber bei Yayoi Kusama im Kölner Museum Ludwig scheiden sich ausnahmsweise mal unsere drei Geister. Wir bringen deshalb in einem Diptychon Lob & Tadel. Heute: Lob, von den wohlwollenden KunstÄrzten1&2: an Yayoi Kusamas 97. Geburtstag.

Und zwar in einem offenen KunstArztbrief an KunstArzt3.

Köln, am 22. März 2026

Hoch geschätzter Kollege, werter KunstArzt3, lieber Freund,

letzte Woche haben wir dir die Freiheit gelassen, die Räume unserer KunstArztPraxis alleine zu bespielen, denn wir haben dich zwar als notorischen Nörgler, aber eben auch als Jemanden kennen gelernt, dessen Meinung man wertschätzen kann.

Bis letzte Woche zumindest. Denn bei Yayoi Kusama bist du in unseren Augen dann doch erheblich übers Ziel hinausgeschossen. 

Wenn wir dich nicht besser kennten, dann würden wir sogar vermuten, du habest dir die phantastische Schau im Museum Ludwig gar nicht angesehen! Aber wir wollen ja nicht so böse sein wie du.*

^{*das mit dem böse sein verbitte ich mir, Kollegen!
KunstArzt3}

Wo sollen wir beginnen? Du reduzierst Yayoi Kusama auf die Punkte. Und auf den Kürbis. Dabei ist Yayoi Kusama viel mehr als das! 

Es gibt ein grandioses Frühwerk von großer Eigenständigkeit, dass die Ängste & Nöte der Künstlerin sehr wohl in Bilder fasst.

Es gibt eine überwältigend-surreale, phallische Phase.

Und es gibt diese kuratorische Meisterleistung, die uns komplett umgehauen hat. Schöner sahen wir vor allem das „Souterrain“ des Hauses nie bespielt.

Wir empfehlen hiermit, die Schau schon mal für den Preis „Beste Ausstellung des Jahres“ vorzumerken.

^{Foto oben: Unser beider erklärtes Lieblings-Objekt – und SO SCHÖN ausgeleuchtet:
Yayoi Kusama, „In the Woods“ (1983), Museum Ludwig, Köln 2026}

Yayoi Kusama ist nämlich sehr viel mehr als Punkt & Kürbis! Und das arbeitet diese Schau im Museum Ludwig, die du nicht gesehen hast (?), sehr gut heraus.

Im Übrigen: Warum darf Kunst nicht einfach auch mal schön & poetisch & fotogen sein?

Und:

Und: Dass die Menschen im Museum nichtmals mehr das Bild des Abbilds der Idee, sondern nurmehr das Bild des Bildes des Abbilds der Idee betrachten können: Das ist zwar auch für uns beiden Anderen die platonische Hölle, aber doch der Künstlerin nicht vorzuwerfen! 

SO viel Reflexion hätten wir dir dann schon noch zugetraut.

^{Foto oben: Doch doch: Es gibt auch Menschen, die hinschauen!
„Yoyoi Kusama“, Ausstellungsansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Wir bitten dich also hiermit höflichst, noch einmal über deine Kritik an Yayoi Kusama nachzudenken.

Wir zeigen, wie sie keiner sieht!

Ansonsten lassen wir lieber mal die Bilder der Bilder der Abbilder der Ideen sprechen, die bekanntlich mehr als 1.000 Worte sagen.*

^{*zumal: mehr als 1.000 BÖSE Worte, KunstArzt3!*
*hört endlich auf mit eurem Nachtreten.
Das nervt total!}

Und zeigen die tolle Ausstellung so, wie sie wahrscheinlich keiner sehen wird, wie man sie aber am besten genießen sollte.

Nämlich, bis auf wenige Aus- und Aufnahmen: menschenleer. 

^{Foto oben: DIESE Hängung finden wir kuratorisch übrigens fast schon
hypnotisch. Nobles Understatement. Chapeau. „Yoyoi Kusama“,
Ausstellungsansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Wir durften nämlich vor den Massen rein. Danke sehr, Museum Ludwig! Und: Entschuldigung für unseren Kollegen, lieber Kurator Stephan Diederich! Er ist & bleibt halt ein notorischer Nörgler.

Und hat ihre Schau vermutlich nichtmals gesehen.*

^{*ja und?}

Voilà:

^{„Yoyoi Kusama“ in 111 Ausstellungsansichten, Museum Ludwig, Köln 2026}

Bitteschön. Dankeschön, KunstArzt3. Ach ja: Wir können ja trotzdem Freunde bleiben.*

^{*schaun wir mal.}

Deine Kollegen aus der KunstArztPraxis.

(22.03.2026)

^{„Yayoi Kusama“ läuft noch bis zum 2. August 2026 im Museum Ludwig in Köln. Und, noch einmal: Wir anderen beiden aus der KunstArztPraxis sind hellauf begeistert!}

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven!
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln
Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund
Kasper König: Porträt der Schenkung als ihr Schenker
Gerhard Richter Retro: „Neue Bilder“ in Köln (2017)

Der Beitrag Pro & Contra Yayoi Kusama 2: Mehr als Punkte!! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Eigentlich ist die KunstArztPraxis ja immer unisono einer Meinung, aber bei Yayoi Kusama scheiden sich dann doch unsere drei Geister. Wir bringen deshalb anlässlich der Schau im Museum Ludwig einen Diptychon aus Lob & Tadel. Heute: Tadel, vom Trypophobiker KunstArzt3: dem Nörgler aus der Wissenschaft.

2022 stand die japanische Künstlerin Takako Saito (1929-2025) Im Vorfeld ihrer Performance im Klangkleid im Museum Ludwig vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ (1966) – einem der Gründungswerke des Museums vor genau 50 Jahren.* Ein guter Freund kann das bezeugen.

^{*die Retrospektive von Yayoi Kusama versteht
sich auch als Jubiläums-Ausstellung.}

In ihren frühen Jahren habe sie ebenfalls Punktebilder gemalt, sagte Takako Saito vor dem Zwangsmöbel-Stück: 1956 habe sie damit angefangen.

Dabei sei sie vom Meister-Maler Ei-Kyu beeinflusst worden, der seit den frühen Dreißigerjahren mit Punkten gearbeitet habe: genauso wie, man ahnt es längst – natürlich! Yayoi Kusama.

Wenn Punkte öde werden

Das wisse sie, weil sie und Kusama sich im New York der Sechzigerjahre ständig über den Weg gelaufen seien. Die Kunst-Welt dort war klein.

^{Bild oben: Das Universum in der Nusschale: Takako Saito, „Ohne Titel“ (1957)}

„Aber mir sind die Punkte nach ein paar Jahren langweilig geworden. 1963 habe ich deshalb damit aufgehört.“

Das hat Takako Saito laut besagtem Freund, mit dem auch wir von der KunstArztPraxis locker Freundschaft pflegen, vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ im Museum Ludwig gesagt.

Yayoi habe wegen des Erfolgs trotzdem immer weiter gemacht. Und dann soll Takako Saito gesagt haben: „Bei den ‚Polka Dots‘ von Yayoi fällt alle Welt auf diese Krankheits-Geschichte herein.“

Die Punkte fluppen immer noch

Zur Erklärung: Laut Yayoi Kusama gehen ihre „Polka Dots“ auf Halluzinationen ihrer Kindheit zurück, in denen sich die Welt plötzlich mit Punkten überzog.

Bis heute hat sie nach eigener Aussage Ängste, lebt & malt freiwillig in einer Nervenklinik in Tokio.

Und: Offenbar hatte sie wirklich gute Berater aus dem Marketingeltangel! Nach über 60 Jahren unentwegtem Punkte-Malen ist Yayoi Kusama die berühmteste Künstlerin der Welt.

^{Foto oben: Takako Saito durchblättert in ihrem Atelier
ihre Punkt-Gesichter und Punkte-Himmelsscheiben. Düsseldorf 2024}

Zur New Yorker Kunstszene der Sechzigerjahre gehörten übrigens auch Yoko Ono und Mary Bauermeister.

Erstere schlägt, wie Yayoi Kusama, in den Instructions ihrer „Grapefruits“ (1964) die Brücke vom Punkt zur Unendlichkeit, letztere auf ihren Bildern auch. 

Die Amnesie der Kunstgeschichte

ALLE Künstlerinnen haben in New York damals Punkte gemalt, das war meditative Praxis. Und ALLE haben zum Punkten damals von Love, Peace und Universe gesprochen.

Nur hat die Kunstgeschichte das vergessen. Sind ja zur Hälfte tote Frauen. Da kriegt die Kunstgeschichte bekanntlich gerne Amnesie.

^{Foto oben: Punkte-Bilder aus dem New York der Sechzigerjahre
in Mary Bauermeisters Atelier-Haus, Rösrath 2015}

Egal. Wichtig ist, dass Yayoi Kusama mit dem Punktieren der Welt immer weiter gemacht – und den Punkt irgendwie zur künstlerischen Eigenmarke entwickelt hat. Deshalb glauben heute alle, der Punkt gehöre ihr alleine.

Aber man ist ja nicht deshalb einmalig, weil man immer dasselbe macht. Das, was man macht, sollte auch schon einmalig SEIN.

Punkte, Performance, Klamotten, Schachspiel

Tatsache ist, dass sich die Werke von Yayoi Kusama, Takako Saito und Yoko Ono – Dots, Performance, Klamotten, Schachspiel – in so vielen Punkten ähneln.*

^{*Sogar den Kürbis-Fetisch teilte sich Yayoi Kusama mit Takako Saito! Ständig hat sie
Kürbisse gemalt! Aber eben nur eine Zeit lang. Dann wurde es ihr öde.}

Was wissen denn wir?

Kann es also sein, dass Yayoi Kusama deshalb zur berühmtesten Künstlerin der Welt avancierte, weil wir so wenig über das New York der Sechzigerjahre und die künstlerischen Traditionen Japans* wissen?

^{*das mit den „Traditionen Japans“ gilt ja wohl
eher für die Instructions von Yoko Ono
und Takako Saito, KunstArzt3, oder?!?}

Und: Ist ein bescheidenes, individuelles Klangkleid von Takako Saito nicht viel sympathischer als Yayoi Kusamas 450-teilige Überpunktungs-Kollektion – Taschen-Punkte! Turnschuh-Punkte! Luxus-Punkte! – für Louis Vuilleton?*

^{*auch das sehen wir anders! Siehe die
tollen 1968er-Kleider auf dem Foto!}

^{Foto oben: „Yayoi Kusama“, Ausstellungsansicht,
Museum Ludwig, Köln 2026. Tolle Kleider. Von 1968. Aus New York!}

Das ist gar nicht der Punkt!

Aber das ist gar nicht der Punkt. Auch sonst kann ich mit dem „Polka Dot“ von Yoyomi Kusama nämlich nicht viel anfangen.

Ich habe einfach kein Auge dafür – gerade dort nicht, wo er das Ding millionenfach übertüncht. Oder den Raum. Denn dieses heute so beliebte „Immersive“ liegt mir fern.

Das liegt aber vielleicht auch daran, dass ich von Kunst nicht überwältigt werden will. Kunst soll mich nicht an die Hand nehmen. Ich hätte gern, wenn sie auf Distanz bleibt zu mir.

Das hat auch etwas mit Respekt mir als Betrachter gegenüber zu tun. Alles andere ist Penetranz.

^{Foto oben: Wirkt wie Kunst der Aborigines. Ist aber Yayoi Kusamas
„Every Day I Pray For Love“ (2023), Museum Ludwig, Köln 2026}

Aber das sehen die beiden anderen KunstÄrzte vielleicht anders.*

^{*nö, lieber KunstArzt3: Mit DIESEM Punkt sind wir dann doch d’accord.
Haben wir aber auch schon SO oft drüber gesprochen zusammen!
Schöne Grüße!!! Deine KunstÄrzte1&2}

Nichts gegen Konzept-Kunst!

Nichts gegen Konzept-Kunst, die immer das Gleiche macht. Peter Dreher, On Kawara, Erwin Hapke: alles tolle Sachen. Weil sie mein Denken animieren, das Denken mit dem Knie.

Hier aber sehe ich nur Überreizung. Effekt. Ich kann mir da nicht helfen, aber für mich ist Yoyomi Kusamas punktuelles Grenzen-Überschreiten Mode-Trip.

Für mich schaffen Yoyomi Kusamas „Polka Docs“ aalglatte Oberflächen, sind Punkte-Fashion ohne Reibungspunkte, Pop-Art-Deko. Sie führen trotz vermeintlich poetischer Titel nicht zu poetischer Erkenntnis, sondern von der Ausstellung direkt in den Museums-Shop.

^{Foto oben: Museums-Shop in der Buchhandlung König
im Museum Ludwig, Köln 2026. Fürs Kusama-Mechantising
gibt’s extra zusätzlich noch einen Sonder-Stand im Foyer.}

Einfach nur Wow!

Die Grenzen zwischen Körper und Raum auflösen, Grenzen überschreiten, das wollen ja Viele. Das man das will, das kann man lernen. Es ist doch immer noch die Frage, wie man es macht.

Und die Inbesitznahme der Welt durch Kunst ist in meinen Augen beispielsweise Günther Uecker mit seinen Nägeln viel besser geglückt. Und Louise Bourgeois das mit der Angst.

Was soll’s. Die Massen werden ins Museum strömen – vermutlich auch die jungen Massen, die sonst nicht ins Museum gehen. Niederschwellig ist das, was Yoyomi Kusama macht, ja auf jeden Fall. Besucher-Rekorde Hilfsausdruck.

Diese jungen Massen werden dann Yayoi Kusamas immersive Räume stürmen und sie als Staffage für ihre Selfies per Film & Foto auf Insta & TikTok ins mediale Universum spülen, während sich das echte Universum ganz klein fühlt dabei.

Denn so sehr Yayoi Kusama das Publikum auch einlädt, das eigene Ego dank Dots im Kosmos aufzulösen: Ihr Werk wird von einer Generation Z konsumiert, die nurmehr das eigene Ich, wenn’s hochkommt, im Raster ihrer Punkte ins Unendliche vergrößert.

^{Foto oben: Yayoi Kusama, „Infinity Mirrored Room – Illusion Inside the Heart“ (2025),
Herz-Innenansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Ein Werk wird Inszenierungskunst für Social Media – und das Museum zur Personenkultstätte für narzisstische Influencer. So gesehen: doch wieder analoger Spiegelsaal der Gegenwart.

Von Berufswegen sympathisch

Ach ja: Yayoi Kusamas Gedanke, dass Kunst heilen könne, ist mir als KunstArzt schon von Berufswegen sehr sympathisch – und wenn ich das richtig sehe, dann hat es bei Yayoi Kusama selbst, zumindest um zu überleben, ja auch ganz gut geklappt.

Allerdings sind Yayoi Kusamas „Polka Docs“ nicht die Art von Kunst, die mich persönlich heilen könnte. Punkt und Aus. (15.03.2026)

<sup>„Yayoi Kusama“ läuft noch bis zum 2. August 2026 im Museum Ludwig in Köln; es muss online ein Zeitfenster-Ticket gebucht werden, denn es wird, da muss man kein Prophet sein, voll.

Man kann das Ganze nämlich auch ganz anders sehen als unser ansonsten hochgeschützter KunstArzt3-Kollege in seinem trypophobischen Wahn! Und natürlich sind bei den über 300 Arbeiten – von der ersten Zeichnung Mitte der Dreißigerjahre bis zu heutigen Werken – weitaus mehr als Punkte zu sehen. Und auch die Ausstellungs-Architektur ist richtig klasse – wie man hoffentlich an den Fotos von KunstArzt1 erkennen kann!

Dazu aber wie oben schon versprochen nächste Woche (22.03.2026) mehr.</sup>

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln
Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund
Kasper König: Porträt der Schenkung als ihr Schenker
Gerhard Richter Retro: „Neue Bilder“ in Köln (2017)

Zur Entfremdung bei der Kunstbetrachtung:
Der Herr im Kunstpalast. „Elias Sime. Echo“

Homepage des Museums Ludwig

Der Beitrag Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Am Dienstag (03.03.2026) starb der niederländische Künstler Peter Sevriens in Meinerzhagen: ein großartiger Mensch. Ihm zu Ehren präsentieren wir hier exklusiv seine phantastischen Fotos von Konrad Klapheck, die Konrad Klapheck zu Recht zu den besten zählte, die je von ihm gemacht worden sind.

Wir haben den Sichtbarkeits-Maschinen von Peter Sevriens mal einen Beitrag gewidmet, und einmal haben wir seiner Kunst sogar das Leben gerettet. Dafür hat Peter Sevriens uns mit tollen Gesprächen, guter Musik und unglaublichen Entdeckungen belohnt.

Sein Kunst-Bahnhof in Meinerzhagen, dieses Gesamtkunstwerk, war die größte davon.

Aber Peter Sevriens hat in jüngeren Jahren auch Kollegen fotografiert: Joseph Beuys, Konrad Klappheck und Wolf Vostell.

Die Fotos von Joseph Beuys sind uns seit Längerem bekannt. Die Fotos von Konrad Klapheck allerdings haben wir erst bei unserem Besuch bei Peter Sevriens vor knapp einem Jahr gesehen: die letzte Entdeckung.

Wir sind sehr stolz, die Porträts hier erstmals überhaupt präsentieren zu dürfen – zusammen mit der von Peter Sevriens persönlich erzählten Geschichte ihrer Entstehung.

Volià:

^{Foto oben: Peter Sevriens, „Joseph Beuys“ (1981)}

„Ich bin ein Freund von Gegensätzen. Aber von Gegensätzen, die auf den zweiten Blick sehr gut zusammenpassen, auch wenn man das auf den ersten Blick nicht glauben kann. Jeder Koch weiß, was ich meine. Da neue Kombinationen zu finden ist schön. Das habe ich Anfang der Achtzigerjahre, als ich die Künstler fotografierte, auch versucht. 

Vor Konrad Klapheck bin ich bei Joseph Beuys gewesen. Beuys war ein Chaot in seiner Kunst, das kann man schon so sagen. Bei der Suche nach dem Gegensatz stieß ich auf Konrad Klapheck. Der Klapheck hat ja auch total verrückte Sachen gemacht, aber eben mit so einer irren Ordnung, das hat mich nach Beuys wahnsinnig angezogen. 

Es war nicht einfach, an Klapheck heranzukommen

Es war nicht ganz einfach, an Konrad Klapheck heranzukommen. Ich musste mehrmals anrufen, er war damals sehr viel unterwegs oder in der Akademie. Aber irgendwann hat es geklappt. 

Er sah wie ein Hausmeister aus

Wir haben dann einen Termin gefunden, an dem er im Atelier in Düsseldorf malen wollte und ich mit ihm allein sein konnte.

Er hat mir dann die Tür geöffnet und sah in seinem Kittel wie ein Hausmeister aus. Und so war er in gewisser Weise auch: also menschlich im besten Sinne einfach, ohne Allüren. Das hat mir sehr gefallen.

Ich war trotzdem relativ nervös, weil es im Atelier so unheimlich ordentlich wie auf den Bildern war und überall diese imposanten riesigen Leinwände standen.

An diesen Leinwänden ist Konrad Klapheck dann immer wieder vorbeigelaufen; wie ein Architekt. Ein Ingenieur.

^{Foto oben: Konrad Klapheck, fotografiert von Peter Sevriens,
Meinerzhagen 2025}

Aber er hat mich schnell beruhigt und wir waren dann auf einer Ebene. Die Wellenlänge hat sofort gestimmt zwischen uns beiden. Bekloppte Leute finden ja schnell zusammen. 

Wir haben sehr viel Spaß gehabt

Dann habe ich mit dem Fotografieren begonnen.

Am Anfang hatte ich den Eindruck, dass Klapheck nicht besonders fröhlich zu Werke ging.

Es wirkte so, als ob er das Malen, das bei ihm ja eine sehr penible Arbeit war, machen müsse, wie unter Zwang. Aber das ist bei anderen Künstlern ja ähnlich. 

Er hat aber trotzdem alles mitgemacht: auch als ich ihn bat, sich mit dem Drahtauslöser im Spiegel zwischen den Rädern seines Motorrads selbst zu porträtieren.

Wir haben beide sehr viel Spaß gehabt. Und es war sehr schön, ihm bei dieser peniblen Form des Malens, mit Zirkel, mit Lineal, zuzusehen.

^{Foto oben: Konrad Klapheck, fotografiert von Peter Sevriens,
Meinerzhagen 2025}

Da fehlt mir etwas

Ich bin den ganzen Nachmittag bei Konrad Klapheck im Atelier gewesen, sicher fünf, sechs Stunden lang. Wir haben viel miteinander gesprochen, worüber, weiß ich nicht mehr. Aber es war eine wunderschöne Begegnung.

Zuhause habe ich die Bilder dann entwickelt, damit war die Sache für mich abgeschlossen. Ich habe gar nicht erst versucht, sie zu Geld zu machen oder in einer Ausstellung zu zeigen, wie Konrad Klapheck es mir später vorgeschlagen hat.

Da fehlt mir etwas, ich weiß aber nicht was. Selbstbewusstsein ist es nicht. Etwas anderes. Aber ich habe die Fotos ja ohnehin vor allem für mich gemacht.

^{Foto oben: Konrad Klapheck, fotografiert von Peter Sevriens,
Meinerzhagen 2025}

Ein wenig bereue ich nur, dass ich die Fotos nicht mehr persönlich bei Konrad Klapheck vorbeigebracht habe, so wie bei Joseph Beuys. Meine Frau Karin hat sie ihm nach Düsseldorf geschickt. 

Das war ein Riesenkompliment

Ich habe dann noch ein paar Mal mit Klapheck telefoniert, und er hat uns auch noch zwei Mal geschrieben. Er war sehr begeistert von meinen Fotos.

Kurz vor mir war wohl ein Star-Fotograf der renommierten Zeitschrift „stern“ bei ihm im Atelier gewesen, aber meine Fotos fand er besser. Das war natürlich ein Riesenkompliment.

Nach Konrad Klapheck bin ich wieder auf die Suche nach einem Gegensatz gegangen, den habe ich dann im Fluxus-Künstler Wolf Vostell gefunden. Das war aber wieder eine ganz andere Geschichte. 

^{Foto oben: Brief von Konrad Klapheck
an Peter Sevriens, Meinerzhagen 1985}

Ich will mich auf keinen Fall mit Beuys, Klapheck oder Vostell vergleichen, aber von allen diesen Künstlern, von all den Gegensätzen habe ich ein wenig auch in mir.

Bei Konrad Klapheck ist es die Liebe für Technik, für Motorräder, Schreib- und Nähmaschinen. Diese Verfremdung, dieses Neubeleben, das habe ich ja auch gemacht. Wenn auch ganz anders.“ (08.03.2026)

Peter Sevriens in der KunstArztPraxis:
Wie wir der Kunst einmal das Leben retteten
Erste Hilfe: Darf die DB Kunst zerstören?
Joseph Beuys und die Sichtbarkeits-Maschinen
Wie man dem toten Hasen Joseph Beuys erklärt

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