Momentan macht das Marta Herford in mehreren Schauen das museale wie das private Sammeln zu seinem Thema. Mit „Other People Think“ ist gerade die Sammlung des Familienunternehmers Heiner Wemhöner zu Gast. Und da kann man sehr schön sehen, wie richtig sammeln geht.

Wir als KunstArztPraxis werden oft gefragt: „Hey, KunstArztPraxis, Du musst es doch wissen: Wie sammelt man Kunst eigentlich richtig?“ Das ist eine Frage, die uns immer wieder ärgert.

Deshalb beten wir jedes Mal aufs Neue unser Mantra herunter: „Hey Frager*in, das ist die falsche Frage – inklusive „eigentlich“! Die Frage müsste lauten: Wie sammle ICH Kunst richtig? Und DAS können wir Dir nun wirklich nicht sagen.“

Was wir mit dem Nicht-Sagen-Können sagen wollen: Kunst zu sammeln ist ein dezidiert individuelles Risiko. Es geht ja um Dinge, an denen man sich persönlich über Jahrzehnte nicht satt sehen soll.

Aber vielleicht gibt es doch generell ein paar Phasen, die jedes Sammlerherz durchlaufen müsste. DAS zumindest kann man vielleicht sagen.

Meistens fängt man aus Gründen irgendwann einfach an damit (Phase Eins). Dann wächst der Körper, und wenn man Glück hat, bemerkt man rechtzeitig, dass er eine Haut aus Seele braucht: Persönlichkeit. Der Körper sollte eine Richtung haben, die seine Masse zusammenhält. Sonst wird die Sammlung Brei. 

^{Ugo Rondine, „black green nun“ (2020), Marta, Herford 2025}

Das ist dann Phase Zwei. In unseren Augen die wichtigste.

Und weil man meistens mehr sammelt als man Wände hat – wir sprechen hier ja von süchtig machender Leidenschaft –, wäre irgendwann natürlich auch ein eigenes Museum eine feine Sache: ein Haus, in dem der mit Seele behäutete Körper sich wohnlich einrichten kann.

Das ist dann Phase Drei. Diese letzte dritte Phase erreichen die Wenigsten. 

Halt nein, das hätten wir ja fast vergessen!

Halt nein, das hätten wir ja fast vergessen! Es gibt noch eine vierte Phase, und das ist sicher die Königsdisziplin des Kollektiven. Man kann ja auch noch ein Museum bekommen UND ein Schaudepot – und VORHER eine Schau im Marta Herford! 

Phase Vier zündet gerade bei Heiner Wemhöner, der seine in 30 Jahren angehäuften rund 1.800 Exponate bald in den Räumlichkeiten des ehemaligen legendären Nachtclubs „Cheetah“ in der Berliner Hasenheide UND im eigenen Schaudepot in Herford zeigen wird.

Und einen Teil davon, 25 Positionen, jetzt eben, kurz vorher, auf Einladung von Marta-Direktorin Kathleen Rahn, noch in „Other People Think“.

Neben 70 zum Großteil tollen Werken zeigt die Ausstellung, wie man in Phase Zwei des Sammelns vieles richtig machen kann, mit großen wie mit kleineren Namen – vielleicht auch, weil man sich beim Sammeln nicht so wirklich drum geschert hat, was andere Leute denken (?).

^{In DIESE Fußstapfen (von Rodin) muss man erstmal treten! Asta Gröting,
„Ein Bürger von Calais / die Füße von Eustache de Saint Pierre“ (2015), Marta, Herford 2025}

In der Sammlung Wemhöner geht es um Zeit und Kommunikation in allen ihren Erscheinungsformen. Es geht um Gefühle, um Wünsche, Identität, die große künstlerische Geste. Es geht um Politik, Kapitalismus, das sinnliche Erleben. Und es geht um Humor.

Es geht also ums Menschliche, Allzumenschliche: Für eine Sammlung keine schlechte Richtung, wie wir finden. Und es geht um die Wurst.

Die Wurst besteht eigentlich aus mehreren Würstchen und tobt in Herford wie ein güldenes Pressfleisch gewordenes Rumpelstilzchen.

Sie stammt vom durch uns hoch verehrten Erwin Wurm, von dem wir anlässlich einer Ausstellung im Lehmbruck Museum in Duisburg bekanntlich mal eine Gurken-Edition initiiert  – und natürlich selbst was in der hauseigenen Praxis-Sammlung – haben. 

Für uns steht Wurms Wutwurst stilistisch zwischen dem Hausengel von Max Ernst und einem tobenden Donald Trump – äh: Duck (sorry, Donald!) von Carl Barks. Aber man kann sie im Kontext der Sammlung durchaus auch politisch zerzutzeln.*

Denn neben dieser tragischerweise unfassbar aktuellen Figur steht Wurms Miniatur-Barack-Obama, der sogar in seiner Gartenzwerg-Variante neben Komik noch Würde ausstrahlt – anders als Wladimir Putin, der bei Wurm in unseren Augen jenes kleine Großmachts-Würstchen ist, dass er nun mal ist. 

Passt also alles. Meint: Passt also alles zusammen. SO geht Sammlung mit einer zarten Eigenhaut aus Seele.

^{*Ja, klar, vielleicht FREUT sich Wurms Würstchen auch wie ein Schneekönig oder
wie die drei Chinesen von Yue Minjun ihr gleich gegenüber. Würste können ja nicht sprechen!
Es ist bei ihnen wie beim Kunstwerk: Sie müssen sich alles gefallen lassen.
Und zwar von Jedem, der über sie zerzutzelnd nachdenkt.}

Denn das müssen wir dann doch noch betonen: Man kann zwar Niemandem sagen, wie er richtig zu sammeln habe. Aber nach Phase Zwei des Sammlerherzens kann Jede*r immerhin sehen, ob es geklappt hat.

Ach ja, der Vollständigkeit halber, und weil wir gerade von Würstchen redeten: Es gibt natürlich noch einen anderen Sammler-Typen, der aber lieber von Berater*innen sammeln lässt, das ist der von uns sogenannte Investment-Sammler.

Der denkt in großen Namen und sammelt Kunst nach Sofa-Farbe oder für mit großen Namen überm Sofa zu beeindruckende Gäste seines Heims. Oder gleich fürs Zollfreilager. Dort liegt dann der Brei in seinen Kisten und verschimmelt.

Von DIESEM Sammler-Typen wollen wir hier erst gar nicht reden. SO sammelt man Kunst nämlich eigentlich komplett falsch & seelenlos. Mit einem fetten „eigentlich“. (06.07.2025)

^{„Other People Think. Eine Auswahl aus der Sammlung Wemhöner“ ist noch bis zum 24. August 2025 im Marta in Herford zu sehen. Die Schau ist Teil eines Ausstellungsstücks-Programms, das sich dezidiert mit dem Thema „Sammeln“ auseinandersetzt.}

<sup>Anmerkung: Wir haben oben irgendwo einmal geschrieben, dass man sich beim Sammeln nicht darum scheren solle, was andere Menschen denken. Das halten wir fürwahr für wahr. Alfredo Jaars Schriftzug aus der Sammlung Wemhöner, dem die Ausstellung ihren Titel verdankt, ist natürlich anders gemeint!

Er bezieht sich auf einen Vortrag von John Cage, den wir ja ebenfalls sehr verehren, deshalb strahlt er uns ganz besonders an. Aber wie könnte er gemeint sein? Wechseln Sie einfach mal die Perspektive und denken Sie drüber nach. Ihre KunstArztPraxis.</sup>

Das Marta in der KunstArztPraxis:
Topf für Tier & Trecker. „Interieur als Idee“ im Marta
Der Kreativ-Krakeeler. Luigi Colani
Als Trialog: „Das reisende Auge“ im Marta. Und bei uns!
Wie wir „Das reisende Auge“ gesehen haben. Teil 1
Wie wir „Das reisende Auge“ gesehen haben. Teil 2
Ein gut bestelltes Haus? Rodney McMillian
Die Kunst der Stanze: “Annem işçi”
Cage als Motor: “Long Gone, Still Here”
Kein Pferdefuß? Lena Henke im Marta
Mit Arnies Augen: “SHIFT” (leider Opfer der Unsichtbarkeit-Maschine)
“Das sind meine Freunde!” Annette Frick (leider Opfer der Unsichtbarkeit-Maschine)
Sei Werkzeug deiner selbst! Cinthia Marcelle (leider Opfer der Unsichtbarkeit-Maschine)
Überall “Dark Data”: Tobias Zielony
“Sichtbar Unsichtbar”: Ein Gang durchs Marta-Depot
Marta reloaded: Inventur und Vision in Herford
Reine Bildgebung (12): Wie das Marta sammelt
So geht soziale Plastik! Pedro Reyes
Neue Routen durch die Sammlung: “Marta Maps”
Reine Bildgebung (9): “Marta Maps” in Herford
Eine echte Schau: “Look!”
+++ Eil +++ Eil +++ Eil +++ Piraten entern Marta!
Katz im Marta: “Sie werden überrascht sein!”
Fotos malen? „Trügerische Bilder“

Homepage des Marta Herford

Der Beitrag Sammlung mit Seele: „Other People Think“ im Marta erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wie riecht Heimat? Können sich Gedanken auf Sessel setzen? Wo wohnten Adam & Eva? Und was hat diese Schau mit Robert Wilsons Fluch zu tun? Wir geben Antworten – und lassen hierzu bei vier Kunstwerken, die uns in „Interieur als Idee“ besonders gefallen haben, die Gedanken schweifen.

Wo man wohnt, will man zuhause sein: Das ging in der Kindheit am besten. Wenn man später in die Fremde muss, dann wohnt man plötzlich anders. Wer aber Glück hat, der nimmt das Zuhause seiner Kindheit mit. In Bildern, Geschichten, Tönen und Gerüchen.

1. Lena Henke, „Marta L. Henke“ (2023)

Lena Henke hat offensichtlich Glück gehabt – zumindest, was Bilder und Gerüche angeht.

Der Email-Topf, der jetzt in der Lippold-Galerie zum „Interieur als Idee“ gehört, ist dafür der lebende Beweis. Denn er lebt ja wirklich! Zumindest vermuten wir das: entströmt ihm doch ein Gemisch aus Pferd, Stroh und Gummi, als wäre er ein kleiner Stall für Tier & Trecker.

Ihre Kindheit in Westfalen habe so gerochen, sagt Lena Henke. Quod erat demonstrandum. 

Wir sagen es nicht ohne Stolz

Wir sagen es nicht ohne Stolz: Ohne uns hätte es Lena Henkes Stall-Topf wohl niemals nicht gegeben!

Wir haben Lena Henke nämlich 2021 für den – immerhin mit 25.000 Euro dotierten – Marta-Preis der Wemhöner-Stiftung vorgeschlagen – und Lena Henke hat ihn doch tatsächlich bekommen! Die Jury fand sie genauso toll wie wir.

Der Topf ist dann als Teil des Preises speziell fürs Marta entstanden. Die Idee, ihn mit Kindheit anzufüllen, kam der Künstlerin in der Fremde in New York. Weit weg vom westfälischen Zuhause also.

Dufte, oder?

Einige Mitarbeiter*innen des Marta haben uns allerdings sicher insgeheim verflucht, denn als der Topf zu Lena Henkes ebenfalls mit dem Marta-Preis verbundener Solo-Ausstellung vorm Entrée der Lippold-Galerie stand, da hauchte er dem gesamten Interieur des Marta seinen etwas penetranten Odem ein.

Das tat er, weil er das Flakon einer unsichtbare Geruchs-Skulptur ist, die sich den Raum griff, selbst den hohen Dom zum Stall der Kindheit machte. Ähnliches hat Napoleon mit Kirchen ja auch gemacht.

Erinnerungs-Kunst, die ihr Revier markiert: Diese Idee gefällt uns gut. Aber wir verstehen auch, dass man nicht den ganzen Tag die Kindheit anderer Leute in der Nase haben mag. Proust natürlich ausgenommen.

In seiner neuesten Wohnung, also: im INNERN der Lippold-Galerie hat sich der Topf übrigens geruchlich stark zurückgenommen. Er müsste es nicht: Die Kraft zu stärkerer Dünstung wohnt ihm unumwunden inne. Aber er lebt ja jetzt in einer WG mit Design & Kunst, die andere Geschichten erzählen will. Und die soll seinen Stallgeruch nicht allzusehr inhalieren.

Lena Henkes Kindheits-Topf hat Manieren genug, um Rücksicht zu nehmen. Er ist gut erzogen.

Man kann es aber auch symbolisch sehen: Im Grunde ist es beim Topf wie mit allen Gerüchen der Kindheit, wenn man irgendwann irgendwo anders in der Fremde wohnt: Sie verblassen. Und zwar je eher, je mehr man sich in diesem Irgendwoanders in der Fremde selbst zuhause fühlt.

Meint: Henkes Topf ist im Marta angekommen.

2. Rodney McMillian, „chair“ (2003)

Lena Henkes Pferde-Topf hat einen sehr zerzausten Nachbarn, der am Ende seines Lebens im Gnadenhof des Marta Asyl gefunden hat.

Er war noch auf der Durchreise

Als wir ihn zum ersten Mal sahen, da gehörte er noch Rodney McMillian. Er war schon genauso zerzaust, wohnte aber ungleich heller & luxuriöser, vis-à-vis vom Marta-Dom, beschützt von vier an der Mittelachse bespiegelten Heiländern.

Obwohl es natürlich nur einen geben kann, wenn uns das Wortspiel, was vielleicht noch die Wenigsten verstehen, an dieser Stelle erlaubt ist. Das ist halt eine prägende Geschichte aus UNSERER Jugend.

Egal. Damals war der Sessel auf jeden Fall noch auf der Durchreise. Jetzt gehört er, wie Lena Henkes Topf, dazu.

Als Rodney McMillian den Sessel auf der Straße auflas, da sah er schon genauso aus wie jetzt, der Künstler hat nichts an ihm verändert. Außer den Raum, der ihn umgibt. Er hat also eine neue Wohnung um den Sessel herumgebaut: Das Gesetz der Readymades. So ist er SEIN Sessel und der des Museums geworden.

Und dadurch hat sich etwas Wunderbares vollzogen! Der Sessel hat nicht nur seine Würde wiedergefunden: Er ist auch zu einem Objekt geworden, auf dem unsere Gedanken Platz nehmen können.

Bevor sie den Sessel auf die Straße setzten, haben ja Menschen mit Gesäßen und Geschichten auf ihm gesessen. Aber was für Menschen mögen das gewesen sein?

Und mit welcher „Ten Ton Catastrophe“ (Nick Cave) ihrer prekären Biografien haben sie dem armen Kerl so zugesetzt?

Das macht in unseren Augen gute Kunst

Rodney McMillian soll einmal gesagt haben, sein Sessel erfülle alle Kriterien, die Kunst haben müsse, und das finden wir – siehe eben oben – auch. Denn er ist ja selbst ein Reflexionsraum, der uns ausladend einlädt, ihn gedanklich zu bewohnen, während wir ihn in aller Ruhe betrachtend umrunden dürfen. Und das macht in unseren Augen gute Kunst. Selbst dann, wenn sie an der Wand hängt.

Wenn es also ein Werk gibt, das für uns den Ausstellungstitel „Interieur als Idee“ am Prägnantesten verwirklicht, dann ist es für uns Rodney McMillians Sessel.

3. Norbert Schwonkkowski, „Licht an“ (2010)

„Licht an“ des hoch, ach, was sagen wir: SEHR hoch verehrten Norbert Schwontkowski lieben wir besonders.

Und wir finden, dass das Marta ihm etwas Unrecht tut, wenn es im (für Besucher*innen übrigens kostenlosen) Handout viel zu prosaisch aus der – im Grunde korrekten – Beobachtung, Schwontkowskis Glühbirne hinge „verloren im Raum“ und würde „absurderweise nur die Leere um sie herum erkennen“ lassen, nicht die korrekten demiurgischen Schlüsse zieht. 

Die noch unbehauste Wohnung

Wir ziehen hiermit gerne diese Schlüsse. „Licht an“ beleuchtet eine Zeit ganz am Anfang aller biblischen Zeiten, als die Welt noch nicht mit Morgen und Gewölbe und Wasser und Trockenem und Grün und Lichtern und dem Gewimmel lebendiger Wesen möbliert war! Kurzum: „Licht an“ zeigt uns die globale Wohnung, die auf ihren Erstbezug – durch Adam & Eva– noch wartet.*

^{*Kurz darauf hat Gott Adam & Eva wegen Mundraubs fristlos gekündigt, die Geschichte ist bekannt.
Alle späteren HausHERRN wissen das: Man kann sich den perfekten Mieter leider nicht backen.}

Und so wie Gott sich in der Erschaffung seines Mieters bekanntlich zweitverwertend selbst zitiert hat, so möchten wir uns als drei seiner Ebenbilder hiermit auch zweitverwertend selbst zitieren, und zwar mit einem leicht modifizierten literarischen Text, den wir anlässlich der Ausstellung „Marta Maps“ 2022 schon mal zur Glühbirne verfasst haben. Voìla:

Und Gott sprach: Es werde Nachtlicht

Am Anfang schuf Gott Himmel und Erde. Und die Erde war wüst und leer, und Finsternis lag auf der Tiefe. Da schied Gott das Licht von der Finsternis und nannte das Licht Tag und die Finsternis Nacht.

Nun also gab es Hell und Dunkel, aber die Idee mit Sonne, Mond und Sternen war Gott noch nicht gekommen: DAS geschah ja erst am vierten Tag. Aber Gott hatte bereits gemerkt, dass für seinen sportlichen Sechstagesplan Nachtschichten dringend vonnöten wären. Das mit dem Hell und Dunkel hatte schon zu lang gedauert.

Um also selbst in der Finsternis genug Licht zum Schöpfen zu haben, erschuf Gott kurzerhand die Glühbirne: eine Innovation, die er dann, als er sah, dass alles sehr gut war, im letzten Akt vorm siebten Tag wieder rückstandsfrei entsorgte – zum Ausruhen braucht man ja bekanntlich ABSOLUTE Finsternis. Erst 1880 wurde die Glühbirne von Thomas Alva Edison (wie wir jetzt wissen: zu Unrecht!) patentiert.

Norbert Schwontkowski hat die Erde in der zweiten Schöpfungsnacht gemalt, also kurz bevor Gott im Licht seiner Birne Wasser und Boden voneinander geschieden hat. Übrigens hat Caspar David Friedrich um 1809 dieselbe Stelle gemalt, allerdings im Querformat. Und ein paar Schöpfungstage später.

Denn wie man beim Romantiker unschwer erkennen kann, hatte Gott da sogar den Mönch schon erschaffen.

P.S.: Uns geht gerade ein Licht auf! Vielleicht war ja alles ganz anders? Vielleicht war der Apfel vom Baum der Erkenntnis ja eigentlich eine vom göttlichen Firmament baumelnde glühende Birne, die Eva unter des Vermieters fassungslosem Auge aus der Fassung schraubte? Dann freilich müsste die Bibel neu geschrieben werden.

Danke, Norbert Schwontkowski.

4. Robert Wilson, „Quartett Sofa (Heiner Muller und Madame de Merteuil)“ (1987)

Auf unserer Beziehung zu Robert Wilson lastet ein Fluch, und daran tragen wir Drei von der KunstArztPraxis null Schuld – Robert Wilson aber voll. Er hat uns die Seelen geraubt, unsere Sinne verwirrt, seinen Namen in unseren Hirnen neuronal mit Amnesie verschaltet. Warum? – erklären wir später. Zunächst einmal zum Fluch.

Es muss 2018 passiert sein, da waren wir zur Pressekonferenz in Wilsons Schau „The Hat Makes The Man“ im Max Ernst Museum Brühl. Es klingt unglaublich, aber KunstArzt1 war tatsächlich der einzige Fotograf, der Wilson porträtieren durfte! Und beim Foto-Shooting führte der weltberühmte Regisseur eine noch nie zuvor – und vielleicht auch nie danach – gezeigte Performance der Leere auf, die einzig und allein UNS gewidmet war.

Selbst die Kamera kriegte sich nicht mehr richtig scharf gestellt. Und die Performance endete offensichtlich mit besagtem Fluch.

Ohne diesen Fluch können wir uns nämlich nicht erklären, warum KunstArzt1 vergessen hat, bei unserem Besuch von „Interieur als Idee“ Robert Wilsons Sofa, das ja eher eine Ottomane ist, zu fotografieren – und uns anderen Zweien das nicht aufgefallen ist! 

Deshalb haben wir, noch von unserem Besuch im Marta Depot 2022, nur ein Bild jener Kiste, in der Robert Wilsons Sofa den Großteil seines Lebens von neuerlicher Besetzung träumt wie eine vegetarische Fledermaus vom süßen Nektar im Winterschlaf.

Und eines aus der Ausstellung, auf dem es sich tarnt wie die listige Muräne vor der ahnungslosen Krake. Für uns als erklärte Sichtbar-Macher ein Desaster.

^{DAS (Pfeile) ist leider alles, was wir von Robert Wilsons Sofa zu bieten haben}

Wir können Ihnen also nur dringend anraten, sich a) auf jeden Fall Robert Wilsons hier unsichtbares Sofa in „Interieur als Idee“ im Marta Herford anzusehen und b) unserem Foto vom leeren Blick Robert Wilsons AUF KEINEN FALL! in die Augen zu schauen – nicht, dass auch mit Ihnen noch etwas Schreckliches, Verfluchendes passiert!

Zu spät? Oh je. Tut uns leid! Trotzdem: Willkommen im Club. Ihre KunstArztPraxis. (08.06.2025)

<sup>„Interieur als Idee. Werke aus der Sammlung Marta“ ist noch bis zum 29. Juni 2025 zu sehen. Danach werden als Fortsetzung Ankäufe des Museums aus den letzten Jahren gezeigt.

Lena Henkes Kochtopf darf dabei, wenn wir das recht verstanden haben, wohnen bleiben.</sup>

<sup>Anmerkung: Um ein Haar hätte unser KunstArzt2 wegen Robert Wilsons Fluch sogar vergessen, etwas über Robert Wilsons Sofa zu schreiben! Dabei müssen wir unbedingt Abbitte leisten, denn wir haben einen Kunstfehler begangen!

Bei unseren Besuch im Marta Depot 2022 dachten wir nämlich noch, das Sofa stamme aus einer Performance, die Robert Wilson mal mit einer Sängerin namens Madame de Merteuil im Museum aufgeführt hat. Seit „Interieur als Idee“ wissen wir aber, dass sein Titel „Quartett Sofa (Heiner Muller und Madame de Merteuil“ auf Wilsons Inszenierung von Müllers Theaterstück „Quartett“ verweist. Auch diesen offensichtlichen Kunstfehler verdanken wir vermutlich Robert Wilsons leerem Blick.

Das wiederum ist KunstArzt3 als Literaturwissenschaftler ziemlich peinlich, denn die durchtriebene Madame de Merteuil ist eine Figur aus dem Briefroman „Gefährliche Liebschaften“ (1782) von Pierre Choderlos de Laclos, den er für eine Seminararbeit sogar einmal mit Begeisterung gelesen hat. Egal. Jetzt jedenfalls ist das Sofa leer & lebensmüde und wartet auf seinem Sockel vergeblich auf Lust & Verführung – zumal der Sockel extra so hoch gestaltet ist, damit niemand auf die Idee kommten könnte. sich lienbestrunken in seine Arme zu schmeißen.

Armes Sofa.</sup>

Das Marta in der KunstArztPraxis:
Der Kreativ-Krakeeler. Luigi Colani
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Was zeitgenössische Kunst anging, verlebten wir Drei von der KunstArztpraxis unsere Kindheit im Tal der Ahnungslosen. Manchmal schwappte aber doch etwas davon über die verschneiten Kuppen des Lands der tausend Berge: mit dem „Sauerländischen Volksblatt“, später: der „Westfalenpost“. Oder mit dem WDR oder der „Tagesschau“.

Das hatte dann aber immer etwas mit Skandal zu tun. Und, unserer Erinnerung gemäß, mit dem Dreigestirn skandalöser Aufmüpfigkeit: Joseph Beuys, Harald Naegeli – und Luigi Colani.

Der Skandal um Joseph Beuys, das war vor allem seine Hausbesetzung der Düsseldorfer Kunstakademie, der Skandal um Harald Nägeli die spektakuläre Flucht des dann wegen Sachbeschädigung mit internationalem Haftbefehl gesuchten „Sprayers von Zürich“ ins Rheinland. 

An Luigi Colani war einfach alles ein Skandal

Luigi Colani wohnte protzig im Münsterland im SCHLOSS. Er war auf großspurige Art & Weise arrogant. Er lebte hedonistisch in Saus und Braus. Er hatte Jünger (und Affären?). Und sein Rundes, das war Waldorf.

Kurzum hatte sich Luigi Colani wie Joseph Beuys zur eigenen Marke gemacht, die medial unseren Neidmuskel zu aktivieren verstand. Nur eben nicht mit Hut und Multifunktionsjacke, sondern mit Schnurrbart, Zigarre und weißem Rollkragenpullover. 

Beziehungsweise, hier wieder ganz bei Joseph Beuys: mit seiner Signatur.

Poltern in der Eiche-Schrankwand

Wenn Luigi Colani nicht gerade mit seinen Jüngern auf einem Styropor-Floß durch den Schlossgraben seiner „Designfactory“ (Andy Warhol? Nein: Luigi Colani!) schipperte, wenn er nicht unseres Erachtens schnödweiße Wandfarbe mittels seiner Unterschrift hokuspokus in „Colani-Weiß“ verwandelte oder in irgendeiner Wüste Gobi in Geschwindigkeitsräusche verfiel:

Dann saß Luigi Colani in Talkshows und krakeelte aus den in den rustikalen Schrankwänden unserer elterlichen Wohnzimmer versenkbaren Fernsehern polternd und mit einer Zigarre oder einem Weinglas in den Händen wild gestikulierend über diese „Idioten“ (Luigi Colani) der Möbel- und Autoindustrie. 

Und weil die von ihm gescholtenen Möbelhersteller und Autoindustriellen seine Genialität partout nicht erkennen wollten, zog Luigi Colani vor laufender Kamera tödlich beleidigt & schmollend als Guru nach Japan.

Das war im Tal der Ahnungslosen so unser Bild. Und: Wir sind uns ziemlich sicher, dass das ganze Sauerland das damals genauso sah.

Bitte Abstand halten!

Auch als wir das Tal der Ahnungslosen Richtung weite Welt verließen, blieb Luigi Colani für uns der Klaus Kinski des Gestaltens.

Dann geriet er in der KunstArztPraxis sogar gänzlich in Vergessenheit.

Was aber Luigi Colani als Kreativ-Krakeeler seit den Siebzigerjahren tatsächlich Neues, Revolutionäres, selbst nach 50 Jahren immer noch erstaunlich innovativ Wirkendes mit seinen „Formen der Zukunft“ vollbracht hat, ist uns erst kürzlich im Marta Herford aufgegangen. 

Das müssen wir zu unserer Schande gestehen.

Das ist vom Menschen und den Formen der Natur her gedachtes, teils auch nachhaltiges, ressourcenschonendes, gegen den damals gängigen geraden Bauhaus-Strich gebürstetes „Bio-Design“ (Luigi Colani).

Aus einer Zeit natürlich, die im Plastik bis zur Ölkrise etwas verblendet nur die unbegrenzten Möglichkeiten sah.*

^{*Im Zuge der Ölkrise schwenkte Luigi Colani dann
aber ohnehin um zum Holz.}

Dass Luigi Colani eine Ausbildung als Bildhauer und als Aerodynamiker in Personalunion genoss: Beides sieht man seinen Entwürfen und Produkten an. Es sind nämlich Formen, die ihrer Funktion im Alltag folgen sollen – und trotzdem das Zeug haben zur Skulptur.

Dass Luigi Colani zudem soziale Ideen hatte, die das menschliche Zusammenleben vom Tiny House bis hin zu einer – als Körper durchgestylten – Wissenschaftsstadt samt „grüner Lunge“ und Verkehrs-Adern überspannten, dass er die Gesellschaft mit Dein offenbar verändern wollte:

Das verbindet ihn mit den urbanen Visionären der Moderne ebenso wie mit einem Akademiebesetzer wie Joseph Beuys. 

Dass Luigi Colanis ergonomische Skulpturen in Form von Möbeln nachhaltig mit Kindern mitwuchsen, dass sie als Autos teils auf Elektromotoren fußten oder Geschwindigkeits- ebenso wie Spritspar-Rekorde brachen – und dass die Möbelhersteller und Autoindustriellen dieser Erde dies so arrogant ignorierten (übrigens: ebenso wie die idiotischen Politiker, die sich um geringere Mineralölsteuer-Einnahmen wegen stromlinienförmiger Lkw Sorgen machten):

Dass all dies Luigi Colani zur Weißglut brachte, das können wir inzwischen gut verstehen. Und dass er als Prophet deshalb aus dem eigenen Lande zum Berg – vulgo: zum Fuji – ging, inzwischen auch.

Im Grunde arbeitete Luigi Colani ja auch gar nicht an Produkten: Luigi Colani arbeitete an einem aus Produkten bestehenden Gesamtkunstwerk. Luigi Colani wollte eine perfekte Umwelt für die Menschheit erschaffen, eine zweite, neue, lebenswertere Erde aus Kunststoff, Holz, Keramik.

Und zwar ganz bodenständig auf der guten alten Erde selbst. Terraforming zuhause – und nicht, wie all die rechtspopulistischen aktuellen Visionäre mit ihren vollgestopften Hosen, auf dem Mars. 

Er hätte sie mit seinem Rauch signiert

Ach ja: Wenn Luigi Colani das Gesamtkunstwerk gelungen wäre, und wenn all die Autoindustriellen und Möbelhersteller und Politiker sich geweigert hätten, Idioten zu sein: Dann hätte Luigi Colani diese seine zweite Erde mit dem Rauch seiner Zigarre im Himmel qua seiner wolkigen, nein, besser: kondenzstreifigen Unterschrift großflächigst signiert.

Daumen hoch für Weißburgunder?

Rund 200 Design-Objekte, Zeichnungen, Fotos und Dokumente von Luigi Colani trägt die Schau in Herford zusammen.* Bis heute scheinen uns einige davon dann doch allzu verwegen, vielleicht auch etwas protzig.

Wir müssen unsere Daumen nicht in ein ergonomisch neu geblasenes Weinglas stecken, um unseren Weißburgunder noch vollmundiger im Abgang zu genießen – uns reicht die Jahrtausende alte, bewährte, klassische Variante.

Und in die rollende Männer-Phantasie „Pierce Arrow“, deren einziger Prototyp ebenfalls in Herford zu sehen ist, wären wir vielleicht erst gar nicht eingestiegen. 

^{*uns fehlte eigentlich nur der von Prince gekaufte „Pegasus“-Flügel.}

Aber dass Luigi Colani sogar über so etwas jahrhundertealt Bewährtes nachgedacht hat wie Weingläser, dass er alles schon einmal Gestaltete infrage stellte, umgestalten, verbessern wollte, das imponiert uns schon.

Wie gesagt haben wir dies alles erst in Herford begriffen. Aber für Luigi Colanis „Formen der Zukunft“ ist das ja noch nicht zu spät. (19.01.2025)

^{„Luigi Colani. Formen der Zukunft“ ist noch bis zum 23. März 2025 im Museum Marta Herford zu sehen. Parallel dazu läuft, diesmal ebenfalls in den Gehry-Galerien, die Schau zum 11. RecyclingDesignpreis, die wie eine Fortsetzung der Colani-Ausstellung angelegt ist: ein ebenso simpler wie großartiger Einfall. Chapeau.}

^{Anmerkung: Wir sollen schön grüßen von KunstArzt1! Und noch etwas sagen, nämlich: 1986 designte Luigi Colani die Spiegelreflexkamera Canon T90 – unser erster KunstArzt hatte damals selber ein Exemplar davon. Dass diese T90 das Kamera-Design in seiner Haptik bis heute nachhaltig revolutionierte, dass sich die meisten Kameras daran orientieren – das kann nun wirklich niemand mehr bestreiten. Nichtmals im Tal der Ahnungslosen.}

Das Marta in der KunstArztPraxis:
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+++ Eil +++ Eil +++ Eil +++ Piraten entern Marta!
Katz im Marta: “Sie werden überrascht sein!”
Fotos malen? Trügerische Bilder im Marta

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Zumindest zu acht von zwölf Teilen unserer Collagen, bei denen wir zu den in Herford versammelten Fotos von Gabriele Münter und Kathrin Sonntag eigene Fotos beigesteuert haben – zu allen zwölf war uns zu viel.

Gestern haben wir die ersten vier Trialoge erläutert, heute die letzten.

Und nun, wohlan, Teil 2:

Kathrin Sonntags witzige Doppelbödigkeit finden wir bewundernswert. Beim obigen Bild-Paar in Herford war aber nicht der Witz der Vater des Gehängten. Offenbar wollte Sonntag mit ihrem Foto (links) den Fokus unter anderem darauf lenken, dass Gabriele Münter wie bei ihrem Foto vom Ausleger eines Schiffs auf dem Mississippi bei St. Louis schon lange vor ihrer Karriere als Expressionistin kompositorisch sehen konnte: und dies sowohl In Bezug auf schließende als auch auf öffnende Bild-Elemente.

Für uns – und nicht nur für uns! – ist dieses Bild-Paar das schönste & stimmungsvollste der ganzen Ausstellung, und man wird ja wohl auch mal ganz ohne Witz und doppelten Boden einfach nur schön & und stimmungsvoll sein dürfen. Oder?

Deshalb haben wir dem Bild-Paar von Herford in unserer KunstArztPraxis das schönste & stimmungsvollste Fensterbild beiseit‘ gestellt, das wir in unseren gesamten drei KunstArzt-Leben je gemacht haben. Das Schließende und das Öffnende hat es auch. Und dann gibt es – neben Sonntags Fenster – sogar noch Münters Wasser. In letzterem Fall: nicht den Mississippi, sondern die kroatische Adria.

Bei uns verdanken sich die beiden Elemente – also das Kompositorische und das Sichtbare – einem Lost Place im süddalmatinischen Krvavica. Die Fenster gehören zu einem Monumentalbau im sozialistischen Prunkstil, der einmal ein Lungensanatorium für Kinder und Jugendliche von Militärangehörigen war und nun direkt am Strand, wo der Tourismus boomt, verrottet. Architektonisch ein Meisterwerk, Chapeau. Und keinen kümmert’s.

Wie über Lourdes, so hat KunstArzt1 auch darüber mal ein Foto-Buch gemacht. Gibt’s unten als kostenloses pdf. 

^{Wie oben versprochen: Unser Fotobuch über Krvavica gibt’s hier als kostenloses pdf.}

Was für Gabriele Münter bei ihrer Rundreise durch Amerika die damals schon hunderttausendfach verkaufte Touristenkamera Kodak Bull’s Eye No. 2 war, das war für uns in der Jugend der damalige Millionenseller Canon AE-1. Mit dieser Spiegelreflex-Kamera im Gepäck zogen wir mehrmals durch das schon lange vor dem Krieg zerrissene Jugoslawien. Sinnbild dieser Zerrissenheit war für uns der riesige Mirogoj-Friedhof auf Zagrebs Hausberg Medvednica: kommunistische Sterne auf katholischen Gräbern.

1991 zündete der von Serben dominierte jugoslawische Militärgeheimdienst KOS auf dem Mirogoj unter falscher Flagge in der Nähe jüdischer Mausoleen zwei Bomben. Die „Operation Labrador“ sollte die Mär vom neo-faschistischen Staat Kroatien in der Weltöffentlichkeit verankern. Zu dieser Zeit waren wir gerade wieder dort. 

Die kurz danach von uns Nostalgikern mit der da schon veralteten AE-1 unserer Jugend geknipste Flora auf dem Mirogoj-Friedhof von Zagreb wurde bei dem Attentat des KOS beschädigt. Aber die Hand auf der Brust über dem gebrochenen Herzen konnten die Agenten der Göttin nicht nehmen. Wobei: Vielleicht ist es ja auch die Hand von jemand ganz Anderem?

Mit unserem Bild jedenfalls wollen wir der komplett handlosen Skulptur Kathrin Sonntags zumindest EINE Hand zurückgeben. Zudem soll es korrespondieren mit dem schönen Kleid auf Münters Foto von Mrs. Allen aus Marshall, Texas.

Und dann wollen wir auch noch zwei Dinge verbinden, die uns in der Ausstellung besonders gut gefallen haben: und zwar den heiligen Ernst von Münters Verwandtschaft, der der Fotografie des 19. Jahrhunderts als Zauber allgemein noch innewohnt – heutzutage stülpt sich ja Jede*r vorm Klicken auf Knopfdruck die Lach-Maske über – mit Kathrin Sonntags Humor.

Unser Lieblings-Foto von Gabriele Münter war in Teil 1 Thema, aber natürlich haben wir auch ein Lieblings-Foto von Kathrin Sonntag. Und weil wir alle Drei ja Freunde einer Kunst sind, die Nähmaschinen und Regenschirme auf einem Seziertisch zusammendenkt, haben wir uns vor Ort intuitiv sofort für Sonntags Birkenhose mit ihrem Feigenblatt (siehe Teil 1) erwärmt. Was soll man sagen? Es war Liebe auf den ersten Blick.

An Gabriele Münters Foto in diesem Arrangement können wir uns offen gestanden gar nicht mehr so recht erinnern, aber es scheint uns eines von den wenigen ihrer Landschafts-Fotos zu sein, die wir eher langweilig finden. Aus den meisten anderen spricht ja schon ein Blick, der das Expressionistische der amerikanischen Ödnis erkennt. Siehe auch hierzu: Teil 1. 

Bei unserem trialogischen Zugabe haben wir uns für ein Foto von Robert Bartas steifen Jeans-Hosen entschieden, die im Marta 2022 mal in den Himmel wuchsen. Auf diese Weise wollen wir eine Brücke schlagen: von der Textil-Stadt Herford, der Münters Vater entstammte, ins Land der Baumwolle: namentlich zu den von den Cowboys als „eingezäunte Erdwühler“ (O-Ton Münter) verspotteten Pflanzern in Marshall, Texas, bei denen Gabriele Münter mit ihrer Schwester 1899 für viele Monate unterkam. 

Und von Sonntags ebenfalls rein pflanzlicher Birkenhose wieder hinüber zur Kultur besagter Cowboys in der Neuen Welt. Denn „unter Cowboys“ (O-Ton Münter) hatten die Schwestern auch ein halbes Jahr gelebt – im erst zwölf Jahre zuvor gegründeten Plainview (!) mit seiner einen Straße inmitten der Prärie, wo auch unser Lieblings-Münter-Foto (siehe Teil 1) entstand.

Brücken über Brücken.

Über den Schutz des Menschlichen, Allzumenschlichen durch Kleidung, Plastik oder Feigenblätter haben wir ja ebenfalls gestern in Teil 1 unserer kleinen Trialog-Erklär-Serie herumphilosophiert. Wie man in Herford – und auch in unserer Serie –sehen kann, hat Kathrin Sonntag das Thema „schützendes Plastik“ mindestens zwei Mal nicht losgelassen.

Wir sparen uns jetzt das beide Künstlerinnen in Herford verbindende Wortspiel mit dem Sonntagsstaat, aber es ist ja richtig: Auch zwei Sonntagsstaaten wie die, die sich das anonyme Paar aus Moorefield, Arkansas, zur Jahrhundertwende vermutlich extra für Gabriele Münters Foto übergezogen hat, brauchen ihrerseits Schutz und Pflege. Und die bietet heutzutage zum Glück nicht mehr der „Negersklave“ (O-Ton Münter) der Verwandtschaft, sondern, wie von Katrin Sonntags modernerem Pärchen vor Augen geführt, die chemische Reinigung.

In diesem Sinn ist unsere fotografische Zugabe ein verborgenes visuelles Wort- beziehungsweise Bildspiel. Denn das, was vor unseren Augen mitten in Wien in einer Kirchentür verschwand, war ein Wesen, das neben seinen vier Beinen und zwei Händen aus purem Sonntagsstaat bestand, der gerade aus der chemischen Reinigung gekommen war.

Ach, was sagen wir: Wenn wir die Kleiderbügel richtig abgezählt haben, bestand das Wesen ja sogar aus SECHS Sonntagsstaaten, und zwar aus ECHTEN! Also aus solchen, die sich die Diener Gottes am siebten Tage, da ihr HErr ruhte, zur Messe überziehen, um die vor ihnen in eher profanen Sonntagsstaaten knieenden Gläubigen einer – im Grunde natürlich auch rein chemischen! – Seelenreinigung zu unterziehen.

Oder um Paare wie das in Moorefield, Arkansas, vor Gott zu trauen. Aber das nur nebenbei.

<sup>Anmerkung: Irgendwo haben wir einmal gelesen, Münter habe in Amerika bestimmte Szenen in ihrem Ablauf hintereinander weggeknipst, um in der Serie eine Art filmischer Abfolge zu suggerieren. Keine Ahnung, ob das so stimmt, aber wir haben trotzdem versucht, dies oben nachzumachen: Kathrin Sonntag hat uns drauf gebracht. In unserem Trialog verschwindet das Menschenpaar deshalb immer mehr hinter der am Ende komplett dominanten Kleidung.

Fanden wir irgendwie ganz witzig. Und haben es deshalb bei DIESEM Trialog gleich nochmal gemacht:</sup>

(01.09.2024)

^{„Kathrin Sonntag und Gabriele Münter. Das reisende Auge“ läuft noch bis zum 12. Januar 2025 im Museum Marta in Herford. Und hier nochmal die letzten drei unbeworteten Bilder unseres Trialogs mit Gabriele Münter und Kathrin Sonntag, zu denen sich natürlich auch noch so EINIGES sagen ließe:}

Für reinen Bildgenuss: Als Trialog: „Das reisende Auge“ im Marta Herford – und bei uns

Das Marta in der KunstArztPraxis:
Ein gut bestelltes Haus? Rodney McMillian im Marta
Die Kunst der Stanze: “Annem işçi” im Marta
Cage als Motor: “Long Gone, Still Here” im Marta Herford
Kein Pferdefuß? Lena Henke im Marta
Mit Arnies Augen: “SHIFT” im Marta Herford
“Das sind meine Freunde!” Annette Frick im Marta
Sei Werkzeug deiner selbst! Cinthia Marcelle im Marta
Überall “Dark Data”: Tobias Zielony im Marta Herford
“Sichtbar Unsichtbar”: Ein Gang durchs Marta-Depot
Marta reloaded: Inventur und Vision in Herford
Reine Bildgebung (12): Wie das Marta sammelt
So geht soziale Plastik! Pedro Reyes im Marta
Neue Routen durch die Sammlung: “Marta Maps”
Reine Bildgebung (9): “Marta Maps” in Herford
Eine echte Schau: “Look!” im Marta Herford
+++ Eil +++ Eil +++ Eil +++ Piraten entern Marta!
Katz im Marta: “Sie werden überrascht sein!”
Fotos malen? Trügerische Bilder im Marta

Homepage des Marta Herford

Der Beitrag Wie wir „Das reisende Auge“ gesehen haben. Teil 2 erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Zumindest zu acht von zwölf unserer Collagen, bei denen wir zu den in Herford versammelten Fotos von Gabriele Münter und Kathrin Sonntag eigene Fotos beigesteuert haben – zu allen zwölf war uns zu viel. Heute gibts die ersten vier Teile, morgen dann die letzten.

Nur dies schnell noch vorab als Vorgeschichte:

Zur Jahrhundertwende bereiste die 21-jährige Gabriele Münter mit ihrer Schwester Emmy zwei Jahre lang Amerika, um ihre weit verstreute Verwandtschaft zu besuchen. Dabei mussten die Geschwister teilweise tagelang mit der Pferdekutsche durch unwegsames Gelände fahren, denn die Erschließung des Landes durch die Eisenbahn steckte noch in der Kinderschuhen. 

Eigentlich hatte Gabriele Münter sich vorgenommen, ihre Verwandtschaft zu zeichnen: Sie hatte mehrere Skizzenblöcke im Gepäck. Aber dann schenkte ihr jemand (wer, ist unklar) eine Kodak Bull’s Eye No. 2: die erste Kamera, bei der man den Rollfilm bequem eigenhändig wechseln konnte. Da stieg sie um.

Für die Ausstellung in Herford hat Kathrin Sonntag eine Auswahl von Münters insgesamt rund 400 Fotografien aufgrund ihrer Ideen & Assoziationen mit eigenen Bildern kombiniert. Auf diesen Dialog reagierten dann wir. Mehr muss man als Vorgeschichte für alles Weitere nicht wissen.

Und nun, wohlan, Teil 1:

In Plainview, Texas, fotografierte Gabriele Münter mit der Kamera vor der Brust das Haus auf dem kleinen Bild, auf die Rückseite schrieb sie „Home sweet home at aunt Annie’s“. Dieses Foto ist unserer Meinung nach Münters bestes. Seine karge Trostlosigkeit war für uns vor Ort in Herford ein Schock.

In unseren Augen wollte Münter in Plainview (!) einen Siedlergeist fixieren, der seinen Claim in der verzweifelten Hoffnung absteckt, dort irgendwie zu überleben: selbst im Nirwana. Den Türhöhlen dieser stürzenden Fassade ist aus dieser Brust-Perspektive das Ende schon mit eingeschrieben. Daran ändern auch die traurigen, auf die fehlende Veranda getragenen Stühle nichts, auf die Kathrin Sonntag – ebenso wie auf die drei Öffnungen des Hauses – mit ihrem Foto reagiert.

Uns hat verblüfft, dass die Architektur in den USA wie auch die Landschaft zu Münters Zeiten teils offenbar genauso reduziert und abstrahiert war, wie Münter sie in Murnau später malte. In den USA hat sie die Linien und Flächen des Expressionismus bereits in der Wirklichkeit gesehen. Münters Expressionismus ist amerikanisch! Davon sind wir seit „Das reisende Auge“ überzeugt.

Unser umgekipptes Tiny House für einen Single hat ungefähr die Größe der süßen Heims von Münters Tante Annie (nebst Familie). Vor Jahren lag es unter einer Autobahnbrücke im Ruhrgebiet. Es könnte beim Transport vom Lkw gefallen sein, oder eine Naturkatastrophe unbekannten Ausmaßes hatte es dorthin geschwenmt. Wir wissen es nicht.

Auf jeden Fall bretterte die Zivilisation inzwischen rücksichtslos über dieses Tiny House hinweg. Es gab ja nichts mehr zu besiedeln, der Mensch hatte die Welt bereits komplett versiegelt. Seine Pionierzeit war zu Ende, der Siedlergeist perdu. So jedenfalls haben wir uns das damals ausgemalt. (Und auf die Drei in Münters stürzender Fassade und auf Sonntags Foto reagieren wir natürlich trialogisch auch.)

Für uns ist übrigens auch Kathrin Sonntags Haus umgekippt: Das Dach ist unten, der Boden oben. So jedenfalls ist uns das in Herford erschienen. Sonst hätten wir uns an unser Foto von damals gar nicht mehr erinnert.

In den USA entwickelte Gabriele Münter offenbar ein gewisses Faible für Gerichte: Unter ihren 400 Fotos zeigen ein Prozent ausschließlich Justizgebäude. Sie waren ihr so wichtig, dass sie alle vier Aufnahmen in ein später von ihr gestaltetes Foto-Album integrierte. 

Münters noch bis zum 12. Januar 2025 in Herford dauerbrennendem Haus fehlen zwar die typischen Insignien an der Fassade, aber wir stellen uns trotzdem vor, dass hier die augenbindenblinde Justitia mit ihrer Waage wohnte. Und wo wir schon bei Symbolen sind: Von uns & heute aus betrachtet brennt hier nicht nur das Gebäude. Es brennt das gesamte US-Rechtssystem.

Kathrin Sonntag interessierte offenbar vor allem das Verwischte, das der Rauch auf Münters Bild erzeugt: Bei ihr ist daraus so ein Fensterputz-Verwischtes geworden. Das interessierte uns natürlich auch, aber wir wollen mit UNSEREM Verwischten dem brennenden Haus des Rechtssystems Gutes tun. Wo Gefahr ist, wischt ja bekanntlich das Rettende auch.

Deshalb spenden wir dem Bau auf Münters Bild mit unserem Foto Wasser aus den Plitvicer Seen. Dessen natürliche Kaskaden haben eine derartige, das Verwischte selbst bei normaler Verschlusszeit der Kamera erzeugende Kraft, dass sie jedes Feuer zu löschen imstande wären. Selbst wenn die Demokratie in den USA oder anderswo in Flammen stünde.

^{Anmerkung: Wir möchten auch kurz darauf verweisen, dass Münter 1898 tatsächlich auch nach Buffalo reiste, um sich die Niagarafälle anzuschauen. Das Erlebnis scheint aber eher ein Rheinfall gewesen zu sein: Von der dortigen Wasserkraft war sie klar weniger beeindruckt als wir von der Kroatiens.}

Der Schatten des Körpers des Fotografen begegnete uns als Gestaltungsmerkmal erstmals & gleich doppelt ausgerechnet in der Straßenfotografie der USA, namentlich bei Garry Winogrand & Lee Friedlander: in unseren Augen zwei ganz Große ihres Fachs.

Aber es gab ihn schon bei Gabriele Münter, in St. Louis, zur Jahrhundertwende! Das haben wir erst in Herford erfahren. Und Kathrin Sonntag hat es offensichtlich schon vor uns gewusst.

Bei Winogrand & Friedlander fällt ihr Schatten auf die in kurzer Distanz fotografierten Passanten in den New Yorker Häuserschluchten: DIESE Schatten waren oft unumgänglich. Bewusst war hier vor allem die Entscheidung, die Fotos nicht auszusortieren. Zumindest zum Teil.

Münter aber hätte für ihr Foto am Horseshoe Lake alle Zeit der Welt gehabt, um ihren eigenen Schatten – wie bis heute bei Knipsereien Usus – kompositorisch zu vermeiden. Hat sie aber nicht. Im Gegenteil! Und war damit Winogrand & Friedlander – zumindest zum Teil – meilenweit voraus.

Auf unserer trialogisch hinzugefügten Aufnahme mit der Polaroid, die, wie Alle wissen, ein Fixfokus-Objektiv wie Münters Kodak Bull’s Eye besitzt, geht der Schatten des Körpers des Fotografen im Schatten des Körpers des Eiffelturms unter: ein in der Straßenfotografie bisher unbekanntes stilistisches Mittel, auf das wir zu recht stolz sind.

Denn: Der Schatten des Körpers des Fotografen ist im Schatten des Körpers des Eiffelturms ja da! Auf irgendeinem Haus da unten muss er liegen.

^{Anmerkung: Wir würden jetzt gern noch behaupten, wir hätten Wolfdietrich Schnurres großartigen Roman „Der Schattenfotograf“ von 1978 im Gepäck gehabt, als wir den Eiffelturm erklommen. Aber das wäre ein objektiver Zufall, den wir erfunden hätten. Und sowas tun wir nicht. Lieber verstecken wir in unseren Texten literarische Anspielungen, dem versteckten Schatten des Körpers des Fotografen im Schatten des Körpers des Eiffelturms nicht unähnlich! Na, findet Ihr sie?}

2023 waren wir für ein paar Stunden in Lourdes. Über das illuminierte Spektakel für gut betuchte Gläubige hat KunstArzt1 ein Fotobuch gemacht (unten gibt’s die pdf), und das „gut betucht“ meinen wir in diesem Fall auch wörtlich: Es goss nämlich in Strömen.

Irgendwann stießen wir am Wegesrand auf einen Schirm, mit dem ein Pilger sich Michelangelos Sixtinische Kapelle aus Rom zur französischen Madonna mitgenommen hatte: als eine Art beschützenden Baldachin gegen die meteorologischen Gefahren des Himmels, zum Beispiel während einer der von der Marien-Erscheinung damals eingeforderten Lichterprozessionen.

Umsonst: Der Wind, der Wind, das himmlische Kind hatte den Schirm in die Bäume geweht. Das Licht dieser Prozessionskerze ist wohl verloschen.

Uns gefiel besonders, dass der Wind den Schirm in die lourdinischen Feigenbäume wehte, denn die nachträgliche Übermalung von Geschlechtsteilen zum Beispiel mit Feigenblättern zum Schutz von Auge und Phantasie war nicht nur zu Michelangelos Zeiten en vogue, sondern betraf ganz konkret auch sein kurz nach der Enthüllung vom „Hosenmaler“ Daniele da Volterra tatsächlich übermaltes „Jüngstes Gericht“ in der Sixtinischen Kapelle. 

Man kann sich ja mit Schirmen, Plastikhüllen oder Feigenblättern vor Vielem schützen: Vor der Sonne wie die impressionistische Dame von Gabriele Münter am Mississippi, vorm Regen wie die Gläubigen in Lourdes – und vor den höllischen Versuchungen nackter Männlichkeit wie bei Kathrin Sonntags auf ihrem Gartentor-Sockel trohnender David-Kopie. Nur vor Kitsch & Kommerz schützt offenbar nichtmals die Ablass gewährende Religion.

Beim himmlischen Wind von Lourdes jedenfalls scheint es sich um einen göttlichen Wind gehandelt haben, und damit beim Schirm im Feigenbaum um eine Art symbolisches Gottesurteil. Wir geben deshalb hiermit an Papst Franziskus weiter, dass der Himmel damit einverstanden ist, dass der Vatikan die Schamarbeit des Hosenmalers Daniele da Volterra bei der Restaurierung des „Jüngsten Gerichts“ Ende des 20. Jahrhunderts gegen alle Notwendigkeit beibehalten hat.

Bitteschön. Dankeschön. Ihre KunstArztPraxis

^{Anmerkung: Dass die Kopie von Michelangelos David im Victoria and Albert Museum auf royale Beschwerde hin auch ein beschirmendes Feigenblatt aus Gips erhielt, und dass bis heute Mini-Davids mit Feigenblatt in Umlauf sind, sei hiermit nur am Rande erwähnt. Vielleicht hat ja auch Kathrin Sonntags zellophanverpackter David eines? Dann schlösse sich der trialogische Kreis abermals.}

^{Ach ja: Das Fotobuch von Lourdes gibt’s hier kostenlos als pdf.}

(31.08.2024)

^{„Kathrin Sonntag und Gabriele Münter. Das reisende Auge“ läuft noch bis zum 12. Januar 2025 im Museum Marta in Herford. Und SO sieht die prächtige Präsentation tatsächlich aus:}

Für reinen Bildgenuss: Als Trialog: „Das reisende Auge“ im Marta Herford – und bei uns

Das Marta in der KunstArztPraxis:
Ein gut bestelltes Haus? Rodney McMillian im Marta
Die Kunst der Stanze: “Annem işçi” im Marta
Cage als Motor: “Long Gone, Still Here” im Marta Herford
Kein Pferdefuß? Lena Henke im Marta
Mit Arnies Augen: “SHIFT” im Marta Herford
“Das sind meine Freunde!” Annette Frick im Marta
Sei Werkzeug deiner selbst! Cinthia Marcelle im Marta
Überall “Dark Data”: Tobias Zielony im Marta Herford
“Sichtbar Unsichtbar”: Ein Gang durchs Marta-Depot
Marta reloaded: Inventur und Vision in Herford
Reine Bildgebung (12): Wie das Marta sammelt
So geht soziale Plastik! Pedro Reyes im Marta
Neue Routen durch die Sammlung: “Marta Maps”
Reine Bildgebung (9): “Marta Maps” in Herford
Eine echte Schau: “Look!” im Marta Herford
+++ Eil +++ Eil +++ Eil +++ Piraten entern Marta!
Katz im Marta: “Sie werden überrascht sein!”
Fotos malen? Trügerische Bilder im Marta

Homepage des Marta Herford

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Auf diese Weise wollen wir mit zugefügten Fotos unserer eigenen Reisen nach Wien, Paris, Brühl, Zagreb, Lourdes, Rom, Duisburg, Baška Voda – und ins Marta Herford! – illustrieren, was uns in der Ausstellung aufgefallen ist. Was uns besonders gut gefallen hat. 

Es ist der Versuch einer neuen Art visueller Kunstkritik mit künstlerischen Mitteln. Wir können ja nicht ewig über Dinge schreiben, über die man seit Ewigkeiten eigentlich nicht schreiben kann.

Erstmal also ohne Worte, sprich: zum schauenden Selberdenken. Vielleicht später nochmal mit.*

^{*Können wir aber nicht versprechen!}

(23.06.2024)

^{„Kathrin Sonntag und Gabriele Münter. Das reisende Auge“ läuft noch bis zum 12. Januar 2025 im Museum Marta in Herford. Ach ja: So sieht die wunderbare Präsentation tatsächlich aus:}

Das Marta in der KunstArztPraxis:
Ein gut bestelltes Haus? Rodney McMillian im Marta
Die Kunst der Stanze: “Annem işçi” im Marta
Cage als Motor: “Long Gone, Still Here” im Marta Herford
Kein Pferdefuß? Lena Henke im Marta
Mit Arnies Augen: “SHIFT” im Marta Herford
“Das sind meine Freunde!” Annette Frick im Marta
Sei Werkzeug deiner selbst! Cinthia Marcelle im Marta
Überall “Dark Data”: Tobias Zielony im Marta Herford
“Sichtbar Unsichtbar”: Ein Gang durchs Marta-Depot
Marta reloaded: Inventur und Vision in Herford
Reine Bildgebung (12): Wie das Marta sammelt
So geht soziale Plastik! Pedro Reyes im Marta
Neue Routen durch die Sammlung: “Marta Maps”
Reine Bildgebung (9): “Marta Maps” in Herford
Eine echte Schau: “Look!” im Marta Herford
+++ Eil +++ Eil +++ Eil +++ Piraten entern Marta!
Katz im Marta: “Sie werden überrascht sein!”
Fotos malen? Trügerische Bilder im Marta

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Der Beitrag Als Trialog: „Das reisende Auge“ im Marta. Und bei uns! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Vor kurzen haben wir darüber berichtet, dass wir Drei von der KunstArztPraxis erstaunlich ähnliche Ritualen fröhnen. Dazu gehört unbedingt, dass wir zunächst in die Bücherregale und auf die Kunst an den Wänden schauen, wenn wir das Haus von neuen Freunden oder entfernten Bekannten zum ersten Mal betreten. 

Da lässt sich psychologisch zumeist schon sehr viel erfahren. Auch für den Smalltalk.

Für uns ist auch Rodney McMillian so eine Art entfernter Bekannter. Wir wissen nämlich nicht viel von ihm – außer vielleicht, dass er in Los Angeles lebt, eine Professur für Bildhauerei bekleidet, in seinem Werk Produkte der amerikanischen Konsumkultur recycelt und sich sozialkritisch mit dem Leben in den USA auseinandersetzt.

Bewusst wahrgenommen hatten wir vor Herford auch noch nichts von ihm. Kein Wunder: „The Land: Not Without a Politic“ im Marta ist McMillians erste Überblicksschau in Europa.

Deshalb betrachten wir „The Land: Not Without a Politic“ einfach einmal wie ein an die Museumswände auseinander gefaltetes Haus, in dem, sagen wir mal: zwei Parteien leben. Und das wir in freundlicher Erwartung mit einer Flasche Wein und einem Strauß Blumen für unsere Gastgeber im Folgenden zum ersten Mal betreten.

Wir sind schon sehr gespannt, was uns die Kunst an den Wänden und die Bücher in den Regalen und das ganze Interieur über die Bewohner*innen verraten.

Wo steht Rodney McMillians Haus?

Von Ausstellungsanfang an ist klar: Rodney McMillians Haus steht in den USA, irgendwo zwischen New York und den Südstaaten.

Die Südstaaten erkennen wir in den windschiefen Antebellum-Säulen am Horizont, New York an den Türmen, von denen zwei keifende Paviane Besitz ergriffen haben wie im „Planet der Affen“ besagte Affen von der versklavten Gattung Homo. 

Das müssen die berühmten Twin Tower des World Trade Center sein, auch wenn sie in Herford etwas weit auseinander stehen – und irgendwie aus der Zeit gefallen sind:

Denn sie stehen ja noch, obwohl die mit turbokapitalistischer Geschwindigkeit gescheiterte Menschheit die Krone der Schöpfung offensichtlich bereits an die Primaten abgegeben hat.

^{Rodney McMillian, „Untitled (baboons)“, 2006, Marta Herford, 2024}

Egal. Wir wollen uns nicht von geografischen Augenwischereien aus dem Konzept bringen lassen, schließlich sind wir eingeladen! Also gehen wir die gewundene Straße weiter übers graue Feld bis zum Haus.

Dann stehen wir plötzlich vor der Fassade. Sie ist seltsam gewölbt wie die Architektur des Himmels über ihr, aber in sich auch rechtwinklig strukturiert wie die New Yorker Streets & Avenues.

Es gibt eine kleine Veranda, die uns wieder die Südstaaten ins Gedächtnis ruft: allerdings ohne den in unserer kinematographischen Erinnerung gleich mitgedachten Schaukelstuhl, in dem immer ein schon älterer Afroamerikaner schaukelt und jedem Fremden misstrauisch entgegenblickt. Ach ja: Die patriotische Flagge im Vorgarten fehlt ebenfalls.

„In diesem Haus sollen zwei Parteien wohnen?“, denken wir noch. „Es wirkt so klein!“ Egal. Wir klingeln.

Erstaunlicherweise wirkt das Haus von drinnen viel größer als von draußen: einen Effekt, den wir sonst nur aus US-amerikanischen Comic-Filmen mit Mäusen oder Enten kennen. Und zum Interieur gehören dann doch noch Flaggen.

Wobei DIESE unbesternten Flaggen hier unpatriotisch deformiert aussehen. Wer jemals Jimi Hendrix 1969 in Woodstock „The Star-Spangled Banner“ hat spielen hören, der weiß, wie wir das meinen.

Die Gastgeberin stellt unseren Strauß, der uns nun, wo wir ihn in der Vase sehen, schon seltsam verblüht vorkommt, in eine Vase. Der Gastgeber entkorkt den Wein.

^{Rodney McMillian, „Still Life with Flowers“2002/2003, Marta Herford, 2024}

Und wir stürmen, wie es unsere Art ist, erstmal zum Bücherregal. Wow, SO viele Bücher!

Eigentlich haben wir uns immer für ziemlich belesen gehalten, aber die meisten dieser Titel sagen uns gar nichts. Im weitesten Sinne geht es wohl um die Geschichte Amerikas und Familien wie die Du Ponts, die diese stolze Nation aufgebaut haben. Um die Einwanderung, die hier natürlich ausschließlich aus der Sicht weißer, von Europa aus gestarteter Emigranten geschrieben ist.

Verständlich: Schließlich sind unsere Gastgeber offensichtlich weiße Amerikaner. Und intellektuell sind sie anscheinend auch. Da muss man sich schon für Ebony oder Ivory, vulgo: für Paul McCartney oder Stevie Wonder entscheiden.

Und an den Wänden?

Und an den Wänden? Was ist mit Kunst? Da werden wir leider enttäuscht! Kunst gibt es an diesen Wänden nicht. Im Wohnzimmer hängt nur zwei scheußliche Gobelins, auf denen vier Mal der Erlöser in serieller Pose kniet.

Wir kannten bisher nur das Phänomen der Bi-Lokation. Hier scheint es sich aber um eine Quattuor-Lokation zu handeln – und das auch noch, wie in Weihwasser gespiegelt, am selben Ort!

Vielleicht hat dieses Wunder seinen Ursprung in den Apokryphen? Egal. Unsere Gastgeber jedenfalls scheinen nicht nur Teppich-Menschen zu sein, sondern auch heilsgeschichtlich unterwegs.

Aber die Bettlaken im Schlafzimmer, deren Dessins an die gestische Malerei des abstrakten Expressionismus im New York der Fünfzigerjahre gemahnen, DIE zeugen von Geschmack.

Summa summarum also religiöse weiße Intellektuelle mit Hang zu Kitsch & Retro.

^{Hinten: Rodney McMillian, „Double Jesus“, links, und „Double Double Jesus“, beide 2006; vorne: „Chair“, 2003, Marta Herford, 2024}

„Bald schmeißen wir ihn raus!“

Im Gegensatz zu Clinton Drake, dem schwarzen Untermieter: Er wohnt in einem Nebenzimmer und ist Irak-Veteran wie seine beiden Söhne, die Gastgeber sind nicht glücklich mit ihm. Er habe 1988 für den viel zu sozialen Michael Dukakis und gegen den patriotischen George Bush gestimmt, erfahren wir hinter vorgehaltenen, im Nagelstudio manikürten Händen.Er habe es seinen weißen Vermietern selbst erzählt!

SO intellektuell, dass sie für die Demokraten wären, sind unsere Gastgeber also auch wieder nicht.

Auch George Bush jr. hätte Drake gerne abgewählt, wird uns gesagt, aber er dürfe zum Glück nicht mehr wählen. Erst sei er längere Zeit im Gefängnis gewesen, nun habe er Schulden. Seine Miete könne er auch nicht zahlen. Unordentlich und dreckig sei sein Zimmer, er schlafe auf Sackleinen wie ein Baumwoll-Sklave. „We’ll throw him out soon!“

Auf diese Weise erfahren wir, dass unsere Gastgeber hier die Hausbesitzer sind. Dass sie doch ein wenig von der Historie der Sklaven wissen, die die stolze Nation ja mindestens genauso aufgebaut haben wie die hyperreichen Du Ponts. Und, wie leicht Einem, der arm ist, in den USA das Wahlrecht aberkannt werden kann. 900 US-Dollar Schulden reichen locker.

Jetzt blicken wir uns doch einmal so richtig um und sind erschrocken: Wir hatten uns unsere Gastgeber ebenfalls ordentlicher, sauberer – und irgendwie auch reicher – vorgestellt! Das passt gar nicht zu den Büchern über „Amerikas geheime Aristokratie“ und über Etikette, die wir im Bücherregal gesehen haben! 

Danke, wir stehen lieber!

Aber es erklärt, warum auf dem Tisch nur ein einsamer Apfel liegt wie im kargen Atelier eines Hungerkünstlers der Arte Povera.

Sogar das Haustier: der Kanari, den uns die beiden in einem Anflug von pseudo-patriotischem Fake-News-Größenwahn als Weißkopf-Seeadler verkaufen wollten, ist traurig verhungert und hängt jetzt vorm Kühlschrank am Faden, als sei er eine Trompe-l’œil-Malerei.

Nicht einmal Geld für ordentliche Möbel ist da! Auf DIESEN Sessel jedenfalls wollen wir uns nun wirklich nicht setzen. Und, no, thanks: auch nicht auf den versifften Teppichboden vis-à-vis. 

Aber auf dem versifften Teppichboden finden wir tatsächlich einen Vierteldollar, den mit dem Aufdruck „Liberty“ – wenn wir das auf die Entfernung (wir stehen ja!) mit unseren müden Augen richtig sehen!

ETWAS Kleingeld ist also im Haushalt noch zuhanden. Und der Glaube an Freiheit stirbt auch an diesem Ort offenbar zuletzt.

Das ganze Intellektuelle: nur Fassade?

Und dann entdecken wir im Schlafzimmer doch noch etwas Kunst an der Wand! Wir hatten sie zunächst gar nicht bemerkt, das eingebrannte, ausgebrannte Loch versperrte uns die Sicht. Wie dieses interessante Werk denn heiße, wollen wir von den Gastgebern wissen. Und was sagen die? Die sagen doch tatsächlich wie aus einem Mund: „Ikarus‘ Arsch“.

Wie tief kann man bildungsbürgerlich eigentlich sinken. Das ganze Intellektuelle: nur Fassade!

Aber es kommt noch schlimmer: Denn die Hausbesitzer scheinen ein paar Leichen im Keller zu haben – und das meinen wir nicht nur sprichwörtlich! So jedenfalls deuten wir die 18 Papp-Särge im Souterrain. Überhaupt: War da nicht schon Blut an der Haustür, als wir klingelten?

Massenmörder? Amokläufer?

Man muss ja nicht gleich an Massenmörder oder Amokläufer denken – derlei Vorverurteilungen verbieten sich selbst gegenüber den schusswaffenverknallten USA.

Aber dieses Haus steht irgendwie doch auf ethisch wackligen, nicht ganz unschuldigen, vielleicht sogar verbrecherischen Füßen. Mit einem – indianischen?* – Friedhof als Fundament.

^{*Nur eine Vermutung. Weil wir Spielbergs „Poltergeist“ gesehen haben.
Es könnten aber auch Gräber von Irakern oder Vietnamesen sein.
Oder halt von Sklaven.}

Immerhin hat man vom vergitterten Kellerfenster aus einen phantastischen Blick auf den Hauptsitz des Obersten Gerichtshofs der Vereinigten Staaten. Aber, äh: Steht dieses Hohe Haus nicht eigentlich in Washington D.C.???

Moment, da kommt uns ein Verdacht!

Moment, da kommt uns ein Verdacht! Könnte es vielleicht sein, dass Rodney McMillians Haus mit seinen zwei Parteien gar nicht in den USA steht, sondern die USA mit ihren zwei Parteien IST? Dieses seit Donald Trumps Regentschaft endgültig wie der Vorhang im Tempel zerrissene Land?

Plötzlich schießt uns ganz viel durch den Kopf:  Die US-Hypothekenkrise 2007, die den amerikanischen Traum kleiner, im Grunde armer, von Großbanken verführter Hausbesitzer wegen explodierender Zinsbelastungen zum Platzen brachte, bevor sie die Weltbörse erschütterte.

^{(Bild, Mitte: Rodney McMillian, „shaft“, 2021/2022, Marta Herford, 2024}

Das seltsame Wahlsystem, die auf Lügen basierenden schmutzigen Kriege wegen Öl.

Die „Great Migration“ von etwa sechs Millionen Afroamerikanern aus den ländlichen Gebieten der Südstaaten in die Industriestädte des Nordens zwischen 1910 und 1970, von denen in den Bücherregalen unserer weißen Hausbesitzer – wirklich noch Hausbesitzer? – nichts geschrieben stand, an die aber Rodney McMillians Video-Arbeit „A Migration Tale“ (2014/2015) erzählt, und zwar mit einer von einer Veranda in South Carolina zum New Yorker Central Park tanzenden, maskierten schwarzen Figur.

Der politische Einfluss der fundamentalistischen Evangelikalen mit ihrer Erweckungsliebe zum Erlöser, die gegen Homosexualität und Aufklärung wettern, die Evolutionslehre aus den Schulbüchern verbannen – und die den Kosmos in frömmelnden TV-Shows missionieren wollen.

Und mit den – vornehmlich weißen – Evangelikalen auch der von ihnen gottgleich verehrte narzisstische Egomane Donald Trump, der in seiner ersten Amtszeit als republikanischer US-Präsident erzkonservative Richter in den Supreme Court setzte, die ihm als Dank durch die Verschiebung der Immunitätsklärung den Weg zu einer zweiten Amtszeit freigeschaufelt haben: einer Amtszeit, für die sich Trump ganz offen die Abschaffung der Demokratie auf die sternlosen Fahnen geschrieben hat.

Ein gut bestelltes Haus hat DIESER Präsident jedenfalls ausschließlich für seine eigene, als Schmierenkomödie inszenierte Auferstehung hinterlassen.

Keine Visionen der Gleichheit mehr

Von der großen Vision einer auf Bildung und sozialer Absicherung basierenden „Great Society“ ohne Armut und rassistische Ungerechtigkeit, die der demokratische US-Präsident Lyndon B. Johnson 1964 an der Universität von Michigan entwarf und die Rodney McMillian in einer weiteren Videoarbeit in Herford performt, ist auch im Haus im Marta nicht viel geblieben.

Der letzte US-Präsident, der eine ähnliche Vision vertrat, war der demokratische Afroamerikaner Barack Obama. Jetzt regieren wieder alte weiße Männer, die sogar noch älter sind als wir.

„In diesem Sinne: Auf Wiedersehen! Und: Danke für die Einladung. Sie haben ein – hm, ja: ganz erstaunliches Haus.“
„Thanks for the flowers! And: you are welcome!“ (28.04.2024)

^{„Rodney McMillian. The Land: Not Without a Politic“ ist noch bis zum 16. Juni 2024 im Marta Herford zu sehen.}

Das Marta in der KunstArztPraxis:
Die Kunst der Stanze: “Annem işçi” im Marta
Cage als Motor: “Long Gone, Still Here” im Marta Herford
Kein Pferdefuß? Lena Henke im Marta
Mit Arnies Augen: “SHIFT” im Marta Herford
“Das sind meine Freunde!” Annette Frick im Marta
Sei Werkzeug deiner selbst! Cinthia Marcelle im Marta
Überall “Dark Data”: Tobias Zielony im Marta Herford
“Sichtbar Unsichtbar”: Ein Gang durchs Marta-Depot
Marta reloaded: Inventur und Vision in Herford
Reine Bildgebung (12): Wie das Marta sammelt
So geht soziale Plastik! Pedro Reyes im Marta
Neue Routen durch die Sammlung: “Marta Maps”
Reine Bildgebung (9): “Marta Maps” in Herford
Eine echte Schau: “Look!” im Marta Herford
+++ Eil +++ Eil +++ Eil +++ Piraten entern Marta!
Katz im Marta: “Sie werden überrascht sein!”
Fotos malen? Trügerische Bilder im Marta

Homepage des Marta Herford

Der Beitrag Ein gut bestelltes Haus? Rodney McMillian im Marta erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wegen unserer Reise zu Caravaggio nach Italien arbeiteten wir vor dem Abitur während der Sommerferien als Kollektiv einmal an der Stanzmaschine einer Armaturen-Fabrik im Sauerland. Im Akkord legten wir drei Wochen lang je acht Stunden im Schichtdienst Rohlinge für Heizungen in lärmend unterm Stanzhub rotierende Matrizen.

Für uns Schüler gab es zwölf Mark Stundenlohn; wenn der Akkord (4.000 Stück) misslang, wurden davon 50 Pfennig, also fünf Groschen, also zwei Kugeln italienischer Eiscreme, also zwei Brötchen als Akkordzuschlag einbehalten.

Die Welt der Blau- und Henkelmänner

Es war eine Welt der Stechuhren, der Stahlkappen-Schuhe und Kapsel-Gehörschützer, der Blau- und Henkelmänner: Ohne die Sehnsucht nach Caravaggio hätten wir diese Parallelwelt wohl niemals kennengelernt. Auch dieses uns bis dato unvorstellbare Gefühl mentaler Leere nicht. 

Nach wenigen Minuten waren wir vom ersten Tag an nämlich nur noch Körper, im Schutzhandschuh schwitzende hektische Hand. Der Geist entwich uns, das ist wirklich wahr! Eigentlich wäre im Vakuum des Immergleichen genug Raum fürs Denken da gewesen, den großen Wurf. Aber eben dieses Vakuum hatte uns das Denken komplett unmöglich gemacht.

Wir KONNTEN einfach nicht mehr denken. Acht Stunden täglich, drei lähmende Wochen lang. 

Diese Erinnerung an die Entfremdung im stupiden Rhythmus der lärmenden Maschine, an diese extrem anstrengende, grausam ermüdende Konzentration auf etwas vollkommen Sinnfreies ist sicher der Grund, warum uns in Herford Gerdt Marian Siewerts Gemälde „Gastarbeitende Akkord-Stanzerin: tagtäglich bis zu 5.000 Chassis für Farbfernsehgeräte“ (1974) so sehr angesprochen hat. 

Die Grupppenschau „Annem işçi – Wer näht die roten Fahnen?“ in der Lippold-Galerie des Marta gilt Kooperationen von Arbeiter*innen und Künstler*innen aus den Siebzigerjahren. Sie zeigt Gemälde, Fotografien, Filme, Grafiken und Installationen, die sich auf teils sehr differenzierte Weise mit Diskriminierung, Rassismus und Gewalt in der noch jungen Bundesrepublik auseinandersetzen.

Da sind sehr schöne, beeindruckende Sachen dabei, die wir (weiter unten!) auch gern auf Fotos präsentieren. Aber die „Gastarbeitende Akkord-Stanzerin“ hat es uns eben besonders angetan, wegen der Erinnerung. Deshalb sei ihr dieser Text gewidmet.

Was uns gefällt. Und imponiert!

Uns gefällt, dass Siewert den Titel seines Bildes wie den Aufmacher einer Zeitung gegen den Aufmacher der „Bild“ im Vordergrund seines Gemäldes gesetzt hat, um die heroische Leistung dieser Frau – ein ganzes Arbeits-Leben das Vakuum des Immergleichen, wir schafften gerade mal drei Wochen! – zu ehren.

Uns imponiert, wie der Maler die an sich öffnende Rückenfigur eines Caspar David Friedrich in den industriellen Alltag der Maschinenhalle überführt. Wo statt der Weite einer vom Mond beschienenen Landschaft die Wand des Apparates lauert wie ein verschlingungsbereiter Insekten-Gott. 

Uns gefällt das romantische Sehnsuchtsbild der „Gastarbeitenden“ von der fernen Heimat neben der Maschine, die in unserer Vorstellung (wegen Caravaggio) Italien ist, aber wegen der Weiße der Häuser eher Griechenland sein könnte. Und uns gefällt, wie Siewert das alles mit Bedeutungsangeboten quasi elektrisch aufgeladen hat. Gerade wenn man sich, wie wir, erinnert.

Für uns sind das auch deutsch-deutsche Bedeutungsangebote: Wir nehmen dieses Angebot im Folgenden dankend an.

Charme & Magie der Zeitgeschichte

Siewerts Bild in der Lippold-Galerie verbindet ein Arbeitermotiv im zeitgenössischen Charme der Siebzigerjahre – wow: dieser Kittel! – mit der seltsam plakativen Magie der Neuen Sachlichkeit, die sich in die besten Werke des sozialistischen Realismus aus der DDR hinübergerettet hat. 

Auch wenn das Biografische uns als Hermeneutikern im Grunde unseres Herzens schnurzpiepe ist, wollen wir hier doch vermerken, dass der Maler in Ost-Berlin zum Repro-Fotografen ausgebildet wurde, bevor er 1959 in den Westen floh.

Dort arbeitete er in Hamburg, unter anderem als Grafiker für die von uns damals im Sauerland statt der „Bild“ des Gemäldes abonnierte Satire-Zeitschrift „pardon“.

Die Arbeits-, Denk- und Malweisen des Sozialismus wie des Kapitalismus waren Siewert demzufolge vertraut.

(Bild: Gerdt Marian Siewert an seiner Repro-Maschine in Hamburg; © CC BY-SA 3.0 de)

Die „Gastarbeitende Akkord-Stanzerin“ ist also auch ein deutsch-deutsches Bild, aber eben in der Bundesrepublik entstanden, gemalt von Einem, der sich vielleicht sogar hin und wieder in die DDR zurückgesehnt hat. Auf dem Foto oben (Danke, Wikipedia!) schaut er jedenfalls nicht glücklich aus.

„Remigration“ schwang damals schon mit

Die „Gastarbeitende Akkord-Stanzerin“ ist zudem ein Bild mit einem Titel, der seine Heldin ausweist als eine, die aus rein ökonomischen Gründen in West-Deutschland nur geduldet war.

Auch wenn es das Unwort des Jahres 2023 in den Siebzigerjahren noch nicht gab, schwang „Remigration“ damals schon mit: eine Form der Entfremdung von Heimat & Arbeit, die wir tatsächlich nicht kannten. *

^{*unsere mit „Migrationshintergrund“ versehenen Schwiegermütter schon.}

Solche „Gastarbeiter“ aus der Türkei, Italien und Griechenland gab es in der Armaturen-Fabrik im Sauerland natürlich ebenfalls. Es waren aber alles Männer. 

Auch an die Stullen-Dose, die Thermos-Kanne und die „Bild“-Zeitung auf Siewerts Gemälde können wir uns gut erinnern: Das waren (neben dem Henkelmann) die Insignien der Schichtpausen in der Fabrik.

Die Dose und die Kanne brachten auch wir Schüler zur Arbeit an der Stanze mit. Die „Bild“-Zeitung wartete, vom Armaturen-Fabrikanten abonniert, am langen Tisch im Pausenraum. 

Irgendwann nahm JEDER Arbeiter dieses eine von damals sechs Millionen (!) Exemplaren kauend in die Hand: Multiplikator einer vorgekauten, vorgestanzten Meinung.

So sahen wir das damals: Wir hatten nicht nur Klaus Staecks „Bild“-Collagen gesehen, sondern auch Günter Wallraffs investigativen „Aufmacher“ gelesen.

Für uns war „Bild“ keine journalistische Informationsquelle, sondern eine rechte, soziale Ungerechtigkeiten stabilisierende Meinungsmach-Maschine.

(Bild: Klaus Staeck, „Dahinter steckt immer ein kluger Kopf“, Plakat, 1972. Nicht in der Ausstellung. Trotzdem wahr, Herr Strauß! Gott sei Ihrer polemischen Seele gnädig (Unsere Meinung)).

„Seht, das Volk erhebet sich“

Sogar der „Bild“-Aufmacher von Siewerts Gemälde – „Noch ist Deutschland nicht verloren“ – spukt uns noch im Kopf herum:

Die Schlagzeile, die eine Revolutions-Hymne von 1848 zum „Tod der Tyrannei“ zitiert, entstand zur Fußball-WM 1974 kurz nach dem Spiel der von Helmut Schön gecoachten BRD-Auswahl gegen die Mannschaft der DDR, die die „Bild“-Zeitung immer in Gänsefüßchen setzte, weil ihr das „demokratisch“ im Staatsnamen sauer aufstieß. 

Der sozialistische Arbeiter- und Bauernstaat der Deutschen Demokratischen Republik hatte den kapitalistischen Klassenfeind sensationell mit 1:0 geschlagen. 

Jubel-Battle: „Neues Deutschland“ vs. „Bild“

Wie Siewert, so würde dereinst auch der damals vom SED-Organ „Neues Deutschland“ bejubelte DDR-Torschütze Jürgen Sparwasser die dann wiederum von der „Bild“-Zeitung bejubelte „Republikflucht“ begehen. Aber das war erst 1988, davon kann das Gemälde nichts wissen.

Aber: Es weiß von der Macht der Maschine, der Macht des wirtschaftlichen Apparats, von der Leere industrieller, in der Bundesrepublik im Übrigen nicht sonderlich wertgeschätzter, da stumpfer Arbeit, die auch die Frau an der Stanze ihrer Individualität beraubt hat.

Ihr Gesicht bleibt uns ebenso verborgen wie ihre konkrete Tätigkeit. Sie ist ja ganz im Absurden konzentrierter Körper, ganz im Schutzhandschuh schwitzende Hand, bei aller Würde gegenüber ihrer Leistung anonym geworden wie jede*r Andere im Vakuum des Immergleichen der Fabrik. Ob im Osten oder Westen, war da, wie wir glauben, eigentlich egal. 

In der Entfremdung vereint waren die Fabrikarbeiter in Deutschland schon vor dem Mauer-Fall. Auch das arbeitet das Bild mit seinem kapitalistischen Motiv in der Ästhetik des sozialistischen Realismus in unseren Augen sehr gut heraus. Stil ist hier Botschaft, finden wir.

Nur der Lärm der Maschine und die Hektik der Arbeit waren für Siewert nicht darstellbar. Aber diese kompositorische Ruhe, diese figürliche Erstarrung ist für uns die erinnerte Leere.

Doch das Gemälde weiß noch mehr. Es weiß auch von der gespenstischen Macht der „Bild“ im deutsch-deutschen Kulturkampf der Siebzigerjahre, die zum wirtschaftlichen Aufschwung im Westen unbedingt dazugehört: eine politische Meinungsmach-Maschine, aus dem ein Gutteil der Arbeiterschaft in einer künstlich aufgeheizten Epoche in den Fabriken ihre Neuigkeiten zog.

Auch dank „Bild“ entstand eine den „Westen“ in „links“ und „rechts“ spaltende Atmosphäre, die 1968 ins letztendlich tödliche Attentat auf den sozialistischen Studentenführer Rudi Dutschke durch einen rechtsextremen Hilfsarbeiter mündete – und die 1974 den bis dato auch im Sauerland hochgeschätzten und jetzt zum Tyrannen hochsterilisierten Helmut Schön vom Sockel stieß.

Fortan stand ihm der von „Bild“ zum Helden hochsterilisierte Franz Beckenbauer als Co-Trainer mit Überwachungsfunktion zur Seite. 

„Aufstand unserer Spieler gegen Schön“, „So nicht, Herr Schön!“ und „Jetzt muss Helmut Schön umbauen!“: Das waren weitere Aufmacher nach der Niederlage gegen die DDR am Fabrik-Tisch, aber die mussten wir recherchieren.

Was sollen wir sagen? Es wurde umgebaut. „Bild“ wollte das ja so. Und, wer weiß: Vielleicht sind wir wegen diesen „Bild“-Schlagzeilen nach der Schmach von Hamburg gegen die DDR im Volkspark-Stadion 1974 ja im Kollektiv dann doch noch Weltmeister geworden, so wie später, nach der Wiedervereinigung, irgendwann auch kurz mal Papst.

Hier schnell noch einige andere Werke. Hatten wir ja versprochen. „Annem işçi – Wer näht die roten Fahnen?“ Marta, Herford 2024

Und nun zum Schluss noch etwas ganz Verrücktes, weil wir den objektiven Zufall doch so lieben: Passend zu jener von Siewert auf der “Gastarbeitenden Akkord-Stanzerin” via “Bild”-Aufmacher heraufbeschworenen Fußball-WM 1974 bekamen nämlich zwei unserer Eltern ihr erstes Farbfernseh-Gerät (den Schwarzweiß-Fernseher hatte es zur Mondlandung 1969 gegeben).

Zu jedem Spiel drängelte sich die komplette Nachbarschaft vor der technischen Innovation im Sauerländer Wohnzimmer unter dem kopierten Vermeer, so auch beim 1:0-Sieg der DDR über die BRD – und beim 2:1-Sieg Deutschlands im Endspiel gegen die Niederlande. 

Klarname „Goya“

Wir haben recherchiert: Dieses Gerät war ein “D25 K 761/02” mit dem kunstaffinen Klarnamen “Goya” – und dem Chassis „K6“ der Firma Philips aus Hamburg, wo Siewert bis zu seinem Tod 1992 lebte. Es ist davon auszugehen, dass die von ihm gemalte „Gastarbeitende“ in den Siebzigerjahren tagtäglich schlagzeilenträchtige 5.000 Exemplare des K6 im Akkord gestanzt hat. Vielleicht sogar das unsrige.

Wenn dem so wäre, dann wäre die Mauer zwischen Kunst und Leben, Sport und Arbeit, ja: zwischen Ost und West 1974 im Sauerland für kurze Zeit einmal gefallen. (18.02.2024)

^{„Annem işçi – Wer näht die roten Fahnen?“ ist noch bis zum 20. Mai 2024 im Museum Marta in Herford zu sehen.}

<sup>Anmerkung 1: Ach ja: Es gibt ja noch die auf der „Bild“-Zeitung liegende Stullendose auf Siewerts Stanzen-Gemälde, die einem „Emil Krause“ (mit Runen-s) gehören soll, also nicht der Stanzerin: für uns kein Otto-Normalverbraucher- aka 08/15-Name, sondern auch so ein rätselhaftes Bedeutungsangebot. Wer das wohl sein könnte, mussten wir wie die drei „Bild“-Schlagzeilen und das K6-Chassis ebenfalls kurz recherchieren (Danke, Wikipedia!). Der Name sagte uns nichts. 

Es gab tatsächlich zwei Fußballer, die Emil Krause hießen; einer davon war auch mal National-Spieler & bei Herta BSC Berlin, aber das ist, glauben wir, die falsche Fährte. 

Wir glauben, dass die Schichtpausen-Dose der „Gastarbeitenden Akkord-Stanzerin“ an den streitbaren SPD-Politiker und Reformpädagogen Emil Krause erinnern soll, der sich im Geburtsjahr Siewerts 1920 von Hamburg aus mit anderen Lehrern dem konterrevolutionären rechten Kapp-Putsch in Siewerts Geburtsstadt Berlin entgegenstellte – und dessen menschenfreundliche Bildungspolitik den Nazis ein solcher Dorn im Auge war, dass sie ihn mit ihrem Terror nach der Machtergreifung Hitlers 1933 dazu brachten, aus dem Amt des Bildungssenators auszuscheiden.

Mit diesem Glauben im Rücken sind wir uns recht sicher, dass Siewert die unter der Brotdose Emil Krauses von der „Bild“-Zeitung boulevardisierte Parole von 1848 mit seinem Gemälde im anti-kapitalistischen Sinn wieder hat politisieren wollen: Schließlich war Siewert als Künstler politisch & satirisch engagiert. Die Meinung der „Bild“ kann ihm nicht gefallen haben. Meinung sollte man sich bilden, statt sie zu übernehmen (unsere Meinung).

Bildung, Gleichberechtigung und politisches Engagement sind überhaupt wertvolle Eigenschaften, die sich viele der im Marta gezeigten Werke auf die Fahnen geschrieben haben. Das macht die Schau mit ihren rund 50 Jahre alten Werken sehr aktuell.</sup>

^{Anmerkung 2: Auch noch eine Schlagzeile wert: Die Lippold-Galerie hat eine neue Deckenbeleuchtung! Für unseren KunstArztPraxis-Fotografen ist das ein Segen, denn die Spots von früher machten seine Fotos immer etwas suppig.}

^{Auch der Rest von uns findet das wunderbar, denn das Licht durchflutet den Haupt-Raum nun nicht nur regelmäßig wie die Luft: Die neuen Röhrenbahnen betonen auch auf angenehme Art seine Architektur. Sie geben ihm Volumen, eine neue Tiefe. Und dämpfen gleichzeitig das Schlauchige ab. Tolltolltoll.}

^{Anmerkung 3: Hier noch ein kleines Rätsel: UNSERE Sauerländer Stanze war gerade NICHT die Stanze des rasenden Rolands, und wir meinen damit nicht den Dampfkessel von Rügen! Na, wer kann das lösen???}

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^{Für Mary Bauermeister (1934-2023). Long gone, still here.}

Wir haben ja öfters mit Mary Bauermeister am Küchentisch in Rösrath gesessen, ein paar Mal ging es um Musik. Wir sprachen über Stockhausen, mit dem sie Partitur-Skulpturen komponiert hat, über Hauschka, der in ihren Augen viel genialer als ihr Ex-Mann war.

Und über Nam June Paik, der wie sein Vorbild Cage Klaviere präparierte, ihm zu Ehren auch zersägte oder aus dem Fenster warf, sprachen wir auch.

Aber über John Cage selbst, den Paik 1960 in Bauermeisters berühmtem Atelier in der Kölner Lintgasse während der Aufführung seiner „Etude for Piano“ gemeinsam mit David Tudor ohne Vorwarnung shampooniert hat?

Ausgerechnet über Cage schwiegen wir in stiller Übereinkunft all die Jahre.

(Bild: Nam June Paik shampooniert John Cage in Mary Bauermeisters Kölner Atelier 1960 die Haare. Der Pianist James Tudor wartet noch auf seinen Einsatz.)

Heute finden wir das schade. Nicht nur, weil sich Cage kurz vor seinem Tod einmal vor uns verbeugt hat (siehe roten Appendix-Kasten unten). Wir finden es schade, weil mit ihm und Bauermeister und Paik und Fluxus unseres Erachtens Vieles von dem begann, was jetzt in einer toll kuratierten Schau im Marta unter dem Titel „Long Gone, Still Here“ zu sehen ist.

Da hätten wir schon gern gewusst, was Mary Bauermeister davon gehalten hätte.

Fluxus-Mix, sehr zeitgemäß

Für uns jedenfalls präsentieren die 26 internationalen Positionen auf sehr eigene Art und Weise jenen Mix aus Sound, Objekt- und Konzeptkunst, jenes gewinnbringende Verwischen medialer Grenzen, für das Cages 1952 von David Tudor uraufgeführte Komposition „4‘33““ den Takt vorgab.

Von daher ist es in unseren Augen kein Zufall, dass Cages Stück nicht nur in der Ausstellung eine wichtige Rolle spielt, sondern auch zu ihrer Eröffnung von der Nordwestdeutschen Philharmonie unter Jonathon Heyward sehr originell neu aufgeführt worden ist.

Bekanntlich wird in den rund viereinhalb Minuten der drei Sätze von „4‘33““ kein einziger Ton gespielt; bei der Uraufführung durch den von Paik bei Bauermeister mit Cage gemeinsam shampoonierten Tudor bot das Öffnen und Schließen des Klavierdeckels den meditativen Rahmen für die Möglichkeit, sich auf den Klang der Stille zwischen diesen beiden Akten einzulassen.

Wie man Stille dirigiert

Zur Ausstellungseröffnung in Herford betonte Jonathon Heyward das Performative des Stückes: Während die Musiker nach dem Stimmen ihrer Instrumente rahmenlos untätig blieben, versuchte Heyward dieses klanglose Nichts mit einem Dirigat aus Tai-Chi-Gesten zwischen den Satz-Schlägen förmlich zu ergreifen: natürlich mit dem Rücken zum Publikum, wie bei der lateinischen Messe.

Diese für „4‘33““ ziemlich wichtige rituelle Hermetik, dieses ganz große, sehr zeitgemäß visualisierte Leise geht in den dynamischen Schnitten der Video-Dokumentation des Marta leider verloren: schnittlos und frontal aus Sicht des Publikums hätte uns in diesem Fall besser gefallen. Aber man kann das Wichtige trotzdem erahnen, deshalb zeigen wir sie hier.

Und wer, wie wir, leider nicht dabei sein konnte, war, wie wir, ohnehin leider nicht dabei.

Wichtig ist auf jeden Fall, dass die Partitur von „4’33““ eigentlich nur in der konkreten Aufführung in frischer Einmaligkeit erwacht. Dass dabei immer neue Geschichten entstehen, gehört zu dieser Form komponierter Konzeptkunst unbedingt dazu.

So sollte man wissen, dass Lydia Ourahmanes Version „4’33“ (for John)“, die im – diesmal grandios mit Teppichboden ausgelegten! – hohen Dom des Marta einmal alle 85’27“ (nicht) zu hören (und auch nicht zu sehen) ist, nach der Aufhebung des nationalen Corona-Lockdown am 6. Mai 2020 im algerischen Boudjima entstand, wo die Eltern der Künstlerin leben.

Der durch Raum und Zeit gespannte Bogen

Es ist eine Version, die Cages Idee als digitale Aufzeichnung von etwas Unaufzeichenbaren wieder komplett entmaterialisiert – und ihr trotzdem einen geographisch & historisch ganz neuen Aspekt beisteuern kann: ein Gegenmodell auch zur stark visualisierenden Eröffnungs-Performance. Und ebenfalls NUR vor Ort im Marta erlebbar.

Dieser durch Raum und Zeit gespannte Bogen zwischen zwei komplett unterschiedlichen Interpretationen fanden wir besonders gut.

(Bild: die schweigende Glocke von Hiwa K. während der digitalen Aufführung von Lydia Ourahmanes „4’33“ (for John)“ im hohen Marta-Dom. Herford 2023)

Ach ja: Auf der Hinfahrt nach Herford haben wir uns wechselseitig aus Cages „Vortrag über nichts“ (1959) in Cages Band „Silence“ vorgelesen, der in seiner Taktung einer Partitur gleicht.

Und da ist viel von der Sichtbarkeit der Töne, der Umrahmung der Stille und dem Musikstück als Dichtung die Rede.

Cage stellte sich wohl etwas vor, das zwischen Auge, Ohr und Hirn poetisch und intellektuell die Schwebe hält.

Von daher hätte ihm das, was in „Long Gone, Still Here“ zu sehen und zu hören – oder eben nicht zu sehen oder nicht zu hören – ist, sicher gefallen.

Mary Bauermeister sicher auch.

(Bild: Michaela Melián, „Cochlea“ (2023), Marta, Herford 2023)

Das Licht der Route einer Flucht

Die zwölf Klangkörper im Marta Dom zum Beispiel, die, nacheinander abgespielt, zusammen wieder eine 90-minütige Partitur ergeben. Michaela Melián ist dabei, die über eine Notation und 16 mit unterschiedlich langen Kabeln versehene Glühbirnen die Fluchtroute der Geigerin Susanne Lachmann vor den Nazis sinnfällig macht.

Oder Hiwa K. mit einer aus irakischen Kriegsabfällen gegossenen Glocke, die zu Beginn jeder Dom-Paritur von Marta-Mitarbeiter*innen geläutet wird.

Und dann geht es noch um das Anstimmen von Beethoven, den Kult um Depeche Mode und den Abgesang an ein abgeschaltetes Bergwerk.

Es geht um Licht und Rhythmus, den Sound von Raum, Zeit, Gefühl und Erinnerung, den Zauber weit entfernter Klänge Down Under.

Es geht um die nostalgische Magie erzählter Träume aus Wählscheiben-Telefonen, den Zusammenhang von Hörverlust und gesellschaftlicher Teilhabe, das trügerische Muschelrauschen aus trügerischen Muscheln. Und um den Ton als Waffe.

(Bild: Stimme aus dem Hörer von Cardiff & Miller: „Kathmandu Dreams (#6)“ von 2007, aktiviert 2023 im Marta Herford)

Bitte langsam, laut und kurz

Über diese im Marta noch anderthalb Monate erlebbare Poesie für Auge, Ohr und Hirn hätten wir gerne mit Mary Bauermeister, die am Ende fast so taub war wie Beethoven, gesprochen. Und über Cage als Ausstellungs-Motor. In Rösrath, am Küchentisch. Doch diese kluge Stimme ist verstummt.

Die Stimme auf ihrem längst abgestellten Anrufbeantworter im Arbeitszimmer in Rösrath allerdings haben wir kurz vor ihrem Tod noch aufgezeichnet. Kein traumhafter Einfall wie bei Cardiff & Miller, aber immerhin: long gone, still here.

(07.01.2024)

^{„Long Gone, Still Here. Sound als Medium“ ist noch bis zum 25. Februar 2024 im Museum Marta in Herford vor Ort teilweise (nicht) zu sehen & (nicht) zu hören. Toll.}

Appendix: Wie sich John Cage einmal vor uns verbeugt hat

Einmal hat sich John Cage vor uns verbeugt. Zumindest vor einem Teil von uns, wir waren ja nicht alle da. 1991 war das, ein Jahr vor seinem Tod, während der Juli-Festwochen in Zürich, die ihm und James Joyce gewidmet waren. Wir saßen in der Tonhalle, erst gab es Beethoven, dann Mozart, dann eben Cage: ein Stück für Quartett und vier Swatch-Uhren, wenn wir uns recht erinnern. Es ist ja schon so lange her.

Auf jeden Fall war es rund 40 Jahre nach der Uraufführung von „4’33“.

Erst dachte das Publikum wohl, die Musiker stimmten ihre Instrumente: Es wurde gemurmelt und getuschelt wie in der Pause. Als dann klar war, dass das Stück längst begonnen hatte, regte sich mit Sitzeklappern und anschwellendem Gelächter akustischer Widerstand. Reihenweise und teils Türe knallend verließ Volk den Saal. Das Ende des Stückes bekam selbst drinnen kaum jemand mit.

Auch uns war etwas so Unerhörtes noch nie zuvor zu Ohren gekommen, wir stammen ja aus dem Sauerland. Aber anders als den Entgeisterten leuchtete uns der Mix aus Klang, Zeit und Zufall auf Anhieb unumwunden ein. Also nahmen wir unseren ganzen Mut zusammen, erhoben uns demonstrativ von unseren Plätzen und spendeten mit einem kleinen Fähnlein uns folgender Aufrechter (es war nur eine Handvoll) Applaus.

Da stand ein paar Reihen direkt vor uns ein Mann auf (in unserer verblassenden Erinnerung ist es ein eher kleiner, gebrechlicher Mann), drehte sich zu uns um, sah uns etwas traurig lächelnd in die Augen, verbeugte sich – und ging gemessenen Schrittes hinaus.

Dieser Mann war John Cage.

^{Anmerkung 1: Uns ist in diesem Rahmen noch wichtig zu betonen, dass Cage seine Inspiration für „4’33““ nach eigener Aussage aus der Bildenden Kunst, beim Betrachten der „White Paintings“ von Robert Rauschenberg nämlich, erhielt. Ebenso wichtig finden wir, dass Cage die Nachfolge-Komposition „4’33“ No. 2″ Yoko Ono gewidmet hat: aus Gründen, wie man heutzutage so schön sagt.}

^{Zu Onos 90. Geburtstag 2023 haben wir dieser großen Künstlerin 90 neue Grapefruits geschenkt, zuvor hatten wir in Bonn verpackte Luft von ihr gekauft. Und im September 2024 werden wir in Düsseldorf in ihre Retrospektive im K20 gehen. So viel steht jetzt schon fest.}

^{Anmerkung 2: Sicher wird dem ein oder anderen das, was wir oben zu Cage & „Long Gone, Still Here“ geschrieben haben, schrecklich überkandidelt erscheinen. Für alle anderen gilt das Bonmot von James Joyce zur Sünde von Dorian Grey, über die niemand spricht, also alle schweigen: „Jeder, der sie erkennt, hat sie begangen“.}

Mary Bauermeister in der KunstArztPraxis:
Mary Bauermeister: Abschied vom Märchenreich
Mary Bauermeister: Begräbnis mit Feldsalat
Ebenen gewechselt. Zum Tod von Mary Bauermeister
Im Märchenreich: Zu Gast bei Mary Bauermeister

Das Marta in der KunstArztPraxis:
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“Das sind meine Freunde!” Annette Frick im Marta
Sei Werkzeug deiner selbst! Cinthia Marcelle im Marta
Überall “Dark Data”: Tobias Zielony im Marta Herford
“Sichtbar Unsichtbar”: Ein Gang durchs Marta-Depot
Marta reloaded: Inventur und Vision in Herford
Reine Bildgebung (12): Wie das Marta sammelt
So geht soziale Plastik! Pedro Reyes im Marta
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Reine Bildgebung (9): “Marta Maps” in Herford
Eine echte Schau: “Look!” im Marta Herford
+++ Eil +++ Eil +++ Eil +++ Piraten entern Marta!
Katz im Marta: “Sie werden überrascht sein!”
Fotos malen? Trügerische Bilder im Marta

Homepage des Marta Herford

Ach ja – weil die Bilder bleiben, selbst, wenn die Stimmen & Töne verklingen:

Der Beitrag Cage als Motor: „Long Gone, Still Here“ im Marta Herford erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Auf „Good Year„ sind wir schon ein bisschen mächtig stolz: Ohne uns hätte es die Ausstellung nämlich gar nicht gegeben. Die Schau gehört zum Marta Preis 2023 – und für den haben WIR Lena Henke vorgeschlagen! Dafür, dass ihr das Ganze dann so grandios gelungen ist, können wir aber nichts.

Als uns das Marta vor rund zwei Jahren fragte, ob wir nicht Lust hätten, als Teil einer Findungskommission zwei Künstler*innen für den Marta Preis der Wemhöner-Stiftung 2023 vorzuschlagen, verfielen wir sofort in Schmeichelpanik:

Wir fühlten uns geehrt und überfordert zugleich.

Schließlich ist die mit 25.000 Euro dotierte Auszeichnung keine Feld-Wald-und-Wiesen-Ehrung. Und wir waren preisvergabetechnisch nunmal Dilettanten.

Klar: Schmeichel sticht Panik!

Wir sagten natürlich trotzdem zu, schlossen unsere Praxis-Tore und fuhren übers Wochenende mit quietschenden Reifen erstmal zu unserem Lieblingsbauern ins Bergische: Bei kniffligen Entscheidungen ziehen wir frische Landluft urbanen Klinikdünsten vor.

Im Gepäck hatten wir eine Liste jener Künstler*innen, die schon im Bestand des Marta waren: Schließlich war im Preis neben einer Einzelausstellung auch die Entwicklung eines neuen Kunstwerks fürs Museum inbegriffen.

Unsere Vorschläge mussten also gut zu jener tollen Sammlung passen, die wir auch schon im Depot besuchen durften. Sie sollten ihr eine überraschend neue Perspektive geben, den Fokus ohne Sprengung sanft, aber konsequent erweitern, das war der Plan. Nicht wirklich einfach, denn eine gute Sammlung hat ja immer eine recht komplexe Psyche.

Es war ein schöner innerer Disput

Es roch nach Schaf, Heu und Diesel, als wir im Bergischen in uns gingen. Ein paar Kriterien hatte das Museum vorgegeben, wir hatten ein paar eigene. Wir warfen uns gegenseitig Namen und Argumente an die Köpfe, versuchten mit dem Knie zu denken, befragten mit den Hirnen unsere Bäuche, während draußen Schafe und Traktoren mähten. Es war ein schöner innerer Disput.

Am Ende blieben von den fünf, sechs Namen nur Alicja Kwade und Lena Henke übrig.

Was wir an Alicja Kwade schätzen, haben wir an anderen Stellen bereits hinlänglich beschrieben. An Lena Henke schätzen wir seit vielen Jahren, dass sie für ihre Kunst in Archive steigt, Bücher wälzt, mit Menschen spricht. Dass sie Soziologie und Architektur ebenso mit einbezieht wie Kindheits-, Kunst- & Designgeschichte. Dass sie in Stadt & Land denkt und in Mann & Frau.

Dass sie klar & stringent ist. Uns in Vielem ähnlich und in Vielem fremd. Dass das, was dann an Kunst herauskommt, Museumsreife hat und Relevanz. Und dass es sich mit Worten wie den obigen nicht einmal annähernd beschreiben lässt.

Und dann trauten wir Lena Henke auch noch zu, auf Länge & Tiefe der Lippold-Galerie im Marta raumspezifisch adäquat zu reagieren. Auch sowas muss man erstmal können.

Natürlich grundlos!

Dass sich die Jury unter den zehn Kommissionsvorschlägen dann tatsächlich für unseren entschied, ist längst Kunstgeschichte. Uns versetzte die frohe Botschaft damals sofort in Beglückungsfurcht.

Was, wenn das Kunstwerk, was, wenn die Ausstellung Lena Henkes den Erwartungen nicht entsprach? Wir waren doch tatsächlich etwas aufgeregt. War das denn nicht auch ein klitzekleines Bisschen unsere Schau? Trugen wir nicht ein Quäntchen Verantwortung für das neue Werk der Marta-Sammlung?

Es klingt im Nachhinein doch arg vermessen, aber damals haben wir – natürlich grundlos! – wirklich kurz so gedacht.

Warum grundlos?

Es roch nach Pferd, Stroh und Gummi, als wir zur Preisverleihung nebst Ausstellungseröffnung ins Marta gingen. Da hatten wir noch nichts gesehen, aber wir wussten sofort: Wir hatten bei Lena Henke den richtigen Riecher gehabt. Und Lena Henke hatte alles richtig gemacht. Denn so nach Pferd, Stroh und Gummi hatte es im Museum sicher noch nie gerochen.

Der neue Marta-Duft entströmte dem neuen Sammlungs-Zuwachs: Einem schwarzen Emaille-Kochtopf auf einem weißen Sockel vorm Eingang zur Lippold-Galerie.

Lena Henke hat ihn gemeinsam mit einem Kölner Parfümeur nach den Gerüchen ihrer Kindheit im westfälischen Warburg entworfen, aber er kommt auch dem olfaktorischen Dreiklang unserer eigenen Kindheit (Kuh – Wiese – Bratfett) empfindlich nahe.

Bild: Lena Henke vor der Preisverleihung, Marta Herford, 2023

Bisher hatten wir Lena Henke vor allem mit dem Pferdefuß verbunden. Den kannten wir als Totem, Fetisch, Holzbein oder Autorad-Ersatz, in Plastik und Metall – sowie als ihre Lösung des Bildhauerei-Problems der Trennung von Skulptur und Sockel.

In Henkes Schau „My Fetish Years“ im MGK Siegen 2019 erdeten je zwei Exemplare davon übermannshohe, lederbezogene, mittels Riemen deckenfixierte Reiter*innenbeine-Bögen.

Mit dieser Verbindung im Rücken kam es uns deshalb beim Entree ins Marta so vor, als hätte sich der omnipräsente Pferdefuß samt Gummi in Duft aufgelöst und nun den kompletten Museumskörper in eine Erinnerungs-Küche schockgefroren.

Seit diesem strengen Madeleine-Erlebnis kriegen wir Henkes raumgreifende Straßenstallgeruchs-Skulptur trotz urbaner Klinikdünste nicht mehr richtig aus den Nasen.

Die coole Küche für den Reifen – äh: reifen Mann

Wobei der Gummi-Duft und der Emaille-Kochtopf auch ein Vorgeschmack waren auf das, was uns in der Lippold-Galerie dahinter erwartete: vor allem eine riesige Skulptur mit rund 2.000 von einer Presse zusammengedrückten und nun von Seilen vorm Explodieren bewahrten Autoreifen-Kuben in einer an die „Küche für den Mann“ gemahnenden Regal-Konstruktion.

Die von Henke angemahnte Küche hatte die Herforder Firma Poggenpohl mit Carbon, Aluminium und grifflosen Elektro-Türen unter dem Männer emotional aufwühlenden Namen „P’7340“ zusammen mit Porsche-Design 2014 entwickelt. Mehr Bezug zu Raum und Stadt und Geschlechterrolle geht wohl kaum.

All das muss man selbst gesehen und gerochen haben. Denn, wie auch schon gesagt: Zum Glück ist Lena Henkes Kunst mit Worten nichtmals annähernd beschreibbar. Und unsere Kamera hat nicht nur keine Beine oder keine Hüfte, sondern auch noch keine Nase.

Einfach in die Durchreiche gucken!

Wir sind beglückt, denn in Herford ist wieder alles da: die Soziologie & die Architektur; die Kindheits-, Kunst- & Designgeschichte; Stadt & Land; Mann & Frau. Und Henkes Pferdefuß gibt es natürlich auch – diesmal jedoch eher ungeerdet und in einer mit Privatheit ummantelten Form. Man muss ihn auch ein wenig suchen.

Kleiner Tipp: Der Pferdefuß ist Teil einer Skulptur der kleinen, damals auf dem Lande und heute in New York lebenden Lena Henke mit dem Chrysler-Building als Holzbein! Und man muss zwingend ins Wandloch einer stilisierten Küchendurchreiche gucken.

Was bleibt noch zu sagen? Vielleicht, dass Lena Henke es auf sehr originelle Art und Weise geschafft hat, der Länge & Tiefe der Lippold-Galerie Herrin zu werden? Dank einer variablen Installation von 2020, die nicht nur die anderen Arbeiten buchstäblich überspannt, sondern auch ein höchst ironisches Symbolbild kleinfamiliärer Idyllik ist.

Mit einem Strommast als energischem Vater und einer Wäschespinne als häuslicher Mutter! Besonders Letzteres ist assoziativ phantastisch.

Und dann passt der riechende Kochtopf auch noch perfekt in ein neues Ausstellungs-Konzept des Marta, das ganz offensichtlich weg will von einer Kunst nur für die Augen.

Die nächste Gruppenausstellung „Long Gone, Still Here“ (05.11.2023-25.02.2024) jedenfalls versteht sich laut Museum als „Teil der programmatischen Neuausrichtung, sich künftig als Ort synästhetischer Erfahrung zu positionieren“. Wie gesagt: Alles richtig gemacht.

Es war eine würdige Preisverleihung

Ach ja: Es war eine würdige Preisverleihung. Es gab gute Reden und guten Wein und eine gute Mucke. Und es wurde mehr Porzellan zerschlagen als beim Polterabend auf einem westfälischen Reitergut oder einem bergischen Bauernhof. Fürs Sauerland wollen wir unsere Hände dazu allerdings nicht ins Feuer legen.

Wir hatten jedenfalls allen Grund, uns im Marta rundum heimisch zu fühlen. Die unangenehmen Partien der Schmeichelpanik und der Beglückungsfurcht hätten wir uns jedenfalls echt sparen können.

Und das Werk Alicja Kwades ist in der Höhe & Breite der Langen Foundation oder des Lehmbruck Museums ja vielleicht ohnehin besser aufgehoben. (29.10.2023)

^{„Lena Henke: Good Year. Marta-Preis der Wemhöner Stiftung“ ist noch bis zum 7. Januar 2024 in der Lippold-Galerie des Marta in Herford zu sehen. Der Katalog wird am 12. November 2023 im Marta präsentiert. Lena Henke will hierzu extra aus New York nach Ostwestfalen kommen.}

^{Anmerkung: In unserem Beitrag zu Cornelius Völker haben wir uns sehr über das Wort „Galeristenware“ echauffiert. „Museumsreife“ hingegen wird von uns rundherum akzeptiert.}

Das Marta in der KunstArztPraxis:
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Reine Bildgebung (12): Wie das Marta sammelt
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Reine Bildgebung (9): “Marta Maps” in Herford
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+++ Eil +++ Eil +++ Eil +++ Piraten entern Marta!
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Alicja Kwade in der KunstArztPraxis:
Wir Seelenblinden: Alicja Kwade in Duisburg
Alicja Kwade: In der Schwebe

Homepage des Marta Herford
Homepage der Poggenpohl-Küche P’7340

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