Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte. Vor allem dann, wenn eine Ausstellung trotz aller Wucht derartig hingehaucht ist wie Kerstin Brätschs „MƎTAATEM“ im Kunstmuseum Bonn! Lassen wir also einfach in guter alter Tradition wieder einmal nur die Fotos sprechen.

Zur großartigen Ausstellung selbst haben wir ja an anderer Stelle schon berichtet.

Aber jetzt: Voilà:

(29.03.2026)

^{Kerstin Brätsch. MƎTAATEM“ ist noch bis zum 12. April 2026 im Kunstmuseum Bonn zu sehen.}

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
Der Schatten seiner selbst in Bonn: „From Dawn Till Dusk“
Blick durchs Schaufenster. Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Der brennende Dornbusch. Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 36: William Kentridge in Essen
Reine Bildgebung 35: Eckart Hahn in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 34: „Before the Wind“ in Paderborn
Reine Bildgebung 33: „Teilweise möbliert“ in Krefeld
Reine Bildgebung 32: Elias Sime in Düsseldorf
Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguley in Duisburg
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Bonn

Der Beitrag Reine Bildgebung 37: Kerstin Brätsch in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Indem sie ihre farbliche Abstraktionen als Körper in die Ausstellungsräume wachsen lässter, weckt Kerstin Brätsch die an sich ja platte Malerei mit „MƎTAATEM“ im Kunstmuseum Bonn zum Leben. Neben Neuproduktionen sind über 100 Werke der letzten 15 Jahre zu sehen. Die Arrangements sind pure Alchemie.

Die Älteren werden sich erinnern: Der letzte Marta-Preis der Wemhöner-Stiftung ging an Lena Henke, und wir Drei von der KunstArztPraxis hatten der Jury Lena Henke auf Einladung des Marta Herford höchstpersönlich vorgeschlagen! Darauf sind wir bis heute mächtig stolz. 

Ende 2026 wird Kerstin Brätsch der aktuelle Marta-Preis überreicht, und wir können uns keine würdigere Nachfolgerin für Lena Henke denken. Denn Kerstin Brätsch macht tolle Kunst, die die – ihrem Wesen nach ja eigentlich fast platte – Malerei in Raum & Körper(n) weiterdenkt.

Dieses Fast-Platte-Malerei-in-Raum-&-Körper-Weiterdenken ist bei Kerstin Brätsch immer geistig ebenso sauber grundiert wie äußerst sinnlich ausgeführt.

Grandios pulsierend umgesetzt

Und ist im Kunstmuseum Bonn jetzt auch kuratorisch grandios pulsierend umgesetzt (Danke, Friederike Fast!).

In „MƎTAATEM“ kann man auf Bildern sitzen und durch Bilder gehen wie durch Zimmer. Da gibt es Malerei, die als Tapete mit abstrakten Felsen, Wolken und Gesichtern die hohen Wände symmetrisch überwuchert, wie eine zweite Haut.

Es gibt Malerei, die Schatten wirft. Die anderer Malerei als Sockel dient. Die Wege versperrt, Perspektiven öffnet oder monstergleich auch noch den kleinsten Zwischenraum beherrscht.

Andernorts gefriert Malerei zur abstrakten Landschaft: So wie bei „Fossil Psychics for Christa“, die Kerstin Brätsch mit Unterstützung des Stukkateurs Walter Cipriani geschaffen hat: „versteinerte skulpturale Pinselstriche“, wie Brätsch das nennt.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Für Brätsch ist die „Fossil Psychics“-Serie auch eine Hommage an Steine: „ihre Präsenz, ihre Stille und ihre Fähigkeit, die Zeit zu konservieren.“ Wie der polierte Querschnitt durch Achate. Auch Natur ist Teil des malerischen Körpers.

Das hat eine visuelle Schönheit, die gerade dank der Abstraktionen Assoziationen weckt – und gleichzeitig beim betrachtenden Durchwandern über- und unterschwellig zu Reflexionen über sich selbst als Kunstwerk animiert.

Denken mit dem Knie in Reinkultur. Hach. So etwas gefällt uns Dreien von der KunstArztPraxis ja bekanntlich immer ganz besonders gut.

Ein Glück: Der Raum ist da

Beim betrachtenden Durchwandern von „MƎTAATEM“ jedenfalls war uns, als habe Kerstin Brätsch einen künstlerischen Kernspin-Tomographen mitsamt Sonar und Röntgenröhre angeworfen:

Auf dass wir staunenden Auges hineinschauen könnten in Herz & Lunge – ach, was sagen wir: in alle nur ERDENKLICHEN Organe der abstrakten Malerei.

Während die Bilder in großer Geste atmeten, pulsten und pochten, und zwar, ja: GANZHEITLICH. So zumindest erschien es uns.

Zum Glück ist Raum zum ganzheitlichen Atmen, Pulsen, Pochen dieser Werke im Kunstmuseum Bonn gegeben.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „Atem“ (2024/2025),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Mit „MƎTAATEM“ ist Kerstin Brätsch unserer Meinung nach etwas ganz Zauberhaftes gelungen: Sie hat dem Museums-Körper mit Farbe Leben eingehaucht wie Rabbi Löw dem Lehm.* Wobei ihr Golem klug ist und in Bildern zu uns spricht.

^{*dass dies bei den architektonisch doch recht dominanten Räumen
des Kunstmuseums Bonn in dieser Form nicht ganz einfach ist,
wollen wir zumindest kurz erwähnen.}

Wir müssen das alchemistisch nennen

Wir können das nicht anders als alchemistisch nennen. Was ganz im Sinne Kerstin Brätschs sein sollte. Denn als eine Art Alchemistin versteht sich die Künstlerin offenbar auch.

Da nimmt es kaum Wunder, dass der von uns ja so geliebte objektive Zufall Kerstin Brätsch in einer Glaswerkstatt Restbestände einer Arbeit in die Hände spielte, die ein anderer Alchemist der Malerei 2009 für die Buntglasfenster des Großmünsters in Zürich schuf. Natürlich: Sigmar Polke. 

„Ich habe seine Rest-Achate in meine eigenen Glasarbeiten eingebettet, wie eine Katze, die einen Teller sauber leckt“, sagt Brätsch. Allein für diese schöne Formulierung hat sich die Erwähnung der Anekdote schon gelohnt.

Auch Polke war ein Zauberer, der mit Malerei Räume füllte und Pavillons zu lebendigen Körpern machte! Wir wollten das als kleinen Exkurs aus gegebenem Anlass hier nur kurz ins Gedächtnis rufen.

Die Alchemie muss aber stimmen!

Zur Alchemie des Atmens, Pulsens & Pochens von Kerstin Brätschs Werken gehört nicht nur, dass sie ihren Malerinnen-Körper in gewisser Weise dadurch erweitert, dass sie mit anderen Künstler*innen oder Kunsthandwerkern kollaboriert.

Dazu gehört auch, dass Brätsch selbst nicht immer weiß, wohin der Prozess der – am Ende allerdings dann doch wieder bewusst gelenkten – Bildfindung führt.

Deutlich wird das bei den „Marmorierungen“, bei denen Kerstin Brätsch den gestischen Pinselstrich gegen übers Blatt laufende Tusche eingetauscht hat. Die Blätter bewegt sie mit dem Marmorier-Meister Dirk Lange gemeinsam hin und her.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Für Brätsch ist dies vor allem eine Arbeit physikalischer Kräfte wie „Schwerkraft, Abstoßung und Anziehung“: eine Arbeit, die zudem von den Eigenschaften der verwendeten Materialien bestimmt wird.

Lang lebe Subjektivität & Autorschaft!

Dass da ja wohl einmal mehr die Frage nach Autorschaft und Subjektivität von der Künstlerin aufgeworfen werde:

Dieser Gedanke geistert da fast schon automatisch durch unsere drei Gehirne, wird aber gleich wieder – Pfft, pfft, Gedanke! – erfolgreich daraus verscheucht.

WIR glauben nämlich noch an Subjektivität & Autorschaft. Und zwar UNISONO.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Wilder Tango für vier Arme?

Wir stellen uns das Procedere lieber als wilden Tango für vier Arme vor, bei dem Papier & Tusche jene Körper sind, die von besagten Armen im Rhythmus bewegt & tänzerisch verschmolzen werden wollen. Und wo vielleicht mal das eine und mal das andere Hand-Paar führt. Bis die Vorlage steht für das – nach dem Tanzen wie gesagt noch nachbereitete – endgültige Werk.

Bei DIESEM alchemistischen Werden würden wir im Atelier gerne einmal Mäuschen spielen.

Wenn nichts dazwischenkommt, dann wird Kerstin Brätsch den mit 25.000 Euro dotierten Marta-Preis Im November 2026 bei einem Festakt im Marta Herford offiziell entgegennehmen; damit verbunden ist eine Einzelausstellung in der dortigen Lippold-Galerie.

Hoch & weit vs. niedrig & Schlauch

Wir sind schon sehr gespannt, wie ihre skulpturale Malerei dort atmen, pulsen oder pochen kann. Nur eins ist klar:

Es wird ein anderes Atmen, Pulsen oder Pochen sein. Denn so viel wunderbaren Platz zum Atmen, Pulsen oder Pochen wie im Kunstmuseum Bonn werden Kerstin Brätschs Bilder in der eher schlauchig & niedrig ausgeformten Lippold-Galerie nicht haben.

^{Foto oben: Selbst zum Raum-Verstellen braucht man Raum!
Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Wir werden auf jeden Fall im November nach Herford reisen. Und vielleicht werden wir sogar berichten.

Aber vorher werden wir sicher noch einige Male staunenden Auges und denkenden Knies durch Kerstin Brätschs hypnotische Bonner Farb-Körper wandern, die auf sehr wundersame Weise Reflexionen über ungeahnte malerische Möglichkeiten mit deren sinnlicher Präsenz in Raum & Körper lebendig verknüpft.

MƎTAATEM eben. (08.02.2026)

^{Kerstin Brätsch. MƎTAATEM“ ist noch bis zum 12. April 2026 im Kunstmuseum Bonn zu sehen.}

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
Der Schatten seiner selbst in Bonn: „From Dawn Till Dusk“
Blick durchs Schaufenster. Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Der brennende Dornbusch. Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn

Homepage des Kunstmuseums Bonn

Der Beitrag Atmen. Pulsen. Pochen. Kerstin Brätsch in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Im Kunstmuseum Bonn läuft gerade die fulminante Retrospektive mit 70 teils großformatigen Arbeiten des US-Künstlers Gregory Crewdson: ein Vertreter der „narrativen Fotografie“, dessen unheimlich cinemaskopische Bilder oft Jahre und bis zu hundert Helfer*innen zum Entstehen brauchen. Wir läsen gern den Film DAVOR.

Gregory Crewdson macht es Kunstgeschichtlern leicht: Wer seine Fotos mit dem durch Wissen verdorbenen Auge ansieht, der wird in ihnen Tausende von Bezügen zu Kunst & Film entdecken können.

Fliegen die Motten im Frühwerk nicht vor die Scheibe wie in einem Collage-Roman von Max Ernst? Sitzen diese einsamen Frauen mit ihren leeren Blicken nicht auf den Betten wie im Hotel bei Edward Hopper?

Wir können unser Wissen nicht wegwischen

Sehen die Kleinstadt-Straßen mit ihren offen stehen gelassenen Autos nicht aus wie nach einer Vogelschwarm-Attacke von Alfred Hitchcock? Und ist das Licht nicht oft so schaurig schön wie bei Vermeer – oder in „Poltergeist“?

Allein aus Gregory Crewdsons Bezügen ließen sich ganze Kataloge mit kunstgeschichtlichen Texten basteln.

Wir müssen gestehen, in diesem Sinne selbst kunstgeschichtlich verdorben zu blicken.

Wir sehen im Frühwerk Stephen Shore, Ruud van Empel. Das, was wir schon mal gesehen haben, legt sich wie ein Schleier über unsere Augen. Das ist ja auch gewollt. Gregory Crewdson macht keinen Hehl aus seinen Vorbildern, im Gegenteil: Er betont sie selber.

Auch wir Drei von der KunstArztPraxis können unser Wissen nicht wegwischen. Das finden wir schade. Denn hinter dem Schleier lauert bei Gregory Crewdson immer auch etwas ganz Eigenes, und das ist viel wichtiger als das, was uns den Blick verstellt.

Da sind wir uns sicher.

^{Foto oben: Gregory Crewdson, „Eveningside Tattoo“ (2021, Detail),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Hach. Wieder sehen können wie ein Kind!

Dieses Eigene ist das, was wir meinen, wenn wir bei Kunst, immer wieder einmal, von Geheimnis sprechen, von Verheißung. Von Poesie! Hach. Vor Gregory Crewdsons Fotos jedenfalls wünschte man sich, man könnte wieder sehen wie ein Kind.

Ach ja: Wenn Kunstgeschichtler über Gregory Crewdson sprechen, dann heißt es immer, seine Fotos seien keine film stills: Sie enthielten einen ganzen Film, dessen Handlung sich im Bild verdichte.

Gregory Crewdson selbst hat von „Single Frame Movies“ gesprochen, er macht es Kunstgeschichtlern leicht. Das klingt zwar schön & lässt sich gut zitieren. Wir sehen das trotzdem anders. 

Wir finden, dass Gregory Crewdsons Fotos sehr wohl film stills sind – wenn auch anders als bei Cindy Sherman. In unseren Augen spulen Crewdsons Bilder nämlich die Schlusssequenz von Filmen ab, die nie gedreht worden sind!

Die bis auf dieses film still unsichtbar bleiben. Die aber nachgerade darum FLEHEN, mitgesehen zu werden.

^{Foto oben: Das eigentliche DAVOR, DAHINTER: DAS würden wir gerne
greifen können! Gregory Crewdson, „Twighlight“ (1998-2002, Detail),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

DAS ist ein Wissen – wir wollen einmal sagen: unschuldiges Wissen, vom flehentlich Mitzusehenden, das wir für Gregory Crewdsons Werke gerne hätten.

Viele Filme, open ends

Vielleicht kann diese Filme aber auch nur ein Dichter wirklich vorher sehen, während er Gregory Crewdsons Fotos betrachtet? Zu „Gregory Crewdson“ in Bonn jedenfalls wünschten wir uns einen Katalog aus Texten, die weniger die Bezüge zu Kunst & Film aufdecken als vielmehr die Filme VOR diesen Bildern nacherzählen: von Dichtern, die vorhersehen KÖNNEN.

Peter Handke trauten wir das zu, als er noch nicht verblendet war. Botho Strauß, als er noch nicht verblendet war. Nicht vielen, die noch nicht verstorben sind.

Oder sollte sich besagter Katalog sogar nur auf EINES der in Bonn gezeigten grandiosen Foto stürzen? Denn vor jedem Foto Gregory Crewdsons wurden ja sehr VIELE Filme nicht gedreht, in UNSEREN Augen ist das so. Und jedes film still von der Schlusssequenz dieser vielen ungedrehten Filme ist ein open end.

Vielleicht ist DAS das Geheimnis. Die Verheißung? Die Poesie? (11.01.2026)

Und hier noch schnell der Abspann der Schlusssequenzen ungedrehter Filme:

^{„Gregory Crewdson“ ist noch bis zum 22. Februar 2026 im Kunstmuseum Bonn zu sehen. Wer nicht hingeht, ist selber schuld.}

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
Der Schatten seiner selbst in Bonn: „From Dawn Till Dusk“
Blick durchs Schaufenster. Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Der brennende Dornbusch. Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn

Homepage des Kunstmuseums Bonn

Der Beitrag Der Film vor den Bildern. Gregory Crewdson in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wir müssen gleich kurz philosophisch werden, denn im Kunstmuseum Bonn beleuchtet gerade eine Ausstellung den Schatten in der Gegenwartskunst, die sich sehr klug auf die Antike beruft. Es ist die letzte Schau von Stephan Berg als Intendant. Ein rundherum erhellender Abschluss, wie wir finden.

Mit der Kunst stand der griechische Philosoph Platon auf Kriegsfuß. Das wissen wir, weil KunstArzt3 darüber vor Urzeiten sein Rigorosum abgehalten hat.

Die Kunst sei fern der Wahrheit und des Wissens, heißt es beim antiken Denker: absurde Meinung, nutzloses Blendwerk, geschaffen für die niederen Instinkte des Volkes & von verderblicher Wirkung auf Seele und Gesellschaft.

Wir hätten alle diese Attribute offen gestanden eher Donald Trump zugeschrieben, aber Platon hat Trump bekanntlich ignoriert. Er bevorzugte ja eher so die weisen Diktatoren.

Im Ranking der Wirklichkeit steht der Künstler bei Platon jedenfalls noch unterm Tischler, denn der Tischler ist näher an der göttlichen Idee: für Plato die höchste Wirklichkeit.

Kunst ist Schatten

Meint: Über allen Hölzern schwebt die Idee des Tisches. Dann kommt der konkrete Tisch. Und ganz unten, sozusagen am Boden des Fasses, das niedere künstlerische Abbild (εἰκόνες) des Tischs aus Farbe.

Oder, wie es bei Platon heißt: das „Phantasma“. Der „Seh-Irrtum“. Und jetzt endlich kommt’s: der „Schatten“ (σκιά).

^.

^{Nicht nur bei Platon, auch am Boden dieses Tintenfasses auf einem echten (!) Tisch ist die σκιά trügerisch!
Vadim Fishkin, „Coffee and Ink“ (2012), Kunstmuseum Bonn, 2025}

Wir erwähnen das alles, weil sich auch Stephan Bergs Ausstellung „From Dawn Till Dusk“, die sich mit dem Schatten in der Gegenwartskunst beschäftigt, kuratorisch auf den ollen Platon beruft.

Genauer: auf das berühmte Höhlengleichnis, das durch einen Kupferstich des Niederländers Jan Saenredam aus dem frühen 17. Jahrhundert in den Ausstellungs-Räumen präsent ist. 

Und das uns sagen will, dass wir in Unzulänglichkeit Gefesselten statt der eigentlichen Dinge nur deren Schatten als Abbilder sehen können, also ontologisch komplett im Dunkeln tappen.* 

^{*Phänomenologisch natürlich auch! Aber das
versteht sich ja von selbst.}

Die zweite antike Referenz gefällt uns noch besser, weil sie die Geburt der Kunst aus dem Geist des Schattens viel poetischer – und damit in unseren sechs KunstArzt-Augen natürlich wahrer! – erzählt.

Mit der durch Plinius d. Ä. überlieferten Legende von der Tochter des korinthischen Töpfers Butades nämlich, die die Konturen des an die Wand geworfenen Schlagschattens ihres auf ungewisse Fahrt ausziehenden Geliebten mit Kohle nachzog: das Kunstwerk war erfunden.

Mit „The Origin of Painting“ (2018) spielt Marlene Dumas darauf an. Wobei ihre Heldin ganz narzisstisch – oder besser vielleicht: feministisch – den EIGENEN Schatten malt. Zeitgenössisch eben.

^{Den Augenblick fixieren: Marlene Dumas „The Origin of Painting“ (2018),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Man könnte es auch so sagen: In Bonn darf der Schatten endlich Schatten seiner selbst sein, indem er quasi aus sich selbst heraustritt. Das allein finden wir schon ziemlich klasse. Weil man dadurch nämlich sieht, was er so alles kann.

Er kann aus dem Hausmüll unserer Konsum-Gesellschaft Menschen formen (Tim Noble & Sue Webster). Er kann Ängste der Jugend von innen nach außen kehren (Edvard Munch). Er kann die Ungewissheit unserer Ichs – wenn ja: wie viele? – auffächern (Olafur Eliasson).

Er kann die Geister der Erinnerung beschwören (Christian Boltanski). Und er kann die unüberbrückbare Kluft zwischen reich und arm in den Mantel des Schweigens hüllen (David Claerbout).

^{Edvard Munch, „Pubertät (Bei Nacht)“ (1902), Kunstmuseum Bonn, 2025}

Er kann aber auch die Anwesenheit des eigentlich abwesenden Künstlers ins Bild holen (Jenna Gribbon und Lee Friedlander). Er kann sogar die dunklen Seiten des weißen Kolonialismus sichtbar machen – und zwar auf scherenschnittartig ambivalente Weise (Kara Walker).

Er kann im Schein – ja: im Schein von was denn eigentlich? – auf einer Laterne turnen und damit mehr „Wirkliches“ preisgeben als die materielle Welt: wie bei Zilla Leutenegger.

Oder er kann selbst gemalt sein wie bei Johanna von Monkiewitsch.

Und damit schließt sich der Kreis zur betrügerischen „Schattenmalerei“ – σκιαγραφία, noch so ein Begriff bei Platon! – und zum ersten Kunstwerk vom Schatten des Geliebten der Tochter des Töpfers.

NACH dessen Abreise, versteht sich. Denn sein Schatten ist als Erinnerungs-Kunst ja auf ewig geblieben.

^{Zilla Leutenegger, „Sunset Neighbourhood“ (2009/2021), Kunstmuseum Bonn, 2025,
nebst einem Selbstporträt von KunstArzt1 als Schattenfotografen!}

Dass der Schatten in der Kunst der Gegenwart eine so starke Bedeutung hat: Das hätten wir vor „From Dawn Till Dusk“ offen gestanden nicht gedacht. Und dass es sogar Freude machen könnte, über ihn lange nachzudenken, noch viel weniger.

Deshalb wollen wir dem ollen Platon Folgendes ins Stammbuch schreiben:

Die Kunst mag vielleicht ein Schatten sein, aber sei’s drum: Wir haben nur den einen! Und auf den wollen wir in Unzulänglichkeit Gefesselten auf keinen Fall verzichten.

Sonst geht es uns wie Peter Schlemihl: Wir würden es schon bald bereuen. Aber wenn wir dann versuchen würden, den Schatten wieder einzufangen wie der arme blaue Schlemihl auf dem in Bonn gezeigten Holzschnitt von Ernst Ludwig Kirchner: Dann wäre es zu spät.

^{Ernst Ludwig Kirchner: „Schlemihls Begegnung mit dem Schatten“ (1915)}

Einen Tisch kann jeder mit Geschick eins zu eins nachbauen. Aber jedes Abbild eines Tisches ist, wenn es denn Kunst ist, einzig in seiner Art. Näher als mit Kunst können wir dem eigentlichen Ding nicht kommen. Das ist so unsere ontologische Tisch-Idee von höchster Wirklichkeit.

Deshalb gehen wir auch lieber ins Museum als in die Höhle, lieber Platon. Denn im Museum können selbst die Schatten, diese Seh-Irrtümer und Phantasmen, erleuchten. (20.07.2025)

Anmerkung: Hier war einmal eine Fotostrecke mit 42 Fotos, die die Ausstellung sichtbar machte. Aber dann kam, leider, leider, die Unsichtbarkeits-Maschine und hat sie weggezaubert. Tut uns leid. Ihre KunstArztPraxis.

^{„From Dawn Till Dusk. Der Schatten in der Kunst der Gegenwart“ ist noch bis zum 2. November 2025 im Kunstmuseum Bonn zu sehen. Zur Ausstellung ist ein sehr schöner & informativer Katalog erschienen.}

^{Ach ja, doch noch eins: Auch in der Literatur spielt der Schatten eine bedeutende Rolle – nicht nur bei Adelbert von Chamisso! Deshalb haben wir in unsrem Beitrag oben zwei Romantitel zweier unserer Lieblingsautoren versteckt. Findet Ihr sie alle?}

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
Blick durchs Schaufenster. Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
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An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
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Über Bruno Gollers Sonderstellung in der Kunstgeschichte haben wir an anderer Stelle ja schon genug gesagt.

(22.12.2024)

^{„Bruno Goller. Retrospektive 1922-1992“ ist noch bis zum 19. Januar 2025 im Kunstmuseum Bonn zu sehen.}

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Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
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Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn
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Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
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Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
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In unserer Sauerländer Kindheit sammelten wir eine Zeit lang Schrauben. Wir drehten sie aus Sperrmüll-Holz oder lasen sie vom Boden auf, irgendwo lag immer eine rum, und wenn wir eine Handvoll zusammen hatten, dann brachten wir sie zu Metallwaren Fritz Sondermann in die Bahnhofstraße.

Schon durch das Schaufenster sahen wir Herrn Sondermann in seinem blauen Arbeitskittel weißhaarig hinter seiner Theke stehen, den dünnen Körper mit gespreizten Fingern auf dem Tresen abgestützt: Er hatte uns erwartet. Und links und rechts und hinter ihm erhoben sich meterhohe Wände aus Tausenden von kleinen Fächern. 

Sobald Herr Sondermann unsere Ware abgewogen hatte, begann er mit der Professionalität des Eichhörnchens, die Einzelschrauben über eine hohe Leiter in die Fächer zu verteilen. Für jede gefundene Schraube gab es irgendwo ein Fach: Auf einem Bein tänzelnd fand Herr Sondermann immer auf Anhieb das richtige. Es war faszinierend anzusehen.

Bei krummen Schrauben indes zuckte Herr Sondermann nur mit den Achseln. Diese Schrauben-Unikate nahmen wir, beglückt von mulmigen Gefühlen, wieder mit nach Hause. Das Geld für den seriellen Rest investierten wir in Brausestangen.

Fach auf, Bild rein, Fach zu

Heute kommt uns die Kunstgeschichte bisweilen ein wenig wie der wunderliche Metallwaren-Laden des Herrn Sondermann in der Bahnhofstraße vor: nur eben mit sorgsam beschrifteten Fächern. „Surrealismus“ steht auf den Fächern, „Magischer Realismus“ oder „Neue Sachlichkeit“.

Kommt man mit einer Handvoll Bildern, dann öffnet irgendein weißhaariger Experte im blauen Arbeitskittel die entsprechenden Fächer, um sie mit der Professionalität des Eichhörnchens tänzelnd darin zu versenken. Immer findet er auf Anhieb das richtige.

Fach auf, Bild rein, Fach zu. Es ist faszinierend anzusehen.

Aber was passiert, wenn einmal ein krummes Bild kommt, so ein sperriges Schrauben-Unikat, das sich den Fächern standhaft widersetzt? Klar: Dann zuckt die dünne Kunstgeschichte mit den Achseln.

Das aber sind eben jene Bilder, die uns mulmig beglücken, die wir am liebsten mit nach Hause in die KunstArztPraxis nehmen, denn wir sind der Meinung, dass das Besondere, Einzigartige viel interessanter, viel berührender ist als die Gemeinsamkeit. Womit wir endlich bei Bruno Goller wären.

Wir könnten jetzt auch Fächer öffnen

Wir könnten natürlich jetzt auch Fächer öffnen: vor allem biografische. Wir könnten schreiben, dass Bruno Goller in seinem Geburtsort Gummersbach – also ganz in der Nähe unserer Sauerländer Jugend! – früh schon Schaufenster dekoriert hat. Dass er vielleicht so viele Hüte malte, weil seine Mutter Modistin war, dass er früher gerne mit der Sahnespritze des Konditors hantierte, was so manches Motiv und sein Faible für Bordüren erklären könnte. Dass ihn der Tod der Mutter noch mehr als der Tod des Vaters schmerzte.

Nur wären uns dann die Bilder schon entglitten: Wir würden sie von oben herab hilflos zu Boden schweben sehen wie Herbstlaub. Denn das Schwanken zwischen den Fächern auf unseren hohen Leitern hätte uns ganz schwindelig gemacht.

Wir müssen es uns eingestehen: Wesenhaftes schreiben über Bruno Gollers Bilder können wir nicht. Wir können eigentlich nur erzählen, wie wir mit fast schon schlechtem Gewissen versuchten, in diese unbekannte, fremde, sehr intime Ordnung einzutreten, uns in die freskenhafte Flächigkeit tief hineinzudrehen wie eine Schraube in edles Holz. Denn der Sog der Bilder war magisch.

Natürlich mussten wir scheitern: Es war immer ein feiner Schleier zwischen uns und Gollers flachen Räumen, ein augenbrennender Dunst wie vom verdünnten Dampf der Eisenbahn an Herbst- und Wintertagen. Oder, anders: Wir mussten mit gebührlichem Abstand vor Gollers zauberhaften Fenstern stehen bleiben.

Hineingelassen in seine Zimmer, seine Häuser, seine Bilder hat uns der Maler nicht.

Was wir hinter der Scheibe sahen

Natürlich können wir auch erzählen, was wir hinter der Scheibe sahen. Wir sahen die unheimliche Präsenz von etwas Verschwundenem, vielleicht nie Dagewesenem, das Vergehen einer Liebe, die unter Umständen nie begonnen hatte, ein Verticken von Zeit, die stehen geblieben war. Und all dies sahen wir durchweht von einem Farbe gewordenen Duft aus Fachwerk, Wolken, Rosen und Kaffee.

Es war eine Welt der verlorenen Ahnenbilder und plattgetrockneten Blumensträuße, der Zylinder und Regenschirme, der Ohren-Sessel, Schneider-Scheren und Kanapees, der fehlenden Porträts in blinden Spiegeln und der unsichtbaren Schatten junger Mädchenblüte, unerhört gerahmte Erinnerungen an nie gemachte Erlebnisse, es war verrückt! Und ein atemberaubender Blick in die betörenden Auslagen des Malerischen war es auch.

So irgendwie.

Nicht, dass wir uns missverstehen: Natürlich ist da auch ein Anhauch von „Surrealismus“ und „Magischem Realismus“ und „Neuer Sachlichkeit“ in Bruno Gollers Werk! Man malt ja nicht im Nirgendwo. Aber wenn, liebe Kunstgeschichte, dann gebührt einem wie Bruno Goller eben ein komplett eignes Fach.

Im Grunde ist es halt wie bei der Erklärung vom langen Bremsweg nach dem tödlichen Autounfall am Anfang von Robert Musils Roman „Der Mann ohne Eigenschaften“ (1930): Die technische Einordnung des Herrn wiegt die Dame in trügerischer Sicherheit, nur: Das Unbestimmte, nicht Zuzuordnende bleibt ja trotzdem da! Selbst dann, wenn man das mulmige Gefühl in der Herz-Magengrube nicht mehr spürt.

Gerade dieses Mulmige aber haben wir in dieser grandiosen Goller-Retrospektive sehr stark empfunden. Selbst ein so professionelles Eichhörnchen wie Herr Sondermann nämlich hätte das Unbestimmte, nicht Zuzuordnende auf diesen Bildern in keinem Fach der Welt versenken können, so himmelhoch er in der Bahnhofstraße auch geklettert wäre. Das haben wir im Kunstmuseum Bonn begriffen.

Und als wir nach den Stunden staunender Betrachtung wieder gingen, da lag uns der saure Geschmack von Brausestangen noch melancholisch auf den Zungen. (27.10.2024)

^{„Bruno Goller. Retrospektive 1922–1992“ ist noch bis zum 19. Januar 2025 im Kunstmuseum Bonn zu sehen. 75 Gemälde und einige Zeichnungen sind versammelt, es gibt eine bewundernswerte Kontinuität, über die gesamten 70 Jahre. Auch so kann man Zeit und Raum verschwinden lassen. Das mussten wir dann doch noch sagen.}

^{Anmerkung 1: Bevor Beschwerden kommen: Na-TÜR-lich tun wir der Kunstgeschichte bitter unrecht – das ist ja unser Auftrag! Fächer HABEN ihren Sinn, lange Bremswege SIND Erklärungen. Nur eben nicht für uns. Wir möchten lieber in Metaphern sprechen, in teils biografischen Gleichnissen, literarisch quasi. Weil das den Bildern vielleicht näher kommen könnte. Punkt & Schluss.}

^{Anmerkung 2: Und hier noch das „Schreitende Mädchen“ in seiner natürlichen Umgebung im Rosa Haus des Museums Insel Hombroich, wohin es nach der Ausstellung sicher wieder wandert. In DIESES Haus durften wir nämlich vor ein, zwei Jahren mal hinein:}

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn
Der brennende Dornbusch. Katharina Grosse in Bonn
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn

Homepage des Kunstmuseums Bonn

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Wir Drei von der KunstArztPraxis haben viele Gemeinsamkeiten, die uns immer wieder überraschen – und wir meinen nicht das Sauerland. Unsere Geschmäcker sind erstaunlich ähnlich, unsere Bibliotheken ebenso. Und hin & wieder haben wir sogar dieselben unheimlichen Gedanken.

So dachten wir alle Drei mit acht, neun Jahren einmal kurz, der einzige Mensch auf der Welt zu sein: umgeben von seelenlosen Androiden. Und jetzt wird’s noch unheimlicher: Alle unsere Söhne haben mit acht, neun Jahren mal das Gleiche gedacht! Nur war die Welt da schon eine Matrix mit Avataren.

Und jetzt kommt der objektive Zufall:

Einen von uns befiel der Gedanke sonntags beim Gottesdienst angesichts der beim Wandlungs-Ritual unisono dem Priester kniend antwortenden Gemeinde. Und jetzt kommt der objektive Zufall: Louisa Clement hat dieses im Sauerland Erlebte im Kunstmuseum Bonn virtuell umgesetzt.

Zumindest ein bisschen. Und natürlich aus anderen Gründen.

In der anlässlich der Verleihung des Bonner Kunstpreises gezeigten Ausstellung „Becoming Lost“ gibt es momentan nämlich ein Video namens „Belivers“ (2023) zu sehen, in dem ein Priester-Avatar seiner Avatar-Gemeinde eine KI-generierte Predigt hält.

Und das ist fast genauso spooky wie das, was wir an eigenen unheimlichen Gedanken in Erinnerung haben.

Es ist das kalte Abbild einer Menschheit, die sich in ihrer pseudo-sakralen Technik-Gläubigkeit auf eine absurde Weise selbst überflüssig gemacht hat.

Dank Clement hätte sogar Gott die Krone seiner Schöpfung zum Angebetet-Werden nämlich nicht mehr nötig.

Weil es inzwischen eine neue, potentiell unsterbliche, körperlose Krone gibt.

(Bild: Der Mensch als leere Gußform: Louisa Clement, „Mould 2“ von 2019, Kunstmuseum Bonn, 2024)

Es geht immer auch ums Mensch-Sein bei Louisa Clement, um seine Grenzen. Die Schnittstellen zur Künstlichkeit. Bis zum Verschwinden.

Dafür hat sich die Künstlerin mit Hilfe der japanischen Sexpuppen-Industrie und der Computerlinguist*innen von der Uni Saarbrücken nach ihrem Ebenbild „Repräsentantinnen“ klonen lassen, die mit den Informationen ihres Mail-Verkehrs und Daten ihres Smartphones gefüttert sind. Mit einer dieser Louisas konnte man sich bis vor Kurzem in der tollen Ausstellung „Menschheitsdämmerung“ – ebenfalls im Kunstmuseum Bonn – leidlich unterhalten.

Andernorts haben wir davon berichtet.

Das ist ein wenig Schöpfergott spielen, eine bemerkenswerte Form Künstlerischer Intelligenz (KI), wie wir das seit einiger Zeit zu nennen pflegen. Uns jedenfalls eröffnet Clement mit ihren verstörenden, immer auch ironisch gebrochenen Bildern einen philosophischen Assoziationsraum, der uns sehr gefällt.

So wie das zweite Video der Schau, das sich mit dem gemeinhin als Gen-Schere bekannten Eingriff ins Erbgut – also mit der wissenschaftlichen Variante von Schöpfergott spielen – befasst: Der „Off-Target-Effekt“ (2023) erzählt von einer Welt, in der der Mensch aus der DNA ungeborenen Lebens nach dem Wunsch der Eltern – oder nach dem Wunsch von inhumanen Diktatoren, Fabrikanten, Sklaven-Händlern? – alles nur Erdenkliche an Ungewünschtem herausschneiden kann.

Vielleicht sogar die unheimliche Fähigkeit zu derart gruseligen Gedanken, wie wir & unsere Söhne sie von den Androiden & Avataren mit acht, neun Jahren hatten.

Wäre der makellose Mensch dann ein ideales, gottgleiches, anbetungswürdiges Wesen? Oder wäre er vielmehr genauso aalglatt seelenlos wie jene KI-gefütterten Sex-Puppen, die er heute schon erschaffen kann? Wir glauben eher letzteres. Wir glauben, dass Gott sich bei KI-Gebeten im Grabe umdrehen würde. Wenn er denn in einem läge (sorry Nietzsche!).

Und Louisa Clement glaubt das offensichtlich auch.

Das sagt uns unter anderem das jeweils letzte Wort ihrer beiden Videos, das jeweils wieder eine ironische Pointe hat: Bei „Off-Target-Effekt“ heißt es „error“, bei den „Belivers“ „Amen“. Dabei ist die ganze Spannbreite menschlichen Versagens von unsinnlicher Ratio bis hin zu irrationaler Gutgläubigkeit abgedeckt.

Oder, um mit Kant zu sprechen, auf den wir kürzlich wegen des in seine Unmündigkeit eingegangenen Schlafschafs anlässlich der Kant-Ausstellung in der Bundeskunsthalle vis-a-vis zu sprechen kamen: „Gedanken ohne Inhalt sind leer und Anschauungen ohne Begriffe sind blind“.

So jedenfalls haben wir das in „Becoming Lost“ in Bonn Gesehene gelesen.

Vermutlich galt dieses Kantianische auch für unsere leeren Gedanken & blinden Anschauungen im alter von acht, neun Jahren im Sauerland. Denn das sagt uns ja schon der gesunde Menschenverstand: Wären damals alle Sauerlander*innen Avatare in einer Matrix gewesen, dann würde nach den Algorithmen der Logik ja auch für uns Sauerländer bis heute dasselbe gelten.

Quod erat demonstrandum. (10.03.2024)

<sup>„Bonner Kunstpreis: Louisa Clement. Becoming Lost“ ist noch bis zum 16. Juni 2024 im Kunstmuseum Bonn zu sehen. Es ist eine kleinere Ausstellung, aber der Besuch lohnt sich trotzdem! Versprochen.

Und als weiteren Anreiz bringen wir hier noch 62 Fotos von der Neupräsentation der Ständigen Sammlung: „Raum für phantasievolle Aktionen“. Läuft noch bis 31.12.2024. Voilà:</sup>

Raum für phantasievolle Aktionen, Neupräsentation der Ständigen Sammlung, Kunstmuseum Bonn, 2024

^{Anmerkung: Wir sind der KAP-Gemeinde noch eine Antwort schuldig! Oben hatten wir ja von den „anderen Gründen“ geschrieben, die Louisa Clement zu ihren „Believers“ inspiriert hätten. Diese Gründe finden sich im Aussstellungskatalog: „Ausgangspunkt dafür war eine Pressemeldung, der die Künstlerin entnommen hatte, dass sowohl in Korea wie auch auf dem evangelischen Kirchentag in Nürnberg Predigten gehalten wurden, bei denen sowohl Prediger wie Predigt von einer KI generiert wurden.“ Und das ist ja fast schon spooky genug.}

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence”
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” (2017)
Harte Arbeit: Candice Breitz in Bonn

Homepage des Kunstmuseums Bonn

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Zur Ausstellung selbst haben wir an anderer Stelle ja schon das für uns Nötigste gesagt.

^{“Menschheitsdämmerung. Kunst in Umbruchzeiten” ist noch bis zum 18. Februar 2024 im Kunstmuseum Bonn zu sehen.} 

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
„Menschheitsdämmerung“ in Bonn: Der Sturm ist da
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Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung (17): Chaïm Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung (16): „spielzeit“ in Morsbroich (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (15): Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung (14): “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung (13): Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung (12): Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung (11): Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung (10): “Im Augenblick” in Brühl (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (9): “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (7): Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (6): Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung (5): “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung (4): Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung (3): Marcus Neufanger
Reine Bildgebung (2): Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung (1): Joseph Beuys in Wuppertal (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Bonn

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^{Für Tante Hedwig und Tante Maria}

Die Themen von Siebke Wiem sind brandaktuell, aber die Dinge, die sie dafür arrangiert, sind aus der Zeit gefallen. Sie stammen zum Teil aus einer Welt, in der es noch Schuster und Schreiner und Schneider gab und Hutmacher und Näherinnen. In der das Einzelobjekt noch wertvoll war, Persönlichkeit hatte, dem Menschen im Idealfall ein Leben lang treu blieb.

Siems Kunst, die Fragen stellt zu Rollenbildern im Alltag, in der Mode, der männlich dominierten Kunst der Moderne, basiert auf Dingen, denen man zumindest zutraut, dass sie Geschichte: Geschichten haben. Da solche Dinge heute exotisch geworden sind, und da Siem aus ihnen neue Figurinen und Maskierungen formt, rufen sie in ihrer seltsamen Fremdheit Vertrautes sehr eigentümlich nurmehr wach.

Siems Surrealismus ist retro. Kaum vorstellbar, dass er mit Waren funktioniert, die statt Biografien Sollbruchstellen haben. Billy-Regale, Tempo-Taschentücher oder Thermomixe sind nämlich stumm. Sie haben keine Gesichter. Und können wohl auch keine bekommen.

Wir haben unsere Kindheit noch mit erzählenden, teils auch beseelten Dingen verlebt. Wir haben handgeknüpfte Teppiche mit Teppichklopfern auf der Teppichstange malträtiert, jeder Schlag tat uns weh. Wo es nicht unsere Mütter taten, so haben wir unsere Socken persönlich mit Fingerhut, Stopfpilz, Nadel & Faden gestopft, unsere Hosen geflickt.

Es war eine gewisse, uns von der Kriegsgeneration noch anerzogene Zuneigung zu den Dingen im Spiel.

Unsere frühen Taschentücher waren aus Stoff, unser Nudelholz nicht aus Silikon, unsere Milch mit der familieneigenen Milchkanne persönlich geholt vom Bauern auf dem Hügel. Jeder ältere Herr trug zum Grüßen einen Hut – jeder! Und in den Kellern unserer Elternhäuser hingen über den Steinwannen fest installierte Fleischerhaken.

Eine Art Ethnologin des eigenen Stamms

Deshalb sind uns die Fetische, die Wiebke Siem gemeinsam mit ihren Figuren im Kunstmuseum Bonn als eine Art künstlerische Ethnologin des eigenen Stamms zu alltagsphantastischen, beklemmenden und doch auch witzigen Tableaus arrangiert hat, merkwürdig vertraut geblieben. Wir kennen diese verwaisten Interieurs des Gelsenkirchener Barock noch im bewohnten Zustand.

UNSERE Gespenster quollen aus den gleichen Schränken.

Die durch Siems Spiegel in uns ausgelösten Geschichten sind deshalb nicht abstrakt, sondern sehr konkret. Nicht Surrealismus, sondern – zum Teil auch wehmütige, immer wehmütiger werdende – Erinnerung.

Hier kommt unsere durch Siems „Das maximale Minimum“ in Bonn provozierte, aus Erinnerung komponierte Geschichte, die natürlich trotzdem wieder surreal & phantastisch, da komplett aus der Zeit gefallen ist: zwei uralte Lebensläufe, die sich anhand von alltäglichen Dingen erzählen lassen. Aus einer verfallenen Welt, in der Mensch und Ding irgendwie noch verbunden waren.

Für alle, die das nicht interessiert, gibt’s aber vorher schon mal die Bilder:

Für alle anderen kommt hier unsere Geschichte:

Die winzigen Tanten

Einer von uns hatte zwei winzige Tanten, eine winziger als die andere. Am Tage bewohnten sie die Kemenate eines alten Fachwerkhauses wie Klosterschwestern, in der Nacht ein Doppelbett im Schlafzimmer wie ein Ehepaar. Die warme Stube war Küche, Wohnzimmer und Arbeitsplatz: die Decke so niedrig, dass wir, als wir wuchsen, jene Buckel machen mussten, die die Tanten, die immer weiter schrumpften, schon hatten.

An jedem Wochentag trugen die winzigen Tanten einen anderen Kittel. Jede besaß genau sieben, so wussten wir bei Besuchen immer, ob Dienstag, Freitag oder Montag war. Wenn wir kamen, tropften die Tanten fünf Spritzer Konzentrat aus einer Plastikzitrone in ein volles Wasserglas und verrührten die Mischung mit einem Teelöffel Zucker. Sie selbst tranken Klosterfrau Melissengeist.

Mit unserem Zitronenzuckerwasser saßen wir in der Kemenate auf einem schmalen Sofa hinterm Küchentisch und schauten den winzigen Tanten bei der Arbeit zu. Wenn seine Ringe herausgenommen waren, blickten wir verträumt in die Glut des stubewärmenden Kohleherds. Die Kuckucksuhr war vor Jahren stehengeblieben: Für den Uhrmacher war kein Geld da, zum Kleben waren die Tanten zu stolz gewesen. Der Kuckuck spähte halb aus seiner Türe; in der Kemenate herrschten konstante 18 vor 8. Aber in der Nische des Gelsenkirchener Küchenschranks erschien jedes Jahr zur Weihnachtszeit ein wächsernes Christkind und streckte seine Ärmchen hilfesuchend nach dem Kuckuck aus.

Früher hatte die noch winzigere Tante einen Bräutigam besessen. Er hätte in die Kemenate und das Schlafzimmer einziehen sollen, aber der Erste Weltkrieg hatte ihn kurz vor der Hochzeit verschluckt. Deshalb war die weniger winzige Tante eingezogen und besetzte, bis sie starb, den freigebliebenen Platz in dem von den Eltern als Hochzeitsgabe beim Schreiner schon bestellten Witwenbett. Wir sahen die winzigen Tanten mehrfach unter dicken Daunen darin schnarchen.

Nach dem Verlust des Bräutigams hatten sich die winzigen Tanten geschworen, sich selbst und Gott ein Leben lang treu zu bleiben. Als Zeuge des Schwurs, der morgens wie abends mit Weihwasser aus einem kleinen Becken neben der Tür besiegelt wurde, hing der Gekreuzigte überm Witwenbett. Die von der winzigeren Tante mühevoll als Aussteuer geknüpften, gehäkelten oder mit Rosen bestickten Hand-, Tisch- und Taschentücher, Topflappen und Platzdeckchen dienten jetzt den Schwestern.

Sonntags lag die schönste aller Rosendecken zwischen dem Küchentisch und einem zerlesenen Sursum Corda aus Leder. Werktags verschwand die Decke und das Leder berührte das Holz. Die Rosendecke zeigte die neue Woche an wie die Kittel die Tage.

Unter dem kleinen Fenster der Kemenate stand als kostbarster Besitz der winzigen Tanten eine Nähmaschine aus dem Hause Singer. Da der zukünftige Ernährer gefallen, also weggefallen war, war sie der eigentliche Mann im Haus. Die Maschine schlummerte in der Düsternis ihres Tischchens wie ein Dschinn: Einmal befreit, konnten die Tanten sie über ein Fuß-Pedal oder ein Schwung-Rad mit der rechten Hand wecken. Dann trieb die Nadel mit kalter Grausamkeit stichelnd das Garn in den Stoff. Mit jedem Stich krümmte sich der Rücken der winzigen Tanten etwas mehr. Irgendwie nähte die Maschine nicht nur den Stoff, sondern auch sie.

Die Singer, mit der die winzigen Tanten auf züchtige Art in wilder Ehe zusammenlebten, bis ihre Hände zu zittrig und ihre Augen zu schlecht geworden waren, ratterte rastlos im Schichtbetrieb. Wenn die eine Tante nähte, putzte, wusch oder kochte die jeweils andere. Im Grunde pendelten die winzigen Tanten zwischen Witwenbett und Kohleherd und Nähmaschine ununterbrochen hin und her. Jede Minute dazwischen gehörte dem Sursum Corda. Das war das endlose Schwung-Rad ihres Lebens.

Irgendwann versank eine der winzigen Tanten für immer in den Daunen: Wie es sich für ein echtes Witwenbett gehörte, blieb der Platz neben der Überlebenden nun zwar gemacht, aber leer. Die winzigere Tante lebte noch lange fort, obwohl die Zeit – plötzlich besaß sie 14 Kittel! – aus den Fugen war. Auf ihre alten Tage wurde sie wunderlich, und da sie wie die Schwester zu stolz zum Kleben gewesen war und nicht mehr alleine leben konnte, verbrachte man sie an einen Ort, der noch wunderlicher war. Das Witwenbett und den Kohleherd und die Nähmaschine und das Sursum Corda und das Fachwerkhaus musste sie verlassen. Die Dinge hier gehörten Anderen.

Wir erinnern uns an eine zahnlose Frau mit wirrem Haar, die mit ihrem Gebiss in der ausgestreckten Hand klappernd den Flur durchmaß, als wir die winzigere Tante besuchten. Eine zweite Frau lag stöhnend in einem Bett neben dem der winzigeren Tante, in ihrem Schlaf- und Wohnzimmer. Darüber hing kein Kruzifix, sondern ein Kasten voller fremder Bildern und aufgescheuchter Stimmen. Er sang, wie einst die Singer, Tag und Nacht.

Im Kasten wohne der Teufel, raunte uns die winzigere Tante am wunderlichen Ort leise ins Ohr (der Teufel im Kasten sollte ja nichts hören!): Die Stimmen wollten sie holen, in den Kasten ziehen, das Tor zur Hölle. Mit jedem Wort wurde die Tante noch etwas kleiner. Wir konnten ihr beim Schrumpfen förmlich zusehen. Am Ende war nur noch ein Buckel da, in dessen hinterstem Winkel ein Hauch von Leben angstvoll zusammengekrümmt kauerte.

Eine Woche später war die winzigere Tante tot. Viele sagten, sie habe ja das Alter längst gehabt. Aber wir sind uns sicher, dass sie am Verlust der Dinge gestorben ist.

(14.08.2023)

^{Anmerkung 1: Ein paar Dinge gibt es, die von den winzigen Tanten (die in Wirklichkeit natürlich Großtanten waren) geblieben sind. Dazu gehört die Kleidung der weit über 20 Krippenfiguren in der örtlichen Kirche, gefertigt auf der Singer-Nähmaschine. Jedes Jahr sind sie im Altarraum zu sehen. Seit fast 100 Jahren.}

^{Anmerkung 2: Apropos „Religion und Kleidung“: Es gibt ein Gedicht in Sauerländer Platt, gesprochen von der großen Schwester der winzigen Tanten, geschrieben von einem ihrer Onkel: „Utt der godden ahlen Tied“ („Aus der guten alten Zeit“), die aber so god gar nicht war. Das Gedicht ist nur in dieser einen Aufnahme aus den 1970er Jahren überliefert, sie hängt unten an. Darin wird unter anderem beschrieben, dass sich drei Brüder eine Sonntags-Hose („Buxe“) für den Kirchgang teilen müssen und es deshalb nicht immer pünktlich in die Messe schaffen, weshalb sie der Vikar von der Kanzel komplett zu Unrecht verflucht: „Denn dejireligiöse Schlappheit / Kam bloß von der Buxen-Knappheit.“ Ein Ding für Drei. So war das damals, als es neben Armut noch Schneider, Schuster, Näherinnen gab.}

^{„Wiebke Siem. Das maximale Minimum“ läuft noch bis zum 17. September 2023 im Kunstmuseum Bonn.}

Das Kunstmuseum Bonn in der Kunstarztpraxis:
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Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Harte Arbeit: Candice Breitz in Bonn
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)

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Im Mittelalter unserer Jugend war Yoko Ono eine Hexe. Eine schwarze Witwe, die Zwietracht sähte zwischen den Beatles. Eine böse Zauberin, an deren Einflüsterungen und Bannsprüchen die beste Band der Welt zerbrach.

So jedenfalls sah es der musikhysterische Mainstream im Sauerland. Wir sahen das natürlich komplett anders.

Für uns war Yoko Ono schon damals die unerreichte Poetin der Lüfte, die Magierin des Flüchtigen, die Apologetin des Unsichtbaren, des schwerelos Verbindenden. Und während die Anderen in stickigen Party-Kellern das blaue oder rote oder weiße Album rauf und runter hörten, nahmen wir Onos Künstlerbuch „Grapefruit“ (1964) mit aufs offene Feld.

„Male den Wind“

„Entzünde ein Streichholz und schau ihm beim Verlöschen zu“, lasen wir staunend darin. „Erblicke den Himmel durch deine Besitztümer, indem du sie durchlöcherst.“ „Füge deine Schatten zusammen.“ „Schicke die Töne des Schnees an jemanden, den du magst.“ „Stehe im Abendlicht, bis du durchsichtig wirst.“ Oder: „Male den Wind“.

Diese unfassbaren Rituale waren uns pure Dichtung, nah am Haiku. Praktiziert haben wir sie leider nie.

Letzten Montag haben wir das im Kunstmuseum Bonn zumindest ansatzweise nachgeholt. Dort stehen drei wohl aus den USA importierte Kaugummi-Automaten – gewissermaßen einer für jeden von uns. Für 50 Cent kann man dort durchsichtige Kapseln ziehen, in denen Yoko Ono Luft gefangen hat.

Wir hatten das Privileg, bei unserem zweiten Besuch der Ausstellung mutterseelenallein im noch stockdunklen Museum aus jedem Apparat eine Kugel ziehen zu dürfen. Es waren drei tolle Augenblicke. Die Automaten knackten beim Drehen köstlich.

Schwerelose Imagination in Reinkultur

Der „Air Dispenser“ (1971) in der Bonner Variante von 2021 ist Teil eines bereits in „Grapefruit“ beschriebenen Plans, „an jeder Ecke den Himmelsautomaten statt des Cola-Automaten“ zu setzen. Wobei die optimale „Sky Machine“ sogar „nichts produziert, wenn man eine Münze einwirft“.

Also schwerelose Imagination statt klebrigem Kapitalismus. Fluxus in Reinkultur.

Egal. Wir jedenfalls stellen uns vor, dass die von uns aus der Maschine herausgezogene Luft in ihrem Plastik-Gefängnis aus Onos New Yorker Atelier nach Bonn gekommen ist, vielleicht sogar durchwirkt von ihrem Atem.

Wenn dem so wäre, dann weht jetzt Onos Odem auch durch die KunstArztPraxis, denn wir haben die entführte Luft aus einer der drei Kapseln daheim in Köln befreit. Dort hat sie sich tanzend und wirbelnd mit der Praxisluft durchmischt, soviel ist sicher.

Auf jeden Fall sind wir durch unsere Tat Teil eines ephemeren Fluxus-Kunstwerks Yoko Onos geworden, das die Welt imaginär verbindet. Und das macht uns schon ein wenig stolz: vor allem auch, weil unser vorletzter Versuch – siehe Appendix unten – vor vielen Jahren gescheitert ist.

Imagine There Are Heavens

Das mit der eingepackten Luft hat Yoko Ono, die nach eigenen Angaben schon in früher Kindheit während des Zweiten Weltkriegs im bombenzerstörten Tokio „Himmel sammelte“, vielleicht von Marcel Duchamp gelernt, den sie in New York kennenlernte: Der nämlich verschenkte schon 1919 rund 50 Kubikzentimeter „Pariser Luft“ an ein befreundetes Sammlerpaar. Ein Foto der hübschen Ampulle wird in Bonn gezeigt.

Und auch von Yoko Onos Landsmann Rikuo Ueda ist eine internationale Luftstrom-Sammlung in den Botanisiertrommeln beschrifteter Filmdosen zu sehen. Aber selbst diese seit 1984 entstandenen „Wind Collections“ sind ihrerseits so originell, das man nicht das Gefühl hat, die Künstler*innen hätten voneinander abgeschaut.

Jedes Kunstwerk bläst einem nämlich auf ganz eigene Art die Köpfe frei. Ein weiterer Beleg dafür, dass sich ähnliche Ideen in verschiedenen Hirnen künstlerisch komplett anders materialisieren können.

Breathing In the Sky With Diamonds

Will man die rund 20 im Kunstmuseum Bonn versammelten Positionen durch Onos Brille als Versuche betrachten, das Flüchtige immer wieder neu zu bannen, dann könnte man mit Ihnen „Grapefruits“ um viele fruchtbare Handlungsanweisungen ergänzen.

„Fülle einen Raum mit der Kraft deiner Lunge“, könnte eine dieser „Instructions“ lauten, „Presse deinen Atem zu einem Diamanten“ eine andere. „Baue dem Museum einen Mantel aus Strömen.“ „Reise blitzschnell durch die Atmosphären vieler Städte.“ „Lausche dem Pfeifen der Wolken über Island.“ Und: „Schnüre ein Paket aus Luft und schicke es zu den Sternen.“

Oder, als besonders schöne – und noch viel bessere! – Variante der bekannten Ono-Formel „Male den Wind“: „Lasse den Wind für dich malen.“

Grapefruit Tree Fields Forever!

Die Ergebnisse dieser von uns gerade erfundenen Anweisungen kann man im Kunstmuseum Bonn jetzt sehen. Und darauf aufbauend vielleicht selbst Ideen oder Werke entwickeln, die im Sinne Onos und im Sinne der anderen vertretenen Künstler komplett aus der Luft gegriffen sind.

Und dann sollte man mit Onos „Grapefruits“ in der Hand staunend durch die Welten wandeln. Und dann um Himmels Willen auch von uns aus gerne mit den Beatles statt der Plastic Ono Band im Ohr. (09.05.2022)

^{Anmerkung: Hier gab’s mal eine Fotostrecke mit den Kunstwerken der Ausstellung. Aber dann kam die Unsichtbarkeits-Maschine und hat sie alle aufgefressen. Tut uns leid.}

^{„Welt in der Schwebe. Luft als künstlerisches Material“ ist noch bis zum 19. Juni 2022 im Kunstmuseum Bonn zu sehen. Kleine Instruction für den Ausstellungsbesuch unsererseits: Stecke ein 50-Cent-Stück in den Münzschlitz des „Air Dispensers“. Schließe die Augen und lausche dem köstlichen Knacken des Automaten. Lasse die Kapsel in deine Handfläche rollen. Spüre den Wind.}

Appendix: Yoko Ono spricht mit uns, vergisst aber anzurufen

Einmal hätten wir fast mit Yoko Ono telefoniert, es war ganz knapp. Yoko Ono hatte nämlich fest versprochen anzurufen. Wir wussten nur nicht wann.

Das passende Telefon stand da, Anfang September 2000, irgendwo in einer Ecke der Berliner Villa Starke, wenn wir uns recht erinnern, und zur Installation dieses „Telephone Peace“ gehörte Onos täglicher Anruf. Auch heute musste es klingeln, während unserer Anwesenheit, da waren wir uns sicher. Dann würde Yoko Ono in New York sehnsüchtig darauf warten, dass wir in Berlin abhoben.

„When it rings, pick it up.“ Dieser Instruction wollten wir folgen.

Stundenlang sind wir um „Telephone Peace“ herumscharwenzelt wie ein Planet um die Sonne, abgestoßen und angezogen von einem profanen Industrieobjekt, das nur dadurch zu unserem Fetisch wurde, weil es über unser Denken telepathisch von uns Besitz ergriff. Und wir wurden richtig böse, wenn jemand anderes den Raum betrat, dem Apparat gefährlich nahe kam und auf diese Weise damit drohte, uns den potenziellen Kontakt zu Yoko Ono kaputt zu machen.

Mehrere Stunden ging das so, es war schweißtreibend, wir kamen immer wieder. Aber der Apparat blieb stumm, die geräuschlosen Lockungen verpufften. Alle Hoffnung starb letztlich um 17 Uhr, es wurde geschlossen, man musste gehen. Der Pulsschlag normalisierte sich, sechs Hände wurden wieder trocken.

Yoko Ono hatte offenbar vergessen, Wort zu halten.

In der Zeit des Wartens und Lauerns und Schleichens haben wir viel gelernt über Konzeptkunst. Wie sie, bisweilen ausschließlich, im Kopf entsteht, kraft ihres Daseins persönliche Beziehungen heraufbeschwört, über Hirn und Herz Verbindungen schafft. Wie sie mit wenigen Kniffen Möglichkeitsräume öffnet. Wie sie Chimären gebähren, ein bisschen wahnsinnig und letztlich auch ein Stück weit glücklich machen kann. Und dabei haben wir auch viel gelernt über uns selbst.

Insofern hat Yoko Ono zwar nicht angerufen, aber doch mit uns gesprochen, uns berührt, und zwar über die imaginäre Nabelschnur der toten Leitung. Es war ein gutes Gespräch, ungemein bereichernd. Im Augenblick. Im Nachhinein.

Danke also fürs Nicht-Anrufen, Yoko Ono. Fürs Uns-Vergessen. Und hoffentlich auf bald.

^{Anmerkung 1: Zum Appendix passt eine Anweisung Yoko Onos aus „Grapefruit“: „Lass 500 Menschen zu einer gesetzten Zeit eine Minute lang an dieselbe Telefonnummer denken.“ So geht One Minute Sculpture, Erwin Wurm! One Minute Social Sculpture sogar.}

^{Anmerkung 2, für M.S.: „Was bitte soll das???“ ist in der Kunst prinzipiell eine sehr gute Frage – sofern man sie nicht rhetorisch meint.}

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Gerhard Richter Retro: „Über Malen“ in Bonn (2017)

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