In Siegen setzt das Museum für Gegenwartskunst (MGK) über 80 Stillleben und Landschaften von Giorgio Morandi mit den Werken anderer Künstler in Dialog. Bei uns hat die fulminante Schau die Erinnerung an ein vergessenes Stillleben ausgelöst, das wir über die Jahre mit Morandi verbunden haben. Auch eine Detektiv-Geschichte.

Als wir für unser Hexenbuch durch die Jahre ein- und ausgingen in Mary Bauermeisters Rösrather Märchenreich, da sahen wir immer wieder durchs Fenster ins Arbeitszimmer auf ein Gemälde mit verstaubten Flaschen.

Dieses Stillleben hat KunstArzt1 immer wieder aus dieser Durchblicks-Perspektive fotografieren müssen, wie unter Zwang: Es gibt durch die Jahre unzählige Fotos davon, die zeitlich nur dank Erinnerungen (und Dateinamen) zuzuordnen sind.

Natürlich dachten wir, der uns (damals) unbekannte Maler habe jene Flaschen abgemalt, die Mary Bauermeister unter seinem Stillleben arrangiert hatte. Aber dann erzählte uns Mary Bauermeister, sie habe die realen Flaschen aufgrund von Ähnlichkeiten nachgesammelt. 

Erst Kunst, dann Wirklichkeit

Demnach war zuerst die Realität der Kunst, und DANN erst eine sich ihr annähernde Form der Wirklichkeit.

Wegen ihrer magnetischen Ruhe waren die gemalten Flaschen, trotz aller Unterschiede auch in der sinnlichen Qualität, in unseren Augen unmittelbar mit Giorgio Morandi verbunden: Morandi musste ihr Vorbild sein.

Vor allem aber schien uns die erzählte Aktion Mary Bauermeisters, dieses Reenactment der Wirklichkeit nach künstlerischer Maßgabe noch besser zu Morandi Werk zu passen als zum Flaschen-Bild an ihrer Wand, ja: fast schon sinnbildlich für unsere Wahrnehmung davon zu sein.

Wie wir das meinen, können wir gut an der Morandi-Schau im MGK Siegen illustrieren, wo neben Landschaften imposant viele seiner Stillleben: Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle und Grafiken, versammelt sind.

^{Foto oben: Giorgio Morandi, „Natura Morta“ (1959. Detail),
Museum für Gegenwartskunst, Siegen 2025}

Denn: Wenn wir die Flaschen Morandis sehen, dann sehen wir Einmaligkeiten aus purer Malerei, die nur vorgeben, Abbild zu sein. Was für Flaschen sollten das auch gewesen sein, die Morandi zum Vorbild hätte nehmen können? Das wäre viel zu profan gedacht.

Der Staub der Ewigkeit

Bei Morandi hat sich ja nichts weniger als die Ewigkeit wie Staub über einen sanften Körper aus Farbe gelegt. Wenn dabei irgend etwas abgebildet sein sollte, dann die Stille der Welt.

Und trotzdem ist beim Betrachten halt immer auch eine Sehnsucht da, die nicht existenten Flaschen Ähnlichkeiten außerhalb des stillen Bildes zu finden. Wie bei Mary Bauermeister.

^{Foto oben: Giorgio Morandi, „Natura Morta“ (1945/1946. Detail),
Museum für Gegenwartskunst, Siegen 2025}

Und mit diesen Ähnlichkeiten vielleicht so etwas wie Seelenruhe.

Im Grunde möchten wir wider besseren Wissens einfach nicht GLAUBEN, dass es zu Morandis Flaschen, Krügen, Schüsseln, Vasen, Schachteln vom Frühwerk der 1920er bis in die 1960er Jahre in Siegen Realitäten gäbe – auch wenn vor allem Luigi Ghirris nahezu kongeniale Fotos aus Morandis Atelier in Genua dies vorgeblich unumstößlich beweisen.

DIESE Illusion wollen wir uns tunlichst bewahren.*

^{*Wir werden Morandis Atelier aus diesem Grund auch
niemals betreten. KEINER von uns Dreien. Never ever.}

Es gibt in unseren Augen halt oft zwei Wahrheiten in der Kunst, und die profanere ist uns immer ein bitzeli zu schal.

Und wo sind nun die echten Flaschen?

Durch die unserer Meinung nach nichts weniger als umwerfende Morandi-Schau in Siegen kam uns nach Jahren die verschüttete Erinnerung an das Flaschen-Bild in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer in Rösrath wieder in den Sinn.

Plötzlich erinnerten wir uns, dass Mary Bauermeister uns den Namen des Künstlers auf einen blauen Klebe-Zettel in den Dummy unseres Hexenbuchs geschrieben hatte! Wir sahen nach. Tatsächlich, da stand er: Josta Stapper.

Wir spürten Josta Stapper im Kunstzentrum Wachsfabrik auf: einer zauberhaften Künstlerkolonie bei Köln, in der auch Mary Bauermeister kurz ein Atelier bewohnte, bevor sie zurück ins Märchenreich nach Rösrath zog.

Unser Hexenbuch hatte sie Josta Stapper vor Jahren zugeschickt. Vor allem dies öffnete uns die Tür.

In Josta Stappers Badezimmer wurde einstmals das Paraffin für die Kerzen der Wachsfabrik geschmolzen: Die acyclischen Spritzer klebten noch auf der Wand hinter dem Spiegel. Verstaubte Flaschen wie die vom Gemälde in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer standen in den Regalen.

Die Zeit stand still. Auch hier.

^{Foto oben: Der Dummy unseres Hexenbuchs mit blauem Klebezettel
von Mary Bauermeister in Josta Stappers Atelier, Köln 2025}

Nein, Giorgio Morandi habe ihn nicht wirklich beeinflusst, so sehr er seine Bilder schätze, sagt Josta Stapper: „Ich bin ja Realist“.

Vielmehr sei er eines Tages ganz profan in den Keller der einstigen Wachsfabrik gestiegen, und da lagen diese Apotheker-Flaschen mit Chemikalien aus den alten Beständen. Die habe er dann mitgenommen in sein Atelier. 

Wie unter Zwang?

Ihr Alter habe ihn fasziniert, die Form, der (echte) Staub, sagt Josta Stapper. In immer neuen Konstellationen habe er sie immer wieder malen müssen – bis heute.

Wie unter Zwang, Herr Stapper? Wir haben nicht gefragt.

^{Foto oben: Unvollendetes Flaschen-Bild
in Josta Stappers Atelier, Köln 2025}

Egal. Wir denken uns dieses Malen des immergleichen Variierten als eine Form meditativer Einkehr, als Zur-Ruhe-Kommen im Prozess des Schaffens. Quasi als Heilung von der Wirklichkeit. Die magnetische Ruhe: Das ist des Profanen andere Seite.

Wie bei Erwin Hapke. Oder bei Peter Dreher, dessen Tag- und Nachtgläser in Siegen vis-à-vis zu Gemälden Giorgio Morandis hängen. Ein bisschen auch wie bei uns, beim Fotografieren von Josta Stappers Flaschen-Stillleben: durch all die Jahre aus der immergleichen Durchblicks-Perspektive in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer.

Und eben, dann doch wieder ähnlich & viel mehr noch als bei uns, trotz aller Unterschiede auch in der sinnlichen Qualität: wie bei Giorgio Morandi selbst.

Stappers Erinnerung geht anders

Das Flaschen-Bild habe Mary Bauermeister ihm Anfang der 1990er Jahre abgekauft, als sie noch Nachbarin und Nachbar waren, sagt Stapper – ein Zehntel ihrer Einkünfte floss ja Zeit ihres Lebens in Werke von Künstler*innen, die knapper bei Kasse waren. 

Ob Mary Bauermeister Flaschen nach dem Abbild seines Bildes zusammengesammelt habe, um sie darunter zu drapieren? Von diesem Reenactment der Wirklichkeit nach seiner künstlerischen Vorgabe will Stapper nichts wissen. Seine Erinnerung geht anders.

Tatsächlich habe er Bauermeister die Vorbilds-Flaschen aus dem Wachsfabrik-Keller mitsamt dem Gemälde überlassen. Sie habe es sich so gewünscht.

^{Foto oben: Perspektiven-Variante, aber immer noch
durch’s Fenster: Josta Stappers Flaschen-Stilleben in
Mary Bauermeisters Arbeitszimmer, Rösrath 2019}

Zwei mögliche Wahrheiten, eine ist profaner, die andere womöglich Illusion. Wie bei den Flaschen von Giorgio Morandi.

Wir wissen nicht, welche Geschichte stimmt – die von Mary Bauermeister oder die von Josta Stapper. UND wir wissen nicht, welches die echten Flaschen sind, die in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer oder die in Josta Stappers Atelier. Aber eines wissen wir: WIR haben die echten Flaschen, WO auch immer, gesehen.

Was sollen wir sagen, Herr Stapper?

Was sollen wir also sagen, Herr Stapper? Wir finden, dass Ihre Kunst mehr mit Giorgio Morandi zu tun hat als Sie denken. Da gibt es viele Resonanzen, zumindest unserer bescheidenen Meinung nach. Wir haben versucht, das aufzuzeigen. Und wir empfehlen Ihnen sehr, nach Siegen zu fahren, ins MGK, um diese Resonanzen mit eigenen Augen zu entdecken. Andere zu sehen gibt es auch.

Darüber hinaus: SO viele grandiose Stillleben mit Flaschen, Krügen, Schüsseln, Vasen, Schachteln – womöglich OHNE reale Flaschen, Krüge, Schüsseln, Vasen, Schachteln – also: So viel wundervoll pure Malerei bekommen Sie so schnell sicher nicht mehr zu sehen.

Dies zumindest ist eine – keineswegs profane – Wahrheit, auf die man sich, trotz deri unterschiedlichsten Erinnerungen im Hintergrund, einigen kann. (25.01.2026)

^{„Giorgio Morandi, Resonanzen“ ist noch bis zum 22. März 2026 im Museum für Gegenwartskunst (MGK) in Siegen zu sehen, das in diesem Jahr zudem sein 25-jähriges Bestehen feiert. Nochmal: Unbedingt hingehen, Josta Stapper!}

^{Anmerkung: Als wir Josta Stapper die Geschichte von den nachgesammelten Flaschen Mary Bauermeisters bei unserem ersten Besuch im Atelier erzählten, da sagte er noch, davon habe er nichts gewusst: „Aber das erfüllt mich mit Stolz“. Das wollen wir Illusionisten von der KunstArztPraxis an dieser Stelle nicht verschweigen – dass auf MBs Flaschen im Märchenreich kein Staub war ebensowenig! Ob danach die Erinnerung daran zurückkam, wie es wirklich war, wie er uns später schrieb? Wir haben Josta Stapper nicht gefragt, auch hierzu nicht. Manche Wahrheit darf in der Kunst getrost im Dunklen bleiben.}

Das MGK Siegen in der KunstArztPraxis:
„Meine Juden“: Miriam Cahn im MGK Siegen
Katja Novitskova: Die glücksberaubten Pinguine
Mariana Castillo Deball: Im Museum der Zukunft
Mehr als heiße Luft: „Die Wolken und die Wolke“ in Siegen
Die Wachstumskurven der Katja Novitskova
Schach in der Mausefalle: Zum Tod von Takako Saito

Homepage des MGK Siegen

Der Beitrag Wo sind die echten Flaschen? Giorgio Morandi in Siegen erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Gestern (30.09.2025) starb mit Takako Saito eine der letzten großen Fluxus-Künstlerinnen. Wir lernten sie leider erst mit 88 kennen und begegneten ihr nur sporadisch. Aber 2024 durften wir in ihr Wohn-Atelier in Düsseldorf. Wir sind sehr froh, dass dies dank hartnäckiger Fürsprecher noch möglich war.

Als wir Takako Saito 2017 im Museum für Gegenwartskunst (MGK) in Siegen zum ersten Mal sahen, stellte sie gerade eine Mausefalle samt integrierter Schach-Schule als Köder auf einen Ausstellungstisch.

Sie zögerte keine Sekunde, als wir sie baten, sich für ein Porträt dahinter zu platzieren. Und dann spielte sie mit trippelnden Fingern & unbändiger Heiterkeit für unsere Kamera graues Mäuschen.

Wir begriffen das erst später, aber auch die Fotos, die wir davon machten, entstanden im Rahmen von Takako Saitos dialogischem Kunst-Konzept: Ihr Posieren war ein Spiel, eine wortlose Kommunikation mit uns als agierenden & reagierenden Betrachtern. Mit öffnendem Lachen gefangen nehmen für etwas, das im Idealfall Zug um Zug entsteht: Das war ihr „You & Me“.

Unsere Reaktion auf die trippelnden Finger jedenfalls war, in die Hocke zu gehen und nicht auf die Künstlerin im Hintergrund, sondern auf die Schach-Schule für Mäuse vorne zu fokussieren: Unser Gegenzug zu Takako Saitos fulminanter japanischer Eröffnung. 

Das Foto-Schach geht weiter

In Siegen ging ihr Foto-Schach für uns weiter: Für unsere Fotos eröffnete Takako Saito eines ihrer legendären interaktiven Verkaufsstand-Objekte. Sie schlüpfte bereitwillig abwechselnd in eines ihrer Klang- und ihrer Bücherkleider. Und dann spielte sie auch noch auf einer Kunstrasen-Decke und einem Gesichts-Spielfeld mit uns Foto-Murmel-Schach. 

Es endete unentschieden, im Murmelschach ist sowas gang & gäbe. Denn die Regeln entwickeln die Spieler während des Spielens, man kann sich nicht hinter Vorgaben verstecken. Man ist gezwungen, die Phantasie mitziehen zu lassen wie die Wolken am Firmament. Alles entsteht als Vereinbarung im Augenblick.

Das ist die eigentliche verführerische Falle, in die man bei Takako Saitos heiteren Kunst-Ködern unentwegt tappt. Das lernt man wie die Mäuse in ihrer Schach-Schule allerdings erst, wenn man schon in der Falle sitzt.

^{Takako Saito. You and Me, Museum für Gegenwartskunst, Siegen 2017}

Danach begegneten wir Takako Saito jahrelang nur über Bande, teils über Spuren. Einmal kaufte das Kunstmuseum Bochum ein Porträtfoto an, das wir in Siegen von ihr im (ebenfalls vom Museum angekauften) Klang-Kleid gemacht hatten, ein andermal lag auf dem Schreibtisch von Mary Bauermeister in Rösrath neben einem alten Ausstellungs-Flyer einer ihrer vielen Briefe.

Mary Bauermeisters Anschrift steckte in den vier Mägen eines gutmütigen Nutztiers.

Schon wieder in der Mausefalle!

Und als wir 2023 im Wohn-Atelier des kurz zuvor verstorbenen Künstlers Eduard „Edi“ Roijen in Düsseldorf Knochenwesen für ein Foto-Buch fotografierten, lag da ein Kunstwerk, das Takato Saito ihm gewidmet hatte: „Drei Töne Musik für Edi“ von 1999 – ein halbdurchsichtiger weißer Stoffsack mit rotem Band, der mit Takato Saitos typischen Papierwürfeln gefüllt war.

Wir machten sofort Musik damit, es war zu verlockend: Es raschelte köstlich. Unser kleines Requiem für Eduard Roijen, gespielt auf Takako Saitos Instrument. 

Schon wieder in der Mausefalle.

2022 kam eine Museumsdirektorin auf die Idee uns vorzuschlagen, im Wohn-Atelier von Takako Saito zu fotografieren: Wie Mary Bauermeisters Märchenreich, so sei auch dies ein zauberhafter Ort – wenn auch auf ganz andere Art und Weise! Also fragten wir, neugierig geworden, über Bande bei Takako Saito an.

Sie fand die Fotos schön

Im Grunde war Takako Saito nicht abgeneigt. Mary Bauermeister hatte ihr unser Hexenbuch von ihrem Märchenreich geschickt, sie fand die Fotos schön. Aber sie wollte ihr Atelier für uns erst noch herausputzen, auch die japanische Gastfreundschaft stand lange im Weg: Um uns in ihren Augen angemessen empfangen zu können, hörte man immer wieder aus Düsseldorf & Köln, fehle ihr leider die Kraft.

Aber wir hatten unter ihren Vertrauten geduldige Fürsprecher. Nach etwas mehr als zwei Jahren hatten sie Takako Saito überzeugt – oder überredet? –, uns zu empfangen. Es waren eben dickere Bretter zu bohren gewesen als die, die wir kurz darauf überall in ihrem Atelier auf dem Boden und in der Ecke stehen sahen.

2024 also sahen wir Takako Saito in ihrem Wohn-Atelier in Düsseldorf wieder, das in einem etwas abgelegen, nur über Trampelpfade zu erreichenden Atelierhaus des Kulturamts Düsseldorf angesiedelt war.

Schon mäuseklein geschrumpft

Takako Saito saß versunken auf ihrem Sofa, jetzt war sie fast schon mäuseklein geschrumpft, gefangen im Käfig ihres schwachen Körpers. Sie sprach inzwischen besser Deutsch als Englisch, ihr Gehirn hatte irgendeinen Sprach-Schalter umgelegt. Die Heiterkeit war noch vorhanden, aber eher gedämpft als unbändig. Es war ein Leben in den vorvorletzten Zügen.

Wir erinnern uns noch an ihre Trippelschnitte im Flur des Ateliers – keine Trippelfinger mehr wie vor sieben Jahren im MGK: jetzt Trippelfüße –, als sie uns mit ihrem primitiven Rollator entgegenkam. An ihre pumpende Gymnastik, um den heruntergefahrenen Kreislauf wieder in die Gänge zu bekommen. 

Auch hier die große Disziplin, die bei aller spielerischen Freude aus Takako Saitos Werken spricht. Das Leben als Summe aus Kunst UND Arbeit.

Wie viel Arbeit in den Werken von Takako Saito steckt, begriffen wir eigentlich erst bei unserem Besuch im Atelier. Denn die sieben Räume, aus denen es bestand, waren vollgefüllt mit Handwerkszeug.

Eine Ständerbohrmaschine und ein Bandschleifer war darunter, eine elektrische Dekoupier- und eine Tischkreissäge, aber das beschreibt nicht im Ansatz die Fülle im Atelier, die hoffentlich unsere Bilder vermitteln. Denn Takako Saito hatte alles selbst gemacht.

Nicht nur die teils ungeheuer filigranen Schachspiele, Holzfiguren, Leitern, Kleider, Skulpturen, Fluxus-Kästen, Spielköpfe, Verkaufsstände, Spezialbücher, Papierwürfel-Kosmen für Performances: auch die Möbel in ihrer Wohnung: die Tische, die Couch, das Bett, die Küche, den Holzfußboden.

Alles DIY einer Selfmade-Frau, mit selbst beigebrachter, durch Talent & Phantasie durch die Jahrzehnte perfektionierter Technik.

Inklusive fast wissenschaftlicher Experimente mit Lacken, Orangen-Schalen, Pfirsich-Kernen, Stempel-Farben, Tusche, Tinte, Pflanzen-Säften, Bügeleisen, Pergament-Papier.

Als wir später erfuhren, dass Takako Saito auch ein Farbmischverfahren entwickelt hat, das von einer Kunstdruckerei übernommen worden ist, wunderte uns das nicht einmal ansatzweise.

Praktizierter Fluxus at ist best

Kunst & Leben, Werk & Gebrauchsgegenstand gingen in diesem Wohnatelier ohnehin ineinander über. In DIESER riesigen Mausefalle hatte Takako Saito mit sich selbst Schach gespielt. Im Grunde praktizierter Fluxus at ist best.

Und hier noch unsere Besuchs-Impressionen vom Werkstatt-Atelier (die Kunst, die vorher in der großen Ausstellung in Bochum war, war allerdings noch größtenteils verpackt):

In diesem Sinn: Leb wohl, Takato Saito, im Diesseits ist der letzte Zug getan.

Und mache dort, wo du jetzt bist, unbedingt wieder einen hippen You-&-Me-Laden auf! Mit Phantasie-Schach und Mausefallen, in die man sicher auch da, wo du jetzt bist, allzu gerne tappt. (01.10.2025)

Appendix: Wie wir einmal Takako Saitos Wohn-Atelier (kurzzeitig) erhalten halfen

Wir haben es bisher verschwiegen, aber ein wichtiger Grund für den schlechten Allgemeinzustand Takako Saitos bei unserem Wiedersehen im April 2024 war das Kulturamt der Stadt Düsseldorf. 

Kurz vorher hatte die Institution zur Förderung der Künstler*innen in der Landeshauptstadt nämlich beschlossen, das Atelierhaus, dessen Vermieterin es war, aus denselben niederen Rentabilitätsantrieben abreißen zu wollen, aus denen gemeinhin der kulturlose Immobilienspekulant agiert. Takako Saito hatte man fristlos gekündigt. Die Künstlerin saß in einer ganz anderen Mausefalle fest als jene, die sie zur Freude Aller im Wohn-Atelier gebaut & gebastelt hatte.

Niemand war vor Ort

Nach langem, unter anderem durch Visa-Probleme provoziertem Nomadenleben in teils überaus prekären Verhältnissen sollte Takako Saito, die vor ihrer Künstlerlaufbahn Putzfrau, Köchin, Kindermädchen, Erzieherin und Verkäuferin war, ihre erste jahrzehntelange Heimstatt, in der sie über drei Jahrzehnte lang ihre Kunst geschaffen hatte, wieder genommen werden: mit 95 Jahren. Ohnehin hatte man ihr, wie den anderen Künstler*innen im Hause, das Wohnen und Arbeiten in der Manier des der kulturlosen Immobilienspekulanten schon ziemlich unangenehm gemacht. Als wir kamen, hatte sie aus Sorge schon viele Nächte lang nicht mehr geschlafen.

Zum Glück hatte Takako Saito viele Freund*innen & Fürsprecher*innen – darunter auch jene, die sich über zwei Jahre für unseren Fotobesuch bei ihr stark gemacht hatten. Der engste Kreis dieser Freund*innen & Fürsprecher*innen hatte eine Anhörung im Kulturamt erwirkt, um das Ruder vielleicht doch noch einmal herumzureißen. Wenige Tage nach unserem Besuch begab sich eine Delegation zum Zollhof 13 in den schnieken, aufwändig sanierten Medienhafen. Mit im Gepäck waren unsere Fotos: Die wollte man dem Kulturamt zeigen, um sie zum Erhalt des Ensembles zu bewegen.

Offenbar hatte es niemand für nötig befunden, sich das einfach einmal vor Ort anzusehen.

Was sollen wir sagen?

Was sollen wir sagen: Die Anhörung klappte! Das Kulturamt setzte Takako Saitos Kündigung zumindest aus. Auch wenn man sich in der materialistischen Logik des kulturlosen Immobilienbesitzers weiterhin weigerte, das marode Gebäude zu renovieren oder auch nur instand zu halten, durfte Takako Saito doch immerhin dort wohnen bleiben. Das Aufatmen der Delegation im Zollhof 13 war bis nach Köln zu hören.

Zudem versprach das Kulturamt, mit nach einer Lösung zu suchen, um Takako Saitos Wohn-Atelier in irgendeiner Form zu erhalten! Wir konnten ja nicht Mäuschen spielen, aber wenn wir der Delegation, die uns im Nachhinein berichtete, Glauben schenken dürfen, dann waren unsere Fotos für dieses Versprechen des Kulturamts entscheidend.

Darauf waren wir, leider nur kurzzeitig, mächtig stolz.  

Dann brach ein Rohr im maroden Haus, das Wasser fraß sich durch die Wand, erzeugte Schimmel, der auch die Kunst befiel. Takako Saito musste ausziehen, das Kulturamt Düsseldorf hatte gewonnen. Darüber sind wir dem Kulturamt Düsseldorf bis heute mächtig böse.

Takako Saito starb wohl in der Nacht vom 29. auf den 30. September 2025 in einem Altersheim. Wir sind sehr traurig. Führen insgeheim Deine stille Musik auf. Und spielen beizeiten gern mit Deinem Totenhemd. Deine KunstArztPraxis

^{Anmerkung: Um 20:35 Uhr erfuhren wir vom Tod Takako Saitos. An diesem Nachruf haben wir bis heute 4 Uhr morgens geschrieben, es war uns wichtig. Diese eine Nacht-Aktion waren wir Takako Saito schuldig. Nochmals, von allen Drei: leb wohl.}

Mary Bauermeister: Begräbnis mit Feldsalat

„Takako Saito. You and Me“ im Archiv des MGK Siegen

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2015 machten wir gemeinsam mit dem TV-Magazin „WestArt“ eine Multimediareportage zur 49. Art Cologne. Wir wollten gute Kunst von jungen Künstler*innen zeigen, der WDR lieber etwas über die „Stars von morgen“ sehen.

Also wandelten wir mit dem damals schon sehr coolen Direktor Daniel Hug durch seine noch kojenleeren Messehallen und sprachen beim Wandeln über marktgerechte Geheimtipps mit dem Zeug zur Museumsreife. Man muss ja manchmal Kompromisse machen.

Hug nannte Max Frintrop, Peppi Bottrop, Carmen Brucic und Jan Pleitner als vielversprechende Newcomer*innen: Beweis für sein Gespür. Und eben Katja Novitskova, die wir deshalb in den nun kojenvollen Messehallen eine Woche später wiedertrafen.

Wie erinnern uns noch gut an die erste, eher schüchterne Begegnung; an ein leider viel zu kurzes Gespräch; und an eine im lärmenden Gewusel verloren hin und her schwingende, minimalistisch anmutende Babyschaukel, die mit Kabelschläuchen, Hartplastik-Decken und Fischködern als Beruhigungs-Mobile zu einem insektenhaften Alien mutiert war.

Ach ja: An Katja Novitskovas absurde Wachstumsgraphen, in deren Plastik-Laminierungen Fliegen eingeschweißt waren wie urzeitliche Mücken in Bernstein, erinnern wir uns auch.

Seitdem haben wir Katja Novitskova nicht mehr aus dem Blick verloren. Wir trafen sie auch persönlich wieder, unter anderem 2019 im Marta Herford, das drei Jahre später mit Hilfe von uns gut bekannten edlen Spendern – auch aus der KunstArztPraxis, nochmals: Danke! – die Skulptur „Approximation (Biobanks)“ (2022) von ihr erwarb.

Das Lächeln ist sich treu geblieben

So konnten wir miterleben, wie die Wachstumskurve von Katja Novitskovas Karriere seit ihrer „Geburt als Sternchen auf dem Kunstmarkt“ (WDR) stetig nach oben ging – den Nam June Paik Award (2016) sowie ein Beitrag für ihr Heimatland Estland zur Biennale 2017 in Venedig inklusive.

Dabei glauben wir auch erkannt zu haben, wie Katja Novitskova als Künstlerin immer selbstbewusster und immer besser wurde. Ersteres spiegelt sich nicht nur in den mit ihr geführten, später auch längeren Gesprächen: Es spiegelt sich, wie wir finden, auch in unseren Porträts des Zeitraums wider. Und dies, obwohl das verhaltene Lächeln aus den Mundwinkeln heraus merkwürdigerweise komplett gleichgeblieben ist.

Gerade läuft im Museum für Gegenwartskunst (MGK) in Siegen mit „Augen der Welt“ Katja Novitskovas erste Retrospektive in Deutschland, und wenn man deren flattrige, erstaunlich fortschrittsgläubige, weil: immer nach oben zeigenden Graphen tatsächlich einmal biografisch deuten will, dann geht die Karriere der Künstlerin tendenziell weiter steil nach oben.

Auch die Babyschaukel-Aliens sind in Siegen wieder da. Inzwischen sind sie aber noch insektenhafter, vor allem aber: noch komplexer und vielschichtiger, ja: auch museumsreifer geworden, so wie Novitskovas gesamtes Werk.

Sie schaffen das!

In der visuell mit Ruhe und Erregung arbeitenden Schau in Siegen stehen Novitskovas Schaukeln in einem vollgestopften, licht-schatten-dramaturgisch überreizten Raum, in dem sie sich gegen die Konkurrenz aus den eigenen Reihen behaupten müssen.

Und, was sollen wir sagen: Sie schaffen das! Sie sind selbstbewusst und gut genug dazu.

Nach Betrachtung von „Augen der Welt“ können wir mit Fug & Recht behaupten, dass wir Katja Novitskovas Arbeit auch nach all den Jahren teils intensiver Betrachtung immer noch frisch & klasse finden.

Uns imponiert die Stringenz – vulgo: Nachhaltigkeit –, mit der sie aktuelle Themen unserer globalen Gegenwart in unverwechselbaren, mehrdeutigen, nur auf den ersten Blick simplen Bildern verdichtet – und im selben Atemzug unsere emotional aufgeladene Wahrnehmung von Bildern hinterfragt.

Aber dazu haben wir an anderer Stelle ja schon sehr viel geschrieben.

Inzwischen geht es in diesen ausdifferenzierten Werken auch um KI. Das gab es 2015 bei Katja Novitskova unserer Erinnerung nach so noch nicht. Aber auch diese Sensibilität für neue, sozial wie existentiell wichtige Gegenwartsphänomene gehört zu den steilen Graphen dieser Künstlerin, zu ihrer inneren Wachstumskurve, unbedingt dazu.

Ein Resümee nach sieben Jahren

Im Rückblick haben wir damals mit unserem Wunsch nach guter junger Kunst bei den Werken von Katja Novitskova also aufs richtige Pferd gesetzt. Genauso wie der WDR mit seinem Wunsch nach den „Stars von morgen“.

Manchmal gehen Marktgerechtigkeit und Museumsreife, äußere und innere Wachstumskurven halt doch zusammen. Auch ohne irgendwelche faulen Kompromisse. (03.12.2023)

^{„Katja Novitskova. Augen der Welt“ ist noch bis zum 14. Januar 2024 im Museum für Gegenwartskunst (MGK) in Siegen zu sehen.}

Das MGK Siegen in der KunstArztPraxis:
Katja Novitskova: Die glücksberaubten Pinguine
“Meine Juden”: Miriam Cahn im MGK Siegen
Mariana Castillo Deball: Im Museum der Zukunft
Mehr als heiße Luft: “Die Wolken und die Wolke” in Siegen

Homepage des MGK Siegen

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Disclaimer: In diesem Beitrag verwandeln sich zwei glückliche Kaiserpinguine allmählich in eine siamesische Zombie-Möwe. Sollten wir durch die damit verbundenen Fotos Gefühle von Gattungen verletzen, wird uns das noch leidtun.

Das Leben der Tiere ist ein permanentes Drama. Unentwegt passiert Spektakuläres: die große Liebe, das große Fressen, der große Tod. Dazwischen wird zwar kurz mal aufgegähnt oder eingeschlafen, aber auch dies ist dann immer der Inbegriff perfekter Friedlichkeit in einer stets herrlichen Landschaft aus Technicolor.

Im Tierfilm und -foto sind Tiere eine Art Menschen in Extremen: Sie sind grausamer als die Kannibalen, aber auch romantischer als Caspar David Friedrich, treuer als Penelope und zärtlicher als Romeo & Julia. Und dazu sind sie auch noch süßer als ein Kinder Pingui.

Nimm das, Shakespeare!

Eines der schönsten Beweisfotos für letztere Aspekte – Treue, Zärtlichkeit und Süße – stammt von Mike Hill. Es zeigt zwei Kaiserpinguine, deren Körper sich mit ihren symmetrischen Konturen wie ein von Händen geformtes Herz schützend um ihr Junges schmiegen.

Das Junge schaut uns dabei direkt in die waidwunde Seele. Nimm das, William Shakespeare!

So nämlich geht Liebe, die in Familie endet. Wobei wir hier von wahrer Liebe im Sinne von „Notting Hill“ und glücklicher Familie im Sinne von „Anna Karenina“ sprechen, also von ewigem Happy End at end. Hach.

Wir schließen kurz die Augen und träumen uns zum Südpol. Lebte nicht jeder von uns gerne so harmonisch wie diese antarktischen Nachfahren der Raptoren, die wir hier der Einfachheit halber tatsächlich einmal Romeo und Julia nennen wollen?

Schlechter Sex, Ehebruch und Rache

Wen kümmert’s da, dass der Sex zwischen Romeo und Julia garantiert eher frostig-mechanisch ausfiel? Dass Romeo Julia vermutlich schon während der Schwangerschaft mehrfach betrogen hat? Und dass Julia Romeo erstmal aus Rache mit – und auf! – der Brut sitzen ließ?

Dass sich die Eltern kurz nach der Aufnahme Hills wohl neue Partner suchten, mit denen dann das gleiche Spiel von vorn begann, wollen wir erst gar nicht erwähnen. Und die kräftezehrende Langeweile während des Brütens – 60 Tage in der eisigen Kälte einer trostlosen Umgebung! – auch nicht.

Wir träumen uns lieber in das von Mike Hill übermittelte Bild, das wir aus diversen Zeitschriften ebenso kennen wie aus dem World Wide Web.

Und in neuer Form von der estnische Künstlerin Katja Novitskova. Sie hat Hills Foto wie bei den meisten ihrer Arbeiten aus dem Netz gefischt und mit abgesägtem Unterleib in eine überlebensgroße Skulptur aus bedrucktem Aluminium verwandelt.

Nur, dass bei „Approximation I“  (2012) statt der geliebten Brut eine Leerstelle geblieben ist, die auch als Schnittstelle zwischen dem Kunstwerk und unserem eigenen Denken firmieren kann.

Diese Leerstelle macht deutlich, dass das, was wir auf dem Vogelfoto untrüglich an Stolz & Glück zu erkennen vermeinen, vielleicht so gar nicht vorhanden ist. Und dass die ökonomischen und ökologischen, die politischen und – vor allem auch – emotionalen Werte, die wir dem Pferd, der Spinne, dem Pinguin oder dem Flamingo über die Bilder zuschreiben, so absurd sein könnten wie die von Novitskova immer wieder gern herbeizitierten Wachstumskurven-Kapriolen des Finanz- oder auch Kunstmarkts.

Im Übrigen schauen die beiden Pinguine bei Novitskova unendlich traurig aus.

Nicht nur liebes-, sondern nachtblind

Wenn man um Novitskovas Skulptur herumgeht, entpuppt sich das Gesehene ohnehin als Staffage. Sie ist bewusst so platt – und damit eigentlich auch so durchschaubar – wie die seriellen Bilder, die wir von den Tieren haben. Oder so leer wie die weißen Augenhöhlen sich im Mondschein (?) küssender (?) Rehe, die auf Wildkamera-Fotos für uns nicht nur liebes-, sondern auch nachtblind geworden sind.

Noch so ein von Novitskova im Netz gefundenes und in der Siegener Schau vielfach – und in sehr unterschiedlicher Weise – zu Kunst weiterverarbeitetes Motiv.

Dabei ist auch das natürlich nicht wahr. Die abgelichteten Tiere sind nicht blind. Sie schauen ja zurück, die Welt blickt uns genauso an wie wir auf sie. Jeder, der einen Hund hat, weiß, dass er unter permanenter Überwachung steht. Warum sollte das bei der Hyäne anders sein?

Es gibt sie, die „Augen der Welt“, die der Schau in Siegen den Namen gaben. Wir können sie nur nicht sehen, da steht ein künstlicher Blitz zwischen uns und ihnen. Wie diese Augen schauen, wissen wir nicht. Sie sind die große Leerstelle, wie das fehlende Süße bei Novitskovas Pinguinen. Auch deshalb schauen die Pinguine bei ihr vermutlich auf nichts.

Die zweiten Augen der Welt

Wir hingegen blicken auf die Welt ohnehin eher mit den technischen Augen der Welt, die der Schau in Siegen ebenfalls den Namen gaben. Den Fotoapparaten, den Filmkameras. Oder den Sonden und Robotern, die uns sogar das Unsichtbare: fremde Planeten etwa, übermitteln.

Wobei die Datenströme derart realistisch überarbeitet werden, dass wir glauben: Genau so schaut’s aus auf dem Mars.

Die neuesten Welten-Augen, die für uns sehen, sind die Augen der KI. Novitskova hat ihre Algorithmen auf die Kaiserpinguine von Mike Hill blicken lassen, genauer: auf Bilder ihrer Bilder der Bilder von den kinderlos gemachten Kaiserpinguinen, so vielschichtig und kompliziert ist es im Grunde ja. Und sie hat den Bildern damit einen Abstraktionsgrad gegeben, den der Mensch dem Tier zu geben niemals imstande wäre.

Und wie sieht die KI die Bilder der Tiere, als Maschine ohne Hang zur Vermenschlichung, zu emotionaler Wertigkeit und Projektion? Hm. Irgendwie noch menschlicher als der Mensch, in unseren Augen. Und irgendwie dann doch auch wieder nicht.

Zu Ende generiertes Schnäbeln

Denn der Algorithmus lässt die Schnäbel von etwas, das einmal Katja Novitskovas Kunst-Version von Mike Hills glücklichen Doku-Kaiserpinguinen gewesen sein soll, in „Approximation (Looking Glas Birds of Paradise)“ (2023), der aktuellsten Arbeit der Schau, zärtlich (?) züngelnd (?) miteinander verschmelzen.

Allerdings sehen die Kaiserpinguine nun aus wie eine siamesische Zombie-Möwe. Und das ist ein Bild, das zumindest in unserem Portfolio vermenschlichter Tier-Ansichten trotz Hitchcocks Vögeln bisher komplett fehlte.

Womit auch die Frage geklärt ist, ob ein KI-generiertes Bild ähnliche Emotionen in uns auslösen kann wie ein generiertes aus der Wirklichkeit. In diesem Fall: nein. Wohl eher noch nicht.

Und jetzt noch zu etwas völlig anderem: Wie schon gesagt, überführt Katja Novitskova Internet-Fotos in physisch sehr präsente Cut-Out-Skulpturen, die man umrunden kann & sollte. Im Grunde gibt sie Bildern Bühnen. Wir hingegen überführen Katja Novitskovas Skulpturen mit unseren Fotos zurück in jene Nullen und Einsen, denen sie entwachsen sind und bei denen man sich beim Versuch der Umrundung am Bildschirm die Nase stoßen würde.

Deshalb sehen sich Mike Hills Kaiserpinguine und Kaja Novitskovas Skulptur auf den Fotos oben so ähnlich – was sie realiter nicht sind. Das tut uns leid, liegt aber leider in der Natur der Sache.

Es hilft also nichts

Es hilft also nichts: Sie müssen zum Umrunden selbst nach Siegen! Zumal es dort noch viel mehr zu sehen gibt als Kaiserpinguine. Novitskovas gottesanbeterische Babyschaukeln zum Beispiel. In einem Raum, der Einem die Augen übergehen lässt. Darüber schreiben wir vielleicht später nochmal was.

Dies hier ist lediglich ein Rezept zur eigenen Rezeption. Es will eigentlich nur sagen: Hingehen lohnt sich sehr. Und einfach mal schauen, was die Skulpturen der Bilder so mit Ihnen machen. (08.10.2023)

^{„Katja Novitskova. Augen der Welt“ ist noch bis zum 14. Januar 2024 im Museum für Gegenwartskunst (MGK) in Siegen zu sehen.}

^{Anmerkung 1: Ja, es gibt auch monogame Pinguine. Aber Kaiserpinguine sind eben Romeo & Julia.
Anmerkung 2: Dochdoch, wir wissen, wie „Anna Karenina“ endet. Wir hatten entgegen unserer Gewohnheit nur kurz das Ironie-Lämpchen auf.}

Das MGK Siegen in der KunstArztPraxis:
“Meine Juden”: Miriam Cahn im MGK Siegen
Mariana Castillo Deball: Im Museum der Zukunft
Mehr als heiße Luft: “Die Wolken und die Wolke” in Siegen

Tiere in der KunstArztPraxis:
Betriebsausflüge (1): “Kunst für Tiere” in Rüsselsheim
Wie man dem toten Hasen Joseph Beuys erklärt
“Surreale Tierwesen” in Brühl: Zoo mit Zerberbus
Das Wir im Tier: “Lovely Creatures” in Aachen
Stella Hamberg: Kraft und Sinnlichkeit
Sommerloch-Porträts (2) Pierre Huyghes Hund
Peep-Show mit Tieren: Bertram Jesdinsky in Neuss (gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des MGK Siegen

Der Beitrag Katja Novitskova: Die glücksberaubten Pinguine erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Am 27. Januar 2022 ist das Wetter in Europa wieder einmal viel zu warm und viel zu trocken. Krebskranke Japaner verklagen den AKW-Betreiber von Fukushima auf Schadenersatz in Millionenhöhe. Ein Ölteppich bedroht ein thailändisches Ferienparadies. Und Nordkorea testet ballistische Raketen für sein Atomwaffen-Programm.

Am 27. Januar 2022 bitten die Separatisten in der Ostukraine Russland um Waffen. Und die USA warnen Putin vor „massiven Konsequenzen“ im Fall eines Einmarschs ins demokratische Nachbarland.

Es ist der 77. Jahrestag der Befreiung des nationalsozialistischen Vernichtungslagers Auschwitz-Birkenau: Die Welt gedenkt vor allem der sechs Millionen jüdischen Toten des Holocaust.

Am 27. Januar 2022 malt Miriam Cahn in ihrem kargen Atelier in Stampa eines unserer Lieblingsbilder. Vermutlich ist sie in zwei, drei Stunden damit fertig, ohne vorzuzeichnen, allein aus dem Bildgedächtnis agierend, so wie immer. Und wie immer ist das Werk mit seinen schrecklich schönen Farben von einer emotionalen Dichte, die kaum auszuhalten ist.

Das hat mit Cahns malerischer Brillanz und der dynamischen Unmittelbarkeit ihres Stils zu tun. Aber auch mit motivischen Kniffen. Wodurch wir fühlen, was wir sehen.

Was wir sehen, was wir fühlen

Auf „HÄNDE HOCH! 27.1.2022“ bohrt eine Flüchtlings-Kleinfamilie die Finger derart stark in einen viel zu schmalen Himmel, dass sich die Körper zerdehnen wie auf einer Streckbank. Da muss uns mulmig werden: Denn wir sind die Soldaten, die der Familie mit gezückter Waffe gegenüberstehen.

Die drei Menschen sind nackt; ihnen ist nichts geblieben als ihr nun von uns bedrohtes Leben. Das Mädchen in der Mitte stemmt eine steinerne Last. Die Last drückt es zu Boden wie eine für diese Aufgabe noch gar nicht reife Atlantin aus grauer Vorzeit. Vielleicht stemmt dieses im Beisein seiner Eltern schutzlose Kind das Leid – oder die Schuld? – der ganzen Welt.

Während das Kind mit seiner Wilke; dem Gehirn schon komplett im sandigen Gelb versunken ist, reichen die Hände der Eltern noch knapp über den schmalen Horizont. Keine Hoffnung ist zum Greifen nah. Wir helfen nicht.

Der blaue Mutterschleier besteht aus flüchtig klug gesetzten Pinselstrichen, das weiße Augenpaar des Vaters besteht aus Grauen. Das leere Mondgesicht des Kindes atmet sandige Traurigkeit.

Die gelbe Farbe könnte die Wüste sein, aber vielleicht auch das Meer. Wenn dem so wäre, dann droht der Familie nicht unsere Kugel, sondern der Erstickungstod. Die Natur nähme uns die Arbeit ab.

Die Wirklichkeit gibt diesen Bildern Recht

Wir haben keine Ahnung, ob Miriam Cahn im Atelier Radio hört, aber vermutlich wusste sie während des Malens nichts von der Wirklichkeit, die um ihr Atelier herum passierte. Trotzdem war der 27. Januar 2022 angefüllt mit Ereignissen, die eigentlich allen ihren Bildern Recht geben.

Es geht um den Krieg und sein Folgen, um den Fluch der Atomkraft, um Natur, das Tierische, auch Trieb. Es geht um Cahns persönliche Biografie mit seinen Fluchtgeschichten, um ihr vom Vater geerbtes, bewusst gewähltes Judentum, um ihr Frau-Sein. Es geht um Sex, Gewalt, um hilflose Zerbrechlichkeit.

Vieles davon – wenn auch nicht alles – ist in den wütend-resignierten Strich unseres Lieblingsbilds am 27. Januar 2022 mit eingeflossen. Die sogenannte Flüchtlingskrise ist da nur das sichtbarste Moment.

Noch knapp zwei Monate hängt „HÄNDE HOCH! 27.1.2022“ in Cahns grandioser Ausstellung „Meine Juden“ im MGK Siegen, die in 14 von der Künstlerin selbst eingerichteten Räumen wichtige Werkgruppen und Installationen seit den 1970er Jahren präsentiert. Erst ein gutes halbes Jahr ist seit seiner Entstehung vergangen. Das Bild ist frisch. Aber die anderen, teils 50 Jahre alten Bilder sind es auch.

Draußen führt Russland jenen Krieg, der sich beim Malen schon abgezeichnet hatte. Kernkraftwerke werden beschossen, strategische Atomwaffen sind im Gespräch. Es droht die nukleare Katastrophe. Und im Museum wachsen Cahns atomare Pilze wie bunte Feuerquallen an den Wänden.

Draußen macht der Mensch durchs Klima aus Europa Wüste, Wasser wird knapp, die Flüchtlingsströme wollen nicht versiegen. Und im Museum sinken Cahns nackte Leiber ins übertrieben schöne Blau der Ozeane, dass einem beim Betrachten selbst der Atem stockt.

Masse vs. Schicksal

Letzte Woche haben wir an anderer Stelle gestanden, der Kunst von Ai Weiwei gespalten gegenüberzustehen. Vermutlich liegt das an der intellektuellen Kälte dieses Werks bei Themen, die unserer Meinung nach Wärme, Ergriffenheit erfordern. Aus irgendwelchen Gründen nehmen wir Ai, im Gegensatz zu Cahn, die Empathie und Menschlichkeit nicht ab.

Man kann halt 14.000 auf der Insel Lesbos angeschwemmte Schwimmwesten um die Säulen des Konzerthauses am Berliner Gendarmenmarkt hängen, um auf die zum Himmel schreiende Not von Flüchtlingen hinzuweisen; oder eben ein Bild malen wie „HÄNDE HOCH! 27.1.2022“. Bei letzterem sehen wir die Umarmung, bei ersterem den Stinkefinger. Die Verhärtung auch.

Ersteres imponiert durch das opernhaft Pompöse der Inszenierung („Wow: 14.000 Westen!“) und erzeugt einen leicht frivolen Schauder („von echten Ertrunkenen?“). Letzteres ist eine sehr subjektive, malerisch grandiose Antwort auf dieselbe weltbewegende politische Frage. Dieser verstörende Zorn berührt zumindest uns persönlich mehr.

Begehren vs. Gebären

Liegt darin der Unterschied zwischen einem männlich-sachlichen und einem weiblich-empathischen Blick? Das jedenfalls will Cahn ja schaffen: der stark männlich dominierten Kunstgeschichte eine gleichberechtigte, auf Augenhöhe wahrgenommene weibliche Position gegenüberzustellen.

Dazu gehört auch, das Gewalt von Frauen ausgehen darf und die Grenzen zwischen Sex & Lust & Crime zerfließen. „Weiblich“ meint hier auch die Auflösung der Fronten.

Deshalb ist Cahns in Siegen zu sehender Verweis auf Gustave Courbets „Ursprung der Welt“ keine lockende, abstrakt-gesichtslose, erotisch verklärte Öffnung: Wenn, dann soll man zur Vulva auch den eindringenden oder erigiert davor lauernden Penis sehen.

Oder man soll sehen, wie die Welt unter Schmerzen aus eben dieser „Öffnung in der Mitte“ einer ganzen Person geboren wird. Auch hier ergänzt Cahns feministische Perspektive: Die Geburt als natürlicher Vorgang fehlt in der „männlichen“ Kunstgeschichte ganz.

Moral habe in der Kunst nichts zu suchen, hat Cahn einmal gesagt. Das heißt aber nicht, dass Kunst nicht politisch Stellung beziehen darf – oder nicht Anteil nehmen an den Ungerechtigkeiten und Grausamkeiten der Welt an jenen Tagen, an denen sie, umrahmt von Umweltkatastrophen, Krieg und Vertreibung, manchmal in zwei, drei Stunden entstanden ist.

Natürlich weiß Cahn, dass die von ihr auch in den Siegener Räumen durch Hängung praktizierte Unterteilung in „weibliche“ und „männliche“ Kräfte zu einfach ist. Denn auch sie kann knallhart sein, pornographisch, provokant – das ist ja eine ihrer Stärken. Aber selbst im Brutalsten, Hässlichsten steckt noch Mitgefühl. Wir zumindest glauben das zu sehen: nicht nur in den Motiven. Sogar in den Farben. In der Komposition. Im Strich.

Für uns ist diese Kunst schon deshalb immer wieder ein emotionales Erlebnis. Unserer Meinung nach sollte man „Meine Juden“ im MGK Siegen auf keinen Fall verpassen. (05.09.2022)

^{„Miriam Cahn. Meine Juden“ ist noch bis zum 23. Oktober 2022 im Museum für Gegenwartskunst i(MGK) n Siegen zu sehen. Zur Ausstellung gibt es kostenlos ein wundervolles, reich bebildertes Beiheft.}

Appendix: Warum wir bei Miriam Cahn auch an Mirko denken

Wir haben viel vom Männlichen und Weiblichen in der Kunst gesprochen, aber wenn wir an Miriam Cahns harte Bilder denken, dann denken wir auch an die Weichheit Mirkos. Er war der Freund eines Freundes, den wir vor den sogenannten Jugoslawienkriegen oft in Zagreb besuchten. Einmal nahm er uns zu Mirko, den auf ewig unbekannten Künstler, mit.

Es waren die letzten Monate der Sozialistischen Föderativen Republik Jugoslawien, die Tito schon lange nicht mehr zusammenhielt: Bilder von martialischen Söldnertrupps mit großserbischen Phantasien auf Totenkopf-Fahnen kursierten bereits in den Gazetten, Polizeistationen wurden überfallen, um sich zu bewaffnen. Die Zeit der großen Grausamkeiten war noch nicht angebrochen. Noch gab es keine Häutungen bei lebendigem Leibe, noch keine Massenvertreibung von Muslimen, keine Massenvergewaltigungen, noch kein Massaker von Srebrenica, noch kein Fußballspiel mit abgetrennten Köpfen.

Aber es gab sensible Geister, die dies kommen sahen.

Ein solcher Geist war Mirko: ein stiller, bescheidener junger Mann Anfang zwanzig, soweit wir uns erinnern, mit dichtem schwarzen Haar. Das Malen und Zeichnen hatte er sich selbst gelehrt. Er saß da, in seinem kleinen Zimmer in der Wohnung seiner Eltern, neben der Freudin, und imponierte uns in seiner ganzen tiefen Stille. Wir mussten ihn fast nötigen, uns seine Bilder zu zeigen. Endlich holte er eine Mappe mit Aquarellen unter dem Bett hervor; düstre Bilder von düstren Menschen, es waren Hunderte.

Er müsse solche Bilder malen, sagte er dabei. Um die Welt zu ertragen. Wie sie sei. Wie sie werde. Auch wenn niemand das verstünde. Die Freundin jedenfalls verstand, bei aller Liebe, solche Bilder nicht.

Wir gaben unserer Begeisterung lebhaften Ausdruck. Die Dankbarkeit in Mirkos Gesicht sprach Bände. Wir durften uns eins der Aquarelle aussuchen, es steht seit 30 Jahren in den Räumen der KunstArztPraxis, und wer es sieht, wird vielleicht begreifen, warum wir bei Cahns harten Bildern, die Mirko sicher nicht gekannt hat, bei allen Eigenheiten beider, immer wieder auch an seine Weichheit denken.

1991 begannen die Kriege, wir telefonierten oft mit unserem Freund in Zagreb, reisen war gefährlich, man wusste nicht, was wird. Einmal kam das Gespräch auch auf Mirko. Wir erfuhren, dass er zum Militär eingezogen worden war. Nach einer Nacht an der Front wäre sein schwarzes Haar mit einem Schlag schlohweiß geworden. Seine Freundin hatte ihn verlassen.

Vordergründig starb er nicht von fremder, sondern von eigener Hand. Nicht an der Front, sondern im nunmehr kroatischen Zagreb, wohin man den psychisch Zerbrochenen zurückgebracht hatte.

Es steht zu befürchten, dass die trauernden Eltern die Mappe mit Mirkos Aquarellen vernichtet haben. Sie waren ja so hässlich wie die Nacht der Kriege. Dann wäre unser Bild vielleicht das einzige, das Mirko, den auf ewig unbekannten Künstler, überlebt hat.

Das MGK Siegen in der KunstArztPraxis:
Mariana Castillo Deball: Im Museum der Zukunft
Mehr als heiße Luft: “Die Wolken und die Wolke” in Siegen

Homepage des MGK Siegen
Homepage von Miriam Cahn (mit Cahns tollen Texten!)

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Was europäische Museen in Zukunft zeigen sollen, wird seit einigen Jahren heiß diskutiert. Wenn man das Feld der Gegenwartskunst betrachtet, dann geht der Trend deutlich dahin, sich den Modernen anderer Kulturkreise aus Afrika, Ozeanien oder Südamerika zu öffnen: mehr Sichtbarkeit.

Bei den ethnologischen Museen ist es genau umgekehrt. Restitution heißt hier das Zauberwort. Meint: Rückführung von einst geraubten Exponaten aus den Museen der vermeintlich alten in Häuser der vermeintlich neuen Welt. Weniger Sichtbarkeit.

Die gegenläufigen Tendenzen sind ein Reflex auf den Eurozentrismus und den Kolonialismus von Sammlungsstrategien bis zum 21. Jahrhundert. Also auf die Zentrifugal- und Zentripetalkräfte ein und derselben ignoranten Ideologie.

Brücke ins neue Jahrtausend

Das Museum für Gegenwartskunst (MGK) zeigt mit „Amarantus“ nun eine Ausstellung, die in den Augen der KunstArztPraxis hier irgendwie eine Brücke ins neue Jahrtausend schlägt. Die gegenläufigen Tendenzen in eine Synthese überführt. Weil sie den Eurozentrismus und den Kolonialismus ebenso widerspiegelt wie die alten und neuen Möglichkeiten musealer Repräsentation. Mit ethnographischen Bezügen. Aber nicht vorrangig aus kuratorischer Perspektive, sondern vor allem aus gegenwartskünstlerischer Sicht.

„Amarantus“ ist die erste Retrospektive der mexikanischen Künstlerin Mariana Castillo Deball, deren Werke schon auf der documenta und der Biennale in Venedig zu sehen waren und die seit 2015 Professorin für Bildhauerei an der Kunstakademie Münster ist. Das MGK zeigt in 14 Räumen Bilder, Skulpturen und teils raumgreifende Installationen aus 15 Jahren.

Gezeichnet von Atzteken?

Im Zentrum steht dabei die „Nuremberg Map of Tenochtitlan“ (2013), die auf einem zeitgenössischen Holzschnitt der sagenumwobenen Hauptstadt des Aztekenreichs basiert. 1521 wurde die 100.000-Menschen-Metropole von den Konquistadoren weitgehend zerstört: Als sich ihr Bild massenhaft in Europa verbreitete, war die Abgebildete schon grausam ausgelöscht.

Die Vorlage des Holzschnitts schickte Hernán Cortes 1521 an Karl V., um die Kosten seiner Expedition zu rechtfertigen und den Machtanspruch der spanischen Krone auf das exotische Terrain zu zementieren. Indizien in der bildnerischen Umsetzung sprechen dafür, dass die „erste europäische Karte von Tenochtitlan“ von einem Einheimischen gezeichnet worden ist: eine Perfidität der Geschichte, die viel offenbart.

In „Amarantus“ kolonialisiert die „Nuremberg Map of Tenochtitlan“ als überdimensionierter Druckstock buchstäblich den ganzen Museumsboden – und kann von den Besuchern im doppelten Wortsinn betreten werden. Besetzt von Kopien jener spitzbärtigen Masken und knalligen Verkleidungen, mit denen sich die Azteken (bei Persiflage-Festen auf die für sie verbotenen Karnevalsfeiern der Spanier) über ihre Eroberer lustig machten.

Wissenschaftlich-künstlerische Technik

Für ihre Arbeiten recherchiert Castillo Debal intensiv in Museen und Archiven. Sie kooperiert mit Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftlern und versucht, ihre Methoden in die eigene Arbeit zu integrieren. Dabei geht es nicht nur um den Zusammenhang von Regional- und Weltgeschichte, sondern auch um Prähistorisches.

Die am Bambusgestell hängenden Banner von „Pleasures of Association, and Poissons, such as Love“ (2017) etwas präsentieren die Evolution der Wirbeltiere vom Fisch zum Vogel: anhand von Tuscheabreibungen, die die Künstlerin von Fossilien im Museum für Naturgeschichte in Berlin machen durfte. So vereint eine ebenso wissenschaftliche wie künstlerische Frottage-Technik analytische Forschung mit synthetisierender Kunst.

Maskenknicke im Papier

Was aber können wir überhaupt wissen von der Ur-Natur oder von Fremd-Kulturen? Auch diese Fragen stellt Castillo Debal – etwa dadurch, dass sie rituelle Masken aus Afrika auf Knicke in weißem Papier reduziert oder technische, künstlerische und rituelle Artefakte aus Mexiko in Zusammenarbeit mit traditionell arbeitenden Töpferinnen der Regionen zu einem Totem schichtet, das wir eher mit indianischer Kultur verbinden. Zu Recht? Müsste man recherchieren.

Und was dürfen wir von einer fremden Kultur im eigenen Museum behalten? Wieder so ein Punkt, auf den „Amarantus“ anspielt. Viele der wenigen Kodizes, die die Konquisatoren von Maya, Atzteken oder Mixteken unversehrt ließen, lagern heute in westlichen Privatsammlungen oder italienischen Bibliotheken. Ein Großteil übrigens im Vatikan: Resultat des Umstands, dass die Gier von Eurozentrismus und Kolonialismus immer missionarisch gerechtfertigt worden sind.

Gewächshaus für die Blumen

Doppelbödig ausgewählt und assoziativ verbunden ist vieles bei Castillo Deball. Auch der Ausstellungstitel. „Amarantus“ ist eine schon von der Coxcatlán-Kultur in Tehuacán kultivierte Pflanzengattung. Ihre Samen sind in Mexiko noch heute ein wichtiges Nahrungsmittel – und waren wegen ihrer religiös-rituellen Funktion in der Kolonialzeit teils verboten.

„Amarantus“ verweist laut Ausstellungstext im Griechischen semantisch zusätzlich auf die Vorstellung einer ewigen Blüte. „In ähnlicher Weise begreift Mariana Castillo Deball auch die Objekte, denen sie folgt“, heißt es dort. „Selbst außerhalb ihres Kontextes gleichen sie nie verwelkenden Blumen.“

Wenn wir das Bild weiterdenken, dann sollten die Museen für diese Blumen das Gewächshaus sein. Vielleicht ja auch in jener künstlerisch-wissenschaftlich erneuerten Form, die Castillo Deball in Siegen vorschlägt. Fernab von eurozentristischen und kolonialistischen Wurzeln, aber mit Reflexionen auf diese unterirdische Vergangenheit. Ruhig ethnographisch gewachsen. Aber dann künstlerisch ausgereift. Und damit für neue Deutungsmuster offen.

Und die gestohlenen Originale können dann gerne in die Ursprungsländer zurück.

Informationen zu „Amarantus“ vom MGK Siegen

^{Mit Ausnahme von Corona-Lockdowns ist „Mariana Castillo Deball. Amarantus“ noch bis zum 30. Mai 2021 im Museum für Gegenwartskunst (MGK) in Siegen zu sehen. Zur Ausstellung ist auch ein Begleitheft erschienen, das man unbedingt studieren sollte. Sonst entgeht einem viel.}

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Die KunstArztPraxis (11.01.2021)

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