Eigentlich sollte die Kunsthalle Düsseldorf heute (01.02.2026) für mindestens drei Jahre schließen. Vor ein paar Tagen aber verschob die Stadt die dringende Sanierung unverfroren kurzfristig nochmal bis 2029. Auf die bodenlose Frechheit dieser Vollbremsung reagieren wir mit schlagenden Argumenten.

Und zwar in Form von einigen der in unseren Augen schönsten Schauen in der Kunsthalle Düsseldorf seit 2013.*

^{*leider alles andere als lückenlos.
Aus Gründen. Tut uns leid.}

Eine Ausstellungs-Geschichte in zehn Foto-Strecken, die zeigen soll, wie sehr wir die Kunsthalle Düsseldorf brauchen, wie sehr die dringend nötige Sanierung endlich zu beginnen sich gelohnt hätte.

Nimm das, Stadt Düsseldorf. Und: was schämen sollst du dich. Und deine neue Millionengrab-Oper kannst du dir in die Haare schmieren.

Ach ja, für Kurzentschlossene: Heute (01.02.2026) läuft in der Kunsthalle Düsseldorf noch die Ausstellung „Wohin?“, die wir andernorts auch schon besprochen haben. Es ist ihr vielleicht letzter Tag; aber vielleicht wird sie ja jetzt verlängert? Wir wissen es nicht. Aber wie es weitergeht, werden wir, wie gut unterrichtete Kreise uns verrieten, noch diesen Monat erfahren.

Bis dahin: Viel Erfolg beim Umplanen, Team der Kunsthalle Düsseldorf: Es ist sehr gut, dass es Euch gibt. Es tut uns leid, dass man derart umspringt mit Euch. Und die Stadt Düsseldorf sollte sich was schämen.

Nun aber endlich die zehn Fotostrecken aus zwölf Jahren. Voilà:

„Wohin? Kunsthalle / Stadt / Gesellschaft der Zukunft“ (11.10.2025-01.02.2026 (?))

„Sheila Hicks“ (12.10.2024-23.2.2025)

Only Lovers Left. Margarete Jakschik und Friedrich Kunath“ (16.3.2024-09.06.2024)

„Peter Piller. There are a couple of things that bother me“ (11.03.2023-04.06.2023)

„Martha Jungwirth“ (02.09.2022-20.11.2022)

„City Limits. Yael Efrati, Asta Gröting, Monika Sosnowska“ (11.06.2022-14.08.2022)

„Journey Through A Body“ (29.05.–01.08.2021)

„Produktive Bildstörung. Polke und aktuelle Positionen“ (13.11.2021-06.03.2022)

„Song Dong“ (06.12.2015-13.03.2016)

„Leben mit Pop. Kapitalistischer Realismus“ (21.07.2013-29.09.2013)

(01.02.2026)

Die Kunsthalle Düsseldorf in der KunstArztPraxis:
Das ist der rote Faden. Leila Hicks in Düsseldorf
Peter Piller schafft Ordnung (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Romantik, post mortem – “Only Lovers Left”
Für uns von Putin eingeholt: “City Limits” in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Alles fließt: “Journey Through A Body”
Reine Bildgebung (7): Polke & Co
Conrad Schnitzler: Der Mann mit dem Soundhelm
Gerhard Richter Retro: “Leben mit Pop” (2013)
Max Schulze: “Als Phantom war Polke immer da”

Homepage der Kunsthalle Düsseldorf

Der Beitrag Kunsthalle: Schäm dich, Stadt Düsseldorf! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Im Januar 2026 macht die Kunsthalle Düsseldorf wegen nötiger Umbauten für drei Jahre dicht: ein guter Moment, um in der letzten Schau vor der Sanierung einmal über die Zukunft nachzudenken. Die eigene Zukunft, die des Grabbeplatzes vis-à-vis. Aber auch darüber, wohin die Reise beim Bauen, für Städte & Gesellschaft gehen soll.

Neulich redeten wir mit einer befreundeten Lehrerin über die Kunsthalle Düsseldorf, und im Zuge dessen schüttelte diese die Erinnerung an eine viele Jahre zurückliegende Unterhaltung mit dem damaligen Leiter Gregor Jansen* aus dem Ärmel, der sie damals „oberlehrerhaft“ getadelt habe. 

^{*alles Gute für die Zukunft, lieber Gregor Jansen!}

Sie habe Gregor Jansen auf einer Vernissage in Köln gefragt, was es denn gerade in seinem Museum zu sehen gäbe. Und Gregor Jansen habe doch tatsächlich erwidert, dass die Kunsthalle Düsseldorf kein Museum, sondern eine Kunsthalle sei! Darüber ärgere sie sich heute noch.

Eine Kunsthalle IST kein Museum!

Deshalb hier auch nochmal oberlehrerhaft von uns, zum Mitschreiben & mit schönen Grüßen, weil es uns wichtig scheint: Du musst jetzt stark sein, liebe Marion, denn Gregor Jansen hatte recht! Eine Kunsthalle ist tatsächlich kein Museum. Zumindest keines im klassischen Sinn. Denn eine Kunsthalle besitzt keine eigene Sammlung. Sie ist die pure, infrastrukturelle Hülle.

HALLE halt. Und im Fall von Düsseldorf auch innen architektonisch ganz wunderbar.

Wenn man es anatomisch betrachtet, dann ist die Kunsthalle eine Art depotloser Hirn-Kasten, der sich mit materialisierten Ideen füllen lässt.

Immer-wieder-neu-Erfinden leider abgelutscht

Das hat den entscheidenden Nachteil, dass man bei jeder Ausstellung bei Null anfangen & immer wieder komplett neu denken muss. Und den entscheidenden Vorteil, dass man bei Null anfangen & immer wieder komplett neu denken darf.

Wenn der Satz vom Immer-wieder-neu-Erfinden nicht so abgelutscht wäre, dann hätten wir ihn jetzt benutzt.

Aber egal. Mit „Wohin?“ jedenfalls hat die Kunsthalle Düsseldorf abermals bei Null angefangen & mit einem Thema wieder neu gedacht, das unter anderem auch sie selbst betrifft – und den Grabbeplatz, der statt einer menschen- und taubenfeindlichen Vorhölle – im Sommer manchmal 50 Grad! – ja ihr sozial blühender Vorgarten sein könnte.

Schließlich muss sich der wundervoll monolithische Beton-Bau von 1967, der auch den Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen beherbergt, im Januar 2026 schließen, um sich zum Beispiel energetisch neu aufzustellen und behindertengerechter zu werden.

Momentan zum Beispiel bleibt Rollstuhlfahrer*innen nur der Lastenaufzug auf der schalen Seite.

^{Foto oben: Manches Exponat von „Wohin“ wirkt etwas arte povera. Macht aber nichts:
Die Idee dahinter ist bestechend. Veronika Pfaffingers „Wiesenstück“ (2022) etwa
kann man gleichzeitig ökologisch & skulptural & kunsthistorisch einbetten!}

Da kann man in der vom gesamten Kunsthallen-Team kuratorisch kollektiv entwickelten und mit viel Hirnschmalz von Künstler*innen, Architekt*innen, Stadtplaner*innen, Wissenschaftler*innen und Designer*innen befüllten Schau – den Namen des beteiligten „Zentrums für Peripherie“ von Ute Reeh finden wir am schönsten – ruhig auch einmal Ideen zur eigenen Zukunft sich materialisieren lassen.

Was ist das Ziel?

„Ziel ist es, die bestehende Struktur funktional und atmosphärisch weiterzuentwickeln und die Kunsthalle als offenen, interdisziplinären Kulturort zu stärken“, heißt es etwas jargonitisch im Begleittext.

Im Grunde ist „Wohin?“ schon einmal der imposante Versuch, dieses offene Grundkonzept in der alten funktionalen Atmosphäre umzusetzen.

Dazu gehört auch Transparenz. Deshalb legen die beiden beteiligten Architektur-Büros in Schubkästen ihre Pläne zur Sanierung offen. Und zeigen zum Teil auch, was die Kunsthalle in der Vergangenheit so ausgezeichnet hat.

^{Foto oben: Energetisch keine blendende Idee: Blatt mit dem Ofenrohr der 1981
von unserem Praxis-Paten Joseph Beuys realisierten Installation „Loch“ an der
Kunsthallen-Außenfassade in der Präsentation der Architekten}

Und mit einem von Chatbot namens Antonio können sich die Besucher*innen dank künstlicher & künstlerischer Intelligenz (KI & KI) visionär an der Neugestaltung der Kunsthalle und des Grabbeplatzes beteiligen.

Wie geht’s?

Einfach den Fragen von Antonio folgen – und schon entsteht wie von Geisterhand auf dem Display ein – realisierbares, utopisches, dystopisches? – Bild der eigenen Vision.

Die Bilder fließen in eine digitale Sammlung ein, die in Düsseldorf übers Display läuft. Oder aber hier abgerufen werden kann.

^{Foto oben: Wohl eher utopisch: Die Kunsthalle als brutalistischer Lehmbau mit
McDonald’s-Elementen und Grabbeplatz-Zoo von Userin Bettina, Kunsthalle Düsseldorf, 2025}

Überhaupt präsentiert sich die Kunsthalle Düsseldorf bei „Wohin?“ als überaus interaktiver Ideen-Speicher.

Es geht, natürlich, um Nachhaltigkeit, Ressourcen-Schonung, Wohnungsnot, Recycling, Mobilität und Raum-Erfahrung. Um Bauen mit Bäumen oder Pilzen. Um Städte, die Wasser wie Schwämme speichern können.

Und um eine repräsentative „Organismusdemokratie“ für Spezies wie Blumenwanze und Mahonien-Rost, Kompostwurm und Schmarotzer-Pustelpilz, Zerfließende Gallertträne und Rotschöpfige Sandbiene: Wesen, mit denen wir im Urbanen, voneinander oft unbemerkt, zusammenleben.

^{Foto oben: Club Real, „Organismendemokratie“ (2018, Detail),
Kunsthalle Düsseldorf, 2025}

Im Grunde geht es also um die klug durchdachte Verschmelzung von Kunst, Idee, Funktion & möglichst artgerecht umbautem Leben.

Poesie trifft Wissenschaft

Und es geht – wie passend! – um Kunst, die für den Augenblick in der Natur verschwindet: Beim „Kapselkoffer“ der Künstlerin Sylvia Winkler und des Bureaus Baubotanik nämlich. In jeder Kapsel soll einmal ein Kunstwerk stecken, das nur der oder die Künstler*in gesehen hat.

Zum Konzept gehört, dass danach die Kapsel mit der Struktur eines Jungbaums beim Wachsen verwächst. Und wenn der Baum nach Jahrzehnten blühenden Lebens gefällt werden muss, dann wird die Kapsel geerntet und die Kunst darf erstmals Anderen sichtbar werden.

So etwas meinen wir, wenn wir hier in der KunstArztPraxis über die Poesie von Konzeptkunst schwadronieren.

^{Installationsaufbau des Bureaus für Baubotanik
(Detail für das Kapsel-Projekt), Kunsthalle Düsseldorf, 2025}

Ach ja, liebe Marion, noch einmal deine Oberlehrer von der KunstArztPraxis! Wenn die Kunsthalle Düsseldorf nach „Wohin?“ 2026 dicht macht, dann hat sie nämlich ein Problem: Als Hirn-Kasten ist sie dann nicht nur per definitionem depot-, sondern auch pro re hüllenlos, sprich: unsichtbar!

Da ist es schwer, im Stadtraum & im kollektiven Gedächtnis haften zu bleiben.

Die „nomadisierende Kunsthalle“

Deshalb will sie sich nach ihrer Schließung in viele kleine Hirn-Kästen aufspalten und in den (hoffentlich nur) drei Jahren bis zur Wiedereröffnung in allen Düsseldorfer Stadtteilen – auf noch nicht öffentlich vorgestellte Art & Weise – präsent gewesen sein.

„Nomadisieren“ nennt die Kunsthalle Düsseldorf das – ein sehr schöner Gedanke, wie wir finden. Und wir sind schon sehr gespannt, wie geistreich er sich ab April 2026 wo auch immer materialisiert. (26.10.2025)

^{„Wohin? Kunsthalle / Stadt / Gesellschaft der Zukunft“ ist noch bis zum 1. Februar 2026 in der KunstHALLE Düsseldorf zu sehen. Wem es gefallen hat, dem empfehlen wir auch noch den Besuch von „We / Trans / Form. Zur Zukunft des Bauens“ (bis 25. Januar 2025) in der BundeskunstHALLE in Bonn. Dort steht Vera Meyers Pilz-Haus in prinzipiell begehbar.}

Apendix: Wenn Trumps Hirn-Kasten Kunst-Halle wäre

Für all jene, die im Beitrag oben zu wenig „klassische“ Kunst abbekommen haben, hier einer unserer berühmten Wurmfortsätze, vulgo Appendizes:

Mal angenommen, der Hirn-Kasten Donald Trumps wäre nicht bis zur Decke vollgestopft mit genialen & friedensfördernden Ideen, sondern so leer wie eine Kunst-Halle zwischen zwei Schauen: Mit welchen zeitgenössischen Künstler*innen würde Trump sie zum Thema „In welcher USA wollen wir leben?“ wohl bespielen?

Zum Glück hatten wir Herrn Trump vor Kurzem auf der Couch, deshalb können wir hier exklusiv profunde Antwort geben.

Das bibelfeste Capitol

Die Wände von Trumps Hirn-Kasten sind natürlich vergoldet. In einer Ecke steht eine Kampfarena mit „Putin And Zelensky Wrestling, With Trump As A Spectator“ von Maurizio Cattelan von 2024 – also aus einer Zeit, in der Trump dort noch zusah, weil dieser russische Angriffskrieg Aussicht auf den Friedens-Nobelpreis versprach. In der anderen Ecke schräg gegenüber steht eine Kopie des Capitols im Maßstab 1:50.000, die Ai Weiwei 2022 aus rund 24.500 gestapelten Trump-Bibeln gebastelt hat (die Bibeln für den Ballsaal werden gerade gedruckt).

Das Modell wird von zwölf „Trash People“ von HA Schult gestürmt. 

Die überlebensgroße Trump-Büste mit dem Heiligenschein aus vergoldeter kanadischer Fichte in der Mitte des Raums hatte Jeff Koons bereits 2017 zur ersten Amtszeit des Präsidenten bei Herrgottschnitzern in Oberammergau in Auftrag gegeben. Die Schrumpfköpfe von Camilla Harris, Susan Monarez, Lisa Cook oder Erika McEntarfer des Künstler-Kollektivs „National Guard Proud Boys“ (NGPB) mit ihren zugenähten Mündern in der Vitrine daneben hingegen – welch‘ kecke Erweiterung des Skulptur-Begriffs! – sind brandneu. 

Die roten Schirmmützen mit der Aufschrift „TRUMP WAS RIGHT ABOUT EVERYTHING“ sind ihnen natürlich viel zu groß! Man kann sie darunter kaum noch sehen, im Grunde würden drei von ihnen unter EINE Mütze passen – was im Negativ sehr schön illustriert, WIE groß Trump Hirnkasten tatsächlich ist.

Trumps Friedens-Nobelpreis

In einem kitschig vergoldeten Barock-Rahmen (ein Geschenk Kim Jong-uns) hinter einem vergoldeten Schreibtisch mit dem in Formaldehyd in die Tischplatte eingelegten Original der Unabhängigkeitserklärung der USA von Damien Hirst (ein Geschenk Viktor Orbáns) hängt übrigens Donald Trumps Friedens-Nobelpreis-Urkunde, die Danh Võ, von seinem Vater Phùng Võ sorgsam von Hand kopiert, seit 2019 an alle Autokraten dieser Erde schickt (Phùng Võ kommt kaum noch nach). 

Und von der Decke baumelt in schwindelerregender Höhe ein poppiger Trump-Force-One-Papierflieger, den Mr. Brainwash aus allen seit Anfang 2025 unterschriebenen Dekreten des Präsidenten mit Hilfe von Tapetenkleister zusammengefaltet hat: ein dynamisches Kunstwerk, das stündlich anschwillt wie Bocksgesang – und spätestens zur dritten Amtszeit Trumps, beständig an Volumen gewinnend, am Boden landet (beziehungsweise durch die Decke geht).

Apropos „Boden“!

Apropos „Boden“: Der Boden von Donald Trumps Kunsthalle ist aus purem Gold – wir schwören! Es knirschte unter den Sohlen unserer Cowboy-Stiefel, als wir mit offenen Mündern und leeren Holstern in Gedanken staunend & ehrfürchtig darüber schritten. 

Das Knirschen rührte daher, dass besagter Boden ein aufgeschütteter Teppich aus jenen unzähligen Goldmünzen war, die Donald Trump allein dank seiner Dekrete erwirtschaftet hatte, und es dauerte eine Weile, bis wir begriffen, warum Donald Trump besser Dagobert Trump heißen würde: Weil der ganze Körper unterhalb seines Kunst-Hallen-Hirn-Kastens randvoll mit Bitcoin-Talern angefüllt ist wie sonst nur der Geldspeicher von Entenhausen! Und alle Taler tragen Donald Trumps Konterfei.

Incredible, awesome, overwhelming!

Es war incredible, awesome, overwhelming! Und wenn wir es nicht mit eigenen Augen gesehen hätten, auf unserer Couch, im Hirn-Kasten unter Donald Trumps güldenem Haar, diese Kunst gewordene Zukunft der USA, dieser Spiegel im Kopf des Narziss: Wir könnten es bis heute nicht glauben. 

^{P.S.: In einer Schublade des Schreibtischs liegt übrigens der vergoldete Nasenring,
mit dem Wladimir Putin Donald Trump immer wieder durch die Manege zieht.
Donald Trump streichelt ihn oft.}

Die Kunsthalle Düsseldorf in der KunstArztPraxis:
Das ist der rote Faden. Leila Hicks in Düsseldorf
Peter Piller schafft Ordnung (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Romantik, post mortem – “Only Lovers Left”
Für uns von Putin eingeholt: “City Limits” in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Alles fließt: “Journey Through A Body”
Reine Bildgebung (7): Polke & Co
Conrad Schnitzler: Der Mann mit dem Soundhelm
Gerhard Richter Retro: “Leben mit Pop” (2013)
Max Schulze: “Als Phantom war Polke immer da”

Homepage der Kunsthalle Düsseldorf

Der Beitrag Hirn-Kasten Kunst-Halle. „Wohin?“ in Düsseldorf erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Über Sheila Hicks und unsere insgeheime Freundin mit ihren zauberhaften Häuten aus Wolle haben wir an anderer Stelle ja schon genug gesagt.

(26.01.2025)

^{„Sheila Hicks“ läuft noch bis zum 23. Februar 2025 in der Kunsthalle Düsseldorf.}

Die Kunsthalle Düsseldorf in der KunstArztPraxis:
Das ist der rote Faden. Leila Hicks in Düsseldorf
Peter Piller schafft Ordnung
Romantik, post mortem – “Only Lovers Left”
Für uns von Putin eingeholt: “City Limits” in Düsseldorf
Alles fließt: “Journey Through A Body”
Reine Bildgebung (7): Polke & Co
Conrad Schnitzler: Der Mann mit dem Soundhelm
Gerhard Richter Retro: “Leben mit Pop” (2013)
Max Schulze: “Als Phantom war Polke immer da”

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage der Kunsthalle Düsseldorf

Der Beitrag Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wir haben eine Freundin, die hat Häute aus Wolle. Diese Freundin ist ein zauberhaftes Schalentier, ein wundervolles Chamäleon, das bei jedem Auftritt auf bestrickende Art & Weise die Farben und Texturen wechselt.

Wir sehen sie viel zu selten, aber wenn wir sie sehen, dann kommt sie mit neuen, farblich harmonierenden wollenen Häuten um die Ecke. Das reicht schon, um uns zu umgarnen.

Bei dieser optischen Verheißung aus Pullovern, Jacken, Schals und Röcken schwingt die haptische Versuchung immer mit.

Wir müssen wohl nicht eigens erwähnen, dass wir insgeheim in diese zauberhafte Freundin verliebt sind. Mit jeder Faser, versteht sich! Und zwar wir alle Drei.

Zu Sheila Hicks hätten wir unsere zauberhafte Freundin jedenfalls liebend gerne mitgenommen, denn wir sind uns sicher: Wir hätten Sheila Hicks damit eine Riesenfreude gemacht.

Wir glauben nämlich, dass Sheila Hicks ihre Finger nicht von den Woll-Häuten unserer Freundin hätte lassen können. Sie ist nämlich forscher als wir.

Wir haben es ja selbst erlebt: So, wie uns Marina Abramović einmal über einen unserer Arme gestreichelt hat, so strich Sheila Hicks über jenen (eher öden) Strickpullover, den Einer von uns trug. Und nicht nur über unseren!

Woher das Muster, die Web-Art stamme, fragte sie dabei. Wir vermochten es ihr leider nicht zu sagen.

Später dann nahm Sheila Hicks immer wieder einmal einen Strang ihrer Werke auf & in die Hände, um ihn zu wiegen, zu fühlen und zu zwirbeln.

Versunken im Gewebe

Und als wir sie um ein Porträtfoto baten, da setzte sie sich mitten hinein in eine textilen Erdrutsch-Architektur aus Stoff-Felsen und streichelte versunken übers Gewebe.

Ab diesem Zeitpunkt war sie, nach anfänglichem Fremdeln, ganz bei sich selbst.

Sheila Hicks‘ Mantra

Sheila Hicks ist durch die ganze Welt gereist, um das Textile zu erforschen.

Sie hat das indignie Weben, Stricken, Häkeln und Flechten in Chile, Marokko, Indien, Schweden, Israel, Südafrika oder Mexiko erlernt, der „Quipu“ genannten Geheimschrift der Inka aus Knoten – wie Hans von Hoermann – ein Denkmal gesetzt.

Aber die Neugier allem Gewebten, Gestrickten, Gehäkelten, Geflochtenen gegenüber: die ist ihr geblieben.

„Was kann man mit einem Faden machen?“. So lautet seit Jahrzehnten unverändert ihr Mantra.

^{Sheila Hicks, „Planet eleven“ (2023), Kunsthalle Düsseldorf, 2024}

Das Gespür für die Abstraktionskraft der Farbe, das hat Sheila Hicks bei Josef Albers, bei dem sie studierte, erlernt und verfeinert.

Aber ihre Schwester im Geiste, das muss Albers‘ spätere Ehefrau Anni gewesen sein, die am männerdominierten Bauhaus nicht Malerei studieren durfte, sondern in die Webklasse musste, weil sie eine Frau war: eine Revolutionärin der künstlerischen Stofflichkeit auch sie.

Eine ganze Menge!

Was kann man mit dem Faden machen? Eine ganze Menge, können wir nur sagen, – jetzt, wo wir Sheila Hicks‘ aktuelle Werke in Düsseldorf gesehen haben. Und dabei sind wir noch nicht einmal in der Schau im Josef Albers Museum Quadrat in Bottrop, die als Retrospektive durch die Jahrzehnte wandert, gewesen!

Man kann mit Fäden malen, und zwar skulptural.

Man kann Planeten aus Farbe mit ihnen erschaffen, Bambus in „Redestäbe“ verwandeln, die ein abstraktes, und trotzdem bildhaftes Plädoyer sind für Meinungsfreiheit und Demokratie.

Man kann Fäden in den Himmel wachsen lassen wie ägyptische Säulen.

Man kann in ihnen persönliche Dinge vergraben, die mit Bedeutung aufgeladen sind, wie bei den prä-inkaischen Mumien in Peru.

Und man kann dank dieser Fäden auf Reisen mit dem Handwebrahmen Orte oder Ereignisse im Gedächtnis konservieren: Tagebuch schreiben mit ihnen.

^{Sheila Hicks, „Wishful Volcano“ (2024), Kunsthalle Düsseldorf, 2024}

Wir wollen nicht verschweigen, dass uns auch diese ganz eigene Welt aus leuchtend pigmentierten, natürlichen und künstlichen Fasern, aus Baumwolle, Seide, Naturgras und Leinen, aus Muschelschalen und Uniformen und Stachelschweinfedern und menschlichem Haar umgarnt, unsere Phantasie beflügelt hat.

Natürlich auf eine andere Weise als bei unserer insgeheimen Freundin: so, wie das bei uns nur unsere ERKLÄRTE Liebe, die Kunst, vermag.

In der für uns schönsten Arbeit „Aprentizaje de la Victoria“ zum Beispiel fließen die wallenden Strähnen aus griechischer Wolle in unseren Augen über die brutalistisch-männliche Brüstung der Düsseldorfer Kunsthalle wie ein goldgelber, rostroter Wasserfall aus Rapunzels Rasta-Locken über die Felswand der Loreley am Rhein.

Und am Boden des Meeres, ganz oben auf der Empore, da liegen die von Sheila Hicks auf dem Flohmarkt gefundenen Netze der bezirzt gestrandeten Fischer aus Korea.

Wer nah herantritt, kann sehen, was darin immer noch gefangen ist.

Unsere Freundin würde sicher sagen, dass ihre Häute Schalenpanzer seien: Ummantelungen aus Rettungsleinen, gewebt aus Farbe und Muster, Seelenschutz, Geborgenheit und Wärme.

Nach Sheila Hicks könnten wir sagen: „Du trägst gestrickte Sehnsuchts-Häute, die für uns auch Speere und Schilde sind.

Es sind Tresore voller wundervoller Eigenschaften, die bisweilen, wie wir glauben, durch die Löcher schimmern.

Der sanfte Fluss deiner Stoffe könnte uns fast eifersüchtig aufeinander machen: wenn wir – zum Glück! – nicht selbst so eng miteinander verflochten wären.

Das solltest du vor deinem nächsten Auftritt wissen.“

^{Sheila Hicks, „Au-delá“ (2022), Kunsthalle Düsseldorf, 2024}

Natürlich sagen wir das nicht, das würden wir uns niemals trauen! Indes steht fest:

Dieses ins Stofflichen verstrickte, uns Fingerkribbeln machende Rätselhafte verbindet die Woll-Häute unserer Freundin mit dem Werk von Sheila Hicks. Die haptische Versuchung schwingt mit der optischen Verheißung auch in diesen Arbeiten immer mit. Das museale Tabu ist eine ihrer Maschen.

Das verknüpft unsere insgeheime Liebe mit unserer erklärten. DAS ist der rote Faden. (24.11.2024)

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^{„Sheila Hicks“ ist noch bis zum 23. Februar 2025 in der Kunsthalle Düsseldorf zu sehen. Ihre Retrospektive im Josef Albers Museum Quadrat in Bottrop auch.}

Die Kunsthalle Düsseldorf in der KunstArztPraxis:
Peter Piller schafft Ordnung
Romantik, post mortem – “Only Lovers Left”
Für uns von Putin eingeholt: “City Limits” in Düsseldorf
Alles fließt: “Journey Through A Body”
Reine Bildgebung (7): Polke & Co
Conrad Schnitzler: Der Mann mit dem Soundhelm
Gerhard Richter Retro: “Leben mit Pop” (2013)
Max Schulze: “Als Phantom war Polke immer da”

Homepage der Kunsthalle Düsseldorf

Der Beitrag Das ist der rote Faden. Sheila Hicks in Düsseldorf erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Vor Ewigkeiten hat Einer von uns mal die Kindergeschichte „Der Vampir im Kleiderschrank“ für den Bayerischen Rundfunk geschrieben, aber selbst er muss neidlos anerkennen, dass Jim Jarmuschs unheimlich belesene Vampirfilm-Erzählung „Only Lovers Left Alive“ (2013) mit der zauberhaft überirdischen Tilda Swinton als Eve um Längen besser ist. 

Wir möchten die Ästhetik des Films hier postmodern-romantisch oder: Romantik post mortem nennen.

Denn Jarmusch nutzt die Raum-Zeitlosigkeit der zwischen Orient und Okzident pendelnden Untoten, um nicht nur die Niemandstage der Verliebtheit, sondern auch das unaufhaltsame Aussterben der Dinge & Kulturen in unserer furchtbar blutlosen, ruinös kapitalistischen, digital globalisierten Gegenwart einzufrieren.

^{(Bild: Wie gemalt: Tilda Swinton im Blutrausch in „Only Lovers Left Alive“, 2013. Bei Jarmusch wirkt der besondere Saft nämlich als Droge. Deshalb gibt es sogar Blutkonserven-Dealer.)}

Von jenen bis in unsere Generation hinein als unsterblich geltenden Literat*innen zum Beispiel, die als eine Art Ahnen-Galerie in der Wohnung des nostalgischen Musik-Vampirs Adam (Tom Hiddleston) im industriell verfallenen Detroit hängen, kennt in der internetsüchtigen Generation unserer Kinder kaum mehr eine*r Eine*n.

An Jarmuschs bis in Ausstattung & Colouring grandiosen, trotz aller Nostalgie am Puls der Zeit pochenden Film haben wir denken müssen, als wir in der in Ausstattung & Colouring grandiosen Ausstellung „Only Lovers Left“ der Fotografin Margarete Jakschik und des Malers Friedrich Kunath in der Kunsthalle Düsseldorf waren. 

Zunächst einmal natürlich wegen des Titels, der sogar das Überleben noch wegküsst.*

^{*Hier hatten wir „wegkürzt“ geschrieben, aber die Autokorrektur
hat „wegküsst“ draus gemacht – hach, die Romantik der KI!}

Auch wenn das Künstler-Ehepaar versichert, ihre Schau VOR der Seh-Erinnerung an Jarmusch Film benannt zu haben, waltet hier nämlich derselbe morbide Witz, derselbe (natürlich ironisch gebrochene) Glaube an die ewige Liebe. Sprich: dieselbe postmoderne Romantik.

Also: jene eher liebevolle als verbissene, zum Kitsch hin offene Romantik post mortem, der auch wir „Zombies“ (O-Ton Jim Jarmusch) von der KunstArztPraxis verfallen sind.

Das springende Tüpfelchen auf dem „i“ ist ein Delfin

Da umarmen sich zwei Grabkreuze in ewiger Zuneigung vor einem Sonnenuntergang am See, andernorts zwei in der Überflutung allein zurückgelassene, verliebte Palmen. Ein Frauenskelett schmiegt sich anhimmelnd an Clavicula & Sternum (vulgo: Schlüssel- & Brustbein) eines coolen Gerippe-Mannes: weil das trotz der anatomisch ununterscheidbaren Knochenlage bekanntlich die geschlechtspezifische Klischee-Haltung allen Fleischlich-Amourösen ist.

Denn: Warum um Himmels Willen sollte ausgerechnet der coole Mann sich schmiegen?

Das alles stimmt uns hoffnungsfroh.

Da macht es auch nichts, dass das Sicherheits-Erdmännchen auf dem herbstlaubbeschneiten Tenniscourt ins Wach-Koma gefallen ist, die vogelfreien Gedanken zusamt dem Kopf in einem Käfig stecken und ein losgelassener Neon-Helium-Luftballon den Betrachter*innen über seine Schnur vermitteln lässt, dass man ihm bitte nicht folgen solle, weil er verloren („lost“), dem Ende nahe sei.

Wie wundervoll romantisch!

Denn nach dem Ende geht es weiter, wir können es in Düsseldorf ja sehen: Über den Wassern aller Bilder schwebt hier trotzig, quasi als letzter Wille, „My Will to Live Again“ – mit einem springenden Delfin, der das „i“ wegküsst.

Hach. Wie schön. Und so wundervoll romantisch. Putin, Trump und Weidel zum Trotz.

Letztendlich feiert die Düsseldorfer Schau, in der die Motive wie Wiedergänger immer zurückkommen, in der das Werk der Eheleute Jakschik & Kunath sich vernetzt wie die beiden Seiten eines Tennis-Platzes, die autonome Kunst, die freie Phantasie. Mit einer Einbildungskraft, die uns über den Horizont des Logischen & Lebenden hinaus weiterführt.

Romantik post mortem eben.

Deshalb werden die Schnürsenkel von Sport-Schuhen zu stilisierten Vögeln, die durch die Kunsthalle flattern wie die von Spaziergängern aufgescheuchten Eichelhäher im Tannenwald. Deshalb schwebt ein exotischer Papagei Zigarette rauchend durch eher tropisches Terrain.

Sogar die Gemälde heben an der Balustrade ab wie der Vampir nach der Verwandlung in eine Fledermaus – oder wie ein Flugzeug von der Start- und Landebahn.

Wobei wir wieder bei Jarmuschs „Only Lovers Left Alive“ wären. Denn da müssen Adam & Eve – oder, wie man heutzutage sagt: Eve & Adam – bekanntlich auch die Nachtflug-Linien nutzen, um zwischen Tanger und Detroit hin- und herzupendeln.

Fledermäuse sind out, Knoblauch oder Heimat-Erde für die Reise-Särge ebenfalls.

DIESER Film strickt an anderen schwarzromantischen Legenden. Auch das hat er mit der Ausstellung in Düsseldorf gemein.

Was also bleibt von der Romantik am Ende des Weges jeglichen Fleisches – außer dem üblichen öden Sternenstaub, aus dem wir bekanntlich Alle gemacht sind? Was von der EPOCHE der Romantik, die uns hin und wieder immer noch die Sonnenuntergangs-Melancholie in die mondverträumten Augen treibt?

Das wird vielleicht am deutlichsten auf einem kleinen Gemälde, das Friedrich Kunath – passend zum 250. Geburtstag von Caspar David Friedrich – in einer langen Bilderfolge aus Kleinformaten im Obergeschoss versteckt hat.

Don’t Look Back in Anger

Es zeigt den berühmten, um 1818 entstandenen „Wanderer über dem Nebelmeer“: aber nicht als Kopie des Originals, sondern als Kopie einer – vielleicht sogar zuvor gephotoshopten? – Kopie. Wenn wir Kunaths Hinweise auf dem Bild richtig interpretieren, dann wurde Friedrichs raumöffnender Wanderer ersetzt durch eine Rückenfigur, die vom Platten-Cover „(What’s the Story) Morning Glory?“ (1995) der Britpop-Band „Oasis“ inspiriert worden ist.

Und diese Rückenfigur schaut jetzt in die unendliche Landschaft wie ein innehaltender Rockstar über das Wogen seiner jubelnden Fans beim Live-Konzert. Sogar den Mikrophonständer – oder ist es doch ein Wanderstab? – können wir noch sehen.

Ob wir mit unserer Deutung wirklich richtig liegen, wissen wir natürlich nicht genau, das kann nur Friedrich Kunath sagen. Aber es gibt Indizien.

Das Label von „Oasis“ jedenfalls klebt gemalt am Bild. Und bei der Band geht es ja auch um große, in Lyrics & Melodien gepresste, musikalisch gephotoshopte Gefühle.

Come back Romance!

„Come back Romance, all ist vergiven“, leuchtet es uns von der Schnur eines Neon-Helium-Mondes vor dem Firmament eines dunklen, für Vampire allerdings nicht lichtdicht genug gewobenen Sonnen-Schutzes in der Kunsthalle Düsseldorf entgegen. Oder ist die Schnur ein Lasso, mit dem der aus dem Nebelmeer steigende weiße Neger Wumbaba uns den Mond zum schwarz stehenden, schweigenden Wald heruntergezogen hat?

Auf jeden Fall schreibt so ein reumütiger Lover, der am liebsten alles wegküssen würde, was an Zwistigkeiten war. Da ist also etwas zerbrochen, das sehnsuchtsvoll gekittet werden soll, zumindest von einer Seite her: der menschlichen nämlich. Der Epoche ist der Mensch herzlich egal.

Da ist dann in Düsseldorf wieder ein Weltschmerz und eine Melancholie am Start, die der guten alten Romantik durchaus angemessen ist.

Wir zumindest finden diese Doppelbödigkeiten als Therapeutikum klasse. Und Margarete Jakschik und Friedrich Kunath sind bestimmt immer noch so verliebt wie am ersten Tag, auf ewig eben. Kann bei dieser Ausstellung gar nicht anders sein.

In diesem Sinn also: Live forever. Love forever – gerne auch jenseits unserer furchtbar blutlosen, turbokapitalistischen, digital verseuchten Gegenwart. Und, an alle postmodernen Blutsauger da draußen in der Nacht: Come out of the closets! Wie der Vampir im Kleiderschrank.

Das wünschen sich: Ihre Zombie-Romantiker von der KunstArztPraxis. (14.04.2024)

^{„Margarete Jakschik und Friedrich Kunath. Only Lovers Left“ ist noch bis zum 9. Juni 2024 in der Kunsthalle Düsseldorf zu sehen.}

^{Anmerkung 1: Ein Film namens „Der Vampir im Kleiderschrank“ erscheint auch im Hörspiel „Der verschwundene Filmstar“ (1989) aus der Serie „Die drei ???“. KunstArzt2 versicherte dem Rest von uns aber eidesstattlich, dass zuerst der Titel seines BR-Stücks und dann das Hörspiel-Hören gewesen sei: „Das BR-Stück entstand in den Niemandstagen der Verliebtheit. Zur Zeit des Hörspiel-Hörens hatte ich schon Kinder.“ Wir glauben ihm.}

^{Anmerkung 2: Die Autokorrektur korrigierte uns nicht nur „weggekürzt“ in „weggeküsst“, sondern schlug uns auch für „Höcke“ „Röcke“ vor. Auch das ist ja im Grunde ziemlich romantisch.}

^{Anmerkung 3: Stimmt das mit „Oasis“, was wir geschrieben haben, Herr Kunath? Bitte melden!!}

Und hier noch 70 romantische Impressionen von Ihren Zombie-Romantikern aus der KunstArztPraxis:

„Only Lovers Left Alive“ in der ARD-Mediathek (noch bis zum bis 18. Dezember 2024 – unbedingt anschauen!)

Der Vampir im Kleiderschrank (31.10.1999)
Hochromantisch! Das Caspar-David-Friedrich-Quiz

Die Kunsthalle Düsseldorf in der KunstArztPraxis:
Kunsthalle Düsseldorf: Peter Piller schafft Ordnung
Für uns von Putin eingeholt: “City Limits” in Düsseldorf
Alles fließt: “Journey Through A Body”
Reine Bildgebung (7): Polke & Co
Conrad Schnitzler: Der Mann mit dem Soundhelm
Gerhard Richter Retro: “Leben mit Pop” (2013)
Max Schulze: “Als Phantom war Polke immer da”

Homepage der Kunsthalle Düsseldorf

^{Anmerkung 4: Durch Zufall geriet uns eine „Besprechung“ der Ausstellung in der „Rheinischen Post“ in die Hände. Unter der seltsamen Schlagzeile „Schau unter dem Motto (sic!) ‚Only Lovers Left‘: Düsseldorfer Kunsthalle bietet Doppelausstellung zur Romantik“ wird behauptet, dass Margarete Jakschik und Friedrich Kunath „ihren Fotografen, Gemälden und Installationen der Romantik (sic!!) eben dieser „Epoche zwischen dem 18. und 19. Jahrhundert widmen“ würden. Dann wird erklärt, dass die Romantik eine Gegenbewegung zur Aufklärung gewesen sei. Und dann wird erklärt, was die Aufklärung von der Romantik unterscheidet. Und illustriert wird das Ganze mit dem Foto einer Ausstellung, die irgendwann vorher mal „in der Kunsthalle beheimatet“ (sic!!!) war. Quo vadis bitteschön Kunstkritik?}

Der Beitrag Düsseldorf: Romantik, post mortem – „Only Lovers Left“ erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Gott sei Dank konnte Conrad Schnitzler keine Noten lesen, und zum Glück versagte er als Kind beim vom Vater verordneten Geigenspiel, denn sonst hätte ihn die Musikwelt verloren. So machte er die gute alte Audiokassette zu seinem Resonanzraum und die Kassettenrekorder zu seinem Orchester.

Dabei reichte Schnitzler eine Kassette nicht aus, ebenso wenig wie ein analoger Synthesizer: Er wollte mehrere Klänge gleichzeitig spielen können und verschaltete dazu auch schon einmal ein Meer an Apparaten zu seinen „Kassettenorgeln“.

Bis zu zwölf Rekorder setzte Schnitzler für seine wegweisenden, von ihm erfundenen und in der jeweiligen Situation erst zu Ende komponierten „Kassettenkonzerte“ gleichzeitig ein. Die Kassettenrekorder wurden von Performer*innen im Publikum herumgetragen. So entstand ein immer wieder anderes, einmaliges Klangerlebnis. Diese Konzerte dauerten oft Tage.

Wichtiger Hinweis am Rande: Am 13. August 2022 um 15 Uhr in die Kunsthalle Düsseldorf gehen! Da veranstalten Wolfgang Seidel und Ken Montgomery, zwei Wegbegleiter Conrad Schnitzlers, ein  Schnitzlersches Kassettenkonzert mit räumlich und zeitlich arrangierten Klängen. Unbedingt anhören.

Unfassbar für das Ordnungsamt

Bei der Ars Elektronica 1980 in Linz forderte Schnitzler das Publikum sogar dazu auf, seine eigenen Rekorder mitzubringen. Am Anfang des Konzerts verteilte er seine Kassetten und wanderte mit den Menschen als „Wandelnde Elektronik-Klangwolke“ durch die Stadt.

In den 1980er Jahren lief Schnitzler im weißen Anzug mit seinem Rekorder-Gürtel um die Hüfte und einem Megaphon-Motorradhelm auf dem Kopf über den Berliner Ku’damm und verkaufte seine Kassetten. Immer in Bewegung, also ohne festen Stand für sein „Gewerbe“. Und damit unfassbar für das Ordnungsamt.

Damals stand auf jeder Kassette Schnitzlers Privatadresse, sodass sich ein reger, vernetzender Austausch mit seinem Publikum ergab.

Musiker wollte Conrad Schnitzler aber nicht genannt werden: Das war ein „Schimpfwort“ für ihn. Er war Performer, Aktionskünstler – zu Hause nicht in, sondern zwischen den Medien. Und als Dazwischen aus „Versatzstücken“ wollte er seine Arbeit auch begreifen.

Fertigstellen konnten seine akustischen Serviervorschläge gern andere. Immer wieder neu. Sogar das Publikum.

In den späten 1960er Jahren zum Beispiel schloss Schnitzler die Geige, an der er als Kind gescheitert war, über einen Tonabnehmer an ein Radio an. Daraus erwuchs eine Aktion in der berühmten Galerie Block, in der die Besucher*innen als Teil einer Klang-Skulptur ihr eigenes Geigenspiel im Radio hören konnten.

1970 gehörte Schnitzler zur Formation der Progressive-Rock-Band „Tangerine Dream“, mit der er das Tape „Electronic Meditation“ herausgab. Darauf kam bereits eine elektronische Orgel zum Einsatz.

Für die Jungs von „Kraftwerk“ soll Conrad Schnitzler den ersten Synthesizer von England nach Düsseldorf geschmuggelt haben. Für die ersten Auftritte von „Ton Steine Scherben“ besorgte er Verstärker.

Dabei war ihm der „Kraftwerk“-Sound „zu straff“, zu deutsch: „Ich bin 1937 geboren und kann sowas nicht leiden“, sagte er dazu. „Meine Generation hatte nach dem Krieg die Schnauze voll vom Deutschsein, von diesem ganzen Pickelhauben-Scheißdreck. Wir wollten Europäer sein!“

Wegen des Krieges seiner Kindheit sind Schnitzlers Klänge geprägt vom Dröhnen der Bomben, wegen seiner Ausbildung zum Maschinenschlosser und wegen seiner Tätigkeit als Heizer auf der „Wilhelm Bornhofen“ beeinflusst vom industriellen Lärm der Fabrik, der Sirenen, der Schiffsschrauben und der Motoren.

Ihr Pfeifen und Hämmern und Knattern prägt seine elektronische Musik – unter bewusster Missachtung des Musikmarkts und jeglicher Flower-Power-Romantik.

In der Kunsthalle Düsseldorf ist jetzt der Klang- und vor allem auch der Videokünstler Conrad Schnitzler zu entdecken: Nach einem ganz eigenen kompositorischen Gesamt-Arrangement, das die Schau auch klanglich gliedert. Lohnt sich auf jeden Fall. (08.08.2022)

^{Jetzt heißt es sputen: „Conrad Schnitzler. Manchmal artet es in Musik aus“ ist nur noch bis zum 14. August 2022 in der Kunsthalle Düsseldorf zu sehen – beziehungsweise zu hören. Parallel läuft auch noch die Ausstellung „City Limits“, über die wir an anderer Stelle schon berichteten.}

E-Musik in der KunstArztPraxis:
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Mit Sigmar Polke war ich gelegentlich befreundet. So muss man das wohl formulieren. Wenn wir uns zum Fotografieren trafen, dann waren wir Freunde, getragen von gegenseitigem Respekt und großer Sympathie. Ich habe seine Bilder bewundert und er hat meine Fotos gemocht.

Es hing natürlich immer etwas davon ab, in welchem Zustand Polke war. Wenn man ihn an einem schlechten Tag erwischte, konnte er auch unangenehm sein. Das habe ich aber selten erlebt. Vor allem habe ich mit Polke immer viel Spaß gehabt, es war immer sehr vergnüglich. Ich schätzte seinen Humor – am Menschen und an seinen Gemälden.

Polke war es auch, der mir den wegweisenden Rat gab, mit einer Leica zu fotografieren. Und das erste Bild, dass ich mit dieser Leica gemacht habe, habe ich von Polke gemacht.

Gehört hatte ich schon früh von Polke. Kennengelernt habe ich seine Bilder dann Mitte der 1960er Jahre: im „Modus“, einem Geschäft für Designermöbel in der Nähe des Ku’damms, mit dessen Besitzer ich befreundet war. Der stellte Gemälde von Galeristen aus, da konnte auch ich gastieren. Im „Modus“ habe ich die ersten Bilder von Polke gesehen und mir erstmals Gedanken über die Qualität seiner Arbeit gemacht.

Viele Polkes für leere Wände

Das war sehr beeindruckend. Aber intensiveren Kontakt hatten wir erst 1972 nach meinem Umzug nach Köln. Damals bin ich in die Wohnung des Fotografen Chargesheimer in die Jülicher Straße gezogen, der sich gerade das Leben genommen hatte. Plötzlich hatte ich viele nackte Wände.

Da war Polke der erste, der mir spontan in den Sinn kam. Also bin ich am Abend zu seiner Wohnung am Ring gegangen. Polke war nicht da, aber seine Freundin hat mir einiges gezeigt, und ich habe mir drei, vier Bilder für wenig Geld mit nach Hause genommen.

„Unsichtbar“ ist wunderbar.

Darunter waren auch Rasterbilder, die ich später wieder verkaufen musste  – ich lebte damals wie viele von der Hand in den Mund. Aber ein Stoffbild habe ich immer noch – es ist von Polkes Sohn Georg signiert und ich habe eine besondere Liebe dazu entwickelt: „Unsichtbar“.

„Unsichtbar“ hat Georg Polke nach eigener Aussage im Alter von acht Jahren gemalt und dann als Elfjähriger signiert. Aber das Bild hat eine Reife, die eindeutig die Handschrift Sigmars verrät.

Für mich hat sich Sigmar Polke auf dem Bild buchstäblich unsichtbar gemacht, indem er seinen Sohn gebeten hat zu malen. Darauf spielen der Titel und der Schriftzug auf dem Bild an: Wieder so ein witziger, kluger Einfall des Künstlers. Das ist meine persönliche Theorie.

„Unsichtbar“ ist wunderbar. Jeder, der es bisher sehen durfte, war begeistert. Auch ich erfreue mich täglich daran. Als Jan Hoet Gründungsdirektor des Marta Herford wurde, hat er mich 2005 gebeten, ihm das Stoffbild für die Eröffungsausstellung „(my private) Heroes“ auszuleihen. Da hing es dann neben einem von Sigmar signierten Bild: Vater und Sohn künstlerisch vereint.

Großes Omelette für alle

Nach meinem Bilderkauf habe ich Polke immer wieder getroffen, auf dem Gaspelshof in Willich, wo er bis 1978 lebte, aber vor allem auch in Köln. Das geschah oft ganz zufällig – und nachts: im „Roxy“ zum Beispiel, oder im „EWG“, wo er viel mit Freunden rumhing und ich ihn als Billard-Spieler porträtierte. Die Herrschaften waren ja immer bis in die Puppen unterwegs.

Hin und wieder besuchte mich Polke auch in die Jülicher Straße. Einmal überraschte er mich mit einem Geschenk: einem mir gewidmeten Skizzenheft mit circa 30 Zeichnungen, das ich später leider ebenfalls wieder verkaufen musste. Das war ein Moment großer Wärme.

Ein andermal klingelte er mich, wohl auch etwas berauscht, mitten in der Nacht mit drei, vier Freunden aus dem Bett und wollte Frühstück. Ich habe dann gesagt: Ja, gut, Frühstück, kann ich machen, aber vorher spülen. Dann hat die ganze Clique erstmal brav gespült, und danach gab’s ein großes Omelette für alle. Das war eine sehr schöne, vergnügliche Nacht.

Ein Pas de deux des Porträtierens

Das waren einige der vielen Begegnungen aus den frühen 1970er Jahren, in denen es in Künstlerkreisen noch viel lockerer zuging als heute. Zwischen 1976 und 1978 haben wir uns besonders oft getroffen, und uns dabei auch immer gegenseitig fotografiert oder gefilmt. Polke hatte ja ebenfalls ständig seine Kamera dabei. Für ihn war die Kamera auch ein Schutzgerät, hinter dem er sich bei Vernissagen oder Abendessen gern versteckt hat.

Wie das war, Polke zu fotografieren? Das war ganz einfach. Ein bisschen wie ein Pas de deux: Wir waren zwei perfekt aufeinander abgestimmte Tänzer. Polke war ja selbst ein großer Fotograf. Die Aufnahmen, die er in Pakistan gemacht hat, sind ganz phantastisch.

Zudem schätzte er die Fotografie, auch als Kunstform. Das hat unserer Zusammenarbeit gut getan. Und dass ich zumeist sehr entspannt fotografiere, hat ihm sicher auch gefallen.

Sigmar Polke macht nicht auf

Als ich 1984 von Kaspar König den Auftrag bekam, im Rahmen der Ausstellung „Von hier aus. Zwei Monate neue deutsche Kunst in Düsseldorf“ beteiligte Künstler zu porträtieren, gehörte auch Sigmar Polke dazu.

Damals war es extrem mühselig, einen Termin mit ihm zu bekommen. Ich bin rund ein Dutzend Mal zu seiner Wohnung in der Kölner Altstadt am Rhein gelaufen. Ich wusste genau, dass er da war, aber er hat einfach nicht aufgemacht. Er hat die Leute ja oft vor der Türe stehen lassen. Das hat er irgendwie genossen – auch für andere unsichtbar zu sein.

Irgendwann bin ich aus lauter Frust mit der Fähre ein paar Mal von Rheinufer zu Rheinufer gefahren, um es danach nochmal zu versuchen. Und als ich zurückkomme, wer steht da auf dem Ponton am Kai und sieht mich grinsend an? Der Herr Polke! Er wollte gerade selbst die Fähre nehmen und die Galeristin Ingrid von Oppenheim besuchen, die auf der anderen Rheinseite eine Wohnung hatte.

Er war sehr überrascht, mich zu sehen, und hat die Situation lachend überspielt.

Alles spontane Ideen

Ich bin einfach auf der Fähre geblieben und wir sind gemeinsam rübergefahren und haben die bekannte Fotosequenz gemacht, in der Polke „auf Motivsuche“ in den Mülleimer schaut oder seinen Kopf an einen Telegrafenmasten schmiegt. Ich denke, Polke wollte sich damit auch bedanken für meine Hartnäckigkeit. Das hat ihn schon beeindruckt. Und so haben wir an diesem Tag viel Spaß gehabt.

1986 hatte ich selbst eine große Ausstellung im Belgischen Haus in Köln, die zuvor schon in Hannover und Hamburg zu sehen gewesen war. Wir haben uns am Neumarkt getroffen und sind gemeinsam hingegangen. Ich habe Polke fotografiert, wie er sich in aller Ruhe meine Fotos angeschaut hat. Und wie er plötzlich im Stechschritt durch die Räume gegangen ist.

Das waren alles seine Einfälle, seine spontanen Ideen, die er mir geschenkt hat. Ich habe ja nie etwas inszeniert. Wenn ich Künstler fotografiert habe, dann wusste ich, dass sie eine Wunschvorstellung von dem im Hinterkopf hatten, wie sie sich positionieren wollen. Die Jungs – und Damen! – hatten immer genug Ideen. Und genügend Phantasie. Darauf konnte ich mich auch bei Polke verlassen.

Verlassen konnte ich mich auch darauf, dass Polke wusste, was für ein großer Künstler er war. Künstler wissen sowas, sie spüren das, das habe ich bei einigen erlebt. Bei Polke war das ebenso.

Nicht von ungefähr hießt seine Ausstellung 1984 in der Kölner Josef Haubrich Kunsthalle „Wir können uns nicht darauf verlassen, dass eines Tages gute Bilder gemalt werden, wir müssen die Sache selber in die Hand nehmen!“. Das war bei aller Ironie auch ernst gemeint.

Die eigene Ausstellung besuchen

Seine eigenen guten Bilder jedenfalls hat sich Polke selbst gerne angeschaut. In die Ausstellung in der Kunsthalle ist er fast täglich gegangen. Da waren ja viele Leihgaben von Sammlern darunter, und Polke freute sich verständlicherweise, diese Bilder wiederzusehen.

Auch da habe ich ihn fotografiert. Ebenso in der Kneipe „Bei d’r Tant“ gegenüber, mit seinem Sohn Georg bei der Vernissage-Feier im ersten Stock. Da ist ein sehr schönes melancholisches Porträt der beiden im Profil entstanden.

Ich kann mich noch gut erinnern, dass Polke nach einem Gespräch mit einem Sammlerehepaar aus Stuttgart in der Kunsthalle sehr verärgert war – zumindest nach seinem Gesichtsausdruck zu urteilen. Er konnte da sehr empfindlich sein, und er hätte sicher nicht diese großartigen Gemälde geliefert, wenn er nicht so sensibel gewesen wäre.

Vom Künstler weggeschubst

Das Ego ist bei Künstlern ja grundsätzlich besonders ausgeprägt, und wenn man sie nicht ständig küsst, sind sie gekränkt. Auch bei mir war Polke sofort beleidigt, wenn ich nicht direkt auf etwas von ihm angesprungen bin. Wenn er einen Kakao mit mir trinken wollte und ich hatte einen Termin und keine Zeit dazu, dann war er sauer, dass ich die Einladung des großen Sigmar Polke zum Kakao einfach so ausschlage.

Manchmal fühlte er sich auch belästigt von meiner Kamera. Tatsächlich konnte ich ziemlich rücksichtslos sein. Wenn ich fotografiere, vergesse ich meine Umwelt und stecke ganz drin im Apparat. Da ist der Weg zum Paparazzi-Idioten nicht weit.

Einmal habe ich Polke mit seiner Mutter auf dem falschen Fuß erwischt, da hat er mich weggeschupst. Aber das waren absolute Ausnahmen, das ist höchsten zwei, drei Mal passiert. Im Grunde hat er es genossen, von mir fotografiert zu werden.

Die ausgeschlagene Einladung

Eine Sache hat mir in diesem Zusammenhang sehr lange leidgetan: Mitte der 1980er Jahre traf ich Polke am Neumarkt und er lud mich ein, ihn so um drei, vier Uhr morgens in seinem Atelier zu besuchen: Er wolle mir ein paar Bilder von sich zeigen. Ich habe dann mit der Begründung, dass ich um diese Zeit schon müde sei und schlafen müsse, abgelehnt.

Aus heutiger Sicht war das ein großer Fehler, denn Polke experimentierte gerade am „Athanor“-Zyklus mit seinen feuchtigkeitssensiblen Farben für die Biennale in Venedig, für den er 1986 den Goldenen Löwen bekommen hat. Das ist eine extrem faszinierende Arbeit, die ich dann erst später im Museum Abteiberg in Mönchengladbach gesehen habe. Diese Bilder haben für mich eine unglaubliche Strahlkraft – genauso wie Polkes unglaubliche Kirchenfenster in der Schweiz.

Immer, wenn ich im Museum Abteiberg war, dass ja damals für die internationale Kunstwelt eine viel größere Bedeutung hatte als heute, ist mir die ausgeschlagene Einladung wieder schmerzlich ins Gedächtnis gekommen.

Nie im Atelier

Überhaupt habe ich Polke nie im Atelier fotografiert. Ich war mal dabei, wie er in Krefeld an Rasterbildern gearbeitet hat, aber das war noch während meiner Galeristen- und vor meiner Fotografenzeit. Festgehalten habe ich das nie.

Das waren so unglückliche Momente in unserem Verhältnis, die ich lange Zeit bereut habe. (06.06.2022)

^{Anmerkung: Natürlich wäre es schön & angemessen gewesen, die nie geschriebene Autobiografie von Benjamin Katz mit seinen großartigen Fotos zu bebildern. Aber das verhindert mal wieder die Unsichtbarkeits-Maschine. Deshalb zeigen wir nur unsere Schnappschüsse. Geht ja auch.}

Aus unserer lyrischen Hausapotheke: Wenn Polke lacht. Eine lyrische Hommage

Benjamin Katz in der KunstArztPraxis:
Katz & Penck: „Mit Ralf war es ein Wechselspiel“
Katz & Richter: „Die Chemie mit Gerhard stimmte eben“
Katz & Baselitz: „Mit Pinsel ist Georg nicht mehr da“
Katz im Marta: „Sie werden überrascht sein!“

Der Beitrag Katz & Polke: „Mit Sigmar habe ich viel Spaß gehabt“ erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

^{© für alle Gemälde: Gerhard Richter}

Anamnese: Gregor Jansen über Aktion und Ausstellung „Leben mit Pop“

„Am 11. Oktober 1963 initiierten Gerhard Richter und Konrad Lueg im Möbelhaus Berges in der Flingerstraße in Düsseldorf, also abseits vom Kunstmarkt, im Ausstattungsparadies der Wirtschaftswunderzeit, ihre Performance „Leben mit Pop“. Es war die zweite „Demonstration des kapitalistischen Realismus“ nach einer ähnlichen Aktion im Ladenlokal einer leerstehenden Metzgerei in der Düsseldorfer Kaiserstraße wenige Wochen zuvor, an der auch Sigmar Polke und Manfred Kuttner beteiligt waren.

Der Begriff des „Kapitalistische Realismus“ war dabei nicht nur ein Werbe-Gag, sondern auch eine Auseinandersetzung mit der Fluxus-Bewegung und der Pop-Art Warholscher Prägung. Und er war eine Abgrenzung zur Kunstdoktrin des sozialistischen Realismus der DDR, aus der Gerhard Richter, Sigmar Polke und Manfred Kuttner ja kamen. Richter hat sich später schnell von dem Begriff als einem Schlagwort ohne inhaltliche Dimension distanziert, aber ein paar Jahre funktionierte er als Label ganz gut.

Ohrfeige gegen die Wirtschaftswunderzeit

Das Möbelhaus Berges war damals in keinem guten Zustand, und Richter und Lueg hatten den Besitzer überzeugen können, dass ihre Aktion eine neue Kundschaft versprach. Das Möbelhaus hatte sich auch gewünscht, dass die Künstler während ihrer Performance Werbung für die Produkte machen würden, aber das war ein Schlag ins Wasser. Es gibt Briefe, in denen sich Herr Berges nach der Aktion bitterlich beschwert hat, dass diese nur ein großer Klamauk ohne Reklamewirkung für sein Haus gewesen sei.

Tatsächlich hat wohl keiner auf seine Möbel geachtet, und die 130 am Wochenende gezählten Besucher haben das Ganze als das betrachtet, was es war: eine Kunstperformance außerhalb der regulären Öffnungszeiten des Geschäfts. Es war eine Art Provokation im Würgegriff des Kapitalismus, der Versuch einer Ohrfeige gegen die Wirtschaftswunderzeit. Aber auch diese Provokation lief vorwiegend ins Leere. Die ganze Aktion an sich hatte ja selbst etwas sehr Bürgerliches.

Am Ende gab es Bier

Wie sah die Demonstration des kapitalistischen Realismus“ im Möbelhaus Berges aus? Zunächst gab es ein Wartezimmer, in dem Pappfiguren von John F. Kennedy und vom Galeristen Alfred Schmela standen. Zudem lagen Tageszeitungen aus und die Besucher bekamen Wartezettel. Über das Zimmer konnte man dann in den Ausstellungsraum gelangen, wo Lueg und Richter auf Podesten in Berges-Sesseln saßen. In einem Fernseher lief die „Tagesschau“ und danach noch ein Bericht zur ausgehenden Ära Konrad Adenauer.

Die Werke der Künstler – insgesamt nur acht, je vier Bilder pro Künstler – waren wie Dekorationsmaterial in die Originalschauräume des Geschäfts integriert. Dann wurden die Besucher von Etage zu Etage durch das Möbelhaus geführt, bis die Aktion dann irgendwo in der Küche oder im Aufenthaltsraum endete. Dort gab es Bier. Das Ganze dauerte knapp eine Stunde.

Bürgerlich, aber politisch

Wichtig für die Aktion war, dass die Künstler sich vor allem selbst ausstellten. Es ging gar nicht so sehr um die Malerei: Auf den einzigen historischen Fotos der Aktion von Rainer Ruthenbeck sind die Gemälde von Lueg und Richter folgerichtig gar nicht zu sehen.

Durch den Bericht über Adenauers Wirken bekam die Aktion aber doch noch etwas Politisches. Deshalb war ihr Zeitpunkt im Oktober 1963 auch bewusst gewählt. Denn da ging, wie die Künstler hofften, der Muff der Nachkriegszeit zu Ende. Gegen diesen Muff, der zum einen eine wichtige Grundbedingung bildete für die Entstehung dieser deutschen Variante der Pop-Art, wollten sie zum anderen klar opponieren. Ihm hofften sie zu entkommen.

Die kuratorische Tugend

Unsere materialreiche Ausstellung „Leben mit Pop. Eine Reproduktion des Kapitalistischen Realismus“ wollte diese historische Aktion ebenso wie ihren Vorgänger rekonstruieren und den Besucher durch zahlreiche Dokumente teilhaben lassen an der Atmosphäre der Zeit. Riesengroß aufgezogene historische Fotografien sollten ihn förmlich hineinziehen in die frühen 1960er Jahre.

Die vielen Gemälde, die zur Ikonografie des kapitalistischen Realismus zählen, waren in der Ausstellung als Reproduktionen in Originalgröße vertreten: einerseits, weil die von Konrad Lueg und Gerhard Richter entworfene Bildwelt selbst auf reproduzierten Motiven der Massenmedien und der Werbung beruhte; andererseits aber auch, weil Gerhard Richter schon 2017 der teuerste lebende Maler war.

Die meisten bei Sammlern und Museen angefragten Werke waren deshalb aus restauratorischen, konservatorischen oder versicherungstechnischen Gründen gar nicht mehr entleihbar. Der kapitalistische Realismus hatte sich bei Richter sozusagen selbst verwirklicht. Aus dieser Not haben wir dann ein stringentes kuratorisches Konzept entwickelt.

„Sie glauben gar nicht, wie dankbar ich bin„

Im Vorfeld haben wir natürlich bei Richter angefragt, ob er mit diesem Konzept einverstanden sei. Und das Tolle war, dass Richter gesagt hat: Sie glauben gar nicht, wie dankbar ich ihnen bin, denn endlich gucken sich die Leute mal wieder die Werke und Motive an und schauen nicht auf diese millionenschweren Objekte.

Wir haben in „Leben mit Pop. Eine Reproduktion des kapitalistischen Realismus“ also ganz bewusst die Folie des Marktwerts mit seinem imaginären Fetischcharakter vom Bild herunter gezogen, damit wieder ein unverkrampfter, freier Blick auf das Motiv möglich wurde. Und das hat ja auch ganz ausgezeichnet geklappt.“ (08.02.2022)

Gerhard Richter in der KunstArztPraxis:
Dietmar Elger: „Gerhard Richter ist kein Malerfürst“

Mehr Informationen zur Ausstellung
Homepage der Kunsthalle Düsseldorf

Der Beitrag Gerhard Richter Retro: „Leben mit Pop“ (2013) erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

So hatten wir es ja vor etwas längerer Zeit bei unserem Polke-Hommage-Gedicht schon versprochen. Und wir halten natürlich Wort! Voilà.

Hier kommt erstmal Sigmar Polke:

Ups, oje, Schockschwere Not: Hier kam mal Sigmar Polke! Schöne Bilder von schönen Werken – ein wahrer Gaumenschmaus für die Unsichtbarkeits-Maschine. Und die hat die Fotos inzwischen alle verschlingend aufgefressen. Tut uns leid.

Und hier dann noch die Compagnie, sprich: jene aktuellen Positionen, die von Polke beeinflusst worden sind:

^{„Produktive Bildstörung“ hat verlängert und ist nun noch bis zum 6. März 2022 in der Kunsthalle Düsseldorf zu sehen.}

Sigmar Polke in der KunstArztPraxis:
Wenn Polke lacht. Eine lyrische Hommage zum 80. Geburtstag
Max Schulze: „Als Phantom war Polke immer da“

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung (6): Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung (5): „Das Ensemble spielt das Stück“ im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung (4): Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung (3): Marcus Neufanger
Reine Bildgebung (2): Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung (1): Joseph Beuys in Wuppertal (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage der Kunsthalle Düsseldorf

Der Beitrag Reine Bildgebung (7): Polke & Co in Düsseldorf erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Als Highlight zum Polke-Jubiläum kombiniert die Kunsthalle Düsseldorf Werke des magischen Raster-Punkte-Meisters mit zeitgenössischen Positionen, die er beeinflusst hat. Dort ist auch Max Schulze ausgestellt, dem wir ja zum Auftakt der Schau einen Hausbesuch abgestattet haben.

Im Folgenden wollen wir uns nun poetisch mit jeweils einer Strophe pro Dekade einem Aspekt im Werk Polkes widmen, der uns immer am meisten beeindruckt hat: dem Humor. Wobei Scherz, Satire und Ironie unserer Meinung nach bei Polke nicht nur am Grabbeplatz, sondern stets auch tiefere Bedeutung haben (wenn uns dieser literarische Jux hier erlaubt ist).

Und: Obacht! Im Gedicht haben wir rund 20 Werke Sigmar Polkes versteckt – darunter auch zwei bis fünf Gemälde, die momentan in der Kunsthalle Düsseldorf hängen. Findet Ihr sie?

Wenn Polke lacht.
Eine lyrische Hommage

Wenn Polke lacht, verwandeln sich die Bilder.
Ein Punkt wird Mörder und aus Omas Klecks.
Die Gischt der Farbe macht uns Biedres wilder.
Nur schwarz bleibt weiß und 2 + 3 = 6.

Wenn Polke lacht, routieren die Kartoffeln
Im Hocker-Orbit einer andren Welt.
Dann haut es Bauern nicht nur aus Pantoffeln.
Und nackig pflügen sie per Pferd das Feld.

Wenn Polke lacht, befehlen höhre Wesen
Den Dreiecksscheitel Hitlers in die Ecken.
Auch sonst wird Böses oft banal zerlesen,
Wo Sensibellose beim besten Willen kein Hackenkreuz entdecken.*

Wenn Polke lacht, dann blickt man durch die Sterne,
Die rasterschwarz vorm Rahmenfenster stehn.
Und epidiaskopisch, in der Ferne,
Kann man Druckfehler aus der Zeitung sehn.

Wenn Polke lacht, sollte man Maske tragen:
Es stinkt nach Phosphor, Lebenden, Kopien.
Nach Säure stinkt‘s, nach Reihern und Versagen,
Nach Grün aus Schweinfurt und nach Wurst aus Wien.

Wenn Polke lacht, dann muss man sich beeilen.
Die Wolken zieh’n, schon kommt das nächste Bild.
Die Farben – ach! – sie wollen nicht verweilen,
Derweil der Alchemistenofen überquillt.

Wenn Polke lacht, dann lernen wir die Dinge
(Erstmals?) so sehen wie sie (wirklich?) sind.
Sein Witz legt uns um unsre Augen Ringe
Die sie vergrößern wie bei einem Kind.

Die andern wollen fetten oder filzen
Und ziehen Schamanismus in Betracht.
Wir lecken nur an Polkes Purpurpilzen
Und sind im Ernst geheilt. Weil Polke lacht.

^{* Jaja, der mit dem beim besten Willen nicht entdeckten Hakenkreuz war Martin Kippenberger. Geschenkt. Deshalb spielt an dieser Stelle ja auch das Versmaß verrückt. Trotzdem: Schauen Sie sich „Konstruktivistisch“ und „Moderne Kunst“ doch einfach mal an! Na? Eben.}

(20.12.2021)

An dieser Stelle hab es mal eine Fotostrecke der Ausstellung „Produktive Bildstörung“ zu sehen. Doch dann kam die Unsichtbarkeits-Maschine und hat sie leider aufgefressen. Tut und leid.

^{„Produktive Bildstörung“ ist noch bis zum 6. Februar 2022 in der Kunsthalle Düsseldorf zu sehen.}

^{Anmerkung 1: Wir haben eine sehr gute Freundin, in deren Elternhaus hing Polkes „Höhere Wesen befahlen: rechte obere Ecke schwarz malen!“ jahrelang im Treppenhaus. Besagte Freundin sagt, sie habe schon als Sechsjährige begriffen, dass das Bild sehr witzig sei. Und gedacht: Das hat der Polke richtig gut gemacht! Ein größeres Kompliment kann man einem Künstler eigentlich nicht machen. Frühreife Klugheit besagter Freundin hin oder her.}

^{Anmerkung 2: Zu Ehren Sigmar Polkes zeigt unsere Fotostrecke ausschließlich Polke-Werke. Die Werke der anderen ausgestellten Künstler aus „Produktive Bildstörung“ reichen wir noch nach. Versprochen.}

^{Anmerkung 3: Wir hätten viele schöne Fotos von den Polke-Ausstellungen „Die Vervielfältigung des Humors“ (2013) im Museum für Gegenwartskunst Siegen, „Leben im Pop“ (2013) in der Kunsthalle Düsseldorf, „Alibis“ (2015) im Museum Ludwig und „Schöne Bescherung“ (2016) im Museum Morsbroich. Aber da hält die Unsichtbarkeits-Maschine ihre Krallen drauf. Zeigen wir also die Fotos von „Produktive Bildstörung“, bevor sie sich im März in Luft auflösen.}

Der lachende Polke stammt aus dem Giftschrank des Fotografen Benjamin Katz, dessen Ausstellung im Marta wir ja andernorts schon gewürdigt haben.

Hier ist Polke als Kontaktabzug durch Katzens Lupe zu sehen. Und unseres Wissens auch exklusiv zum ersten Mal.

Max Schulze: „Als Phantom war Polke immer da“
Homepage der Kunsthalle Düsseldorf

Aus der lyrischen Hausapotheke der KunstArztPraxis:
Intuition statt Kochbuch. Ein Joseph-Beuys-Editions-Gedicht
Zum 110. Geburtstag: Ode an Jackson Pollock

Der Beitrag Wenn Polke lacht. Eine lyrische Hommage erschien zuerst auf KunstArztPraxis.