2019 durften wir Sean Scully beim Malen über die Schulter schauen: vom ersten Strich bis zu dem Moment, in dem das Bild fertig war. Wenn wir uns recht erinnern, dauerte es keine fünf Minuten.

Scully saß auf einer schwarzen Bank in seiner Ausstellung „Vita Duplex“ im LWL-Museum für Kunst und Kultur in Münster am Smartphone und zog seine vertikalen und horizontalen Striche dank einer speziellen Software mit dem Finger über den Bildschirm. Ein paar frühere Ergebnisse hingen damals in Münster an der Wand.

Im Unterschied zu seinen tiefen Gemälden überzeugten uns diese flachen Bildschirm-Oberflächen damals nicht. Gerade die Tiefe ist es ja, die Zeit braucht bei Scully. Beim Malen, sicher, aber eben auch beim Betrachten.

Scullys tiefe Gemälde, die wir bisher nur flach von Abbildungen her kannten, verblüfften uns beim Eintauchen komplett vor Ort. Wir erinnern uns noch gut an den überwältigenden Eindruck, der uns vor einem ganz in Grau und Schwarz gehaltenen Großformat überkam. Da hatten wir zu unserem eigenen Erstaunen plötzlich doch tatsächlich Tränen in den Augen.

Bis heute wissen wir nicht, wie Scully das gemacht hat.

Kraftvolle Zartheit, poetische Trauer

Normalerweise tränen wir nicht vor Bildern. Bei aufwühlender Musik allerdings – zum Beispiel bei manchem von Nick Cave („No More Shall We Part“), oder am Ende unsrer Lieblingsoper „Dido und Aeneas“, mit Jessye Norman – hin und wieder regelmäßig.

Scullys gestisch-geometrische Bilder müssen also etwas haben, das uns unmittelbar da anpackt, wo wir am Verletzlichsten sind. Offenbar wohnt ihnen eine kraftvolle Zartheit, eine poetische Trauer oder eine berührende Nähe inne, die wir in dieser stillen Dramatik eher vom Musikalischen her kennen.

Nun läuft in der Langen Foundation gerade eine Ausstellung mit 50 Werken aus verschiedenen Schaffensphasen Scullys, die den musikalischen Aspekten in seinem Werk – der Übersetzung von Melodie und Rhythmus in Linienraster und Farbstrukturen also – gewidmet ist. Das hat uns in Neuss kuratorisch unmittelbar eingeleuchtet: Offenbar hat uns unser Gefühl damals in Münster nicht getäuscht.

Ohnehin beginnt das Musikalische beim Maler schon beim Biografischen: Scully ist als Sohn einer Sängerin in Dublin aufgewachsen, die ganzen Klischees von der Melancholie und Lebensfreude irischer Klänge wollen wir hier nicht bemühen; die Assoziationen werden eh schon sprießen.

In London und New York jedenfalls scheint Rhythm and Blues für Scully wichtig geworden zu sein. Und auch der Malprozess wird bei ihm nach eigener Aussage oft „durch Musik ausgelöst“.

Der Rhythmus der Musik des Lebens

„Die Linien in meinen Bildern sind wie Gitarrensaiten im Raum, die vibrieren und Emotionen auslösen“, sagt Scully. Letztlich gehe es ihm um einen malerischen Rhythmus, der „wie der Rhythmus der Musik des Lebens“ sei.

Die Skeptiker in uns hätten so eine Aussage früher vielleicht als rein metaphorisch belächelt. Aber wir haben es in Münster ja, wie schon erzählt, an den eigenen Leibern sehr konkret erlebt.

In der Langen Foundation haben wir nicht geweint. Vermutlich waren wir diesmal einfach zu vorbereitet und zu abgeklärt. Dabei gab es aus Gründen überwältigender Schönheit und betörender Spannung eigentlich Anlass genug. Und das Zusammenspiel von Tadao Andos spektakulärer räumlicher Leere mit Scullys spärlich gesetzten Farbakzenten hatte schon selbst etwas von der aufwühlenden Partitur einer großen Symphonie. 

Es müssen ja auch nicht immer Tränen sein. Der „Song of Colours“ war uns trotzdem ein bewegendes, in seiner Klarheit wogendes Erlebnis. Und vielleicht kommen wir mit Jessye Norman im Ohr einfach nochmal wieder? Dann lugen wir sicher auch nochmal nebenan bei Bertram Jesdinsky durch die Scheibe. (27.06.2022)

^{„Sean Scully. Song of Colours“ läuft noch bis zum 7. August 2022 in der Langen Foundation in Neuss. Und wer zufällig Urlaub in Italien macht: Da läuft im Museo d’Arte Moderna di Bologna (MAMbo) noch bis zum 9. Oktober 2022 „Sean Scully. A Wound in a Dance with Love“.} 

Langen Foundation in der KunstArztPraxis:
Alicja Kwade: In der Schwebe

Homepage der Langen Foundation

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Alicja Kwade ist eine der gefragtesten Künstlerinnen der Welt – und das, wie wir finden, völlig zu Recht. Der anschauliche Beweis findet sich für glückliche Zeitticket-Besitzer jetzt wieder in der Langen Foundation auf dem Gelände der ehemaligen NATO-Raketenstation bei Neuss.

Hier hat die 1979 in Kattowitz geborene Berliner Bildhauerin und Installationskünstlerin einen ganz eigenen Kosmos errichtet, der wundervoll mit der Architektur des Museums korrespondiert. Kunst in perfekter Schwebe.

In ihren Werken spielt Kwade mit den Möglichkeiten einer Realität, die auch eine ganz andere sein könnte. Da ist alles kurz vorm Kippen. Zurück in die alte oder eben in eine neue Wirklichkeit. Und das macht Kwade so hervorragend, dass uns beim Besuch ein ums andere Mal fast der Atem stockte.

In der Langen Foundation wird Kwades philosophischer Grundgedanke schon im Spiegelteich beim Eingang des Geländes sinnfällig gemacht: Dort hängen Steine in einem Metallgerüst, als hätten sie kein Gewicht.

Das war im Vorfeld, beim Aufbau, wie man uns sagte, ein schweißtreibender Kraftakt. Jetzt wirkt die Skulptur in ihrer austarierten Balance poetisch federleicht und schwerelos,

Von unten Schöpfung, von oben Zerfall

Die Skulptur am Eingang denkt eine Arbeit Kwades weiter, die 2019 fsechs Monate auf dem Dach des New Yorker Metropolitan Museums stand – nur, dass hier Kugeln wie Planeten in ihren stählernen Sphären schwebten. In Neuss tauchen Kugeln auf der großen Freitreppe des Museums wieder auf. Wenn man von unten kommt, scheint hier etwas Neues zu entstehen. Wer von oben hinabschreitet, sieht eher Zerfall.

Die Bewegung des Betrachters gehört bei Alicja Kwade zu diesem seltsamen Zustand der Schwebe unbedingt dazu. Ihre Skulpturen verändern sich, ja: sie entstehen erst durch den Gang des Betrachters.

Oft setzt sich dabei ein Ding mit der Realität eines anderen Dings bei jedem Schritt zu einem neuen, aus „Sein“ und „Schein“ bestehenden Objekt zusammen. (Halbdurchlässige) Spiegel spielen dabei eine große Rolle.

„Kausalkonsequenz“ hat Kwade ihre Ausstellung genannt, die rund 40 Skulpturen der letzten zehn Jahre präsentiert. Konsequent ist dabei vor allem, wie stark sich die Kausalität, also die logische Abfolge der Impressionen, erst beim Durchschreiten und Betrachten ergibt. Drinnen wie draußen.

Ein Baum ist ein Baum ist ein Stuhl

Das hat viel mit Zeit zu tun. Und mit der Veränderung von Welt – und von uns selbst – in dieser Zeit. Wer unter der fast schon bedrohlich tief pendelnden Uhr von „Die bewegte Leere des Moments“ (2015/2016) hindurchgeht, spürt das buchstäblich am eigenen Leib.

Und bei „88 Seconds“ (2017) sind verschiedene Möglichkeiten einer chronologischen Abfolge eingefroren: Wir sehen das Abbild eines silbernen Reifens in verschiedenen Stadien seines Falls. Vielleicht zeigt uns die Skulptur aber nur das, was wir beim Trudeln eines Reifens dank unserer trägen Wahrnehmung zu sehen glauben.

Ohnehin sind Kausalitäten nur durch Konventionen – oder eben durch künstlerische Freiheit – gemacht. In diesem Sinn ist ein Baum bei Kwade auch schon ein Stuhl oder ein Ast vielleicht schon ein Buch. Auch diese Kipp-Ideen von Seinszuständen präsentiert die Schau.

Und macht das auf eine so sinnliche Art und Weise, dass man sich die Installationen auch ohne großes Vorwissen in hinlänglichem Maß selbst erschließen kann. Bei zeitgenössischer Kunst ja keine Selbstverständlichkeit.

Innen und Außen verbinden

Dabei schafft Kwade Bezüge zur grandios meditativen Architektur des japanischen Pritzker-Preisträgers Tadao Ando, die ihre Werke fast so erscheinen lassen, als wären sie für die Langen Foundation geschaffen worden. Weil alles so zauberhaft zusammenpasst.

„Dieses Gebäude verbindet Außen und Innen“, sagt Alicja Kwade dem entsprechend. „Um da eine zusätzliche Qualität reinzubringen, wollte ich nicht dagegen arbeiten. Ich wollte mit diesem Flow arbeiten und der Geometrie und Bewegung dieses Raumes noch eine Inhaltlichkeit hinzufügen.“ Und das ist ihr grandios gelungen.

So archaisch die kraftvollen Arbeiten Kwades zum Teil auch wirken mögen, so sind sie doch ein Kommentar auch zur digitalen Wirklichkeit. „Die Welt bewegt sich dahin, dass man durch Informationen Materialität virtuell ersetzen kann“, sagt Kwade. „Mich interessiert, ob die Information von Etwas noch genauso viel ist, wie das Etwas selbst?“ Sprich: Ist ein Objekt mehr als das, was wir über es wissen oder an Daten sammeln können?

Wann ist ein Stein ein Stein?

Um zur Essenz der Dinge zu gelangen, lässt Kwade das Material, mit dem sie arbeitet, auch wissenschaftlich untersuchen. Was macht den Stein zum Stein? Was macht den Baum zum Baum? Hat jedes Ding seine eigene Qualität, eine Essenz? Oder ist Etwas nur Etwas, weil wir es als Etwas zu erkennen glauben, mit einem Wort benennen?

Ein wenig ist das so wie beim Surrealisten René Magritte, dessen wohl berühmtestes Bild mit dem Schriftzug „Ceci n’est pas une pipe“ Alicja Kwade in einer Arbeit von 2019 mit einem schier bis ins Unendliche gespiegelten Titel zitiert.

Bei Kwade ist es nicht einmal das Bild einer Pfeife wie bei Magritte, sondern ein Bild, das Magrittes Bild einer Pfeife imaginiert.

Die geschaffte Holzpalette

Zum eigenwilligen Schwebezustand der „Kausalkonsequenz“ gehört deshalb auch, dass man seinen Augen, seinem Wissen und den vorgefertigten Meinungen vom Seinszustand der Welt nicht trauen sollte. Denn es kann sein, dass das, was vermeintlich Rinde ist, aus Stein besteht, der nach dem Modell eines eingescannten Baums modelliert worden ist.

Und manchmal bekommen die Dinge – wie bei einer scheinbar vom Aufbau der Mammutausstellung erschöpften Holzpalette in „Used and Tired“ von  2012 – sogar eine fast schon menschliche Seele.

Eine Arbeit sei immer eine Art autonomes Wesen, die im Betrachter emotional etwas auslösen müsse, sagt Kwade: „Entweder ein Verärgern oder Anekeln oder ein Erfreuen oder ein Berühren.“ In Kwades Neusser Schau ist auf jeden Fall eher Erfreuen und Berühren angesagt.

Verbunden mit dem Angebot, die Perspektive auf die Welt zu wechseln. (08.03.2021)

_{„Alicja Kwade. Kausalkonsequenz“ ist noch bis zum 8. August 2021 in der Langen Foundation in Neuss zu sehen. Während des gelockerten Lockdowns braucht man allerdings ein Online-Ticket, um reinzukommen.}

Alicja Kwades „Kausalkonsequenz“ in der Langen Foundation
Homepage von Alicja Kwade

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Die KunstArztPraxis (11.01.2021)

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