Momentan macht das Marta Herford in mehreren Schauen das museale wie das private Sammeln zu seinem Thema. Mit „Other People Think“ ist gerade die Sammlung des Familienunternehmers Heiner Wemhöner zu Gast. Und da kann man sehr schön sehen, wie richtig sammeln geht.

Wir als KunstArztPraxis werden oft gefragt: „Hey, KunstArztPraxis, Du musst es doch wissen: Wie sammelt man Kunst eigentlich richtig?“ Das ist eine Frage, die uns immer wieder ärgert.

Deshalb beten wir jedes Mal aufs Neue unser Mantra herunter: „Hey Frager*in, das ist die falsche Frage – inklusive „eigentlich“! Die Frage müsste lauten: Wie sammle ICH Kunst richtig? Und DAS können wir Dir nun wirklich nicht sagen.“

Was wir mit dem Nicht-Sagen-Können sagen wollen: Kunst zu sammeln ist ein dezidiert individuelles Risiko. Es geht ja um Dinge, an denen man sich persönlich über Jahrzehnte nicht satt sehen soll.

Aber vielleicht gibt es doch generell ein paar Phasen, die jedes Sammlerherz durchlaufen müsste. DAS zumindest kann man vielleicht sagen.

Meistens fängt man aus Gründen irgendwann einfach an damit (Phase Eins). Dann wächst der Körper, und wenn man Glück hat, bemerkt man rechtzeitig, dass er eine Haut aus Seele braucht: Persönlichkeit. Der Körper sollte eine Richtung haben, die seine Masse zusammenhält. Sonst wird die Sammlung Brei. 

^{Ugo Rondine, „black green nun“ (2020), Marta, Herford 2025}

Das ist dann Phase Zwei. In unseren Augen die wichtigste.

Und weil man meistens mehr sammelt als man Wände hat – wir sprechen hier ja von süchtig machender Leidenschaft –, wäre irgendwann natürlich auch ein eigenes Museum eine feine Sache: ein Haus, in dem der mit Seele behäutete Körper sich wohnlich einrichten kann.

Das ist dann Phase Drei. Diese letzte dritte Phase erreichen die Wenigsten. 

Halt nein, das hätten wir ja fast vergessen!

Halt nein, das hätten wir ja fast vergessen! Es gibt noch eine vierte Phase, und das ist sicher die Königsdisziplin des Kollektiven. Man kann ja auch noch ein Museum bekommen UND ein Schaudepot – und VORHER eine Schau im Marta Herford! 

Phase Vier zündet gerade bei Heiner Wemhöner, der seine in 30 Jahren angehäuften rund 1.800 Exponate bald in den Räumlichkeiten des ehemaligen legendären Nachtclubs „Cheetah“ in der Berliner Hasenheide UND im eigenen Schaudepot in Herford zeigen wird.

Und einen Teil davon, 25 Positionen, jetzt eben, kurz vorher, auf Einladung von Marta-Direktorin Kathleen Rahn, noch in „Other People Think“.

Neben 70 zum Großteil tollen Werken zeigt die Ausstellung, wie man in Phase Zwei des Sammelns vieles richtig machen kann, mit großen wie mit kleineren Namen – vielleicht auch, weil man sich beim Sammeln nicht so wirklich drum geschert hat, was andere Leute denken (?).

^{In DIESE Fußstapfen (von Rodin) muss man erstmal treten! Asta Gröting,
„Ein Bürger von Calais / die Füße von Eustache de Saint Pierre“ (2015), Marta, Herford 2025}

In der Sammlung Wemhöner geht es um Zeit und Kommunikation in allen ihren Erscheinungsformen. Es geht um Gefühle, um Wünsche, Identität, die große künstlerische Geste. Es geht um Politik, Kapitalismus, das sinnliche Erleben. Und es geht um Humor.

Es geht also ums Menschliche, Allzumenschliche: Für eine Sammlung keine schlechte Richtung, wie wir finden. Und es geht um die Wurst.

Die Wurst besteht eigentlich aus mehreren Würstchen und tobt in Herford wie ein güldenes Pressfleisch gewordenes Rumpelstilzchen.

Sie stammt vom durch uns hoch verehrten Erwin Wurm, von dem wir anlässlich einer Ausstellung im Lehmbruck Museum in Duisburg bekanntlich mal eine Gurken-Edition initiiert  – und natürlich selbst was in der hauseigenen Praxis-Sammlung – haben. 

Für uns steht Wurms Wutwurst stilistisch zwischen dem Hausengel von Max Ernst und einem tobenden Donald Trump – äh: Duck (sorry, Donald!) von Carl Barks. Aber man kann sie im Kontext der Sammlung durchaus auch politisch zerzutzeln.*

Denn neben dieser tragischerweise unfassbar aktuellen Figur steht Wurms Miniatur-Barack-Obama, der sogar in seiner Gartenzwerg-Variante neben Komik noch Würde ausstrahlt – anders als Wladimir Putin, der bei Wurm in unseren Augen jenes kleine Großmachts-Würstchen ist, dass er nun mal ist. 

Passt also alles. Meint: Passt also alles zusammen. SO geht Sammlung mit einer zarten Eigenhaut aus Seele.

^{*Ja, klar, vielleicht FREUT sich Wurms Würstchen auch wie ein Schneekönig oder
wie die drei Chinesen von Yue Minjun ihr gleich gegenüber. Würste können ja nicht sprechen!
Es ist bei ihnen wie beim Kunstwerk: Sie müssen sich alles gefallen lassen.
Und zwar von Jedem, der über sie zerzutzelnd nachdenkt.}

Denn das müssen wir dann doch noch betonen: Man kann zwar Niemandem sagen, wie er richtig zu sammeln habe. Aber nach Phase Zwei des Sammlerherzens kann Jede*r immerhin sehen, ob es geklappt hat.

Ach ja, der Vollständigkeit halber, und weil wir gerade von Würstchen redeten: Es gibt natürlich noch einen anderen Sammler-Typen, der aber lieber von Berater*innen sammeln lässt, das ist der von uns sogenannte Investment-Sammler.

Der denkt in großen Namen und sammelt Kunst nach Sofa-Farbe oder für mit großen Namen überm Sofa zu beeindruckende Gäste seines Heims. Oder gleich fürs Zollfreilager. Dort liegt dann der Brei in seinen Kisten und verschimmelt.

Von DIESEM Sammler-Typen wollen wir hier erst gar nicht reden. SO sammelt man Kunst nämlich eigentlich komplett falsch & seelenlos. Mit einem fetten „eigentlich“. (06.07.2025)

^{„Other People Think. Eine Auswahl aus der Sammlung Wemhöner“ ist noch bis zum 24. August 2025 im Marta in Herford zu sehen. Die Schau ist Teil eines Ausstellungsstücks-Programms, das sich dezidiert mit dem Thema „Sammeln“ auseinandersetzt.}

<sup>Anmerkung: Wir haben oben irgendwo einmal geschrieben, dass man sich beim Sammeln nicht darum scheren solle, was andere Menschen denken. Das halten wir fürwahr für wahr. Alfredo Jaars Schriftzug aus der Sammlung Wemhöner, dem die Ausstellung ihren Titel verdankt, ist natürlich anders gemeint!

Er bezieht sich auf einen Vortrag von John Cage, den wir ja ebenfalls sehr verehren, deshalb strahlt er uns ganz besonders an. Aber wie könnte er gemeint sein? Wechseln Sie einfach mal die Perspektive und denken Sie drüber nach. Ihre KunstArztPraxis.</sup>

Das Marta in der KunstArztPraxis:
Topf für Tier & Trecker. „Interieur als Idee“ im Marta
Der Kreativ-Krakeeler. Luigi Colani
Als Trialog: „Das reisende Auge“ im Marta. Und bei uns!
Wie wir „Das reisende Auge“ gesehen haben. Teil 1
Wie wir „Das reisende Auge“ gesehen haben. Teil 2
Ein gut bestelltes Haus? Rodney McMillian
Die Kunst der Stanze: “Annem işçi”
Cage als Motor: “Long Gone, Still Here”
Kein Pferdefuß? Lena Henke im Marta
Mit Arnies Augen: “SHIFT” (leider Opfer der Unsichtbarkeit-Maschine)
“Das sind meine Freunde!” Annette Frick (leider Opfer der Unsichtbarkeit-Maschine)
Sei Werkzeug deiner selbst! Cinthia Marcelle (leider Opfer der Unsichtbarkeit-Maschine)
Überall “Dark Data”: Tobias Zielony
“Sichtbar Unsichtbar”: Ein Gang durchs Marta-Depot
Marta reloaded: Inventur und Vision in Herford
Reine Bildgebung (12): Wie das Marta sammelt
So geht soziale Plastik! Pedro Reyes
Neue Routen durch die Sammlung: “Marta Maps”
Reine Bildgebung (9): “Marta Maps” in Herford
Eine echte Schau: “Look!”
+++ Eil +++ Eil +++ Eil +++ Piraten entern Marta!
Katz im Marta: “Sie werden überrascht sein!”
Fotos malen? „Trügerische Bilder“

Homepage des Marta Herford

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Lesen Sie also bitte nur weiter, wenn Sie sich psychisch und physisch komplett auf der Höhe fühlen! Andernfalls stellen Sie bitte AN DIESER STELLE unbedingt die Lektüre und das Sehen ein. 

Ausdrücklich bedanken möchten wir uns an dieser Stelle bei unserer – sich „Kinsthoistorikerin“ nennenden – Leserin, die uns Mitte 2024 in ihrem Kommentar zu unserem am 1. April geposteten Beitrag „159,2 Millionen für van Goghs ‚Gurkenmädchen‘!“ auf die Risiken und Nebenwirkungen unserer Therapien aufmerksam machte.

Und zwar mit folgenden Worten:

Zwei Punkte sind natürlich faktisch falsch, denn a) kannte Picasso noch gar kein Photoshop und b) gibt es van Goghs Gurkenmädchen natürlich doch, man kann es ja SEHEN! Das uns von Sotheby’s zur Verfügung gestellte Foto – danke, Sotheby’s! – drucken wir hier als Beweis nochmal ab.

Das mit den Fasern & der Bereuung & der Enttäuschung ist aber zweifellos korrekt. Deshalb bitten wir mit Nachdruck darum, auch auf die Lektüre unsrer anderen Beiträge zu verzichten, die wir 2024 geschrieben haben.

Man weiß ja nicht, welche ureigensten Gefühle die Lektüre verletzt.

^{Brachte bei Sotheby’s 159,2 Millionen: Vincent van Goghs „Gurkenmädchen“ (2023)}

Das gilt nicht nur für unsere Ausführungen zu Yoko Ono, in denen wir auf halbierte Menschen zu sprechen kommen, was den Wunsch nach Schizophrenie verursachen könnte. Oder die Worte zu Sheila Hicks, die innere Zerrissenheit angesichts unserer heimlichen Liebe offenbaren (Dissoziationsgefahr!). 

Dies gilt auch für all unsere 2024 getätigten Diagnosen, in denen wir zum Beispiel Kiki Smith eine Beziehung zu einer unserer wölfischen Großmütter angedichtet haben, bei Louisa Clement sogar blasphemisch wurden, Sympathie für Mark Dions Spielsucht bekundeten, den Todsünden des Vamiprismus und des Fetischismus huldigten oder Frauen allen Ernstes unterstellten, dass sie malen könnten wie die Männer!

Von unseren Krankheit & Verderben bringenden Beiträgen zu Alberto Giacometti, Mary Bauermeister, Mischa Kuball, Kaspar König, Bruno Goller oder Katharina Grosse wollen wir erst gar nicht reden. Wir waren ja schon bei Jenny Michel überfordert! 

Ach, es hilft also nichts, uns selbst oder anderen Honig ums Maul zu schmieren: Als KunstArztPraxis sind wir für die empfindsame Menschheit einfach zu gefährlich geworden. In der gegenwärtigen Epoche der investigativen Kinsthoistorie kommt sowas natürlich ans Licht.

Nur wer tot ist, muss nicht sterben!

Zu unserer Ehrenrettung wollten wir hier trotzdem kurz vermerken, dass es zumindest im Jenseits noch Wesen gibt, die von unserer Art zu denken, zu schreiben und zu knipsen nicht (mehr?) tödlich beleidigt sind – na ja, um ehrlich zu sein: EIN Wesen. Namentlich: Hilma af Klint.

Die wurde nämlich 2024 in einer Schau der Kunstsammlung NRW als Pionierin der abstrakten Malerei gefeiert, aber irgendwie konnten wir das nicht glauben: Wir hatten ihre Bilder ja gesehen. Also haben wir bei Hilma af Klint persönlich nachgefragt – und zwar mit dem von ihr selbst zu Lebzeiten für Totenbefragungen bevorzugen Mittel: der Séance. Ergebnis, aus ihrem eigenen Munde: „Nein, das, was ich gemacht habe, ist KEINE abstrakte Kunst. Es ist nichtmal Kunst!“ Und wir hatten das als die drei Einzigen erkannt.

Ach ja: Um ihre Worte noch einmal zu unterstreichen, hat Hilma af Klint die Ankündigung unseres Gesprächs auf Facebook dann auch noch aus dem Jenseits geliked! Schon wieder so ein untrüglicher Beweis, wie bei van Gogh.

In diesem Sinne: Rutschen Sie gut ins Neue Jahr, und zwar mit jeder Faser Ihres Daseins! Am gesündesten natürlich ohne uns. 

Und sorry nochmal. Ihre KunstArztPraxis. (29.12.2024)

Die Jahre auf der Couch der KunstArztPraxis:
Ein Jahr auf der Couch: Wie wir 2023 verarztet haben
Ein Jahr auf der Couch: Wie wir 2022 verarztet haben
(Davor haben wir zwar schon verarztet, hatten aber noch keine Couch!)

Bonus-Tracks: Das waren unsere Fotostrecken 2024 (Vorsicht, Augen-Gicht!)

Der Beitrag Ein Jahr auf der Couch: Wie wir 2024 verarztet haben erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Zu den ersten kunstgeschichtlichen Meisterleistungen der KunstArztPraxis gehörte Anfang April 2021 die Sensationsdiagnose, dass der weltbekannte Künstler Erwin Wurm seine famose Idee mit der Gurke eigentlich dem heute völlig zu Unrecht komplett vergessenen Gurkenfotografen Ricardo Reuss und seinem auf Mallorca entstandenen Lebenswerk „The Cucumber Diaries“ (1977-1989) verdankt.

Diese Enthüllung hat in der Fachwelt hohe Wellen geschlagen. Sie hat Beifallsstürme entfacht, aber auch für einige Empörung gesorgt. Nicht so sehr bei Erwin Wurm, auf dessen Antwort wir bis heute warten, wohl aber bei Reuss‘ Witwe Ricarda, die „das seriöse Werk meines Mannes nicht durch konnotative Bezüge zu einem Kunst-Clown aus Österreich in Misskredit gebracht sehen“ möchte, wie sie uns kurz nach Veröffentlichung unseres Beitrags schrieb.

Rezepte für die Schmunzelatmung

Wir müssen das akzeptieren, wollen aber an dieser Stelle auf jeden Fall betonen, dass wir Erwin Wurm im Unterschied zu Frau Reuss für einen ganz, ganz Großen der Branche halten. Als KunstArztPraxis setzen wir ja gezielt auch auf die Hartung‘sche Lachtherapie – und auf die etwas verträglichere Schmunzelatmung nach Lohmann –, und für beide Ansätze lieferte Wurm auf konstant hohem Niveau bisher allzeit gelungene Rezepte.

Viele dieser Rezepte waren übrigens 2017 in Erwin Wurms wundervoller Duisburger Doppelschau im MKM und im Lehmbruck Museum zu sehen. Wir haben beide fotografiert, dürfen die Bilder aber wegen der Unsichtbarkeit-Maschine nicht zeigen.

Lange sprachen wir damals mit Direktorin Söke Dinkla über Wurms Humor, und währenddessen verfertigte sich in unseren Hirnen allmählich der Gedanke, ob Herr Wurm nicht eine Gurken-Edition fürs Museum machen könnte. Wir würden eine bestellen! Frau Dinkla gefiel die Idee; sie wolle das beim anstehenden Mittagessen mit dem Künstler besprechen.

Wir waren beim Mittagessen leider nicht dabei: Wir mussten ja fotografieren. Wir hoffen aber inständig, dass die Gurken-Edition bei einem Wiener Schnitzel mit deftigem Steirischem Erdäpfel-Gurken-Salat im „Grillparzer’s“ in der Mercatorstraße besiegelt wurde. Oder doch zumindest mit einem – im Übrigen sehr empfehlenswerten! – Gyros-Carpaccio an Tzatziki beim Duisburger Nobelgriechen „Feta & Söhne“ am Willy-Brandt-Ring. Alles andere wäre stillos.

Fünf Sterne für die Nummer Zwei

So oder so war knapp drei Wochen nach der Bestellung unsere Gurke da. Natürlich war sie da schon merklich abgekühlt, und es war auch in der Edition nicht wie gewünscht die erste (die verblieb im Museum), aber wir haben trotzdem keinerlei Grund zur Beschwerde. Wir vergeben deshalb gern fünf Sterne.

Seitdem können uns eigentlich gar nicht satt sehen an der Fleisch gewordenen Idee, diesem unterschätztesten aller Gemüse quasi über Bande ein wenn schon nicht ehernes, so doch zumindest bronzenes Denkmal gesetzt zu haben.

Und wenn es stimmt, was Erwin Wurm sagt, dann hat sein Werk auch uns Drei von der KunstArztPraxis immer mal wieder zu Skulpturen gemacht. Denn in den vielen Stunden und Tagen und Wochen bewundernder Betrachtung sind wir seit 2017 eben immer wieder einmal nicht wie gewohnt zum Praxis-Kühlschrank gewandert.

Und haben ergo an Volumen verloren, bevor wir dann natürlich später wieder zunahmen. Wie es sich für lebende Skulpturen gehört. (27.07.2024)

^{Anmerkung: Komplett unwitzig ist leider, dass Erwin Wurms Werk wie schon angemerkt tatsächlich von den Klauen der Unsichtbarkeits-Maschine umschlungen wird. Deshalb präsentieren wir statt der Bronze-Gurke-Edition oben abgebildeten Serviervorschlag. Das Werk von Ricardo Reuss ist zum Glück noch klauenlos, weshalb wir es anbei präsentieren. Zu hoffen bleibt nur, dass Frau Reuss sich nicht an anderen geldgierigen Witwen ein Beispiel nimmt. Dann müssen auch diese Fotos wieder vom Netz.}

Sommerloch-Porträts der KunstArztPraxis:
Sommerloch-Porträts (5): Ai Weiweis Kern
Sommerloch-Porträts (4): Karin Kneffels Kuh
Sommerloch-Porträts (3): Robert Wilsons Mund
Sommerloch-Porträts (2): Pierre Huyghes Hund
Sommerloch-Porträts (1): Tim Burtons Hand

Homepage des Lehmbruck Museums
Homepage des Museums Küppersmühle

Der Beitrag Sommerloch-Porträts 6: Erwin Wurms Gurke erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Vor Kurzem haben wir aus unserer kollektiven Erinnerung spontan das Gedicht „Weltende“ (1911) von Jakob van Hoddis niedergeschrieben, aber wir können noch etwas auswendig, weil das den Geschichtslehrern unserer Sauerländer Jugend wichtig war.

Es ist die Anfangspassage aus Kants Essay „Was ist Aufklärung“ von 1784, die so erschreckend aktuell geworden ist, dass wir auch sie kurz kollektiv erinnern wollen:

Im April feierte Immanuel Kant seinen 300. Geburtstag, und wenn er wirklich so unsterblich wäre, wie wir ihn ob solcher Sätze gerne hätten, dann hätte er sich über die Ausstellung in Bonn sicher gefreut – vor allem über die vielen jugendlichen Besucher*innen.

Zumindest als wir da waren, waren neben den üblichen Ü60 sehr viele Schulklassen mit ihren Lehrer*innen da.

Der Kant-Kult der Vergangenheit

In Bonn wird Kants Leben, seine Zeit und seine Philosophie gerade für ein philosophiefernes Publikum didaktisch anschaulich aufbereitet. Es gibt viel zu lesen und zu experimentieren. Und ein paar Reliquien, die sich dank Kant-Kult der Vergangenheit überliefert haben, gibt es auch.

So sind in „Kant und die offenen Fragen“ sogar jene feinen Schuhe zu bestaunen, mit denen der Philosoph bei seinen täglichen Stadtspaziergängen vielleicht durch Königsberg flanierte – und jenes im Zweiten Weltkrieg komplett zerstörte barocke Königsberg, durch das er mit den Schuhen flaniert ist, ist sehr imposant & mit riesigem Aufwand virtuell rekonstruiert.

„Wer nicht denken will, fliegt raus“

Was kann ich wissen? Was soll ich tun? Was darf ich hoffen? Was ist der Mensch? Anhand dieser Schlüsselfragen Kants entspinnt sich in Bonn der Parcour.

Wobei wir es natürlich besonders toll finden, dass dabei nicht nur zeitgenössische Dokumente aus Leben, Kunst und Wissenschaft zu finden sind, sondern auch Gegenwartskunst, die sich von Kant her begreifen lässt.

Beuys ist mit dem Multiple „Ich kenne kein Weekend“ vertreten, zu dem auch Kants „Kritik der reinen Vernunft“ als bescheidene Reclam-Ausgabe gehört – ein Multiple, das wir im Beuys gewidmeten Anfangsjahr unserer KunstArztPraxis als DIY-Servier-Vorschlag zum Nachbasteln angeboten haben.

Das leuchtet ein: Immerhin hat Beuys im Grunde Kants „Sapere aude!“ mit „Wer nicht denken will, fliegt raus“ ironisch in die autoritärere Formel des philosophieren lehrenden Lehrers in seiner Klasse gepresst.

Wo bleibt die Moral?

Von Anselm Kiefer gibt ist ein eher unbescheidenes Gemälde zu sehen – wohl wegen seines kantianischen Titels „Der gestirnte Himmel über mir und das moralische Prinzip in mir“ (1997). Das ist Kontrastprogramm: Erhaben – vielleicht sogar über jeden Selbstzweifel? – ist Kiefer ja immer.

Ein moralisches Prinzip jedenfalls haben wir auf dem Bild nicht entdeckt.

So weit, so gut.

Ansonsten aber hätte sich Kant, wenn er in seiner Unsterblichkeit mit seinen Schuhen aus der Bundeskunsthalle zum Spaziergang an die freie Stadtluft getreten wäre, sicher vor allem jene in der Schau von besagter Strähne repräsentierten Haare gerauft: Schließlich wird seine Aufklärung von imaginären Glatzköpfen in imaginären Springerstiefeln gerade mit Füßen getreten.

Mangelnde Urteilskraft Hilfsausdruck

Wir sind ja im erkenntnistheoretisch eher unbeleckten postfaktischen Zeitalter angekommen, das zwischen faktenbasierter Wahrheit und bloßer Meinung keinen Unterschied mehr erkennen will – selbst da nicht, wo einem die amoralische, unsoziale, bisweilen gar narzistisch-kriminelle Durchtriebenheit dieser „Meinung“ ganz offensichtlich in beide Augen springt.

Mangelnde Urteilskraft Hilfsausdruck.

Was Kant auf unseren Straßen zu sehen bekäme, ist ja nichts weniger ein neuer Eingang des Menschen in seine selbstverschuldete Unmündigkeit, eine Rolle rückwärts in eine Epoche, in der ausgerechnet Aufklärer wie Kant die Buhmänner sind.

Nur fehlt es bei diesem Eingang in die selbstverschuldete Unmündigkeit offenbar nicht an Mut, sich seines eigenen Verstandes zu bedienen. Es ist den Eingegangenen schlichtweg egal.

Was will ich glauben? Was kann mir nützen? Was soll ich kaufen? Wer ist ein Mensch? Das sind so die Fragen.

Exkurs zum Schlafschaf

Für diesen in seine Unmündigkeit Eingegangenen haben die Schlafschafe übrigens den schönen Begriff des „Schlafschafs“ erfunden, und der trifft es, wie wir finden, ziemlich gut.

In unserer kollektiven Einbildungskraft schlummert das Schlafschaf sanft in einer Blase, die die Wölfe permanent mit süß-sauren Giften füllen. In dieser nährenden Lösung erträumt sich das Schlafschaf einen Leitwolf zum Schäfer, der wie durch Zauberhand nur jene Schafe reißt, die das Schlafschaf für die schwarzen hält.

Dass es selbst ein Schlafschaf sein (und dem Wolf zum Opfer fallen) könnte, fällt dem Schlafschaf im Traum nicht ein. Es hält sich nämlich für hellwach. Und tatsächlich sieht man dem Schlafschaf den Schafsschlaf äußerlich nicht an! Das ist der ontologische Trick.

Wir sind uns ziemlich sicher, dass das Schlafschaf noch tiefer wird schlummern können, wenn die Wölfe ihm in naher Zukunft die Fruchtblase dank KI zu 100 Prozent mit virtuellen Giften füllen. Wobei wir mit KI natürlich „Künstliche Intelligenz“ meinen, und nicht, wie noch im Philosophieunterricht unserer Sauerländer Jugend, „Kategorischer Imperativ“.

Und damit genug fabuliert. Zurück zu Kant.

Es gibt momentan eine heftige Debatte über „westliche Werte“, die wir nicht so recht verstehen, aber es liegt vermutlich nur ein Missverständnis vor.

Wenn wir an „westliche Werte“ denken, dann denken wir automatisch an Demokratie, Gleichberechtigung, Menschenwürde, Wissenschaftsfreundlichkeit, Friedfertigkeit und Toleranz. Und an moralische Integrität. Ja: auch auch die.

Mit diesen Idealen sind wir zum Gutteil nämlich noch großgeworden. Aber „westliche Werte“ sind das ja tatsächlich nicht unbedingt.

Im Großen und Ganzen sind das eher die Ideale der Aufklärung, die in der Ausstellung aufscheinen, weil unter anderen Kant sie vertreten hat – auch wenn es mit der praktischen Umsetzung bei ihm nicht immer so ganz klappen wollte.

Auch dies zeigt die nicht zuletzt vom Erkenntnisstand der Forschung her sehr fundierte Bonner Schau mit Blick auf Kolonialismus, Rassismus, Antisemitismus und Sexismus auf.

Sollte man besser „Werte der Aufklärung“ sagen?

Vielleicht sollte man statt „westliche Werte“ also besser „Werte der Aufklärung“ sagen? Dann hätte man (zum Beispiel) auch die muslimische Welt mit eingefangen, die ja mal unvergleichlich viel aufgeklärter als die christliche war.

Und all jene, die im „Westen“ diese Werte nicht vertreten, hätte man außen vor.

Könnte man sich DANN vielleicht darauf einigen, dass diese „Werte der Aufklärung“ durchaus Ideale sind, die es – gerade jetzt, wo der blasige Mainstream der teils erschreckend jungen Schlafschafe aus Trotz und Verachtung und Empathielosigkeit und Egoismus die Wölfe zu wählen droht – mit Zähnen und Klauen zu verteidigen gilt?

Es sind nämlich fast ausnahmslos jene Werte, die die imaginären Glatzköpfe wie, sagen wir: Donald Trump, Wladimir Putin oder die AfD, in ihren imaginären Springerstiefeln pausenlos mit Füßen treten.

Was dürfen wir wünschen?

Wir jedenfalls wünschen uns viele aufgeklärte Menschen, die sich weigern, erneut in ihre selbst verschuldete Unmündigkeit einzutreten, obwohl es nie so verführerisch war wie heute. Und wir wünschen uns eine vernunftbasierte, polemikfreie Politik, die, wie von Kant vorweggewünscht, endlich wieder in Bildung & Erziehung investiert: also langfristig in Zukunft denkt statt in Humankapital und in Wahlperioden.

Auch das wäre langsam an der Zeit.

Und, ja: Wir wünschen uns Lehrer*innen, die den Mut besitzen, ihren Schüler*innen Kant (und noch viele andere derselben Liga) zuzumuten. Und Schüler*innen mit der Entschließung, Kant (und noch viele andere derselben Liga) auch zu lesen. Durchaus so kritisch, wie diese Ausstellung Kant zu lesen versteht. Auf dieses Sapere aude wollen wir zumindest hoffen.

Und den Anfang von Kants Essay „Was ist Aufklärung“ sollte auch noch Jede*r auswendig können. Punkt & Schluss. (28.01.2024)

^{„Immanuel Kant und die offenen Fragen“ läuft noch bis zum 17. März 2024 in der Bundeskunsthalle in Bonn. Mögen Schulklassen die Ausstellung fluten.}

^{Anmerkung1, zur Sicherheit: Nein nein: Wir sind zwar nicht so lebensmüde, dass wir eines unserer drei Leben für Andersdenkende opfern würden wie Voltaire sein einziges, aber wir haben nichts gegen Andersdenkende, im Gegenteil: Man kann ja lernen. Gerade Querdenker sind willkommen. Sie sollten eben halt nur wirklich quer DENKEN. Darauf wollten wir hinaus.}

^{Anmerkung 2: Doch doch: Wir wissen selbst, dass die unabhängigen, also auch die öffentlich-rechtlichen Medien und die „Eliten“ eine Menge zur momentanen Medien- und Eliten- und Demokratiefeindlichkeit beigetragen haben. Wir versuchen ja zumindest, mit unseren Köpfen die eigene Blase hin und wieder zu durchstoßen wie der Mensch auf Flammarions Holzstich. Gut, das man auch sowas sagen kann.}

^{Nachtrags-Anmerkung 3 (22.01.2024): Wir haben gestern die Bilder der Demonstrationen in Hamburg, München und Berlin gesehen (und auch die, wenn auch kleinen, Demos aus dem Osten), und: Ja, wir haben alle Drei ein bisschen vor Freude geweint.}

Appendix: Kant, Georgia und der Wert der Kunst

Kant hat sein Postulat vom Ausgang des Menschen aus seiner selbst verschuldeten Unmündigkeit zeitgemäß an „Religionssachen“ festgemacht, weil „in Ansehung der Künste und Wissenschaften unsere Beherrscher kein Interesse haben, den Vormund über ihre Untertanen zu spielen“. Aber EINEN Vormund für Kunstfans gibt es heutzutage schon, und der heißt „Markt“. Wobei wir den „Markt“-Begriff, wie er hier interessiert, ziemlich weit fassen wollen.

Der „Markt“ bestimmt den „Wert“ von Kunst, der sich zumeist am Finanziellen – oder am Martgeschrei der Anderen – orientiert. Und der „Markt“ legt fest, was wir überhaupt zu sehen kriegen. Beim „Markt“ geht es aber meistens nicht um Kunst, sondern um Geld und um Geschichten (außer bei uns natürlich!), und eine besonders hübsche hat sich bekanntermaßen Ende letzten Jahres in der Bundeskunsthalle zugetragen.

Auch wenn es natürlich Alle wissen, erzählen wir es hier gerne noch einmal: In der Bundeskunsthalle ist beim Abbau von „Wer wir sind. Fragen an ein Einwanderungsland“ Anfang Oktober 2023 aufgefallen, dass in der Ausstellung offenbar über einen Monat lang ein Bild hing, das die Künstlerin Danai Emmanouilidis aus Hagen hineingeschmuggelt und mit doppelseitigem Klebeband an der Museumswand befestigt hatte.

Die Kunst-Aktion, die als „Geschichte“ ziemlich alles hat, worauf Medien so abfahren, bekam wie erwartet ein Medienecho, dass das journalistische Maß der Aufmerksamkeit für die vorangegangene Ausstellung gefühlt um das Hundertfache überstieg. Am Ende – sprich: am 29. November 2023 – wurde das Bild („Georgia“, Acryl auf Papier, 2019/2020) beim renommierten Kölner Auktionshaus VAN HAM für einen guten Zweck, vor allem aber für 3.700 Euro (inkl. Aufgeld) versteigert. So macht es der „Markt“ ja immer: Subversives wird gnadenlos einverleibt.

Und? Sagt diese Geschichte irgendetwas aus über das Bild (das wir im Übrigen gar nicht übel finden, wenn auch nicht so gut wie die Aktion daselbst!) und seinen „Wert“? Natürlich nicht! Aber sie sagt viel aus über unsere Vormünder – und was wie & warum zu sehen (oder eben nicht zu sehen) kriegen. Im Übrigen sollte uns die Geschichte daran erinnern, dass prinzipiell überall da draußen – jawohl: auch jenseits der Museen und Galerien und Auktionshauswände! – gute Kunst lauern könnte. Man muss nur mündig & aufgeklärt hinschauen.

Denn: Kants „Sapere aude!“ gilt auch für Kunst.

Die Bundeskunsthalle in der KunstArztPraxis:
Echt? Peinlich? “Ernsthaft?!” in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung (15): “Ernsthaft?!” in Bonn

Der Kunstmarkt in der KunstArztPraxis:
159,2 Millionen für van Goghs “Gurkenmädchen”!
Die Zerstörung van Goghs: “Stand up for Art”
Keine Kunst! Was Richard David Precht vergaß

Homepage der Bonner Bundeskunsthalle

Der Beitrag Vom Schlafschaf. Kant und seine Fragen in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Um es gleich vorweg zu sagen: 2023 ist uns ein ganz ganz großer Coup gelungen! Wir haben nämlich einen echten van Gogh gefälscht und der Kölner Dependance des Auktionshauses Sotheby’s untergejubelt! Das Auktionshaus hat diesen echt falschen van Gogh dann zu einer Rekordsumme von 159,2 Millionen versteigert. Und am Ende haben wir auch noch Google ausgetrickst.

Toll, oder?

„159,2 Millionen für van Goghs ‚Gurkenmädchen‘!“ war unser Aprilscherz 2023, wir drei Nostalgiker machen solche Albernheiten noch. Im Grunde ist der Beitrag eine Satire auf den Kunstmarkt, und dass er 2023 am häufigsten – nämlich in acht Monaten sensationelle 29.779 Mal mit einer Durchschnitts-Lesedauer von sensationellen zwei Minuten! – geklickt worden ist, zeigt leider auch, dass immer noch viel zu viele Menschen mehr am kunstumhüllenden Brimborium interessiert sind als am Kern der Kunst.

Also, bitte: 2024 vor allem wieder unsere Kunst-Beiträge klicken! Dankeschön. 

Allerdings haben die hohen Klickzahlen dazu geführt, dass unser Aprilscherz-Brimborium um den KI-generierten van Gogh dem KI-generierten Algorithmus von Google ein Schnäppchen hat schlagen können. Wer in der dortigen Suchmaske die Frage „Was ist das teuerste Bild von van Gogh?“ eingab, bekam, zumindest bis gestern (27.12.2023), unsere Fälschung ausgespuckt.

Toll, oder?

So wird sich unser van Gogh in Tausenden 2023 geschriebenen Proseminar-Arbeiten von Kunstgeschichts-Stundent*innen wiederfinden. Und das ist doch auch schon ein schöner Erfolg.

Was gab es 2023 sonst noch in der KunstArztPraxis?

Fast so viele Nutzer wie an unserer Van-Gogh-Geschichte nahmen übrigens Anteil an unserer Beschreibung des Begräbnisses von Mary Bauermeister – dicht gefolgt von unserem endgültigen Abschied von ihrem Märchenreich. Und unsere bitterböse Kritik der wahrlich grottenschlechten WDR-Sendung „Stand up for Art“ steht auf Platz 4.

Was waren weitere unserer schönsten Erfolge? Na: Lena Henke zum Beispiel haben wir in Herford sogar eine komplette eigene Ausstellung verschafft – und für die Faltkunst von Erwin Hapke – nach der Räumung des alten Hauses vor zwei Jahren – im Berichtsjahr ein komplettes neues Haus gebaut! Auch darauf sind wir ziemlich mächtig stolz.

Ohnehin waren wir das ganze Jahr über Weihnachtsmann! Yoko Ono hat zum 90. Geburtstag 90 nagelneue Grapefruits von uns bekommen und René Magritte zum 125. zwei neue Dichtungs-Pfeifen und Marcel Duchamp zum 55. Todestag fünf neue Readymades (dank unserer Kooperation mit seinen großen Kollegen Michelangelo, Albrecht Dürer, Max Ernst, Joseph Beuys und Ai Weiwei). Und auch für Pablo Picasso gab’s eine unserer legendären Lobhudeleien aus unserer lyrischen Hausapotheke.

Unser Battle mit dem Chatbot

Ansonsten haben wir darüber berichtet, wie Katja Novitskova in Siegen die Pinguine ihres Glücks beraubt, wie Peter Piller in Düsseldorf Ordnung schafft, wie Alicja Kwade in Duisburg unsere Seelenblindheit aufdeckt oder warum Christiane Löhr viel bessere Ideen hat als der oben schon genannte Michelangelo.

Wir haben Cornelius Völker vor seinen Kritikern in Schutz genommen und Tilo Keils grandiose Negativ-Collagen aus den Sechzigerjahren dem Vergessen entrissen. Wir waren bei Nicole Eisenman in München auf Betriebsausflug. Und wir sind für Martin Kippenberger in ein Lyrik-Battle getreten: KunstArztPraxis („Lieber Dichter, dichte mir„) gegen KI („Liebes Chatbot, dichte mir„). Hat auch viel Spaß gemacht.

DA war die Kunst 2023: unsere persönlichen KunstArztPraxis-Ausstellungs-Highlights

Was hat weniger Spaß gemacht?

Was hat weniger Spaß gemacht? Naja, wir haben uns mit einer wütenden Wiebke Siem streiten müssen (hier bitte ihren Kommentar zum Beitrag lesen)! Zudem haben wir uns – erfolgreich! – im Dienst der Kunst mit der Deutschen Bahn angelegt und einem Museumsdirektor – vermutlich erfolglos – zu erklären versucht, warum wir so fotografieren, wie wir es nun einmal tun. Es gibt halt leider auch Museumsdirektoren, die unseren Blog nicht lesen.

Und anlässlich der Ausstellung „Menschheitsdämmerung“ im Kunstmuseum Bonn sind wir sogar ein bisschen weltpolitisch geworden. Denn wir finden, dass 2023 weltpolitisch eher bescheiden war. Und wünschen uns für 2024 Besserung.

Vielleicht gelingt das ja mit der von uns 2023 erfundenen Stilrichtung des Frutar(t)ismus? Jedenfalls sind alle Künstler*innen dieser Erde seitdem dazu aufgerufen, letztere durch ersteres etwas besser zu machen.

In diesem Sinne: Bleiben Sie uns gewogen.

Mit den besten Wünschen fürs neue Jahr,

Ihre KunstArztPraxis

(28.12.2023)

Ein Jahr auf der Couch: Wie wir 2022 verarztet haben

Der Beitrag Ein Jahr auf der Couch: Wie wir 2023 verarztet haben erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Manifest des malerischen Frutar(t)ismus

^{Für (und gegen) Filippo Tommaso Marinetti}

^{„Friede den Blüten!
Krieg den Koteletten!“}

Wir sind die Verfechter des malerischen Frutar(t)ismus. Wir missbilligen eine Kunstgeschichte, die auf der Darstellung von totem Fleisch und tierischen Produkten basiert. Wir lehnen Gemälde ab, deren Farben aus den Leichen getrockneter Schildläuse, den pulverisierter Blasen von Tintenfischen oder dem Sekret zerstampfter Gastropoden bestehen.

Für jedes Gramm Purpur auf diesen Bildern mussten – und müssen! – rund 10.000 Schnecken sterben! Karminrot und Sepia waren – und sind! – die Sargnägel in der Artenvielfalt unseres Planeten. Und Eitempera-Malerei war – und ist! – Mord an ungeborenem Leben.*

^{*Von Schellack, Ochsengalle, Glutinleim, Kasein, Tierkohle, Gelatine, Haut, Horn
Honig oder Bienenwachs im Kunstwerk wollen wir erst gar nicht reden.}

Wir verachten die Stillleben-Produzenten des Goldenen Zeitalters für ihre Legitimierung der brutalen Jagd, den Stierkampf-Zeichner Picasso für seine Schönfärberei des Rindertötens zum Zeitvertreib.

Wir verachten die Schlachthaus-Maler Hieronymus Bosch und Francis Bacon (sic!), die uns die Welt als jene hermetisch geschlossene fleischliche Hölle präsentieren, der es angesichts einer durch Massentierhaltung forcierten Klimakatastrophe doch eigentlich zu entrinnen gilt.

Hingegen verehren wir den Obst- und Gemüsemaler Arcimboldo, den ersten veganen Künstler der Neuzeit, der die Erde, die Luft und das Wasser aus lebendigen Tieren geformt hat und mit der visuellen Fülle jedes seiner Bilder die bedrohte Biodiversität unseres Planeten preist.

(Bild: Für das Gemälde der österreichischen Designerin Emilie Flöge von Gustav Klimt mussten Hunderttausende Purpurschnecken sterben – ebenso wie wohl auch für das echte Kleid.)

Acimboldos physiognomisch versinnbildlichte Philosophie

Wir lesen Arcimboldos Gemälde als ökotrophologisch fundierte Serviervorschläge eines gesünderen Lebens, als Allegorien auf gerechtes Essen. Für diesen Maler sollte der Mensch nicht aus Fleisch und Blut gemacht sein, sondern aus Rettich, Kohlblättern, Kirschen und Lauch!

Fleischfressen ist/macht hässlich, Pflanzenessen schön: So lautet Acimboldos physiognomisch versinnbildlichte Philosophie.

Wie anders wären sonst seine Kippbilder zu verstehen, auf denen sich ein Gemüsetopf im Handumdrehen in einen gesund & glücklich dreinblickenden Gärtner verwandelt, ein Braten-Teller mit Gegrilltem hingegen in einen verschlagenen, grimmigen Koch im Harnisch des Schlächters?

Und nur so ergibt Arcimboldos rosiges Bildnis seines Gönners „Rudolf II. als Vertumnus“ – also als Gott des Gartens und der Früchte – jenseits aller bisherigen Interpretationen endlich Sinn:

als Apotheose der platonischen Idee einer weisen Herrschaft von Äpfeln, Artischocken, Birnen, Bohnen, Erbsen, Feigen, Granatäpfeln, Kastanien, Kirschen, Kohlblättern, Kürbissen, Maiskolben, Maulbeeren, Pflaumen, Weintrauben, Weizenähren und Zwiebeln über den menschlichen Körper von A bis Z.

Dass das Gemälde 1988 mit Hilfe von Krill-Enzymen restauriert worden ist, betrachten wir als Schande – und als Schlag ins Gesicht aller Wale, Pinguine, Seevögel, Robben, Heringe und Makrelen, die noch leben.

Bekanntlich war Arcimboldo ein großer Verehrer Platos und seines im „Timaios“ präsentierten Gedankens, dass die Götter Menschen und Tiere aus gleichem Stoff erschaffen hätten – während die „Bäume, Gewächse und Saaten zu einem anders beschaffenen Lebenden hervorsprießen“ würden.

Für Arcimboldo musste Fleischverzehr also Kannibalismus sein! Und derart frutar(t)istisch hat er auch gemalt. Quod erat demonstrandum.

Die Wissenschaft gibt dem Blumigen recht

Für uns steht das große „F“ auf Arcimboldos Bildern deshalb nicht für das gemeinhin unterstellte kleine „fecit“ („er hat gemacht“): Das war ja mit der Signatur schon klar. Es steht für „Floridus“ („der Blumige“) oder „Fructus amicus“ („Freund der Früchte“).

Die moderne Forschung jedenfalls gibt diesen zu Lebzeiten als „grilli“ (sic!) diffamierten, dann verlachten und bis ins 20. Jahrhundert vergessenen Bildern aus ernährungsphysiologischer, aber auch aus tierethischer und lebenswissenschaftlicher Perspektive Recht.

Im Namen Arcimboldos erklären wir das mörderische Zeitalter einer carnivoren Malerei, die zwecks der Abbildung toter Kreaturen zermalmte Weichtiere und Insekten mittels Pinseln aus Schweineborsten auf eine tierknochenverleimte Leinwand brachte, für beendet.

Die Zukunft gehört den Eisenoxiden der Höhlenmalereien, den Färberpflanzen der Klostergärten, den mit Pflanzengummi gebundenen Pigmenten aus den Mineralien und Erden des Mittelalters, den exotischen, artgerecht entnommenen Harzen des Drachenblutbaumes oder des Gummigutts.

Der echte Nährwert der Gemälde

Die Zukunft gehört den Blumenbildern, den arciboldesken Porträts und phantastischen Architekturen aus Obst und Gemüse, einer von Mastvieh und Monokulturen auf den Feldern befreiten, alles frei Sprießende und Blühende lobpreisenden Landschaftsmalerei.

Die Zukunft gehört Museen, die sich dem Lebenden statt dem Toten, dem Blumigen statt dem Blutigen verschreiben. Und einer Kunstkritik, die Bilder ganzheitlich nach ihrem echten Nährwert zu beurteilen vermag.

Wir Verfechter des neuen malerischen Frutar(t)ismus wollen aber noch weiter gehen! Denn für uns begann der Sündenfall der Malkunst mit der Darstellung einer verführten Frau, die unter Einflüsterungen des inkarnierten Bösen einen Apfel brutal seiner paradiesischen Heimat /also dem Baumstamm) entriss!

Pflücken verboten!

Dahingegen strebt der malerische Fruktar(t)ismus in seiner unschuldigen Verwendung von Obst- und Gemüse-Material auch nach einer unschuldigen Darstellung von Obst und Gemüse, das noch am Baum (oder Strauch) der Erkenntnis hängt.

Oder wie im Schlaraffenland nach den Gesetzen der Newtonschen Schwerkraft kraft seiner freien Entscheidung in den Schoß (oder auf den Kopf) der Menschheit herabgefallen ist.*

^{*Aber natürlich ohne die Darstellung von Schweinen, die mit Messern
und Gabeln in der Schwarte servierfertig durch die Gegend rennen!
Müssen wir ja wohl nicht mehr erwähnen.}

Das Scheitern Marcel Duchamps wird unterbewertet!

Und in der Performance, der Plastik? Da hätten wir uns einen Marcel Duchamp gewünscht, der 1917 statt einer Sanitärkeramik aus dem Baumarkt einen (wurmlosen) Apfel vom Boden einer Streuobst-Wiese aufgehoben und ins Museum getragen hätte!

Das hätte uns in der neueren Kunstgeschichte sicher so Manches an Rindfleisch (Abramović), Knochen (Holzer), Haien (Hirst), Hasen (Beuys), Wölfen (Dion), Rentieren (Höllerer) oder Pferden (de Bruyckere) erspart.

Ein solcher Streuobstwiesen-Apfel wäre das erste Readymade des skulpturalen Frutar(t)ismus gewesen, den Pioniertaten des Arcimboldo würdig. Und weitaus wegweisender als ein umgekipptes, den gefüllten Blasen des patriarchalen Schweinesystems dienendes Pissoir. (10.07.2023)

^{Anmerkung 1: Obwohl uns der malerische Frutar(t)ismus natürlich auch zu weit geht, doch noch mal zur Sicherheit: Für uns sind nicht die Vertreter einer gesünderen Ernährung oder einer lebenswerteren Umwelt die gefährlichen Ideologen. Die lauern unseres Erachtens an der entgegengesetzten Seite des Tischs und mästen den Rechtsextremismus gerade mit Wortwürsten wie “Öko-Diktatur”, „Heiz-Stasi“, “Klima-RAF” oder „Fleischverbots-Partei“. Diese ausgekochte Verrohung aus Lügen & egoistischem Kalkül in der politischen Mitte ist mehr als beschämend: nicht nur, aber auch & gerade in einer Zeit, die sich der gemeinsamen Suche nach Rezepten zur Rettung der Erde – und der gleichfalls gefährdeten Demokratie! – verpflichten sollte. Punkt.}

^{In diesem Sinne bitten wir, das obige Manifest nicht misszuverstehen. Es eignet sich zur Instrumentalisierung nicht. Wir wollten einfach nur eine neue, zeitgemäße Kunstströmung erfinden. Und Arcimboldo ähren.}

^{Anmerkung 2: Ja, wir wissen, dass „Koteletten“ nicht der Dativ Plural von Kotelett ist! Für eine gute Paronomasie gehen wir halt über semantische Leichen.}

Vegane Kunst in der KunstArztPraxis:
Ricardo Reuss: Der Fotograf der Gurke
159,2 Millionen für van Goghs “Gurkenmädchen”!
Veganic Art (VA)

Tiere in der KunstArztPraxis:
Peep-Show mit Tieren: Bertram Jesdinsky in Neuss (gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Betriebsausflüge (1): “Kunst für Tiere” in Rüsselsheim
Wie man dem toten Hasen Joseph Beuys erklärt
„Surreale Tierwesen“ in Brühl: Zoo mit Zerberbus
Das Wir im Tier: „Lovely Creatures“ in Aachen
Sommerloch-Porträts (2): Pierre Huyghes Hund
Stella Hamberg: Kraft und Sinnlichkeit

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Als Kinder mussten wir nicht ins Rijksmuseum pilgern, um ins Goldene Zeitalter einzutauchen: Uns reichte der Gang in eines der elterlichen Wohnzimmer. Dort hing überm Sofa Jan Vermeers „Herr und Dame beim Wein“ (um 1661) in echtem Öl.

Der Vermeer stammte aus der Werkstatt des städtischen Kopisten. Neben einem Schnellimbiss hatte er sein Ladenlokal. Hinter einem riesigen Schaufenster standen zahllose Stillleben, Kirchen- und Genrebilder in Petersburger 3D-Reihung auf dem Boden. Auf dem Weg von der Kirche zum Imbiss drückten auch wir samstagabends unsere Nasen an der Scheibe platt.

Und während nebenan die holländischen frietjes im Bratfett brutzelten, bannte der Kopist an einer Staffelei hinter seinen fertigen Werken im Licht einer nackten Glühbirne einen Niederländer nach dem anderen in Öl.

Auch „Der Mann mit dem Goldhelm“, der damals noch von Rembrandt, also weltberühmt & teuer war, gehörte dazu. Er kostete laut Preisschild in unserer Erinnerungen knapp 400 Mark.

Im Arp Museum hängt momentan ebenfalls ein Rembrandt: ein eher früher, kleiner, aber wunderschöner – und nach aktuellem Stand der Forschung sogar echter. Umrahmt wird er von Werken von Frans Hals, Hendrik ter Brugghen, Gerrit Dou oder (als einziger Frau) Judith Leyster: keine Fast-Food-Produkte der Werkstätten zur Nachfragen-Stillung, sondern die originelle Crème de la Crème der holländischen Barockmalerei.

Nur die Vermeer-Dichte war in unserem Sauerländer Wohnzimmer etwas größer.

Dafür ist in „Goldene Zeiten“ eine um 1660 von Michiel Swerts gemalte Dienstmagd zu sehen, die, wie wir vor Ort munkeln hörten, schon Vermeers „Mädchen mit dem Perlenohrgehänge“ (um 1665) im Mauritshuis gegenüber gehangen haben soll.

Sollte das stimmen, dann hat das „Junge Hausmädchen“ ihr ungleich berühmteres, keckeres Gegenüber trotzdem nie gesehen: Ihr Kopf ist züchtig zur Seite gedreht, der Blick schweift etwas verloren in die Ferne. Der Auftritt ist ebenso bescheiden wie ihr Ohrring, im Spiegel von Vermeers Exotik sogar ärmlich. Es ist auf dieser großen Bühne verhältnismäßig kleines Kino.

Wir haben uns verliebt!

Die dick geklecksten Lichtreflexe in ihren schwarzen Augen und die blassrosa schimmernde Zartheit ihrer Gesichtshaut, vulgo: Inkarnat, sind trotzdem zum Verlieben. Das von Swerts bediente Sujet der Kopfstudie („tronie“) mag ja zeittypisch sein, auf vielen der 200.000 überlieferten Werke der Epoche vorkommen, aber diese bravouröse Zurückhaltung, dieses noble Understatement ist ebenso frisch wie entzückend. Vermeer konnte ja nur edel.

Neben dem Porträt einer alten Köchin von Gerrit Dou ist Swerts Hausmädchen mit den bezaubernd ausgeführten Nähnadeln am Mieder in „Goldene Zeiten“ unser Lieblingsbild. Wir sagen das, obwohl die Magd auch uns mit ihren lebendig schwarzen Augen nicht ein einziges Mal angesehen hat! Diese Spannung zwischen Erwartung und Enttäuschung mussten wir die ganze Zeit aushalten.

Wir hätten uns aber auch nicht gewundert, hätte sie es plötzlich, etwas verschämt, getan.

Ansonsten wird viel geschaut in Remagen: natürlich nicht auf den Landschaften oder Stillleben, die eher die Augenlust reizen und dabei ans Schöne und seine Vergänglichkeit gemahnen wollen, wohl aber auf den Genre- und Historienbildern. Vermutlich könnte man diese Abteilung der „Goldenen Zeiten“ – das Leid, den Aufruhr, das Laster, das Entsetzen, die Verklärung der Figuren – allein über den Blick und das Blicken nacherzählen.

Das imaginäre Navigationsgerät

Diese Blicke sind zentrales dramaturgisches Element – wie bei Hendrick Ter Bruggens einladendem „Tricktrackspielern“(1627) oder bei Matthias Stoms in Lichtregie und Körperspannung deutlich an Caravaggio gemahnendem „Christus vertreibt die Geldwechsler aus dem Tempel“ (1629-32). Dort steuern sie den Betrachter sogar wie ein modernes Navigationsgerät die Autofahrt: Wir blicken unwillkürlich mit den Augen der Figuren mit.

Die kuratorische Lenkung von „Goldene Zeiten“ greift dieses Verfahren ein wenig auf, indem sie thematische Gruppen unter anderem auch über die Blicke zusammenfasst. Mit ihrer Hilfe schirmen sich zwei Gemälde vom Rest der Hängung ab – oder umrahmen ein drittes Bild in ihrer Mitte. Und dann blickt natürlich auch die hauseigene Sammlung Rau auf die Bestände des Sammler-Ehepaares George und Ilone Kremer, von denen 34 der 50 gezeigten Werke stammen. Toll.

Ähnlich funktioniert das über Gesten. Die Haltungen des Körpers. Dieses raffinierte Zusammenspiel hatte uns schon 2022 bei Paula Modersohn-Becker in denselben Räumen ausgezeichnet gefallen. Und das überzeugt uns auch dieses Mal.

Ach ja: In Remagen kann man den Blick in der Manier des Hausmädchens auf unserem Lieblingsbild ebenfalls in die Ferne schweifen lassen – und das sogar nicht leer, sondern gezielt. Man braucht dazu nur eine VR-Brille nebst Fernbedienung – und geht dann durchs „erste Virtual-Reality-Museum der Welt“, das Joël Kremer für die Sammlung seiner Eltern programmiert hat.

Allerdings sollte man beim virtuellen Gehen durch die barocken Welten lieber ganz analog sitzen bleiben und darauf verzichten, die großen Gesten der Gemälde zu kopieren: Sonst kann es passieren, dass man plötzlich gegen eine reale Wand läuft oder jemand Unsichtbaren an seiner Seite grob touchiert.

Dafür kann man die fürs gezielte Blicken nötige Kopfbedeckung aber problemlos mit Perlenohrgehänge tragen! Haben wir vor Ort getestet. Funktioniert einwandfrei.

1650 kam auf Tausend Bewohner Amsterdams ein Maler: Allein eine Million Bilder sollen damals entstanden sein. Auch wenn der Bedarf im Sauerland 300 Jahre später nachweislich geringer ausfiel, so galt unseren Eltern das „Goldene Zeitalter“, wie oben dargestellt, doch noch als Inbegriff guter, also: hier nur noch rein dekorativer Kunst. Nach ihrem Hintersinn befragt wurden diese schönen Bilder nicht.

Vom Rümpfen vormals plattgedrückter Nasen

Vermutlich war der falsche Vermeer im Wohnzimmer deshalb das erste Kunstwerk, das wir als Säuglinge erblickten; das Goldene Zeitalter verfolgte unsere gesamte Kindheit mit: nicht nur, wie oben dargestellt, hinter der Scheibe einer Schnellimbiss-Kopierwerkstatt, sondern auch auf Knüpfbildern und Zinntellern. In der Jugend mussten wir uns dann natürlich von diesem konstant mit der Muttermilch & mit plattgedrückten Nasen aufgesogenen Kunstgeschmack naserümpfend distanzieren.

Auch wenn wir Vermeer und Rembrandt schon längst neu für uns entdeckten: Ein bisschen im Nacken hatten wir diese rebellische Attitüde immer noch, als wir zu „Goldene Zeiten“ nach Remagen reisten. Von unseren pubertären Vorurteilen hat uns diese Ausstellung allerdings nun endgültig geheilt.

Kunst muss nicht von Können kommen. Aber es schadet im Zweifelsfall auch nichts.

Emotional bewegen und bewegend fesseln wollten die Niederländer mit ihrer lebendigen Kunst. Das ist ihnen in unserem Fall tatsächlich geglückt. Diese narrative Detailverliebtheit – die Kröten! die Taube! der Schwan! – diese Akkuratesse des Pinselstrichs: Selbst da, wo uns die tiefere Symbolik nichts mehr sagte (und das war häufig), blieb der Zauber.

Auch Vermeers „Herr und Dame beim Wein“ steckt ja, wie wir inzwischen wissen, voll subversiver Symbolik. Hätten unsere Eltern das geahnt, hätten sie sich das Gemälde sicher nicht übers in den Jahren wechselnde Sofa gehängt. Aber das ist eine andere Geschichte. (01.05.2023)

^{Anmerkung: Als florierende KunstArztPraxis sind wir natürlich eher am Menschen und am Tier, sprich: am Patienten interessiert als am Baum und am Strauch oder am Obst und am Gemüse (einsame Ausnahme: die Gurke!), aber die Stillleben und Landschaften der Ausstellungen sind ebenfalls eine echte Schau! Wie gesagt: Wir sind geheilt.}

^{„Goldene Zeiten der holländischen Malerei. Sammlung Kremer trifft Sammlung Rau“ ist noch bis zum 20. August 2023 im Arp Museum Bahnhof Rolandseck zu sehen. Wer warten kann, kommt nach dem 14. Mai. Dann steht die neue Sammlungs-Präsentation. Und Franziska Nasts grandiose Schau „RRRRReality“ ist auch noch am Start.}

Appendix: Was wir dem „Mann mit dem Goldhelm“ verdanken

Auch Rembrandts „Mann mit dem Goldhelm“ war Teil des Dekors unserer Kindheit. Schummrig ausgeleuchtet, hing er bei einem Klassenkameraden im Wohnungsflur. Eigentlich war es ein Goldhelm mit Mann, beziehungsweise nur ein Helm, der offenbar als Tarnkappe fungierte: Der sehr dunkle Mann war im Kontrast zu seinem grellem Schutzschmuck in diesem Ambiente nahezu unsichtbar.

Der Flur war ein Schlauch. Den Boden versank in einem Meer fein bemusterter, beige befranster, dunkelroter Läufer. Die Wände waren mit dunkelbraunen Tapeten-Ornamenten verkleidet, die Decke mit dunkelbraunen Brettern abgehängt. Wir erinnern uns noch lebhaft an ein Telefon, das bis auf die Wählscheibe in einer barock bestickten Brokathülle steckte. Es war ein Interieur, das im Drogenrausch vermutlich Horrortrips produziert. Für uns passte der Rembrandt perfekt hinein.

Einmal in Jahr lud uns der Klassenkamerad zum Geburtstag ein. Nach der Kuchenschlacht knubbelten wir uns in freudiger Erregung an einem Ende des psychodelischen Wohnungsflurs. Am anderen Ende nahm der Vater den Rembrandt unter unseren Blicken vorsichtig von der Wand, stellte ihn auf den Boden und hängte statt seiner eine Zielscheibe an den Haken.

Es war eine jener Scheiben, an denen die Mitglieder Sauerländer Schießvereine fürs Schützenfest den montäglichen Königsschuss – oder, bei schmalem Geldbeutel, dessen Vermeidung – übten. Der Flur war zum Schießstand geworden: Aus seiner düstren Tiefe kam der Vater auf uns zu und überreichte uns feierlich ein Luftgewehr.

Bis zum Hals im Boden versunken, überwachte Rembrandts Mann unterm Goldhelm das Spektakel. Nur sein Kopf ragte aus dem blutroten Schützengraben des aufgewühlten Teppichmeers: Wir konnten ihn erahnen, weil er unter seinem wehrhaften Helm ja schattenhaft da sein musste. Wir kannten diesen Rembrandt, diesen berühmtesten aller Rembrandts, auch aus unseren Schulbüchern, gut.

Was sollen wir sagen? Wir waren Sonntagsschützen. Die unendlich weit entferne Scheibe bot uns im Chiaroscuro des Raumes nur einen ungefähren Anhaltspunkt. Wir sind uns deshalb auch nicht sicher, ob die Löcher, die unsere Geschosse unter dem Hallo der jeweils Anderen in breiter Streuung in die Tapete bohrten, vom Rembrandt wirklich verdeckt werden konnten, nachdem er die Schirmherrschaft über die Wand wieder übernommen hatte.

Vermutlich hätte die „Nachtwache“ unsere rabiaten Flurschäden besser kaschiert. Es war ja ein Bombardement über Jahre.

Ohnehin hätte Rembrandts Amsterdamer Büchsenschützengilde noch besser ins Interieur hineingepasst als dieser einzelkämpferische Goldhelm, für dessen magische Präsenz uns die Geburtstagsballerei eine ganz eigene Deutung schuf: Der Helm musste die Krone eines mythischen Schützenkönigs sein! Und den Mann hatte Rembrandt so nebulös, quasi als Platzhalter gemalt, weil der Schützenkönig in der Wirklichkeit ja in jedem Jahr ein Anderer war.

Bis heute sind wir verwundert, dass der über den Teppichwassern schwebende Goldhelm unter unserem Beschuss keinen Schaden nahm: Er war wohl gar nicht aus Farbe, sondern aus Stahl. Schaden nahm er erst 1986, als sich der Inbegriff von Rembrandts Meisterschaft unter großem Medientamtam als – plötzlich zweitrangige – „Werkstattarbeit“ entpuppte. Danach wurde sicher auch der Goldhelm, wie wir ihn kannten, aus seinem schummrigen Flur augenblicklich ins Exil eines noch dunkleren Dachbodens verbannt. Er war ja, des großen Namens als glitzernder Speerspitze beraubt, nichts mehr wert.

Wir erinnern und noch lebhaft an den Schock, der nach der Enttarnung selbst durch unsere eigentlich noch gar nicht kunstbegeisterten Reihen lief. Es war wirklich ein Schock, fast kollektives Entsetzen, heute nicht mehr zu begreifen: eine weitere Schuss- oder Stichwunde in unseren naiven Glauben an die Unfehlbarkeit von Autoritäten, an die unerschütterliche Beständigkeit der Welt.

Andere mögen sich erinnern, wo sie sich befanden, als die „Challenger“ zu Teufelshörnern explodierte oder die Zwillingstürme stürzten. Wir erinnern uns, wo wir (nämlich mit der „Westfalenpost“ vor der Nase am elterlichenFrühstückstisch) saßen, als der bis dahin unsterbliche Mann unter dem wehrhaften Goldhelm aufgrund seiner Achillesferse – dem falschen Maler, den falschen Malern? – unter großer Anteilnahme fiel. Es ist nicht übertrieben, wenn wir sagen, dass damals auch unsere Kindheit und Jugend ein Stück weit mehr verloren ging.

Die Sache mit dem Goldhelm war unsere erste wirklich prägende Begegnung mit den Gesetzen des Kunstmarkts. Sein Verblassen machte uns skeptisch gegenüber den Blendgranaten des Betriebs. Angeschlagen tauchten wir unsere Körper bis zum Hals in die Fluten des Biggesees, der uns nicht nur von den schießwütigen Ritualen unserer Sauerländer Kindheit reinwusch, sondern auch (nahezu) unverwundbar machte gegenüber den Verführungen des Marktgeschreis.

Und wir beschlossen, auf diesem Schlachtfeld, mit einem Tarnkappen-Goldhelm bewaffnet, so weit wie möglich selbst im Dunkeln, so weit wie möglich ewig unsichtbar zu bleiben.

Das ist es, was wir dem „Mann mit dem Goldhelm“ verdanken.

^{Anmerkung: Wir haben recherchiert. Eine Kopie des „Manns mit dem Goldhelm“ in echtem Öl gibt es im Internet schon für rund 250 Euro zzgl. Versand. Preise wie im Sauerland vor 40 Jahren! Echte Kunst verliert eben nichts an Wert.}

Mehr Licht (2): 450 Jahre Caravaggio (*1571)

Das Arp Museum in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung (13): Berlinde de Bruyckere
Die Haut der Seele: Berlinde De Bruyckere
Paula Modersohn-Becker in Remagen: Frau = Birke
Stella Hamberg: Kraft und Sinnlichkeit
Freiheit durch Weglassen: Rodin und Arp in Remagen
Warum überflüssig? “Luxus und Glamour” in Remagen

Homepage des Arp Museums

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Es ist DIE Sensation des noch jungen Auktionsjahres: Ein bislang unbekannter van Gogh, der schon Pablo Picasso gehörte, hat bei einer Versteigerung in Köln am 170. Geburtstag des Malgenies alle Rekorde gebrochen. Das „Mädchen mit den Gurkenscheiben“ ist van Goghs einziges Bild mit dem Obst als Motiv.

Es war ein genialer Coup von Sotheby’s Köln, eine Sensation für den deutschen Auktionsmarkt – und ein tolles Geschenk für Vincent van Gogh obendrein: Am Abend seines 170. Geburtstags (30.03.2023) kam sein „Mädchen mit den Gurkenscheiben“ (1888) nach einem aufregenden Bieter-Gefecht für rund 159,2 Millionen Euro (inkl. Aufgeld) unter den Hammer.

Taxiert war das relativ kleine Bild auf lediglich 1.500.000 bis 2.500.000 Euro gewesen.

Modigliani ausgekontert: Van Gogh im IAI-Ranking wieder auf Platz Vier

Damit rutschte van Gogh auf dem „Internationalen Auktions-Index“ (IAI) der weltweit teuersten Künstler von Platz Fünf hinter Pablo Picasso (160,3 Millionen Euro) auf Platz Vier – und konnte an Amadeo Modigliani (157,2 Millionen Euro) nach acht Jahren erstmals wieder vorbeiziehen.

Unangefochtener Spitzenreiter bleibt aber Leonardo da Vinci (415,4 Millionen Euro), gefolgt von Andy Warhol (179,8 Millionen Euro).

Den Zuschlag erhielt ein nicht näher genannter Bieter am Telefon. Dem Vernehmen nach soll es sich aber um einen Geschäftsmann für Import-Export aus den Vereinigen Arabischen Emiraten handeln.

„Die Zeiten, in denen Gemälde van Goghs reihenweise in japanischen Tresoren verschwanden wie die Sonnenblumen in den 1990er Jahren, sind offenkundig vorbei“, sagte Auktionator Jeppe van Hallstein (42) auf der eigens anberaumten Pressekonferenz. Der Kunstmarkt habe im oberen Preissegment „global eine interessante regionale Verlagerung“ erfahren.

Teuerster van Gogh aller Zeiten war vor zwei Jahren Flohmarkt-Schnäppchen

Das “Mädchen mit den Gurkenscheiben” war erst 2021 – und in sehr schlechtem Zustand – auf einem Flohmarkt in Marseille–Aix-en-Provence aufgetaucht und bis zur Versteigerung unter größter Geheimhaltung von Grund auf restauriert worden.

Das Bild zeigt die 14-jährige Marie-Thèrese Roulin, das vierte (adoptierte) Kind der sechsköpfigen Familie des Postboten Joseph Roulin, die van Gogh in vielen seiner besten Porträts immer wieder festgehalten hatte.

Woher kommt die Ähnlichkeit mit Frida Kahlo?

Auffallend sei die Ähnlichkeit mit der mexikanischen Malerin Frida Kahlo, so van Hallstein: bemerkenswert, da sich van Gogh und Kahlo nach bisherigem Forschungsstand nie begegnet seien. „Womöglich muss jetzt Kunstgeschichte neu geschrieben werden.“

Das inzwischen auch liebevoll „Gurkenmädchen“ genannte Gemälde ist van Goghs einziges Werk mit Gurken als Motiv. Dies könnte den Preis ebenso in die Höhe getrieben haben wie der Umstand, dass sich das Bild zeitweise im Besitz Pablo Picassos befand.

Zunächst galt die Echtheit des Bildes als umstritten

Nach seiner Wiederentdeckung galt die Echtheit des „Mädchens mit den Gurkenstücken“ zunächst als umstritten – wohl auch wegen der in Fachkreisen als „dilettantisch“ kritisierten Restaurierung. Dann tauchte ein Brief van Goghs an seinen Bruder Theo auf, in dem von einem „netten Mädchen“ („lekker meisje“) die Rede ist, „das mir jeden Morgen geschnittene Gurken bringt“.

In der niederländischen Medizin galten Gurken bis zur Jahrhundertwende als Arznei. Offenbar wollte die Familie Roulin dem gesundheitlich stark angeschlagenen Maler – vielleicht auf Ratschlag des befreundeten Arztes Paul-Ferdinand Gachet – so helfen.

Endgültige Gewissheit über die Echtheit brachte ein Foto der Surrealistin Dora Maar, die von 1936 bis 1943 Picassos Muse war und unter anderem den Enstehungsprozess von Picassos Antikriegsbild „Guernica“ (1937) mit der Kamera dokumentiert hatte.

Das Foto zeigt den spanischen Künstler Anfang der 1940er Jahre rauchend in seinem Pariser Atelier mit dem – allerdings noch überaus kitschig gerahmten – Gemälde (links).

Wie das Gurkenmädchen in den Besitz Pablo Picassos kam, ist noch weitgehend unklar. Aber der Künstler scheint es wie seinen Augapfel gehütet und sogar mit auf Reisen genommen zu haben.

Gestohlen von Picassos Elektriker?

Experten vermuten zudem, dass van Goghs Motivwahl Picasso zu seinem „Stilleben mit Gurken“ (1939) inspiriert haben könnte.

Dieses Bild gilt seit den 1970er Jahren als verschollen. Vermutlich wurde es von Picassos Elektriker Pierre Le Guennec aus Picassos Villa „La Californie“ in Cannes entwendet und an einen befreundeten Mafiaboss zur Begleichung von Spielschulden veräußert.

Rechts eine Farbrekonstruktion des Gemäldes mittels der von der Deutschen Forschungsgemeinschaft (DFG) geförderten PigmentierRekonstruktionsMethode (PRM) im Magnetresonanztomographen (MRT).

Nach eigenen Angaben hat der anonyme Einlieferer auf dem Flohmarkt rund 50 Euro für das „Mädchen mit den Gurkenscheiben“ bezahlt. Da hatte das Gemälde nach Recherchen des Auktionshauses schon eine abenteuerliche Odyssee hinter sich.

Demnach gehörte der letzte Maharadscha von Jaipur, Bhawani Singh (1931-2011), ebenso zu den Besitzern wie der russische Gemüsemarkt-Oligarch Konstantin Putschewko (1944-1998) und die tschechische Schauspielerin Libuše Šafránková (1953-2021), die durch den Film „Drei Nüsse für Aschenbrödel“ (1973) weltberühmt geworden ist.

Veganes Bild mit tierischen Pigmenten

Putschewko schenkte Šafránková das „Gurkenmädchen“ 1976 anlässlich ihrer Hochzeit mit dem Schauspielerkollegen Josef Abrhám – wohl auch, weil das Werk trotz des passenden Motivs seiner radikalen Fokussierung auf eine Kunstrichtung widersprach, die heute unter dem Schlagwort der „Veganic Art“ (VA) ebenso im Trend liegt wie NFTs.

Van Gogh hatte dem Bild in geringem Maß Farben wie Karmin, Cochenille oder Purpur beigemischt, deren Pigmente aus Schildläusen und Schnecken gewonnen werden.

Der van Gogh fürs „Gurkenmuseum der Moderne“

Als einen der letzten Besitzer konnte das Kölner Auktionshaus den berühmten „Gurkenfotografen“ Ricardo Reuss (1951-1993) eruieren, dem der österreichische Bildhauer Erwin Wurm laut eigener Aussage den Einfall mit der für sein Werk zentralen Frucht verdankt.

Reuss verfolgte jahrzehntelang den Traum eines „Gurkenmuseums der Moderne“ und hatte hierfür eine bedeutende Sammlung entsprechender Werke – neben van Gogh von René Magritte (links) oder von Piet Mondrian (unten) – zusammengetragen.

Detaillierter Bestandskatalog eines geplanten Privatmuseums

Für dieses Privatmuseum erstellte Reuss einen detaillierten Bestandskatalog seiner rund 1.150 Werke umfassenden Sammlung. Dort ist das Gemälde van Goghs als Inventarnummer VG023a unter dem etwas profanen (und nicht ganz korrekten) Titel „Cucumber Girl, 1887“ geführt.

Die Provenienz des Bildes gilt damit trotz der fehlenden letzten drei Jahrzehnte als nahezu lückenlos dokumentiert – laut Auktionator van Hallstein eine Seltenheit bei Werken dieser Güte.

Kommt im Herbst das Gurkenmesser unter den Hammer?

Und noch etwas brachte die detektivische Recherche von Sotheby’s zutage: Laut Auktionator Jeppe van Hallstein ist nicht auszuschließen, dass sich van Gogh mit demselben Messer, mit dem Marie-Thèrese Roulin die Gurken für ihn schnitt, nach dem Zerwürfnis mit Paul Gauguin im Gelben Haus in Arles 1888 sein Ohr verstümmelt hat! Dafür spricht, Hallstein zufolge, „einiges“.

Das Messer soll deshalb im Herbst 2023 bei der Gala-Abendauktion „A Short History of Arts in Artist’s Objects“ angeboten werden, diesmal aber im Sotheby’s-Hauptsitz in New York: Verhandlungen mit den Erben laufen.

2019 hatte der Revolver, mit dem van Gogh Selbstmord begangen haben könnte, bei einer Versteigerung in Paris 162.500 Euro eingespielt.

Ernsthaft kein Gemüse solo

Interessant für Kunstgeschichtler*innen ist sicher auch, dass es sich bei Gurken im botanischen Sinn um Obst – und keineswegs um Gemüse! – handelt. Auch darauf wurde im Vorfeld der Kölner Versteigerung in einer ausgeklügelten Medienkampagne in den Sozialen Medien immer wieder ausdrücklich hingewiesen.

Damit bleibt Vincent van Gogh wohl der einzige große Maler der Moderne, der nie ernsthaft versucht hat, Gemüse zu malen. (01.04.2023)

^{Anmerkung1: Inzwischen hat der neue Besitzer mitgeteilt, das von ihm ersteigerte Bild als Dauerleihgabe an den Louvre Abu Dhabi geben zu wollen. Vielleicht wird das Gurkenmädchen also bald in unmittelbarer Nachbarschaft zum Erlöser („Salvator Mundi“) von Leonardo Da Vinci hängen (sobald dieser ausgestellt werden wird natürlich nur!). Insgesamt wären das dann mindestens 574, 6 Millionen Euro Kunst in unmittelbarer Nachbarschaft, verteilt auf nur zwei Werke! Eine Weltsensation, auf die wir uns schon freuen.}

^{Anmerkung 2: Im Umfeld des 50. Todestags von Pablo Picasso (08.04.2023) kommt am 5. Juni 2023 bei der 500. Versteigerung des Kölner Auktionshauses VAN HAM Pablo Picassos „Buste de femme“ (1971, Zervos Vol. 33, WVZ.-Nr. 156) unter den Hammer. „Eine Sensation für den deutschen Auktionsmarkt“ (VAN HAM). Taxe auch hier: 1.500.000 bis 2.500.000 Euro. Merkwürdig, wie beim Gurkenmädchen!}

^{Unser Tipp: Investieren Sie Ihre Millionen und bieten Sie mit! Vielleicht bricht das Bild ja auf diese Weise sogar unseren Van-Gogh-Rekord! Dann würden wir sicher wieder berichten.}

^{Nachtrag: Die These, dass Vincent van Gogh nie ernsthaft versucht haben soll, Gemüse zu malen, gilt in Kunstwissenschaftler*innenkreisen inzwischen als widerlegt. Auktionator Jeppe van Hallstein möchte aber an dieser Stelle ausdrücklich darauf hinzuweisen, dass es sich auch bei den angeführten Werken nicht um „ernsthafte Versuche van Goghs“ gehandelt habe. Etwas anderes habe er nie behauptet.}

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Der Beitrag 159,2 Millionen für van Goghs „Gurkenmädchen“! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Gestern haben wir geträumt, wir wären auf der Beerdigung von Vincent van Gogh. Aber irgendwie kamen wir zu spät, der Künstler war bereits begraben. Jetzt saßen nur noch vier gut gelaunte Menschen beim Leichenschmaus. Man sprach über appe Ohren, überall hingen Bilder, van Gogh war schon vergessen.

Es wurde viel gelacht, über den Toten natürlich, und über die eigenen Witze: Die Stimmung war superb. Wie gesagt: Es war ein Leichenschmaus.

Aber es war kein Traum. Es war die sechste Folge der „Comedy & Satire“-Sendung „Stand up for Art“ im WDR. Die will ein junges Publikum für Kunst begeistern, indem sie es mit seinen eigenen hippen Formaten abholt. Nur leider wurde van Gogh mit seiner Kunst dabei komplett im Regen stehen, also links liegen gelassen.

Das Hipe beginnt schon beim Vorspann. Hip ist zum Beispiel heutzutage zu betonen, dass man von dem, worüber man anschließend plaudern will, keinen blassen Schimmer hat – und darauf auch noch stolz zu sein. So die Moderatorin schon im Vorspann: „Bei mir zuhause hängt ’ne Plastiktüte in ’nem Bilderrahmen an der Wand. Ob das Kunst ist, weiß ich jetzt nicht“.

Das Motiv der Ahnungslosigkeit zieht sich durch die ganze Sendung. Bald wird klar, dass sich auch die Gäste – eine Frau, zwei Comedians – gar nicht oder nur extrem oberflächlich mit van Gogh beschäftigt haben. Auch das ist hip. Die Botschaft lautet: Hey, wir sind Eine*r von Euch! Wir sind nicht hier, um Euch mit tiefen Gedanken Angst zu machen! Wir sind einfach cool und ohne Berührungsängste, wir reden, wie uns der Schnabel gewachsen ist. Wissen stört. Have fun.

„Stand up for Art“ ist so niederschwellig angelegt, dass niemand über irgendeine Schwelle treten muss. Weil alles komplett eingeebnet ist. Diese Strategie sieht man im Fernsehen immer öfter. Kultur-Programm für Flachbildschirme.

Es bleibt über die Dauer der gesamten Sendung flach. Niemand soll am Ende schlauer sein als wie zuvor. Versprochen! Vermittelt wird, was hoffentlich schon Jeder weiß über Vincent van Gogh. Also das:

Vincent van Gogh war der mit dem appen Ohr. Er hat aber auch gemalt. Er war sein Leben lang traurig und erfolglos. Sein Bruder Theo war sein best friend forever, es gibt da viele Briefe. Einmal war er sogar verliebt, er hat sich erschossen. Hätte er nur 200 Jahre länger gelebt, dann wäre er heute Multimilliardär.

Van Goghs Gemälde? Sie können düster sein, aber auch farbenfroh. Es gibt mehr davon als Britney Spears Haare auf dem Kopf hat. Manchmal wirkt die Perspektive, als sei der Maler beim Malen bekifft gewesen. Die Porträts sind die Selfies von gestern, die „Sonnenblumen“ müffeln. Und das Bett auf van Goghs „Schlafzimmer in Arles“ ist hart und scheuert.

Halt, stop, die Sonnenblumen müffeln und das Bett ist hart und scheuert? Das sind ja tatsächlich neue Funfacts! Woher wissen die denn das?

In Bed with Madonna – äh: Godfather Vincent

Die wissen das, weil „Stand up vor Art“ nicht – sagen wir: im Van Gogh Museum in Amsterdam zu Besuch ist, sondern im Multimedia-Spektakel „Van Gogh Alive“ in Frankfurt. Und dort kann man, wie die Moderatorin sagt, in die Werke des Künstlers hineingehen, sie erfühlen und sogar erriechen!

Und tatsächlich beschleicht besagte Moderatorin in „Stand up for Art“ mehrmals das Gefühl, „richtig in van Goghs Kunstwerk drin“ zu sein.

(links: DIESE Sonnenblumen kann man sogar erschmecken! Einfach an der Rückseite lecken.)

Dass man in „Van Gogh Alive“ keineswegs „alle seine Werke“, sondern vor allem gewaltige Projektionen sehen kann, die van Goghs Gemälde zum Anlass für ein Spektakel nehmen, das ein eventorientiertes Publikum kommerziell abholen soll – eben auch mit einem Nachbau von van Goghs Schlafzimmer in Arles nach van Goghs „Schlafzimmer in Arles“ oder einem durch Spiegel vergrößerten Sonnenblumenfeld mit Plastiksonnenblumen – Petitessen.

Im Zweifelsfall hat die Projektion ja ohnehin mehr Aura als die Originale.

Zum Besuch in „Van Gogh Alive“ hat sich die Moderatorin eine „zauberhafte Gästin“ mitgebracht: Eva. Das ist eine wirklich sehr charmante Podcast-Journalistin. Mit ihr geht die Moderatorin in Berlin hin und wieder mal spazieren, lernen wir. Und: Die Gästin ist eine „superentspannte Museumsgängerin“!

Sprich: „Wenn Irgendjemand intellektuell und lustig genug ist, um mit mir das Leben eines alkoholkranken und depressiven Niederländers zu interpretieren, dann ist es“ – tatataaa: ja wohl sie.

Und womit kann man das Leben eines alkoholkranken, depressiven Niederländers am besten interpretieren, na? Natürlich mit Alkohol und guter Laune! Also setzen sich die Beiden erstmal in die Bar von „Van Gogh Alive“, um – nein, nicht Absinth, sondern – heute noch viel hipper! – Cocktails zu schlürfen.

Und nach dem ersten Schluck der erste witzige Test: Wird es der Gästin gelingen, van Goghs Namen richtig aussprechen? Wir sind ganz aufgeregt.

(links: Auch kein van Gogh, aber immerhin Absinth und Depression)

Natürlich gelingt es der Gästin! Schließlich ist Eva an der Grenze zu den Niederlanden aufgewachsen, wo es, wie wir lernen, viele Kreisverkehre gibt. Und Mitschülerinnen, die im Schlafzimmer deutsches und im Wohnzimmer holländisches Radio hatten. Krass. Die Gästin kann kein Niederländisch, aber ihre Aussprache von „van Gogh“ klingt in unseren Ohren, die auch kein niederländisch können, überzeugend.

Und was verbindet die Gästin am meisten mit van Gogh – jetzt, am Anfang, wo wir noch nicht viel mehr wissen über den Maler als die überzeugend klingende Aussprache seines Namens? „Dass er zu Lebzeiten noch gar nicht erfolgreich war!“

Stimmt zwar nicht ganz, kommt in der Folge als Running Gag aber immer wieder vor. Ist auch egal. Die Gästin ist sympathisch. Und: Endlich mal wieder ein Satz über van Gogh. Überhaupt: Nach dem Tod erfolgreich sein ist doch auch schon was! Also: „Dann Cheers, Eva!“

Nach fast fünf Minuten ist es in „Stand up for Art“ dann an der Zeit, sich „sofort das Leben von van Gogh ein wenig zusammenfassen“ zu lassen. Die Worte des kommenden Einspielers fassen auch. Die Bilder sprechen aber eine irritierend andere Sprache.

„Wir müssen über Ohren reden!„

Am Anfang sieht man zum Beispiel kein Bild von van Gogh, sondern eins vom „Mentalisten“ Vincent Raven – wegen des gleichen Vornamens! Verstehen Sie? Vincent – Vincent! Witzig, oder?

So geht es heiter weiter. Wenn es um van Goghs „Neurosen“ geht, sieht man Donald Trump (kicher), bei Depressionen den Influencer Fynn Kliemann mit – hoffentlich nicht belgischen! – Fritten in den Nasenlöchern. Als es um van Goghs Greatest „Hits“ aus seiner berühmten Irrenhausperiode geht, wird ein Auftritt der Kultband „Flippers“ eingespielt: „Wir sagen: Dankeschön, 40 Jahre die Flippers“. Man muss die Zeit ja irgendwie rumkriegen.

Und beim Satz „Paris ist teuer, dreckig und irgendwie nicht besonders sexy“ sieht man – Achtung, Schenkelklopfer! – Paris Hilton.

Als die Frage nach dem Zerwürfnis von van Gogh und Gaugin in ihrer „Männer-WG“ in Arles aufkommt, sieht man eine versiffte WG-Küche (Symbolbild für die Antwort: „wahrscheinlich die üblichen Gründe“). Und als behauptet wird, van Gogh habe sich „aus Trotz“ am Ohr „rumgeschnibbelt“, ruft eine erzürnte Lee bei der Trennung von Tic Tac Toe: „Wenn wir Freunde wären, dann würdest du so einen Scheiß überhaupt nicht machen!“

Andere Anbiederungen an die anvisierte Zielgruppe („Vincent van Gogh war ein echter Emo, Jahrzehnte [sic!] bevor süße Emo-Boys zahllose Herzen brachen“) lassen wir mal außen vor.

Eine stilechte Van-Gogh-Situation!

Danach sitzen die Moderatorin und ihre Gästin in irgendeinem Raum von „Van Gogh Alive“, der mit projizierten Porträts des Künstlers zugepflastert ist, am gedeckten Tisch. Warum? Na klar: „Van Gogh hat mal gesagt: Wer gut arbeitet, muss auch gut essen. Deshalb sind wir hier in einer stilechten Van-Gogh-Situation, in der wir uns befinden. Greif bitte zu. Ich werde das auch machen“.

Tatsächlich greifen beide zu. Wir können es beim Käse sehen.

Und, fragt die Moderatorin kauend, „kannst du schon einen ersten Eindruck teilen mit uns, Eva?“. Natürlich kann Eva teilen! In dem mit Projektionen von Porträts van Goghs zugepflasterten Raum wirke es so, als habe van Gogh „nur sich selbst gemalt“, ist Evas erster Eindruck.

Stimmt, so wirkt es hier im Raum, jetzt sehen wir es auch! Und was folgert Eva daraus? „Ich habe gerade als Allererstes daran gedacht, dass die Eltern-Generation sich immer drüber mokiert, dass wir ständig Selfies machen – aber was ist DAS bitte? Und das braucht ja auch noch viel länger! Das ist ein gutes Argument gegen diese ganze Selfie-Kritik.“ Und die Moderatorin so: „Absolut“.

Darum geht es ja: Immer sagen, was man als Allererstes denkt. Und bloß nicht nochmal drüber nachdenken.

„Hat das für dich was Narzisstisches?„

Dann kommt ein Hoffnung machender Satz. Die Moderatorin fragt mit unglaublich forschem, fast investigativem Blick: „Hat das für dich was Narzisstisches? Oder wie würdest du das einschätzen?“ Hier ist die Psychologin in uns allen gefragt! Die sympathische Gästin beweist, dass sie selbstständig denken kann. Die Porträts sähen für sie eher aus wie von „jemandem, der auf der Suche nach was ist.“

Es ist ein Moment, in dem die Sendung zu kippen, Substanz zu gewinnen droht. Wenn jetzt jemand den Fehler macht nachzuhaken, was da passieren kann! Zum Glück kommt dann aber der erste Comedian.

Ich hab‘ noch Peperoni in den Ohren – äh: in den Augen – aus Pizza Hawaii

Insgesamt sind es zwei Comedians, die kommen. Laut Vorspann von „Stand up for Art“ gehören sie zu den „lustigsten Comedy-Talents Deutschlands“. In der Sendung agieren sie stilecht vor Publikum. Die beiden Auftritte können wir getrost zusammenfassen, denn ihrem Wesen nach sind beide quasi identisch.

Wie viele anderen Comedians haben auch die Beiden die Angewohnheit, über ihre eigenen Witze zu lachen – was in unseren Augen per se ein schlechtes Zeichen ist. Und: Beide nutzen van Goghs Leben eher so als Anschubfinanzierung, um ihr Programm abzuspulen: „Bei den Gerichten meines Mannes ist es wie bei den Werken von van Gogh, als er noch gelebt hat: Die will keiner.“

Stimmt zwar wieder nicht (also im Fall von van Gogh!), ist aber immer einen Lacher wert! Van Gogh und mein Mann: zwei Looser unter sich. Danach geht es dann nur noch um die keiner haben wollenden Gerichte des Mannes, der noch lebt und beide Ohren hat.

Vincent krieg kein‘ hoch wenn er ans Schreiben denkt (Symboltext)

So geht es heiter weiter. Wenn abgeschnittene Ohren ins Spiel kommen, sind abgeschnittene Finger und ein abgeschnittener „Pimmel“ nicht weit: laut Comedian Dinge, die der, der von van Gogh lernt, braucht, um als Mann garantiert Erfolg – in diesem Fall: mit einem Roman – zu haben. Und vielleicht sogar – als Mann – einen Lacher von den Radikalfeministinnen im Saal zu ergattern? Wer weiß.

Ansonsten geht es um die bekanntlich ach so böse Kirche, um den bekanntlich allgegenwärtigen Inzest auf dem Lande, um klassischen Beziehungsstress, um genussvolles vs. schlingendes Essen („ich brauch auch schon mal ’ne halbe Stunde für ’ne Olive – und mein Mann FRISST“), Peperonisaft im Auge und den allseits bekannten Dilettantismus von Till Schweiger. Das Übliche eben.

Es geht halt nur nicht um van Gogh.

Ach doch, es geht natürlich um van Gogh, wir hatten es nur vergessen! Zum Beispiel, als es um die allseits bekannte Sensationsheischerei der Presse bei der Bewerfung der „Sonnenblumen“ durch Klimaaktivist*innen mit Tomatensuppe geht: „Da waren die Medien – im Gegensatz zu van Gogh – ganz Ohr.“ Brüller.

O temopra, o Ohres!

Im weiteren Verlauf entspinnt sich aus der Biografie des Malers ein Binsenstrauß aus Lebensweisheit: „Es gibt Eltern, die sind bereit, alles für dich zu tun, außer dir zu erlauben, du selbst zu sein.“ Oder: „Kochen ist ja ein bisschen so wie malen.“ Oder „Ohne tiefen Schmerz keine gute Kunst“. Oder, als Anlagetipp für Philanthropen: „Kauft Kunst von den Lebenden. Die Toten können mit dem Geld nichts mehr anfangen.“

Und das auf dem Boden kauernde Publikum tut das, wozu es eingeladen wurde: Es liegt klatschend und lachend unter den nicht vorhandenen Stühlen. „Vielen Dank. Ihr wart phantastisch! DankeschÖÖÖÖn.“

Van Gogh hat ja mal gesagt: „Wer gut arbeitet, muss auch lekker spielen“. Also machen die Moderatorin und die Gästin in „Stand up for Art“ auch lustige Spielchen. In einem geht es darum zu erraten, welches von vier Bildern van Gogh in einem Brief an seinen Bruder Theo beschrieben hat. Hinweise sind „Nacht“ und „farbenprächtig“. Unter den vier vorgeschlagenen Gemälden ist nur ein Farbenprächtiges dabei. Man will niemanden blamieren.

Die Gästin liegt trotzdem daneben. Dummerweise ist sie zu klug für den eindeutigen Hinweis, weil sie um Ecken denken und sich wohl nicht vorstellen kann, dass es so banal ist, wie es ist: ein bekanntes Phänomen bei Quiz-Shows, wo man mit Unwissenheit eher als mit Intelligenz die 500.000-Euro-Frage knackt. Die Gästin entscheidet sich für die berühmten „Kartoffelesser“ (1885), die die Moderatorin vorher als düstre „Kneipen- oder Wohnzimmerszene“ identifiziert hat. Richtig wäre aber „Das Nachtcafé“ (1888) gewesen – für die Moderatorin auch eher so eine „Wohnzimmerszene“.

„Ich finde das Bild ehrlich gesagt überhaupt nicht soooo schlecht“, sagt die Moderatorin, um sich als wahre Könnerin des eleganten Übergangs zu entpuppen: „im Gegensatz leider zum restlichen Leben von van Gogh“. Chapeau. Und Danke für die Ehrlichkeit.

„Vom Ohr her – schick!„

Später spielt die Moderatorin in Frankfurt mit der sich auf van Goghs Bett in Arles flätzenden Gästin das Spiel „Ein Ding gehört nicht ins Schlafzimmer – findest du es?“. Erster Einfall der Gästin: der Cocktail der Moderatorin? Unser erster Einfall: die Moderatorin und die Gästin? Beides richtig, aber, leider, falsch.

Die Gästin findet das Ding schließlich doch: Es ist ein mannshohes (also tatsächlich unübersehbares) weißes Ohr, an dem viele bunte Fotos von anderen Ohren kleben. Die Moderatorin klärt auf, dass es sich bei den Ohren um „berühmte Ohren“ von Prominenten und Künstler*innen handle, die im Original aber immer noch an diesen Prominenten dranhängen müssen, denn sonst machte das nächste Spiel – „Errate den Prominenten, der am Ohr auf dem Foto dranhängt!“ – gar keinen Sinn.

„Friends, Romans, countrymen, lend me your ears!“

Gehört das fleischige Ohrläppchen auf diesem Foto nicht an Mark Zuckerberg? Oder vielleicht doch eher an Evas Nachbarn? Nein, leider beides falsch! Es ist Teils des Ohrs von CDU-Zerstörer Rezo, schade! War aber auch knifflig. Allerdings: Ja, das andere Ohr ist das von Angela Merkel, die für die Moderatorin „immer noch unsere Kanzlerin“ ist – oder, wie das seit dem Tod von Lady Dis Ohren heißt: „Kanzlerin der Herzen“. Herzlichen Glückwunsch.

Und nein, das ist jetzt nicht das Ohr von Hermine Granger aus „Harry Potter“, wie die Moderatorin zunächst vermutet – die HAT ja als Romanfigur auch gar nicht so wirklich fotografierbare Ohren –, sondern – tataaaa: das linke Ohr von „Deutschlands bester Journalistin und Moderatorin“, sagt die Moderatorin, also: das Ohr der Gästin selbst! Die hat‘s natürlich gleich erkannt, allerdings nicht am unwulstigen Läppchen, sondern an der Frisur!

Und die Moderatorin dann mit diesem Hinweis auch. Denn, merke: „Eher macht man die Leute an den Haaren fest als an den Ohren.“ Ein Satz für die Aphorismensammlung des Friseur*innen-Innung Oer-Erkenschwick.

Uuuuuund? Kann Eva denn schon ein Fazit ziehen, wie van Gogh so war, „als Mensch, als Künstler“, nach diesen unglaublich informativen 30 Minuten? Natürlich kann sie! Schließlich hat sie ja schon im kratzigen Bett van Goghs gelegen, das verbindet! Und jetzt steht sie auch noch mit der Moderatorin im seinem müffelnden Sonnenblumenfeld aus Plastiksonnenblumen – oder, wie es die Moderatorin sagen würde: „schon wieder richtig in van Goghs Kunstwerk drin“.

„Also, ich glaube, wir haben jemanden kennengelernt, der es sich selber nicht leicht gemacht hat im Leben“, sagt die sympathische und ja eben gar nicht dumme Gästin. „Der sehr getrieben, sehr umgetrieben von Selbstzweifeln und selbstzerstörerischen Gedanken war – bei gleichzeitig ja sehr viel Schönheit, die er produziert hat. Das finde ich so einen verrückten Widerspruch.“

Humor ist, wenn man anders lacht

Ja, so einen Menschen hätten wir auch gerne kennengelernt in „Stand up for Art“. Noch lieber hätten wir ein wenig erfahren über seine Kunst, die noch mehr als van Gogh nicht stattfand. Was sie ausmacht, warum sie berührt, vielleicht sogar wichtig ist, uns alle immer noch angeht. Gern auch über ihre Schönheit. Gern auch anders, frischer, jünger als in anderen Formaten. Und gern auch mit Humor.

Aber dann vielleicht doch mit einem Humor, der van Gogh und sein Werk nicht links liegen lässt, sondern tatsächlich abholt, ernst nimmt. Lebendig, nicht als alberner Leichenschmaus. Das ist nämlich kein verrückter Widerspruch. Das kann man machen! Das wäre, wie schon andernorts gesagt, unser persönlicher Lieblingstraum.

Stattdessen haben wir vier Menschen kennengelernt, die über weite Strecken lieber sich selbst betrachtet haben als van Gogh und seine grandiosen Bilder. Die zeigen wollten, wie lustig sie sind, ohne es (unsere Meinung!) auch nur im Ansatz zu sein. Und für die Kunst offenbar nicht mehr ist als eine Steilvorlage für flache Witze und alberne Spielchen.

Für uns war „Stand up for Art“ ein verstörender Selfie-Spuk. Unsere Einschätzung? DAS ist Narzissmus, medialer nämlich, wenn auch noch nicht im Endstadium. Und auf van Goghs Kosten. Wir finden, dass man so mit Kunst nicht umgehen kann. Außer natürlich, man meint, sie sei nicht mehr als eine gerahmte Plastiktüte an der Wand.

Wie die anderen Folgen „Stand up for Art“ so geraten sind, werden wir wohl nie erfahren. Diese eine hat uns gereicht. Wenn das die Zukunft von Kunstvermittlung im Fernsehen sein soll, und wenn man die Jugend für die Kunst nur ködern kann, indem man van Gogh ein Ohr abkaut – dann gute Nachtcafé Marie. (06.03.2023)

Na, Lust bekommen auf van Gogh? Hier gibt’s die ganze Sendung:

Website von „Stand up for Art“
Website von „Van Gogh Alive“

^{Anmerkung für alle, die diesen Beitrag für ihr populistisches Öffentlich-Rechtliche-Bashing nutzen wollen: Wir sind froh, dass es die Öffentlich-Rechtlichen gibt. Sehr viele Journalist*innen leisten hervorragende Arbeit. Wer die Öffentlich-Rechtlichen abschaffen will, will die Demokratie abschaffen. Wer Demokratie wichtig findet, muss dafür sorgen, dass die Öffentlich-Rechtlichen besser werden. Unsere Meinung.}

Der Beitrag Die Zerstörung van Goghs: „Stand up for Art“ erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

(10.05.2021)

^{Anmerkung: Zwei Bonusfragen, stellvertretend für den Vater von Klaus Staeck bzw. zu unserem Beitrag vom 01.04.2021: 1. Warum sind Sie 1973 in Anatols Einbaum über den Rhein zur Kunstakademie zurückgefahren – wo es über die Brücke gleich nebenan doch viel praktischer gewesen wäre? Und 2. Warum haben Sie den Monokünstler Ricardo Reuss als Schüler damals wirklich abgelehnt?}

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Homepage der Jubiläums-Kampagne Beuys2021

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