Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte. Vor allem dann, wenn eine Ausstellung so täuschend echt mit unserer Wahrnehmung spielt wie „Papiertiger“ von Eckart Hahn im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach! Lassen wir also einfach mal wieder nur die Fotos sprechen.

Zur tollen Ausstellung selbst haben wir ja an anderer Stelle ja schon das für uns Nötigste gesagt.

(16.11.2025)

^{„Eckart Hahn. Papiertiger“ ist noch bis zum 1. Februar 2026 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen.} 
Die Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
Papiertiger aus Acryl. Eckart Hahn in der Villa Zanders 
Traum hinter Geste: Ruth Marten in der Villa Zanders
Mehr Babel war nie! Jenny Michel in Bergisch Gladbach (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Wie sagen wir’s den Bienen? “HONIG” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
In Brüchen denken: “Martin Noël – Otto Freundlich” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
33 Malantworten: Rolf Rose in der Villa Zanders
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
„Bibliomania“: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 34: „Before the Wind“ in Paderborn
Reine Bildgebung 33: „Teilweise möbliert“ in Krefeld
Reine Bildgebung 32: Elias Sime in Düsseldorf
Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguley in Duisburg
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Museums Folkwang Essen

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Im Kosmos Eckart Hahns wimmelt es nur so vor meisterlich gemalten Tieren in surrealem Ambiente. Und oft sind die gemalten Tiere aus Papier. „Papiertiger“ in der Villa Zanders trägt sie aus aller Welt zusammen. Ein täuschend echtes Spiel mit unserer wankelmütigen Wahrnehmung. Voller tiefsinniger Fragen an Ich & Welt.

In Bergisch Gladbach gibt es ein Gemälde, dass wir aus bestimmten Gründen ganz besonders mögen. Dabei kommt es oberflächlich betrachtet eher unscheinbar daher.

„Creation“ (2024) zeigt nicht mehr als ein erigiertes Streichholz-Männchen auf zwei gefalteten Papierfiguren ihn einem sanft beschatteten leeren Raum: ein Einhorn und ein Huhn. 

Hahn hat die unscheinbaren Drei aufeinander drapiert wie dezimierte Bremer Stadtmusikanten – und damit zeitliche Abfolge ins räumlich Vertikale verschoben. Denn die Figuren entstammen nicht dem Märchen, sondern einem Sciencefiction-Film, der in unseren Augen – neben „Flucht ins 23. Jahrhundert“ (1976) und „Terminator“ (1982) – einer der hellsichtigsten aller Zeiten ist.

Wir meinen natürlich Ridley Scotts „Blade Runner“ (1982), in dem ein zwielichtiger Typ namens Gaff mit seiner Origami-Kunst nach und nach auch das Leben des Helden Rick Deckard kommentiert.

Im Film hat Deckard im futuristischen Los Angeles des Jahres 2019 den Beruf, gegen ihr Sklaven-Dasein rebellierende Adroiden – sogenannte Replikanten – per Empathie-Test zu entlarven und zu eliminieren.

Am Ende des Films gibt Gaff Deckard mit seinem Papier-Einhorn den Hinweis, dass der Replikanten-Jäger selbst Replikant sein könnte. Denn es verweist auf einen Traum Deckards, von dem Gaff nichts wissen kann: es sei denn, der Traum wurde Deckards Hirn digital implantiert.

^{Eckart Hahn, „Creation“ (2024); © für alle Gemälde: VG Bild-Kunst 2025}

Vordergründig betrachtet zeigt „Creation“ nur drei ins Riesenhafte aufgeblähte Profan-Skulpturen aus Holz & Papier in einem Hierarchie-Gefüge.

Aber mit „Blade Runner“ im Rücken ist dieses Abbild (Gemälde) des Abbilds (Film) des Abbilds (Origami) eines nicht mal real existentierenden Originals (Einhorn) auf eine herrlich unaufdringliche und dennoch verschachtelte Art aufgeladen mit den sozialen & existentiellen Fragen unserer Zeit.

Wann ist der Mensch ein Mensch?

Fragen nach Identität & Selbstbewusstsein zum Beispiel, nach Wahrheit & Täuschung, nach Autonomie & Unterdrückung, Macht & Überwachung, Kaltherzigkeit & großer Liebe, Leben & Imitat, KI & Vergänglichkeit.

Damit ist „Creation“ mal wieder so ein gutes Beispiel dafür, dass Kunst selbst unter ihrer schönsten glatten Oberfläche Reflexionsräume öffnen kann. Auch für Dinge, über die der oder die Betrachter*in sonst vielleicht im Traum nicht nachgedacht hätte.

Und das kann eben auch gute Kunst aus und auf – und über – Papier.

Bekanntlich war die Villa Zanders bisher eher auf gute Kunst aus und auf, nicht aber über Papier abonniert. Insofern ist Eckart Hahns Meta-Papier-Ausstellung, die in Form einer käuflichen Edition nur eine einzige leibhaftige Zellulose-Arbeit präsentiert, ein Novum. Und damit eine in unseren Augen gut genutzte Chance für das Kunstmuseum zur kuratorischen Erweiterung des eigenen Portfolios.

Die rund 50 Exponate der Ausstellung decken nämlich auf, wie stark sich Hahn bei seinen fotorealistischen Werken in Acryl und Aluminium (es gibt auch fünf Skulpturen) immer wieder mit dem Motiv auseinandergesetzt hat, um das Fragile der in unserem Bewusstsein individuell zusammengefalteten Welt ebenso darzustellen wie das Herumlavieren unserer wankelmütigen Wahrnehmung.

Von daher passt Hahn & Zanders wie Deckel auf Topf.

Bei Eckart Hahn sei das gemalte Papier „Metapher für die Konstruktion von Wirklichkeit“, sagt Museums-Direktorin Ina Dinter.

„Es ist alltäglich und unscheinbar, aber zugleich Träger von Ideen, Geschichten und Identitäten. Papier kann täuschen, verbergen, verwandeln. Es eignet sich daher ideal, um die Unsicherheit und Mehrdeutigkeit unserer Wahrnehmung zu inszenieren.“

Besser hätten wir das auch nicht sagen können. Deshalb schmücken wir uns ausnahmsweise mal mit fremden Federn wie manche von Eckart Hahns Vögeln und zitieren etwas länger als sonst.

^{Wenn Konstruktion von Wirklichkeit misslingt, kann man Papier auch zerknüddeln
und frustriert zu Boden werfen! Dieses Papier hier ist allerdings aus Aluminium. Und eine
ziemlich gute Idee. Eckart Hahn, „Cloud II“ (2025), Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2025}

Und noch etwas kam uns in der thematischen Zusammenschau der Werke, die zum Gutteil aus Privatsammlungen aus aller Welt nach Bergisch Gladbach gereist sind, erstaunlich vor:

Uns erschien es beim Betrachten nämlich fast schon so, als würde Eckart Hahn beim Komponieren und beim Malen seiner Bilder sogar papiern DENKEN.

In Kartenhäusern, Papp-Aufstellern, Tapeten und Puzzles nämlich. In Collagen – und in Décollagen, wie ein Affichist: Einer, der seine Farbschichten wie Plakat-Blätter übereinanderlegt, um dann einen Teil wieder herauszureißen. 

^{Kunst kann man sich nicht aus den Rippen schneiden. Aber aus dem
papierenen Bauchraum reißen. Um sich besser kennenzulernen vielleicht? Weiterzuentwickeln?
Quasi plico, ergo sum. Eckart Hahn, „Character“ (2023)}

Deshalb ist die Illusion von Eckart Hahns Bühnenräumen und Arrangements selten perspektivisch tief, sondern bleibt immer irgendwie flächig. Das Bild tut nicht so, als sei es Raum. Und wenn die Gefahr besteht, findet sich irgendwo eine plakative Abriss-Kante. 

Ganz anders als beim ECHTEN Origami, dass wir seit Erwin Hapke lieben.*

^{*Im echten Origami wird ja auch nicht gerissen. Wölfe reißen.}

Darf man sich bei Kunst an Kunst erinnert fühlen?

Eigentlich schreiben wir äußerst ungern, dass uns Kunst an andere Kunst erinnert hat, denn das ist ja oft nur ein einstudierter Taschenspielertrick studierter Kunstgeschichtler, der kaum Erkenntnis bringt. Oft will man damit nur zum Ausdruck bringen, dass man sich auskennt auf dem weiten Feld, das man beackert hat. 

Wir schreiben trotzdem, dass uns Eckart Hahns Kunst ein wenig an die von Michael Sowa erinnert, dessen Ausstellung „Fragile Idyllen“ momentan noch bis zum 9. November 2025 im Caricatura Museum Frankfurt läuft.

Es geht uns dabei nämlich darum, auf unterschiedliche Facetten von Humor aufmerksam zu machen, über die wir in Bergisch Gladbach mit Eckart Hahn gesprochen haben. Da haben wir es aber ziemlich schlecht erklärt. Entschuldigung, Herr Hahn.

Neuer Versuch: Auch bei Sowa gibt es diesen altmeisterlich-surrealen Umgang mit einer fabelhaften Tierwelt. Aber bei Sowa ist es schwerpunktmäßig eher Komik. Und bei Eckart Hahn ist es schwerpunktmäßig eher Witz. 

^{Auch Hängung kann witzig sein! Eckart Hahn, „Parrot“ (2016),
Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2025}

Aber Witz nicht im Sinne von lachhafter Flachwitz, sondern im Sinne von augenzwinkernder Esprit. Im Sinne von: Verstand, kluger Einfall, List, Reife, Einsicht, Erkenntnis. SO steht es, hier zusammengedampft, im „Grimmschem Wörterbuch“, wir haben extra nochmal nachgeschaut. Und SO denken wir uns das eben auch bei Eckart Hahn.

Und noch ein letztes: Die Werke Eckart Hahns sahen wir zum ersten Mal in der leider kurz vor Corona insolvent gegangenen Galerie Wagner & Partner in Berlin. Das ist jetzt knapp ein Dutzend Jahre her. So lange sind wir schon am Künstler dran.

Galerie mit Stasi-Abhör-Keller

Die Räume der Galerie lagen am Strausberger Platz, direkt neben der für Militärparaden ausgelegten Karl-Marx-Allee in Berlin-Friedrichshain, genauer: im ehemaligen Interflug-Reisebüro aus dem nicht mal real existierenden Sozialismus von Erich Honneckers DDR. Die Türen waren faltbar wie Origami. Im Keller gab es noch die Stasi-Lauschanlage. 

Wer ausreisen wollte, wurde in der DDR eben mit Argusohren überwacht – und gegebenenfalls in die Falle gelockt & verhaftet: wie heute beim Einreiseversuch in die dystopischen USA des kopf- und rückgratlosen Papiertigers Donald Trump.*

^{*Tja, mit DIESEM Satz können WIR uns unsere USA-Reise
schon mal abschminken! Feind liest schließlich mit.
Und nach Trump kommt JD Vance: noch schlimmer.
So sad.}

Das wird im autokratieverliebten Teil von Deutschland momentan ja wieder gern vergessen.

Ein Ort der Illusion & Täuschung, von gewünschter Freiheit & realer Unterdrückung, willkürlicher Macht & komplexer Überwachung sind diese Galerie-Räume einmal gewesen. Wären die Bilder von „Papiertiger“ – sagen wir: 1984 – im Interflug-Reisebüro aus den Privat-Sammlungen der Welt zusammengekommen und nicht heute in Bergisch Gladbach, sie hätten sich sicher auch dort nicht als deplatziert empfunden.

Honecker ist Geschichte, aber die Putins und Trumps und Musks und Zuckerbergs und Thiels gibt es halt immer noch. Die Schönheit dieser Welt bleibt brüchig. Und unter der Haut jedes Schweins lauert das nächste.

Auch das kann man auf Eckart Hahns Gemälden in der Villa Zanders entdecken: als Haltung zur Welt. Also unbedingt hingehen & genau hinsehen! Und nachdenken! Und danach zuhause mal wieder Ridley Scotts „Blade Runner“ in den Video-Rekorder schieben. (27.07.2025)

^{„Eckart Hahn. Papiertiger“ ist noch bis zum 1. Februar 2026 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen. Auf den Katalog, der bald erscheinen soll, freuen wir uns schon.}

^{Anmerkung1: In diesem zu Ehren des Künstlers diesmal eher collagehaften Text haben wir mehr Sciencefiction-Klassiker versteckt als Eckart Hahn in seinen Bildern! Findet Ihr sie alle?}

^{Anmerkung2: „In ‚Blade Runner‘ verwendet Deckard den Voight-Kampff-Test, um festzustellen, ob eine Person ein Replikant ist oder nicht. Dieser Test basiert auf der Analyse von emotionalen Reaktionen auf bestimmte Fragen und Situationen, die einem Replikanten schwerer fallen würden als einem Menschen“ (Erklärung der Google-KI). Es geht im Grunde um Empathie, wir würden noch hinzufügen wollen: Selbstreflektiertheit und Humor. Von daher sind wir ziemlich sicher: Weder Wladimir Putin noch Donald Trump noch Alice Weidel hätten den Voight-Kampff-Test bestanden, wenn es ihn denn gäbe. Vermutlich also Replikanten.}  

Kunstmuseum Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
Traum hinter Geste: Ruth Marten in der Villa Zanders
Mehr Babel war nie! Jenny Michel in Bergisch Gladbach (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Wie sagen wir’s den Bienen? “HONIG” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
In Brüchen denken: “Martin Noël – Otto Freundlich” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
33 Malantworten: Rolf Rose in der Villa Zanders
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
“Bibliomania” in Bergisch Gladbach: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

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Wenn man das will, dann kann man in Bergisch Gladbach gerade unter den Sternen eines riesigen Firmaments aus phosphorisierendem Transparent-Papier wandeln.

Man kann aber auch von oben herab ins Innere von Planeten aus Packpapier blicken. Oder man sieht einfach der Zeit beim Verbrennen zu: eingefroren auf – teils mitverbranntem – Pergament. 

Und in einem anderen Raum, vermutlich auch in einer anderen Zeit, erhebt sich die Landschaft von Worpswede aus gepressten Servietten-Stapeln unter Plexiglas. 

^{Wolfgang Mally, „Quantität Zeit 1-100“ (1977/1978, Detail)}

Schwarze Blöcke, weiße Zeilen

In unseren Augen ist das zum Teil schon ziemlich spektakulär, was das Kunstmuseum Villa Zanders da für „Paper / Elements“ aus seinen eigenen Beständen aufgefahren hat. Man kann sich nur wundern, was Künstler*innen mit Papier so alles zaubern können.

Und trotzdem ist eines der unscheinbarsten Blätter für uns die Kunst der Stunde.

Dieses Blatt hängt als Teil einer Serie von sechs Arbeiten eher unscheinbar an einer Wand. Es besteht aus drei komplett schwarzen Blöcken, die in Gänze ein wenig aussehen wie eine Batterie. Dazwischen sind schmale weiße Streifen mit insgesamt sechs Wörtern.

In einem steht nur „Water board“.

^{Michael Kortländer, „Modul – Skulptur – Kristallin“ (1991)}

Nun ist ein Water board an sich nichts Schlimmes. Das Begriff bezeichnet im angelsächsischen Sprachraum zum Beispiel das Wasseramt. Oder auch ein Brett, mit dem sich über oder ins Wasser gleiten lässt. Das Englische ist ja so wahnsinnig unpräzise.*

^{*Nimm das, Mark Twain!}

„Waterboarding“, das war im England des 19. Jahrhunderts eine heilende Wasserkur. Und ist heute noch der Oberbegriff für Sportarten wie Wasserski oder Wellenreiten.

Welche Intelligenz?

Aber es gibt ja noch die erste Zeile der Batterie. Und die informiert darüber, in welch inhumanen Gefilden wir uns tatsächlich befinden. Es ist die dunkle Welt der „enhanced techniques“, der „erweiterten Verhörmethoden“, wie die „Zentrale Intelligenz-Agentur“, kurz: CIA, das verharmlosend genannt hat: also die Welt der Elektroschocks und des mürbe machenden Schlafentzugs. Sprich: der Folter. 

Und die Welt des sogenannten Waterboardings eben: jene vom Republikaner George W. Bush ausdrücklich genehmigte, obwohl schon damals natürlich gegen die Genfer Konvention verstoßen habende Praxis des simulierten Ertränkens, mit der US-Soldaten in den Golfkriegen Geständnisse aus Gefangenen herauszupressen suchten.

Die Todesangst sollte redselig machen. Der Zweck heiligt ja bekanntlich die Mittel. Und Intelligenz bedeutet: Probleme lösen. Passt also mit dem „I“ in CIA.

Das Blatt gehört zu Serie „Top Secret“ (2012) von Jenny Holzer, die für ihr Werk Originaldokumente der CIA vergrößert und leicht weiter verfremdet hat. Die Schwärzungen der schrecklichsten Passagen – gängige Praxis bei der gerichtlich erzwungenen Herausgabe brisanter Texte – stammen vom ach so intelligenten Auslands-Geheimdienst der Vereinigten Staaten selbst. 

Allein schon die grafische Gefangenschaft von Sprache zwischen den tonnenschweren schwarzen Blöcken raubt dem Begriff vom „Water board“ die Unschuld – und zwar weit eindringlicher, als dies in einem ungeschwärzten Fließtext möglich wäre.

Das hat die visuell und semiotisch sensible Jenny Holzer sehr klug erkannt und künstlerisch sehr eindrucksvoll ausgenutzt. Uns jedenfalls hat dieser rein visuelle Effekt des Aufdeckens von Unmenschlichkeit im Kunstwerk gefallen. Dank Jenny Holzer ist der Versuch der politischen Verschleierung gescheitert. Die Kunst entlarvt das Original – und zwar als Bild.

Von Truth Social zum Ministerium für Wahrheit ist es kein weiter Weg

Im Grunde finden wir, dass „Top Secret“ vielleicht sogar noch ein bisschen besser in unsere noch viel sprachverlogenere Gegenwart passt als in die Ära Bush.

Denn in den USA fuhrwerkt ja jetzt ein Mann herum, der die Wahrheit durch verbale Verdrehung einfach so lange übertüncht, bis für seine Skrupellosigkeit und seinen Zynismus nur noch die Hülsen sogenannter alternativer Fakten stehen bleiben. 

Ein verurteilter Betrüger, der nur deshalb nicht im Knast sitzt, weil er im Weißen Haus sitzt. Der wegen Seltenen Erden bereit ist, einem Massenmörder, Vergewaltiger und Folterer die Ukraine und eigentlich ganz Europa zum Fraß vorzuwerfen – und dem man fast zutrauen möchte, in Kürze, wie angedeutet, in Grönland oder Kanada einzumarschieren.

^{Anna Goebel, aus dem Zyklus „Revealed I und II“ (undatiert)}

Also ein Mann, der für mafiöse „Deals“ vor allem auch mit Sprache lügt & erpresst. Und im Grunde auch, indirekt, vergewaltigt. Und foltert. Weil ja bekanntlich der Zweck die Mittel heiligt.

Im Grunde ist das, was wir da gerade in den USA erleben, ein brutales Waterboarding von Solidarität, Toleranz, Menschlichkeit, Gesetzestreue, Wahrheit und Demokratie: also ein Waterbording all jener Werte, die uns immer noch ziemlich heilig sind.

Wir jedenfalls fühlen uns gerade existentiell ein wenig am Ertrinken.

Das hat Jenny Holzer ziemlich gut gemacht

Überhaupt ist es ja sicher nur noch eine Frage der Zeit, bis dieser Mann das von Barack Obama verbotene Waterboarding wieder zulässt. Und, klar, natürlich: wie ein gewählter Diktator per mit Leichenbittermiene in die Kamera gehaltenem Dekret, auf dem man eigentlich nur seine gigantomanische Unterschrift erkennt.

Das alles kam uns in den Sinn, als wir in der Villa Zanders das zwischen den schwarzen Blöcken zerquetscht zu werden drohende Doppelwort vom „Water board“ lasen. Ja doch, das muss der Neid ihr lassen: Das hat Jenny Holzer mit einfachsten Mitteln ziemlich gut gemacht.

Nach diesem graphischen Sprach-Schock sind wir in der Villa Zanders wieder zu den Sternen gegangen, zu den Planeten, zur Birken-Landschaft von Worpswede mit ihren Schichten aus Servietten. Zu all dem Spektakulären, das man mit Well- oder Dämmpappe, mit Washi-, Seiden- oder Sandpapier, mit Konfetti oder Puzzleteilen oder Kotztüten künstlerisch über die vier Elemente so erzählen kann. 

Solange ist Hoffnung!

Und das war tröstlich. Denn: Solange noch derart poetische Kunst existiert, solange sich Kunst noch politisch engagieren mag, solange Kunst noch etwas auslöst in uns: Solange ist Hoffnung. Dass die Welt trotz ihrer Diktatoren und der unendlichen menschlichen Dummheit nicht verbrennt. Und dass die Water Boarder dieser Erde sich bald in Luft auflösen.

Oder sich doch zumindest endlich alle dahin schießen lassen, wo sie hingehören – und wo sie ja auch hinwollen: zum Mars. (02.03.2025)

^{„Paper / Elements. Kunst aus Papier und die vier Elemente“ ist noch bis zum 9.Juni 2025 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen.}

^{Anmerkung 1: Wir glauben übrigens, dass Jenny Holzer semiotisch sensibel genug ist, um das „Water board“ – vielleicht sogar ironisch? – auch auf ihre eigene Arbeit zu beziehen. Schließlich befindet sich „Top Secret“ auf handgeschöpftem und aufwendig weiter verarbeitetem Bütten, und da wollen wir dann doch einmal kurz darauf verweisen, dass zum Schöpfen dieser edlen Papiere die mit dem Leim im Wasser vermischten Baumwollfasern am Ende mit einem Sieb im Rahmen aus dem Becken wieder ins Trockene gezogen werden, bevor man sie, zwischen Filz doppelt gegautscht, mit schwarzen Blöcken und mit beschönigenden Worten der CIA bedrucken kann.
Und wenn dieses Instrument aus Sieb und Rahmen kein „Water board“ im klassischen Sinn des Wortes ist, dann wissen wir es auch nicht.}

^{Anmerkung 2: Bevor Sie fragen: Natürlich! Sie haben völlig recht. Warum eigentlich zu Trump in die Ferne schweifen? Denn das Böse liegt so nah. Ihre KunstArztPraxis}

^{Anmerkung 3: Ja, auch das ist wahr: Wir haben nur andeutungsweise geredet über den Mann, der Kalif werden will anstelle des Kalifen! Dazu vielleicht dann später mehr. Ihre KunstArztPraxis.}

Die Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
Traum hinter Geste: Ruth Marten in der Villa Zanders
33 Malantworten: Rolf Rose in der Villa Zanders
Mehr Babel war nie! Jenny Michel in Bergisch Gladbach (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Wie sagen wir’s den Bienen? “HONIG” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
In Brüchen denken: “Martin Noël – Otto Freundlich” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
“Bibliomania” in Bergisch Gladbach: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Villa Zanders

Der Beitrag Poetisch & Politisch. „Paper / Elements“ erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Bekannt wurde die New Yorker Künstlerin Ruth Marten mit Ihren Collage-Übermalungen von Kupferstichen des 19. Jahrhunderts. Jetzt hat sie sich ein Portfolio von Tänzerinnen eines Pariser Varieté-Theaters geschnappt. In unseren Augen ist das künstlerische Traumdeutung. Aber von Anfang an:

Die Tänzerinnen des Folies Bergère waren einsam wie Sumpf-Krokodile und bettelarm wie Kirchenmäuse, und während sich der Rest von Paris in den Zwanzigerjahren bei Jazz-Musik, Josephine Baker & gefährlichen Ideen allen nur erdenklichen Lastern hingab, hockten sie nackt in ihren kargen, nur von einem Vorhang möblierten Stuben und bliesen Trübsal. 

Diesen namenlosen Tänzerinnen war nichts geblieben: nichts, außer einer einzigen persönlichen Geste, einer einzigen ausgeklügelten Körperhaltung, einer einzigen individuellen Stellung der Hände und der Füße.

Und hätte der britisch-polnische Fotograf Stanisław Julian Ignacy Ostroróg alias Laryew nicht Mitleid mit ihnen gehabt und sie für sein Portfolio „NUS“ (1923) daheim abgelichtet, dann wären selbst diese Gesten, Haltungen, Stellungen für immer verloren.

Tänzerinnen-Träume aus Gouache

Natürlich hatten auch die Tänzerinnen des Folies Bergère in ihrer einsamen Nacktheit Träume.

Interessanterweise sind diese Träume ausgerechnet in jenen einzigartigen Gesten, Haltungen und Stellungen verborgen, die Stanisław Julian Ignacy Ostroróg alias Laryew im Paris der Zwanzigerjahre festgehalten hat: Das haben wir aber erst im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach begriffen.

Es ist nämlich Ruth Marten zu verdanken, diesen Zusammenhang zwischen Traum und Geste in „All About Eve“ mittels ihrer Gouache-Technik quasi seelen-archäologisch aufgedeckt zu haben. Mit hüpfendem Herzen.

Das Techtelmechtel mit dem Schwan

Offenbar hätten die Tänzerinnen des Folies Bergère am liebsten in fremden Nestern auf blauen Eiern gebrütet, in Röcken aus Spaghetti im Fleischbällchen-Regen frohlockt.

Mit Freuden hätten sie in Beckett’schen Meerschaum-Pfeifen viel Rauch um Nichts gemacht – oder wären unter den Blicken schlafender Brancusi-Köpfe gern lustvoll mit Einbau-Schränken verschmolzen.

Sie wünschten sich mehr Arme als Indiens kosmischer Tänzer Shiva, Penisse als Hut-Ständer oder kirchturmhohe Kletter-Wand. Und ein akrobatisches, fast schwereloses Techtelmechtel mit einem – wie wir vermuten: göttlichen – Schwan: Das wünschten sie sich auch.

Einige dieser Tänzerinnen wollten sich offenbar gänzlich in Schnee – oder Zucker? – oder Salz? – auflösen, in Flammen aufgehen oder in einer rotierenden Kaffeetasse posend im Malstrom des Lebens verstrudeln – während wiederum andere in einer Art exotischer Mimikry mit floralen Tapeten zu verwachsen wünschten.

Die liaison dangereuse mit dem Reptil

Sturmumtoste Leuchttürme, selbstwässernde Blumen oder chromglänzende Motorräder: Das wollten sie werden. Und erstaunlich Viele von ihnen ersehnten sich offenbar eine liaison dangereuse mit einem Krokodil. 

Natürlich träumte ein neonumrahmter Teil dieser armen, einsamen Tänzerinnen – wie der ganze Rest von Paris in den verruchten Zwanzigerjahren – auch vom Laster. Bezeichnenderweise gehören die drei Beweis-Couachen von Ruth Marten inzwischen zum Bestand des Neon Museums in Las Vegas, denn dahin ist das Laster ja bekanntlich irgendwann von Paris aus migriert.

Das ist unser Lieblingstraum

Eine, die ebenfalls vom Laster träumte, war in der ärmlichen Einsamkeit ihrer Behausung zumindest noch ein düstrer Wand-Teppich geblieben. Vor ihm hat Ruth Marten im Kunstmuseum Villa Zanders den Wunsch freigelegt, mit einem Krokodil in einer schummrigen Hafen-Bar im Rotlicht-Viertel an der Seine, durch die schwüle Nacht tanzend, zu versumpfen.

Unter allen Träumen von „All About Eve“ in Bergisch Gladbach ist DAS unser liebster. 

Der mitgedachte Fußtritt

Offenbar gehörte es zur Phantasie der namenlosen Tänzerin unbedingt dazu, dass besagtes Krokodil ihr beim schummrigen Versumpfen in der Hafen-Bar auf die Füße treten solle:

Anders ist die von Stanisław Julian Ignacy Ostroróg alias Laryew 1923 festgehaltene Stellung, die die schläfrige Tollpatschigkeit des Reptils im Nichts eines eher monologischen pas de deux mitdenkt, gar nicht zu deuten.

Aber das können wir, wie schon gesagt, erst dank der großartigen Ruth Marten glockenklar sehen.So ergibt in Ruth Martens „All About Eve“ selbst die groteskeste, absurdeste, bei Laryew irgendwie noch ins Leere laufende Geste, Haltung, Stellung im Nachhinein dieser künstlerischen Traumdeutung unumstößlich Sinn. (12.01.2025)

^{„Ruth Marten. All About Eve“ ist noch bis zum 21. April 2025 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen. Der Katalog mit allen 63 ausgestellten Träumen ist selber einer. Darüber hinaus sind in einem Raum der Ausstellung auch noch rund 30 Arbeiten von Ruth Marten aus den letzten 15 Jahre zu sehen. Auch eine Schau.}

^{Ach ja: Während Sie dies lesen, ist Ruth Marten in ihrem New Yorker Atelier bereits dabei, weitere Träume der Tänzerinnen des Folies Bergère auszugraben. Sie ist nämlich noch nicht fertig mit ihrer künstlerischen Traumdeutung, rund 30 Träume fehlen ihr noch! Wir haben schon einige der neuesten Arbeiten gesehen. Und die sind ebenfalls große Klasse.}

Bonus-Tracks: Ruth Marten in Brühl (2018) und Köln (2022)

Ruth Marten in der KunstArztPraxis:
Ruth Marten in Köln: Köpfe im Tentakel-Käfig
Gut eingelaufen: “The Schuh Show” in Köln

Das Kunstmuseum Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
Mehr Babel war nie! Jenny Michel in Bergisch Gladbach
Wie sagen wir’s den Bienen? “HONIG” in der Villa Zanders
In Brüchen denken: “Martin Noël – Otto Freundlich”
33 Malantworten: Rolf Rose in der Villa Zanders
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
“Bibliomania” in Bergisch Gladbach: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Villa Zanders

Der Beitrag Traum hinter Geste: Ruth Marten in der Villa Zanders erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Vielleicht schieben wir beizeiten ja noch mal das ein oder andere Kapitel aus „Hapke“ hinterher. Nur jetzt schon mal so viel:

„Hapke“ versucht, seinen Helden so, wie er niemals war, Eins zu Eins nachzufalten. Aus seinen Aufzeichnungen, seinen Erinnerungen, von denen es viele gibt. Aus unseren Erinnerungen, den unzähligen Fotos. Und, ja, natürlich: aus unserer dreidimensionalen Phantasie.

In diesem Sinn, jetzt erst einmal, ausgehend vom verwaisten Bienenhaus in Erwin Hapkes Garten bei unserem Besuch in Fröndenberg 2018 – voilà:

HONIG

Erste Notiz ins Trostbüchlein: Ein verwilderter Bienenschwarm verfängt sich in einem wehenden Bettlaken an der Wäscheleine im Garten. Wir wollen ihn im verwaisten Bienenhaus ansiedeln, aber die Bienen sind zu unsteten Nomaden geworden und wollen sich partout nicht zivilisieren lassen.

Ein paar Jahre später haben wir mehr Glück und es gelingt uns, ein anderes Volk an das Bienenhaus zu binden. Fünf Generationen werden so bei uns heimisch. Fast zwanzig paradiesische Sommer, beinahe unsterblich der Stamm. 

Wir halten den Stock sauber und trocken. Wir sorgen für gute Belüftung, wir wehren Wachsmotten und Meisen, Grünspechte und Hornissen, Totenkopfschwärmer und Kröten von ihrer, von unserer Beute ab.

Wir fahren die Völker mit dem Fahrrad zu den fruchtbaren Rapsfeldern von Langschede oder zum Heidekraut der Senne am Westhang des Teutoburger Walds. 

Wir stehen und schauen: Wo wachsen die Tracht- und Melkpflanzen? Wo die Linde, die Kastanie, die Kornblume, die Goldrute, der Eukalyptus, der Lavendel, der Rosmarin, der Tulpenbaum? Wo Anis, wo Klee?

Dorthin geht die Reise.

Wir öffnen das Flugloch: Die Sammlerinnen schwärmen aus. Wir tragen keine Schleier, keinen Handschuh. Wir haben keinen »Vulkan« zum Räuchern. Wir können die Bienen beim Ein- und Ausflug dennoch streicheln. Ohne einen einzigen Stich.

Das ist allein der Aura des Vaters geschuldet! Ja, ich bin sicher: Geschuldet der Aura des Vaters.

Wir holen die Schleuder. Wir holen die Vorratstöpfe vom Dachboden, wir säubern und trocknen. Wir füllen die Schüsseln mit Wasser, legen Tücher zum Händewaschen bereit. Dann lösen wir die Rähmchen mit dem Stockmeißel aus den Zargen.

Behutsam fegen wir die Arbeiterinnen mit dem Bienenbesen von den Behausungen und tragen die Rähmchen ins Haus. Wir entfernen die Wachsverschlüsse der Zargen mit der Entdeckelungsgabel und streichen den Wachs davon ab am Schüsselrand.

Wir kauen den Wachs, saugen den süßen Honig aus, spucken den Rest in die Schüssel. Möge der ausgespuckte Wachs unsere Nächte erhellen! Oder uns zumindest vorm Gezirpe der Sirenen bewahren.

Und dann: Das Drehen der Schleuder. Der erste Honig, der aus dem Auslaufrohr tropft. Die goldene Farbe am Rührstab im Sonnenlicht. Der Honig, die Götterspeise, der Nektar des Jupiter auf dem Butterbrot. In Fröndenberg, in Ardey, in Ullrichsdorf: Das ist uns überall ein Fest.

»Klein ist der Stoff, doch nicht klein der Arbeit Ehre.« Ein Hoch dem Aristaios, dem wahren Prometheus! Tanzt, ihr bonapartischen Bienen, ihr urbanischen Bienen, allen Herrschern und Zyklopen vorzuziehen!

Heil dir Pereplut, heil dir Ambrosius! Und ein »Vivat« dem Honig in Ewigkeit.

Bitteschön. Dankeschön. Ihre KunstArztPraxis (18.08.2024)

Wie sagen wir’s den Bienen? „Honig“ in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Erwin Hapke in der KunstArztPraxis:
360°-Rekonstruktion: Ein neues Haus für Erwin Hapke
Erwin Hapke: Das Ende eines Gesamtkunstwerks
Erwin Hapke: Welten falten
Erwin Hapke, Welten-Falter – ungefaltet!
Endlich im Licht! Hapke & Henschel in Kevelaer
Betriebsausflüge (2): “Geordnete Verhältnisse”

Homepage des Kunstmuseums Villa Zanders

<sup>Ach ja: Wir haben ein Buch über das Falt-Haus Erwin Hapkes gemacht! Kostenpunkt: 38 Euro.

Viel Geld, das stimmt. Aber für eine einmalige Sache.

Beim Kettler-Verlag ist das Buch schon lange ausverkauft. Wer trotzdem noch ein Exemplar ergattern möchte, der erwerbe es sehr gerne per Online-Bestellung über diesen Link.</sup>

^{Dankeschön. Ihre KunstArztPraxis,}

Der Beitrag Exklusiv, als Vorabdruck: „Honig“ aus „Hapke“ erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Zur Ausstellung – und zum Künstler! – haben wir an anderer Stelle ja schon das Nötigste gesagt.

^{„Rolf Rose. Malen sehen“ läuft noch bis zum 3. März 2024 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach.}

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung (19): Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung (18): „Menscheitsdämmerung“ in Bonn
Reine Bildgebung (17): Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung (16): “spielzeit” in Morsbroich (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (15): Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung (14): “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung (13): Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung (12): Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung (11): Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung (10): “Im Augenblick” in Brühl (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (9): “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (7): Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (6): Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung (5): “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung (4): Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung (3): Marcus Neufanger
Reine Bildgebung (2): Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung (1): Joseph Beuys in Wuppertal (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Villa Zanders

Der Beitrag Reine Bildgebung (20): Rolf Rose in der Villa Zanders erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Es ist Anfang November. Wir sitzen am Tisch der Pressekonferenz zur Ausstellung „Malen sehen“, die das Kunstmuseum Villa Zanders Rolf Rose zu seinem 90. Geburtstag in Bergisch Gladbach ausgerichtet hat.

Die Journalisten stellen Journalistenfragen – und Rolf Rose gibt erstaunliche, da gänzlich unheroische, pragmatisch-handwerkliche, erst auf den zweiten Blick tief malerische Malerantworten.

Anders wäre es ja schlecht!

Warum er teils auf dem Boden male, will Einer wissen. Damit die Farbe nicht unkontrolliert nach unten fließen kann! Warum er manche Werke aber dann doch an der Wand fertigstelle? Weil das für Striche von oben nach unten – vor allem im Alter – einfacher ist! Warum seine größten Bilder nicht noch größer seien? Na, weil sie doch noch durch die Türen seiner Mühle passen müssen!

Denn: „Anders wäre es ja schlecht.“

Warum dieses eine Bild ausnahmsweise Weiß statt Schwarz sei? „Weil ich auch mal anders als Schwarz malen wollte.“ Und warum er irgendwann von seinen grauen Bildern Abstand genommen habe?

„Weil mir das irgendwann einfach zu langweilig geworden ist.“

Markus Lüppertz tritt als Statement

Immer wieder klopft Rose gegen die Leinwand, reibt an den Oberflächen, als wir später durch die Räume gehen. Einmal kippelt er beim Reden so gedankenverloren mit einer Skulptur auf ihrem Sockel herum, dass wir befürchten, er könne sie fallenlassen.

Und einmal schnappt er sich einen Bleistift, um die Oberfläche eines dunklen Gemäldes auszubessern. Da sind die Journalisten schon gegangen.

Wir haben bei einer privaten Fotosession auch schon Markus Lüpertz gegen die Sockel seiner Skulpturen treten sehen. Aber das war die Geste eines Künstlers, der signalisieren wollte, dass er es nicht mehr nötig hat. Dass der Herr das darf.

Jeder Tritt war eine Botschaft an uns, seine Betrachter, ein betont ruppiges Schrauben am autonomen Genialen.

Bei Rose ist das anders. Dies hier ist ungestellt, ist echt & unbefangen, kein protzendes Understatement. So klopft einer, der seine Bilder prüfen will, weil er ihre Wirkung unentwegt neu auf die Probe stellt.

Einer, der mit seinen Werken lebt, neue Werke aus dem ganzen Bestand an alten schöpft, die ihn gedanklich unentwegt umgeben. Zumindest empfanden wir das so.

Und so antwortet in unseren Augen einer, der davon ausgeht, dass Jeder das Offensichtliche, Unerklärliche im Ergebnis doch erkennen können müsse, nachdem das für ihn Eigentliche – das Malen – schon vollbracht worden sei.

Dass Jeder sähe, dass das da eben kein schwarzes und kein weißes Bild ist, dass es in den verdichteten Schichten funkelt. Dass da im assoziativ Pastosen eine Ordnung herrscht, die die ungestüme Farbe bändigt.

Dass jedes Bild sein Format im Nachhinein mit eingefordert hat. Und nur in dieser Größe funktioniert.

Wer sehen kann gewinnt

Hinter Roses doppelbödigem Pragmatismus steht eine Bescheidenheit, die das abstrakte Bild ins Zentrum stellt – ein Bild, das nichts mehr abbilden will, sondern seine eigene Wirklichkeit da draußen in der Welt behaupten muss. Die eigentlichen, expressiven Malantworten Roses sind seine Gemälde auf Leinwand, Holz und Aluminium, aber auch seine Aquarelle auf Papier.

Und deren Betrachtung macht viele Fragen tatsächlich überflüssig.

Dieser äußerlichen Schlichtheit entsprechend verzeichnet Roses Biografie im Katalog zu „Malen sehen“ nur drei Daten: das Geburtsjahr (1933), den Umzug nach Hamburg (1953) und den Umzug ins benachbarte Krempe (1980). Hier wohnt der Maler, der nie eine Akademie besucht hat, seit nunmehr fast der Hälfte seines Lebens in besagter Mühle.

Diesen Eintrag hätten wir uns noch gewünscht

Der knappe Lebenslauf ist konsequent, er passt zur unprätentiösen Stringenz von Werk und Persönlichkeit. Aber es fehlt doch ein Eintrag, den wir uns gewünscht hätten: nämlich das Jahr, in dem Rose das Graphit entdeckt hat.

Damals sei er in die Drogerie gegangen, um Pigmente zu kaufen, sagt Rose. „Das war so eine altmodische Drogerie, mit Schubfächern. Und in einem war Graphit. Das nutzten die Anstreicher damals, um ihrer Wandfarbe mehr Tiefe zu geben.“

Er habe dann einfach etwas davon aus Neugierde mitgenommen. Und mit einem Plan: „Ich wollte meine Bilder zum Glimmen bringen. Danach habe ich jahrelang mit Graphit gearbeitet. Mein ganzes Atelier war schwarz.“

Malen als Herausforderung

Wir mögen diese unscheinbare Anekdote sehr. In ihr ist so ziemlich alles enthalten, was uns an Rose bei unserer Begegnung und auf den Bildern in Bergisch Gladbach aufgefallen ist: ein Verständnis von Malerei als eine ganz spezielle Form von Handwerk zum Beispiel, der Hang zum Experiment, der Sinn für den beglückenden Zufall als Berater. Das Denken in Farben, nein: von der Farbe her.

Und, formal: ein untrügliches Gespür dafür, dass sich in ihrer Schichtung und Strukturierung tiefer Raum erzeugen lässt.

Und dann das Glimmen!

Und dann das Glimmen. Wenn man das Wort etwas weiter fasst, ist es auf allen Bildern Roses da, je nachdem, ob & wie das Licht in sie hineinfällt. Mal ist es nur ein blitzender Aufschein, mal ein Changieren, mal ein Wogen wie am Meer, oder ein Rascheln wie von Blättern.

Aber es bleibt ein Glimmen – selbst da, wo gar kein Graphit im Spiel gewesen ist. Explodieren tut auf Roses Bildern nichts. Es ist viel Ordnung da. Struktur. Über die Zeit hinweg.

Dass die Bilder in Bergisch Gladbach nicht chronologisch hängen, hilft bei dieser Erkenntnis ungemein.

Vielleicht müssen wir es noch einmal sagen, weil wir so flapsig angefangen haben: Die Malerei Rolf Roses ist eine ernste, existenziell bedeutende Sache! Man spürt, dass Rose mit dem ungezähmten Spiel der Pigmente gekämpft hat wie ein Dompteur.

Oder wie ein Besessener, der seine Gespenster fesseln muss. „Gespenster“, das ist das Wort, dass Rose selbst gern für seine Bilder benutzt.

Auf jeden Fall hat da Jemand mit künstlerischer Klugheit im Chaos der Farben etwas malerisch Wesentliches, und trotzdem Rätselhaftes fixiert. Und wir sind einmal mehr erstaunt, was reine Malerei vermag.

DAFÜR ist Roses Erdung wichtig!

„Ich versuche, immer an der Sache dranzubleiben, nicht zu irre zu werden“, sagt Rose. Man müsse sich vom Prozess leiten lassen, bis man sich selber findet. DAFÜR ist Roses Erdung wichtig. DARUM darf nichts unkontrolliert fließen. Und DESHALB ist unentwegte Neugierde zentral und Langeweile unbedingt auszuschließen. Oder, wieder mal nur vordergründig simpel: „Ich experimentiere einfach. Das ist keine Dummheit, sondern Malerei.“

Wer die Gemälde in der Villa Zanders anschaut, diese 33 Malantworten, der kann erahnen, was Rolf Rose meint.

Denn es ist ja so: Wenn Rose eine Rakel oder einen Zahnspachtel für Teppichbodenkleber nutzt, um scheibenwischerhaft pastose Halbmonde auf die Leinwand zu ziehen, dann überträgt er seine eigene körperliche Bewegung sichtbar in die bewegte Körperlichkeit des Bildes. Das kann gelingen oder scheitern, aber wenn es gelingt, dann kann man das Gelingen auch als Betrachter sehen.

Und wenn er Schwarz und Blau und Rot aufträgt, dann ist es fürs Betrachten von großem Vorteil, dass der Künstler bereit war, sich vom eigenen Malen verwundern zu lassen.

Wie wirkt Baupappe?

„Das Schwarz saugt das Blau, das ist interessant“, sagt Rose beim Rundgang durch die Ausstellung. Oder: „Die rote Linie bewegt, das ist ein toller Effekt.“ Im Acryl tanzen die Pigmente anders als in Lack oder Öl. Und den Maler scheint das immer noch zu freuen. Die Überraschung ist auch nach Jahren offensichtlich geblieben.

Und auf Baupappe wirkt ein Netz aus unzähligen mit dem Lineal gezogenen Graphitstrichen vielleicht ja auf erstaunliche Art und Weise frischer als auf Hahnemühle-Papier? Rolf Rose hat es ausprobiert. Und uns kam es in der Anschauung auch so vor.

Und dann gibt es noch die neuen Arbeiten, die der Farbe mehr Freiheit lassen, die positiver sind, vielleicht aber auch ein bisschen weniger rätselhaft. Und gefallen die älteren, hinterfragenden Gemälde besser, aber man spürt trotzdem, dass sich in den neuen etwas aus dem ganzen Volumen des Vorangegangenen zusammengezogen hat.

„Das hätte ich früher nicht gewagt“, sagt Rose. „Ich hätte das für verrückt gehalten“. Und dann, wieder mit Augenzwinkern: „Es ist schon vorteilhaft, wenn man älter und schlauer wird.“

Vielleicht müssen wir einfach auch noch etwas altersschlauer werden. (26.11.2023)

^{„Rolf Rose. Malen sehen“ ist noch bis zum 3. März 2024 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen. Und einen über weite Strecken tollen Katalog gibt es auch. Oder, mit den Worten Rolf Roses: „So einen dicken Katalog hatte ich noch nie.“}

^{Anmerkung: Wir möchten nicht ausschließen, dass wir Herrn Lüpertz unrecht tun.}

Das Kunstmuseum Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
“Bibliomania” in Bergisch Gladbach: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Villa Zanders

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Intuition statt Kochbuch.
Ein Editionsgedicht

Wenn Joseph Beuys nicht Künste lehrt,
Steht er in Düsseldorf am Herd.
Und rührt mit dem Eurasienstab
Durch Blutwurst und Tatarenlab.

Derweil im Ofen Hasen garen,
Denen die Bilder deutbar waren.
Ein andermal gibt’s weißen Fisch
Mit Leuchtbrot und Fett-Honig-Quiche.

Herr Beuys würzt nur qua Phantasie.
Statt Maggi schmeckt man die Magie.
Hier ist Gespür Rezept-Ersatz!
So brutzelt Beuys am Drakeplatz.

Doch plötzlich klappt Empfindung nicht:
Herrn Beuys fällt nichts ein – kein Gericht!
Erleuchtung bringt dem Brat-Genie
Nichtmal das Denken mit dem Knie.

Schon bricht sich unterm Hut der Wahn
Eines Tabubruchs böse Bahn:
„Wenn ich das Kochbuch doch versuch?“
– – – Da löst die Türklingel den Fluch.

Zum Glück steht draußen unverwandt
Der Mann vom VICE-Kunstversand.
Er bringt aus Remscheid ein Objekt
In dem das Zeug zum Kunstwerk steckt.

„Wir machen eine Edition.
Die schlichte Kiste hammer schon.
Wir haben auch schon einen Titel.*
Fürs Multiple hast DU die Mittel.“

Wie macht man deckellose Fichte
Zu einen Teil der Kunstgeschichte?
Beuys löst den Fall! Und holt zum Zweck
Der Umsetzung sein Kunstbesteck.**

Zwei Striche, Schrägen, Unterschrift,
bleiern gezogen mit dem Stift,
Und noch ein Wort, man ahnt es schon,
Weil man es weiß: „Intuition“.

Herr Beuys betrachtet stolz sein Oeuvre.
Jetzt ist der Kopf frei fürs Hors d’oeuvre!
Schon sprudeln Eat-Art-Kochideen,
Die nirgends im Rezeptbuch stehen.

Um Kochbuchwahn zu überlisten,
Greift Beuys fortan zu VICE-Kisten.
Dem Kochmarkt bringt diese Geschichte
12.000 Unikat-Gerichte.***

^{*und zwar „Intuition … statt Kochbuch“. So wurde die Edition vom VICE-Kunstversand laut Kraft (2021) zunächst beworben.
**in diesem Fall reichte offenbar ein simpler Bleistift!
***hier irrt das Gedicht! Zwar gibt es rund 12.000 „Intuition“-Kisten, aber die Gerichte stehen ja eben NICHT im Kochbuch! (Und natürlich auch nicht bei Schellmann.)}

(07.06.2021)

^{Anmerkung: An dieser Stelle gab es mal eine Fotostrecke zur Ausstellung in Bergisch Gladbach. Leider wurden inzwischen alle leeren Kisten von der gefrässigen Unsichtbarkeits-Maschine gefressen.}

^{„Leere Kisten als plastisches Thema bei Joseph Beuys“ ist noch bis zum 8. August 2021 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen.}

Joseph Beuys in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung (1): Joseph Beuys im Skulpturenpark Waldfrieden (gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Joseph Beuys und die Unsichtbarkeits-Maschine
Joseph Beuys reloaded (I): Der Mensch
Joseph Beuys reloaded (II): Jeder Mensch ein Künstler?
Joseph Beuys reloaded (III): Der Lehrer
Joseph Beuys reloaded (IV): Der Zeichner
Joseph Beuys reloaded (V): Beuys für Sammler
Joseph Beuys reloaded (VI): Warum Beuys heute noch?

Homepage des Kunstmuseums Villa Zanders

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Schönheitschirurgen müssen jetzt ganz stark sein, denn Straffungen und Glättungen können sie im Kunstmuseum Villa Zanders grundsätzlich knicken. Im Gegenteil setzt das Haus bewusst auf Falten und zerknitterte Physiognomien. Sogar Altersflecken, Abschürfungen oder offene Wunden werden toleriert. Klingt furchtbar, oder?

Hat aber seinen guten Grund. Denn bei der ständigen Sammlung des Hauses in der „Papierstadt Bergisch Gladbach“ geht es traditionell fast ausschließlich um – genau: Kunst aus Papier. Also ums Knicken, Reißen, Schaben, Ritzen und Zermahlen, Perforieren und Zerschneiden.

Sprich: um so ziemlich alles, was Narben hinterlässt. Oft unter Einsatz von Skalpellen.

Trotzdem auch hier unsere Wertung nach den für Schönheits-OPs im Kunstbereich gängigen Kriterien:

Lifting: Natürlich darf Anti-Aging auch bei Papierkunst kein Tabuthema sein! Und tatsächlich hat sich die Villa Zanders mit „Neu aufgestellt“ irgendwie dann doch eine Frischzellenkur verschrieben. Über ein Drittel der Exponate sind zum ersten Mal zu sehen, darunter großartige Arbeiten von Siegfried Cremer, Petra Paffenholz oder Axel Vater.

Besonders stolz ist das Haus auf Reiner Ruthenbecks „Weißen Papierhaufen“ (1978/79), der für die Laufzeit der Ausstellung nach den Vorgaben des Konzeptkünstlers aus 600 speziell zusammengeknüllten Blättern à 50 x 50 Zentimetern neu aufgetürmt worden ist. Ruthenbeck gilt als der Erste, der Papier auf eine Stufe mit klassischen Bildhauermaterialien wie Marmor oder Bronze stellte, und das merkt man dem geklonten Haufen an: wirkt wie neu.

Wegen der Unsichtbarkeits-Maschine können wir das Werk hier leider nicht zeigen. Zeigen wir also Erik de Brees wundervoll weiche, mit Sprühfarbe und Tusche verfeinerte Arbeit „Withdrawal Symptom #61“ (2020). Die hat es uns unter den Neuerwerbungen ohnehin besonders angetan. Vielleicht, weil hier die zarte Haut des Papiers eine wichtige Rolle spielt?

Vergrößerungen / Verkleinerungen: In diesem Punkt müssen wir salomonisch sagen: sowohl als auch. Oder, präziser: 2020 erstmal Vergrößerung, 2021 dann wieder Verkleinerung. Hat aber nichts mit zurückgenommenen Kunstfehlern zu tun, sondern mit Corona: Weil sich der Zeitplan für die geplanten Wechselausstellungen im letzten Jahr pandemiebedingt verschob, konnte sich „Neu aufgestellt“ mit 64 Positionen zunächst auf zwei Etagen austoben.

Inzwischen hat sich die Sammlungspräsentation wieder in den ihr angestammten zweiten Villenstock zurückgezogen. 63 Werke sind es aber immer noch.

Plastische Modellierung: Von der Wand her gedacht ist „Neu aufgestellt“ dort mit Bezügen am deutlichsten ausmodelliert, wo zur Petersburger Hängung gegriffen wurde. Positiv fällt auf, dass klassische Leerräume (Böden) mitbefüllt sind (Skulptur). Und das Konvolut der 32 Folianten von Hanne Darbovens Mammutprojekt „Schreibzeit, 1975-1999“ wird selbst inszeniert als eine Art raumgreifendes Environment (leider auch hier: Unsichtbarkeits-Maschine).

2020 war die plastische Modellierung allerdings doch noch etwas ausgereifter. Das lag vor allem an Tina Haases „Schnupfenstuck“, der die Originalverzierung an der Villendecke spiegelgleich mit seiner Nachformung konfrontierte. Als Ersatz gibt’s von Tina Haase im zweiten Stock jetzt eine bezaubernde Puzzleteile-Skulptur.

Narben / Einschnitte: Ja: „Neu aufgestellt“ hat sich räumlich verkleinert. Aber trotzdem ist das, was am Anfang da war, zum Gutteil immer noch da. Beziehungsweise gegen anderes ausgetauscht. Deshalb: kaum Narben. Kaum Einschnitte. Außer den schon erwähnten. Und den gewollten auf Papier.

Implantate: In diesem Punkt hat die Villa Zanders alles richtig gemacht. Denn sie folgt der Standardempfehlung der plastischen Schönheitschirurgie: Aus Harmoniegründen möglichst immer zwei Implantate! So sind neben der Ständigen Sammlung nun auch die Ausstellungen „Imago – Arbeiten auf Papier“ der Düsseldorfer Bildhauerin Hede Bühl und „Leere Kisten als plastisches Thema bei Joseph Beuys“ neu beziehungsweise brandneu aufgestellt.

Und da schließt sich schönheitsplastisch der Kreis. Denn:

gez. KunstArztPraxis (13.05.2021)

^{Wie Beuys und Bühl, so ist auch „Neu aufgestellt. Neuerwerbungen, Schenkungen, Dauerleihgaben und mehr“ noch bis zum 8. August 2021 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen. Danach bekommt die Ständige Sammlung ihr nächstes neues Gesicht.}

Schönheits-OPs (1): das Kunstmuseum Bonn (KunstArztPraxis)
Schönheits-OPs (2): das Kölner Kolumba
Homepage des Kunstmuseums Villa Zanders

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Die KunstArztPraxis (11.01.2021)

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