Am Mittwoch (25.03.2026) starb mit Alexander Kluge einer der wichtigsten deutschen Intellektuellen der Gegenwart; er wurde 94 Jahre alt. Wir wollen gar nicht viele Worte machen. Wir erinnern mit Fotos an seine anregende Ausstellung 2017 im Museum Folkwang. Es war auch eine schöne Begegnung.

Danke fürs Shooting, Herr Kluge, für Ihre Zeit, trotz der Strapazen. Und für das tolle Gespräch.

Und, immer wieder: „Ja“.

Ihre KunstArztPraxis (27.03.2026)

Und das haben wir 2017 für den WDR zur Ausstellung geschrieben:

Im Kopf von Alexander Kluge. „Pluriversum“ in Essen

Der Filmemacher und Schriftsteller Alexander Kluge ist einer der wichtigsten deutschen Intellektuellen der Gegenwart. Jetzt kann man ihm mit Filmen, Bildern und Texten im Museum Essen beim Denken und Bildermachen zusehen. Das ist schön, macht aber auch viel Arbeit. Wie großes Kino. Nur ganz anders.

Im Grunde verfertigt sich Alexander Kluges mündliche wie künstlerische Rede wie das Internet. Aus einem schier unendlich scheinenden Wissensfundus schafft er mit großer Leidenschaft überraschende Bezüge, die oft nur auf den ersten Blick willkürlich scheinen. Zwischen Ökonomie und Mythos zum Beispiel. Oder zwischen Liebe, Macht und der Lebenszeit als Währung. Da ist der Weg vom linearen Medium ins multidimensionale Museum nur konsequent.

Berühmt wurde Kluge zum Vertreter des neuen deutschen Autorenfilms („Die Artisten in der Zirkuskuppel: ratlos“, 1968), für sein literarisches Werk erhielt er 2006 den Büchner-Preis. Mit seinen als „Fensterprogramm“ ausgewiesenen Gesprächen mit Wissenschaftlern, Intellektuellen, Schauspielern, Musikern oder Schriftstellern unterwanderte er als Trojaner die Oberflächlichkeit des Privatfernsehens. 

Im Museum Folkwang werden filmische Werke gezeigt, die zum Teil zwar auf früheren Arbeiten basieren, tatsächlich aber eigens für die Ausstellung konzipiert worden sind. Was Kluge im „Pluriversum“ will, ist nichts weniger, als die Filmgeschichte technisch wie inhaltlich weiterdrehen, mit den bewusstseinserweiternden Möglichkeiten der vieldimensionalen Präsentation experimentiert. 

„Ich bin mir sicher, dass sich Museen heutzutage zu Werkstätten wandeln“, sagt Kluge in diesem Sinn. Und hat in diese Werkstatt auch seinen „Atlas“ integriert: ein „Gedächtnis der Bilder“, in dem er mit seinen Editoren über Jahrzehnte das Potenzial zentraler Szenen der Filmgeschichte in neuen Sinnzusammenhängen erproben wollte. Von den dabei entstandenen 400 Stunden Film ist in Essen eine kleine Auswahl zu sehen.

Am deutlichsten wird das Konzept wohl im Herzstück der Ausstellung „Die Verflüssigung des Festen“ (2017), deren Titel auf Karl Marx verweist, aber eben auch auf das eigene Programm: eine von fünf Projektoren erzeugte, musikalisch rhythmisierte Bilderflut, die einen Bogen schlägt von Walgesängen über Tiere im Bombenkrieg über die Mediengeschichte des bewegten und unbewegten Bilds bis hin zum G-20-Gipfel ohne Afrika 2017. Und einer Absurdität namens Donald Trump.

Bis unter die Decke füllt sich so der ganze Raum mit Bildern, die in teils ruhigem Fluss, zumeist aber in wildem Stakkato geschnitten sind. Kluge geht es vor allem um die Leerstellen dazwischen. „Ich habe die Bilder ja bewusst gegeneinander geführt“, sagt Kluge. „In den Lücken entsteht eine Epiphanie, ein Bild nur im Kopf des Betrachters. Ein Film minus ein Film minus ein Film minus ein Film ist in der Summe mehr als ein Film.“

„Im Kino sitzen die Menschen ja fest vor einer flachen Leinwand“, sagt Kluge. „Im Museum aber kommt ihre Bewegung zur Bewegung der Bilder noch hinzu.“ So funktioniert „Pluriversum“ in der Manier einer Simultanbühne oder eines mittelalterlichen Mysterienspiels, bei dem der Besucher von Station zu Station wandert. Allerdings ohne die zwingende Logik eines Handlungsstrangs.

In diesem Sinn hat Kluge seine eigene Arbeit mit dem Weben und Wirken der mythischen Ariachne verglichen, die Athene aus Eifersucht wegen der von ihr in Kleider verwobenen Bilder und Geschichten in eine Spinne verwandelte. Darauf verweist der Eingangsraum: ein Firmament aus Schlüsselwörtern, das im Pluriversum Kluges als Navigationshilfe dienen soll.

„Eigensinn“ steht da zu lesen, „Philosophie der Fußsohle“, „Stalingrad – Das Knie“, „Eingemachte Elefantenwünsche“. Das ist zwar poetisch, aber auch esoterisch und hilft nur dem Eingeweihten, der sich eh schon auskennt. Oder, um im Bild zu bleiben: In der fein wie von Ariachne gesponnenen Textur von Kluges labyrinthischem Denken fehlt dem Einsteiger bisweilen der Ariadnefaden.

Das gilt für manche der teils vom Ausstellungsteam wundervoll arrangierten und präsentierten  Objekte, die ihre Geschichte partout nicht von sich aus preisgeben wollen. Das gilt für Texte und Bücher anderer – befreundeter? – Autoren, die als Sterne die Gedankenwelt Kluges spotartig beleuchten, von denen man aber nicht unbedingt weiß, welche Stelle. 

Das gilt aber auch ein wenig für die interne Struktur der Schau. Nach welchen Kriterien etwa werden manche Filme in Flachbildschirmen an die Wand geworfen, sodass man als Besucher passiv konsumieren muss, während andere an einem Medientisch auf Tablets darauf warten, animiert zu werden? Man kann darauf kommen, hätte den Kopf aber gerne von Anfang an für andere Überlegungen frei.

Für Überlegungen zum Beispiel, die Kluge mit dem archetypischen Bild eines Hauses und seiner aus den Angeln gehobenen Tür unter Verweis auf ein Grimmsches Märchen einen ganzen Kosmos an Assoziationen lostritt. „Das Haus in Mitteleuropa ist nicht beweglich, kann vor Gefahr nicht ausweichen wie das Schiff des Ulysses“, steht an der Fassade. Wen also hineinlassen ins Haus Europa? Und wen abweisen?

„Inhaltlich, formal und technisch ist diese Ausstellung die komplexeste, die jemals im Museum Folkwang zu sehen war“, betont denn auch Museumsdirektor Tobia Bezzola, der das Museum nach fünf Jahren Richtung Lugano verlässt. „Das braucht Zeit.“ So hofft Bezzola den auch auf „Besucher, die mehrmals kommen“. Im Folkwang geht das. Schließlich ist der Eintritt kostenlos.

So entspricht „Pluriversum“ nicht zuletzt dem Selbstverständnis eines Hauses, das sich eigentlich keine Besucher, sondern Bewohner wünscht, die immer einmal wiederkehren, um auf Entdeckungsreise zu gehen oder sich in ein Lieblingsbild zu versenken. Und auch in Kluges Kopf muss man sich halt ein wenig einnisten, um sich darin heimisch zu fühlen.

So funktioniert die ganze Ausstellung in Essen wie jene Flaschenpost, die den Besucher auf einem Podest im Eingangsbereich erwartet. In Seenot warfen Seeleute sie ins Wasser, heißt es da: „Solche Hoffnung zeigt Mut“. Bei Kluge ist das immer vor allem der kantianische Mut, sich seines eigenen Verstandes zu bedienen. An dieser Anstrengung eigener Aufklärung kommt im „Pluriversum“ niemand vorbei.

Und dann schafft die Ausstellung auch noch einen Bezug zu Kluges Schwester Alexandra, die in zentralen Filmen wie „Abschied von Gestern“ (1966) oder „Macht der Gefühle“ (1983) Hauptrollen spielte und im Juni 2017 starb. „Sie fehlt mir sehr“, sagt Kluge. An diesen Stellen merkt man einmal mehr, dass das Denken dieses eher sanften Menschen nicht kalt analytisch funktioniert, sondern auch geprägt ist von großer Emotionalität.

„Alexander Kluge. Pluriversum“ ist noch bis zum 7. Januar 2018 im Essener Museum Folkwang zu sehen. Bei Spector Books ist parallel ein schmaler Katalog mit Bildern, Essays und Interviews erschienen, der sich aber eigentlich als eine Art Künstlerbuch verstehen lässt. Da ist in der Fläche angedeutet, was das Museum bietet. 

Das Museum Folkwang in der KunstArztPraxis:
„Listen to the Echo“: William Kentridge in Essen
Mein Name ist Haare? Frisuren im Folkwang (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Lebenslanges Türenöffnen: Tomi Ungerer zum 90.
„Kippenbergers Kosmos steckt im ‚Kafka’“
Kunst für alle: Keith Haring in Essen

Homepage des Museums Folkwang Essen

Der Beitrag Im Pluriversum. Zum Tod von Alexander Kluge erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte. Vor allem dann, wenn eine Ausstellung mit ihrer Wucht derartig nachhallt wie „Listen to the Echo“ von William Kentridge im Museum Folkwang in Essen! Lassen wir also einfach mal wieder nur die Fotos sprechen.

Zur großartigen Ausstellung selbst haben wir ja an anderer Stelle schon berichtet.

(30.11.2025)

^{„William Kentridge. Listen to the Echo“ ist noch bis zum 18. Januar 2026 im Museum Folkwang in Essen zu sehen. Es gibt noch vier parallele Ausstellungen in den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden; sie enden zwischen dem 4. Januar und dem 28. Juni 2026. Leider schaffen wir es doch nicht mehr hinzufahren.}

Das Museum Folkwang in der KunstArztPraxis:
„Listen to the Echo“: William Kentridge in Essen
Lebenslanges Türenöffnen: Tomi Ungerer zum 90.
„Kippenbergers Kosmos steckt im ‚Kafka’“
Kunst für alle: Keith Haring in Essen

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 34: „Before the Wind“ in Paderborn
Reine Bildgebung 33: „Teilweise möbliert“ in Krefeld
Reine Bildgebung 32: Elias Sime in Düsseldorf
Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguley in Duisburg
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Museums Folkwang Essen

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Bekannt wurde William Kendridge mit Trickfilmen aus Kohlezeichnungen, die sich vor allem mit (kolonialer) Unterdrückung befassen. Zum 70. Geburtstag widmen ihm die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden und das Folkwang Museum eine Doppel-Schau. Letztere ist phantastisch. Und für uns ein Echo.

Wir kennen einen rechten Spießer, der wollte von Beruf unbedingt Tyrann werden. Hat er auch geschafft.

Dieser Spießer hat das Gemüt eines psychopatischen Kleinkinds, ist vulgär, verlogen, herzlos, raffgierig, größenirre, böse, trotzig, feige, menschenverachtend, rücksichtslos, narzisstisch, dumm – und sadistisch gegenüber Schwächeren ist er auch. 

Und keiner hält ihn auf!

Gleich in den ersten Tagen seiner Regentschaft eliminiert er die andersdenkende Elite nebst zwei Ministerien, bevor er sich an den Ärmsten vergreift, die ihm zuvor verehrungsblind zugejubelt hatten.

Und alle knicken ein. Und keiner hält ihn auf.

Der geneigte Lesende hat es natürlich längst erkannt: Beim „dicken Hampelmann“ – O-Ton Gattin –, diesem „dicken Hanswurst“ – nochmal O-Ton Gattin – handelt es sich NICHT um Donald Trump, sondern um Père Ubu, um den herum der gerade einmal 15-jährige Schüler Alfred Jarry 1888 seine gleichnamige Marionetten-Posse schrieb.

Und dessen Theater-Fassung „Ubu roi“ (1896) Dadaisten und Surrealisten gleichermaßen verehrten. 

Sonst wünschte sich der „rechte Lumpensack“ – nochmal O-Ton Gattin – ja keinen „großen Kalabreserhut“ wie Père Ubu, sondern ein albernes rotes Baseball-Käppi mit Pop-Prop-Sprüchen zum öden blauen Maßanzug.

Aber wenn Donald Trump Père Ubu wäre, dann würde er in Grönland und Kanada statt in Russland einmarschieren.

Er würde das Bildungsministerium auflösen. Der Wissenschaft die Autonomie rauben. Statistiken fälschen. Die Meinungsfreiheit abschaffen. Die Justiz unterminieren. Das Militär aufs eigene Volk hetzen. Frieden schaffen, um den Friedens-Nobelpreis zu bekommen. Lügen & betrügen ohne Ende.

Kurzum: Regieren wie ein Horror-Clown.

^{Foto oben: Auch auf diesem Tisch liegen ein paar Tyrannenköpfe! William Kentridge,“
Portraits for Shostakovich Symphony No. 10″ (2022), Museum Folkwang, Essen 2025}

Und er würde in einer Umkehrung historischer Tatsachen rotzfrech behaupten, dass in Südafrika die Schwarzen an den Weißen Genozid begängen, Kotzdonner Schreiße noch einmal.*

^{*O-Ton Père Ubu, natürlich! Donald Trump würde niemals so
f**king fluchen. Und Hassrede beherrscht er ja schon gar nicht.}

Vom üblen Echo der Geschichte

Wie gut, dass es da Künstler wie William Kentridge gibt! Der hat die ebenso grausamen wie absurden Strukturen der Macht nämlich genau studiert: anhand der in seiner Heimat Südafrika bis in die Neunzigerjahre gegen die Schwarzen gerichteten Apartheid, aber auch anhand von Alfred Jarrys „Ubu Roi“.

Eines seiner in Essen gezeigten Videos – „Ubu tells the Truth“ – trägt den Namen des banalen Autokraten im ironischen Titel. Es könnte aber auch, nach einem dieser Pop-Prop-Sprüche auf albernen Baseball-Käppis, „Trump was right about everything“ heißen.

Das üble Echo der Geschichte ist in der Essener Retrospektive – rund 320 Zeichnungen, Grafiken, Tapisserien und Film-Installationen aus fünf Jahrzehnten – nämlich überall zu hören.

^{Foto oben: William Kentridge, „Drawing For the Head & the Load
(O, The Trumpets We Used to Blow)“ (2018), Museum Folkwang, Essen 2025}

Bekanntlich sind wir keine Freunde biografischer Werkdeutung, aber wir möchten dennoch aus guten Gründen betonen, dass William Kentridge als privilegiertes Kind der weißen Oberschicht – und später als privilegierter Erwachsener – in Johannesburg trotzdem der Versuchung widerstand, überheblich zu werden.

Sonst neigen ja vor allem Erben von Wohlstand & Ansehen zu einem gerüttelt Maß an Arroganz.

Bei William Kentridge mag das damit zusammenhängen, dass sein Vater neben anderen Apartheids-Gegnern 1959 auch Nelson Mandela im so genannten Landesverratsprozess verteidigt hatte. Die Mutter war ebenfalls regimekritische Rechtsanwältin.

^{Foto oben: William Kentridge, „Oh the Believe in Another World“ (2022),
Museum Folkwang, Essen 2025}

Auch der Wunsch nach Gerechtigkeit & Gleichberechtigung ist bisweilen vererbbar.

35 Jahre lebte Kendridge im Netz der Apartheid, die Hälfte seines Lebens; sein künstlerischer Erfolg begann – schon wieder einer dieser von uns so geliebten objektiven Zufälle! – fast gleichzeitig zu ihrem Zusammenbruch und dem demokratischen Neuanfang unter Präsident Mandela.

Und was sagt William Kentridge?

Und was sagt William Kentridge? „Mit diesem Gefühl, mit Privilegien aufgewachsen zu sein, geht eine große Verantwortung einher“, sagt William Kentridge! Merkt euch das, ihr Ubus dieser Erde.

Tatsächlich führt uns William Kentridge auch in Essen auf höchst poetische Weise vor Augen, wie Politik in der Geschichte jenseits aller „alternativen Fakten“ von Rechtspopulisten aus künstlerischer Perspektive wirklich funktioniert & war.

Und wir werden gewahr, wie diese Vergangenheit in der gesellschaftlichen & politischen Gegenwart nachklingt.

Die wahre „White Men’s Burden“

Wie bei „KABOOM!“, das mit historischen Dokumenten und den für Kendridge typischen animierten Kohle-Zeichnungen an die rund 1,5 Millionen zwangsrekrutierten afrikanischen Männer, Frauen und Kinder erinnert, die im Ersten Weltkrieg den europäischen Kolonialmächten die Lasten tragen mussten.

Neben literarischen Texten und Musik sind dabei auch Tonaufnahmen zu hören, die von afrikanischen Gefangenen in Deutschland gemacht wurden. Die Bürde des Krieges auf den Schultern der Schwachen: DAS ist die wahre „White Men’s Burden“, Rudyard Kipling!

Oder beim mechanischen Multimedia-Miniatur-Theater „Black Box / Chambre Noire“, das der Niederschlagung des Aufstands der Herero 1904 in Deutsch-Südwestafrika (Namibia) gewidmet ist: mit geschätzten 80.000 Toten der wohl erste Genozid des 20. Jahrhunderts.*

Das das Louisiana Museum of Modern Art die filigrane Arbeit – in unseren Augen eines der großartigsten Werke des Künstlers – nach Essen ausgeliehen hat, ist eine kleine Sensation.

^{*Nur der Vollständigkeit halber möchten wir daran erinnern, dass von 1885 bis 1908, als der „Kongo-Freistaat“ Privat(!)-Kolonie des belgischen Ubus Leopold II. war, um die zehn Millionen Bewohner*innen von den Besatzern ermordet wurden. Vom systematischen Hände-Abhacken wollen wir hier gar nicht reden.} 

^{Foto oben: William Kentridge, „Black Box / Chambre Noire“ (2005),
Museum Folkwang, Essen 2025}

Die andere Hälfte der Miete

Aber Herrschaftskritik ist in der Kunst natürlich nur die halbe Miete. Stillose Verantwortung ist bestenfalls gut gemeinte, platte Botschaft nah am Kitsch.

Das ist bei William Kentridges einzigartigen, mit einer Prise Hoffnung auf eine bessere Welt versetzten Erzählungen über die immergleichen Herrschafts-Typen und die sich ständig wiederholenden Mechanismen der Macht zum Glück anders.

Denn die sind, wir hatten es weiter oben schon einmal angedeutet, visuelle & akustische & verbale Poesie, die sich langsam entfaltet. Mit einer formal unverwechselbaren Sprache.

^{Foto oben: Auch Parolen, aber anders! William Kentridge, „Oh the Believe
in Another World“ (2022, Detail), Museum Folkwang, Essen 2025}

Dabei wird Kunst als Prozess verstanden, bei der Rezeption wie beim Entstehen. Deshalb hat man in Essen auch die Anmutung von Kentridges Studios in Johannisburg nachgebaut, in der man dem Künstler im Nachhinein quasi beim Schaffen zuschauen können.

Und wie ambivalent ist dieser künstlerische Schaffens-Prozess! Ganz anders als das Schwarz & Weiß der Werke suggeriert.

Das zeigt auch die während der Corona-Pandemie entstandene neunteilige Film-Reihe „Self-Porträt as a Coffee Pot“ (2020), in der Kentridge in Ermangelung eines kollaborativen Gegenübers im Studio mit sich selbst in einen widersprüchlichen Dialog tritt: bisweilen sogar in vierfacher Ausführung. 

^{Foto oben: Nachgemachte Wand aus William Kentridges Studio,
Museum Folkwang, Essen 2025}

Dabei geht es um den Zufall und das Schicksal, das Un-Sinnhafte von Ich & Welt – und um die Zweischneidigkeit gesellschaftliche Utopien.

Das widersprüchliche Megaphon

Um diese Ambivalenz des Innen und des Außen aufzuzeigen, greift William Hendridge immer wieder auch auf die „realistische“ Abbildung konkreter Dinge zurück. Die Menschen bleiben bei ihm ja meist nur Schatten ihrer selbst.

Neben einer ziemlich altertümlichen Schreibmaschine und der Espressokanne im berühmten Bialetti-Design ist dabei vor allem das Megaphon das Symbol seiner Wahl.

Ein Instrument für die Propaganda aller Ubus dieser Erde, aber auch für den Widerstand gegen sie. Ein Instrument, mit dem sich die oftmals viel zu leise Wahrheit in die Welt hinausposaunen – und gleichzeitig mit Lügen und Hassrede überschrei(b)en lässt.

^{Foto oben: William Kentridge, „Oh the Believe in Another World (Studio Still Life)“
(2022, Detail), Museum Folkwang, Essen 2025}

Auf jeden Fall sind Kentridges Megaphone laut genug, um uns sogar körperlich zu durchpulsen, im Idealfall ein Echo auszulösen in unseren Seelen & unseren Gehirnen: das innere Echo einer Welt, von der wir eigentlich nur die Schatten sehen.

Das ist William Kentridges brandaktuell bleibende Antwort auf jene immergleiche, grausam-absurde Marionetten-Posse, die man gemeinhin „Welt“ und „Leben“ nennt. In der immer mehr Ubus regieren. Und auf die man am besten mit Kunst reagiert. (28.09.2025) 

^{„William Kentridge. Listen to the Echo“ ist noch bis zum 18. Januar 2026 im Museum Folkwang in Essen zu sehen. Die parallelen Ausstellungen in den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden enden zwischen dem 4. Januar und dem 28. Juni 2026. Vielleicht fahren wir da auch noch hin.}

<sup>Anmerkung: Natürlich geht es in „Listen to the Echo“ nicht nur um Afrika und die menschenunwürdige Arbeit der Schwarzen in den Minen weißer Besitzer. Es geht auch um die Flucht von 350 Menschen vor den Nazis 1941 von Marseille in die Karibik, darunter Künstler und Intellektuelle wie André Breton, Claude Levi-Strauss oder Germaine Krull.

Es geht um Gogols von Schostakowitsch vertonter „Nase“, die ihrem ehemaligen Besitzer, dem ranghohen Beamten Major Kowalew, ranghöher auf dem Kopf herumtanzt. Oder um „Faust“ und die „Zauberflöte“. Aber es geht halt trotzdem immer um Macht und ihren Missbrauch, um Unterdrückung, die Unterminierung von Wahrheit & Gerechtigkeit. Um die Beziehung von Gesellschaft & Individuum. Ums Echo. Und um Poesie.</sup>

Das Museum Folkwang in der KunstArztPraxis:
Lebenslanges Türenöffnen: Tomi Ungerer zum 90.
„Kippenbergers Kosmos steckt im ‚Kafka'“
Kunst für alle: Keith Haring in Essen

Homepage des Museums Folkwang Essen

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Als wir Drei noch Haare hatten, gingen wir gerne zum Friseur. Wobei wir uns bei der Wahl der Coiffeure gern vom Namen ihrer Läden locken ließen: Bis zur Jahrtausendwende zeugten diese Namen nämlich von einer teils enorm schnittigen Phantasie.

„Mähny for nothing“ hießen diese Läden, „NirwanHaar“, „Love is in the Hair“, „O’zopft is!“, „Schnittstelle“, „Conan der BarbHaar“, „Hairforce One“, FairSchnitt“, „BeHAARlich“ oder „Des einen Schneid / des Andren Freud“. Und nicht nur plump, wie heute Usus, „Barbershop“.

Das hochtoupierte Sprachspiel galt einer Kundschaft, der Mainstream & penetrantes Genitiv-Apostrophieren à la „Gabi’s Haar-Manufaktur“ zuwider war. Es ist ja wie beim Essen: Wer zu McDonald’s geht, setzt geschmacklich weltweit auf Minipli. Wer aber einen Gourmet-Griechen frequentiert, der „Feta & Söhne“ heißt: Der will sich überraschen lassen.

Überraschend sind teils auch jene Frisuren, die momentan auf den Fotos im Museum Folkwang in Essen zu sehen sind. In welchen Frisiersalons sie wohl entstanden sein könnten? Dazu macht im Folgenden Jeder von uns Dreien einen Vorschlag – und bringt dabei auch das eine oder andere Politikum aufs Toupet.

Voilà: 

KunstArzt3: Suffo Moncloa: “Gucci/The Face” (2021)

In seinem für Dekadenz-Perioden aufschlussreichen Roman „Marie Antoinette“ von 1932 (!), auf den wir an anderer Stelle schon einmal zu sprechen kamen, beschäftigt sich der weithin unterschätzte Schriftsteller Stefan Zweig auch mit der coiffeur-Kunst des ancien régime, bei der sich höfische Friseure offenbar in einem grotesken Toupierturnier zu überbieten suchten.

Am Ende waren die adeligen Damen offenbar derart haarverlängert, dass sie in der Kutsche nicht mehr sitzen konnten, sondern knien mussten, um nicht mit ihrer création an die Decke zu stoßen.

^{Suffo Moncloa, „Gucci/The Face“, 2021, Museum Folkwang, Essen 2024 (wir finden: falsch herum)}

Nicht nur der guillotineartige Kragen auf Suffo Moncloas Foto legt nahe, dass sich der Friseur bei der Haartracht dieser Gucci-Kampagne von der Ondulierkunst am französischen Hof hat inspirieren lassen. Wir nehmen deshalb an, dass er in einem Laden arbeitet, der „Le Haar, c’est moi“ heißen muss.

Auch denken wir, dass das Foto im Folkwang falsch herum hängt – also so, wie von uns vorgeschlagen hängen müsste! Denn das verhairende Schicksal der adeligen Trägerinnen derartiger Schnitte in der Französischen Revolution ist ja bekannt.

Das erklärte auch den offenen Mund.

^{Suffo Moncloa, „Gucci/The Face“, 2021, Museum Folkwang, Essen 2024 (wir finden: richtig herum)}

KunstArzt1: Herlinde Koelbl: „Angela Merkel“ (1992 / 2006)

Haare können eine Botschaft sein. Wer sich zum Beispiel die durchgeknallten Frisuren heutiger Rechtspopulisten auf der ganzen Welt anschaut, kann darin lesen wie in einem offenen Buch.

„Natürlich bin ich verrückt – sogar bis in die Spitzen!“, lautet diese Botschaft. „Ich leugne das doch gar nicht! Mein haarsträubender Irrsinn ist mir ja wie aus dem Gesicht geschnitten!

Ich bin auch innen jener trashige Horror-Clown, den ihr von außen seht, ihr könnt mir also vertrauen! Wählt mich. Es soll euer Schaden nicht sein!“

^{Herlinde Koelbl: „Angela Merkel“ (1992), Museum Folkwang, Essen 2024}

Diese Botschaft scheint einen Gutteil heutiger Wähler*innen zu überzeugen.

Früher war das anders, zum Beispiel, wie auf den Fotos von Herlinde Koelbl ersichtlich, bei Angela Merkel. Bei ihr sagten die Haare: „Alles bleibt beim Alten, keine Sorge: Wir garantieren Beständigkeit bis in die Wurzeln!

Wir sind – dem Wohlstand sei dank! – im Laufe der Jahre höchstens etwas fülliger geworden. Wählt uns, ihr könnt uns vertrauen! Es soll euer Schaden nicht sein!“

Oder, wie es der Volksmund sagt: „Schönheit vergeht, Haarschnitt besteht“.

^{Herlinde Koelbl: „Angela Merkel“ (2006), Museum Folkwang, Essen 2024}

Deshalb hat Angela Merkel auch nie den Friseur gewechselt! Sie geht seit über 30 Jahren ins „Fundament“ in Ost-Berlin. Wie übrigens die halbe CDU.

Die Mähnen heutiger Rechtspopulisten hingegen entstammen allesamt dem einseitigen Frisuren-Vorschlagsblatt des Salons „Kaiserschnitt“. Dessen Name allerdings einen subversiven Subtext hat:

Er gemahnt den zum Wahnsinn neigenden Tyrannen nämlich auch dramatisch subtil daran, von anderen Tyrannen „abgewählt“ werden zu können, sofern sie „keines Weibes Schoß gebar“.

Aber DIESES Buch zu öffnen & daraus zu lernen, bleibt den Rechtspopulisten verschlossen.

KunstArzt1: Bubu Ogisi und Weronika Gesicka

Die Älteren unter uns werden sich erinnern: Es gab mal eine Zeit, da wütete in Deutschland die Seuche. Damals nutzte die böse Politik im Verbund mit der bösen Wissenschaft die allgemeine Verwirrung schamlos aus, um ihrer Bevölkerung durch Masken den Mund zu verbieten – und Jedermann und Jedefrau musste genau da, wo er oder sie sich gerade schnäuzerte, in Quarantäne.

Wer Querdenker war und das Glück hatte, beim Seuchen-Schnäuzern in einem Frisiersalon zu sitzen, der konnte sich vor Ort mittels Extensions eine undurchsichtige Mähne basteln lassen, mit der sich die Maskenpflicht trefflich umgehen ließ. Und es ist natürlich klar, wo das auf Bubu Ogisis Foto zu sehende Mähnen-Exemplar extensioniert wurde. Na, wo wohl, hmmmm? Natürlich im Frisiersalon „Lock Down“.

Das unten abgebildete Pärchen indes befand sich während der Seuchen-Quarantäne auf einem romantischen Verföhnwochenende in Bart Kissingen.

Wir selbst vermuten übrigens schon seit Längerem, dass der Verlust unserer tollen Tollen mit der Phantasielosigkeit heutiger Frisiergeschäftsnamen in ursächlicher Verbindung steht! Dieses Barbergeshoppe allenthalben ist ja auch wirklich zum Haare-Raufen.

Jetzt wollen wir hier aber mal einen Cut machen – nicht ohne den geneigten Leser*innen allerdings schnell noch „Grow It, Show It!“ sehr ans Herz zu legen. Wir jedenfalls hatten eine Schau-Freude, die in Dauerwellen kam. Und danach waren wir noch bei „Feta & Söhne“ lecker essen.

Bitteföhn. Dankeföhn. Ihre KunstArztPraxis (08.12.2024)

^{„Grow It, Show It! Haare im Blick von Diane Arbus bis TikTok“ ist noch bis zum 12. Januar 2025 im Folkwang Museum in Essen zu sehen.}

Apendix: Herr Strelow. Eine deutsch-deutsche Frisiergeschichte

Als wir Drei noch Haare hatten, gingen wir gerne zum Friseur. Am liebsten gingen wir zum „Intercoiffeur Strelow“ um die KunstArztPraxis-Ecke: Er hatte begnadete Scherenhände. Und weil wir neugierig waren und Herr Strelow als Vertreter seiner Zunft leutselig war, erfuhren wir schnell die hinter dem Namen steckende Geschichte.

1956 war besagter Herr Strelow nämlich deutscher Meister im Frisieren geworden, und zwar im Land der Intershops: der DDR. Weil er sich aber bei der Preisverleihung haartnäckig geweigert hatte, während der Nationalhymne aus den Ruinen – in diesem Fall: aus dem Friseurstuhl – aufzustehen, wurde ihm der Titel sofort wieder aberkannt. 

Seiner Zukunft zugewandt, machte Herr Strelow deshalb vor dem Mauerbau noch rüber – was um ein Haar schief gegangen wäre! –, nahm aber neben Scheren & Messern, Bürsten & Kämmen, Föhnen & Trimmern zur Sicherheit auch das in der DDR Devisen versprechende Präfix „Inter“ im Fluchtkoffer mit.

Im Westen angekommen ließ sich Herr Strelow in der vormals von Napoleon besetzten Ondulier-Metropole Köln nieder: daher das – seiner Kundschaft Glamour verheißende – Inter-Suffix „Coiffeur“: „Intercoiffeur Strelow“ vereinte somit die beiden deutschen Staaten und ihre – teils ja auch äußerst haarige! – Historie wie die Schraube einer Effilierschere ihre beiden zackigen Blätter.

Inzwischen ist Herr Strelow in Ruhestand, den Tönungscreme-Löffel hat er an eine sehr sympathische Deutsch-Türkin abgegeben, Und die ist mindestens genauso leutselig, sprich: zünftig wie er. 

Die ondulierte Prä- und Suffix-Kombi „Intercoiffeur“ hat ihr offenbar gefallen, sie hat sie beibehalten. Aber etwas eigener Esprit musste dann doch noch mit unter die Trockenhaube. Deshalb heißt der Laden jetzt „Intercoiffeur Deluxe“.

Auch DAHIN würden wir gehen. Wenn wir denn noch Haare hätten.

Das Museum Folkwang in der KunstArztPraxis:
“Kippenbergers Kosmos steckt im ‘Kafka’”
Lebenslanges Türenöffnen: Tomi Ungerer zum 90.

Homepage des Museum Folkwang Essen

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Wir Jungs von der KunstArztPraxis sind allesamt Kinder der Siebziger, also aus der Sicht der heutigen Kids medial gefühlte Nachkriegszeit. Wir hatten ja nichts, also: nichts Digitales. Unsere GameBoys hießen Jürgen, Christian und Thomas, unsere PlayStation hieß Bolzplatz, unser Twitter Telefonzelle („Fasse dich kurz!“).

Und unser Darknet hieß „Mail Order Kaiser“.

Bei „Mail Order Kaiser“ gab es alles, was uns in der Provinz verlockend und subversiv erschien, also für den Kauf beim örtlichen Buchhändler tabu: Fotobücher für Erwachsene, Bilderbücher für Erwachsene, Sachbücher für Erwachsene. Teils in der Form von Kunst.

Herrn Kaisers Herrschaftswissen

Oft folgten wir Herrn Kaisers Herrschaftswissen und bestellten auch aus den Serviervorschlägen seines Angebots-Katalogs per Postkarte Augen- oder Hirnfutter.

Diskret verpackt brachte der Postmann Wochen später unter anderem Günter Wallraff und Klaus Staeck ins Haus (wir berichteten), aber auch (wie aus gutem Grund bisher verschwiegen) Erich von Däniken. Und eben: Tomi Ungerer.

Das war ein stichelndes Stricheln, das jeden von uns sofort in Beschlag nahm. Und uns lebenslang diverse Türen öffnete. Falltüren inklusive.

Polaroids: Tomi Ungerer in unseren Jugendzimmern (70er und 80er Jahre)

Dabei hatten wir stets den Eindruck, Ungerer habe seine Feder beim Zeichnen nicht in ein Fass voll mit Tinte getunkt, sondern in eine von ihm selbst angerührte, giftig dampfende Melange aus gesundem Menschenverstand und überbordender Phantasie.

Der sparsame Strich

Von Günter Wallraff lernten wir ein bisschen Medienkompetenz, von Klaus Staeck ein wenig Demokratie. Von Tomi Ungerer aber lernten wir mehr.

Wir lernten den Unterschied zwischen blankem Zynismus und tiefschürfender Satire. Wir lernten, dass Menschlichkeit und Misanthropie siamesische Zwillinge sein können.

Wir lernten, dass eine Linie schärfer und böser wird, wenn man sie sparsam setzt. Dass Humor eine echte Waffe sein kann, sofern er mit chirurgischer Präzision und möglichst schamlos operiert – und in der Kunst oft das beste Rezept.

Prä-Astronautik vs. Post-Apokalyptik

So verblassten selbst Erich von Dänikens Aliens in unseren Köpfen schnell gegen Ungerers echt gruselige, sexsüchtige und schönheitsfanatische Zombies aus den USA.

Oder gegen die verstörend umweltzerstörenden Untoten vom anderen – aber im Grunde dann eben doch wieder vom eigenen – Stern.

Die Tür ins alberne Prä-Astronauten-All von von Däniken jedenfalls knallte wegen Ungerers hellsichtigem Post-Apokalypse-Kosmos schnell ins Schloss.

In Klementines porentiefer Waschküche

Geprägt durch Trickfilm-Serien wie „Biene Maja“, „Wickie“ oder „Captain Future“, wäre uns ohne Ungerers Gegen-Bilder neben Volksliedgut wohl auch der Zugang zu Klassikern wie Johanna Spyris „Heidi“ für ewig verriegelt geblieben.

Und ohne Ungerers formschön-geistreiche Plakate würde unser Verständnis von Reklame vielleicht immer noch im wahnwitzigen Nagelstudio von Tilly oder in der müffelnden Waschküche von Klementine eingeschlossen sein.

Unser kollektiver Ungerer-Lebenslauf

Wir haben unsere von Ungerer flankierten Lebensläufe hier einmal zusammengesetzt zu EINEM Türöffnungs-Curriculum unserer Sauerländer Jugendjahre.

In der Sexta entdeckten wir Ungerers US-Zombies von „The Party“ (1969), in der Obertertia die mordenden Friedenstauben und rassistischen Menschenfresser aus „politrics“ (1979). In der Unterprima kamen noch die Giftwolken-Kraken, Raketen-Jongleure und Atomkraftwerk-Nazis vom „Schwarzbuch“ (1984) dazu.

Da hatten wir bereits den Vorabdruck von Ungerers kanadischem Aussteiger-Tagebuch aus diversen „Zeit Magazinen“ herausgerissen und liebevoll zu einem eigenen Heft mit selbst kreiertem Deckblatt zusammengetackert.

Seitdem wussten wir auch, dass man in Personalunion großartige Bilder machen UND ausgezeichnet schreiben kann – etwas, woran sich in der KunstArztPraxis bekanntlich gleich drei KunstÄrzte abarbeiten.

Und das mit weitaus weniger Talent.

Books of Wonder

Den Tomi Ungerer unserer Jugendjahre nahmen wir in Buchform mit ins Studium und später in die Arbeitswelt, nach Münster, Köln und München, wo wir ja Wissenschaftler, Autoren und Fotografen wurden. Und immer wieder kamen neue Türöffner hinzu.

In New York, wo Ungerers Karriere mit Kinderbüchern begann, erstand der KunstArztPraxis-Fotograf 1992 in einer damals von ihm als zauberhaft empfundenen Buchhandlung in der 18. Straße mit signierten Exemplaren von „Flix“ und „Crictor“ unsere ersten Ungerschen Kinderbilderbücher.

Und das trotz einer Abneigung gegen den Autographen-Kult vor allem, weil Ungerers verschlungen kalligraphischer Unterschrift eine Verspieltheit innewohnte, die bezaubernd war.

Der KunstArztPraxis-Wissenschaftler erstand 1999 ein geistreiches Ungerer-Porträt von James Joyce, über den er damals promovieren wollte.

Der KunstArztPraxis-Autor war 2001 auf der Frankfurter Buchmesse sogar persönlich auf einen Empfang zum 70. Geburtstag Ungerers geladen, den der oft und gern von ihm besprochene Diogenes Verlag ausgerichtet hatte.

Er schüttelte Ungerer wohl auch gratulierend die Hand, kann sich aber trotz penetranten Nachbohrens von Wissenschaftler und Fotograf an nichts Geistreicheres erinnern.

Ein Kinderschuh wird Kettenraucher

Nach einem fehlgeschlagenen Versuch in Zürich durften wir Tomi Ungerer als komplette KunstArztPraxis erst 2016 im Auftrag des WDR während seiner „Incognito“-Retrospektive im Essener Museum Folkwang näher kennenlernen. Da sahen wir vieles aus unserer analogen Jugend zum ersten Mal im Original.

Vor allem aber öffnete sich durch die noch nie zuvor gezeigten Collagen und Skulpturen aus Steinen, Hölzern, Wurzeln, Tierskeletten, Kehrblechen, Küchensieben und Sprungfedern abermals die Tür in eine neue Welt, die aus vertrauten, nur eben neu kombinierten und künstlerisch ergänzten Dingen bestand.

In Essen mutierte ein Kinderschuh zum Kettenraucher. Oder zwei rostige Bleche zu zänkischen Weibern. Oder ein Gepäckträger samt Fahrradsattel zum Hund.

Es war der unschuldig-kluge Blick von einem, der weise geworden und deshalb kindisch geblieben war. Besser hätte Picasso das auch nicht machen können.

Elsass im Herzen, Europa im Geist

Im Gespräch erwies sich ein sehr freundlicher, ausgeglichener und redegewandter Ungerer irgendwie dann selbst als seine eigene Collage, denn der europäische Weltbürger mit elsässischem Herzen wechselte zwischen Deutsch und Englisch und Französisch munter hin und her.

Anekdotenreich war das Gespräch, in dem sich ein Leben zu einem aus Kindheit, Jugend und Reife bestehenden Bilderbuch voller erinnerter Skizzen zusammensetzte – und zu dem wir hier noch eine Anekdote hinzufügen können, die allerdings weniger für Ungerer als für die von ihm erzogenen Jungs aus der KunstArztPraxis wichtig war:

In Essen machten wir nämlich ein Foto, das Tomi Ungerer mit seinem Gehstock zeigt: eine typische Collage-Phantasie-Arbeit mit Fahrradklingel-Humor und Türklinken-Schmeichelei. Letztere von Designer Jasper Morrison.

Später fragte die vertreibende Klinkenfirma bei uns an, ob sie das Porträt in den Sozialen Medien posten dürfe. Tomi Ungerer und wir hatten nichts dagegen. So wurde unserer analogen Sauerländer Jugend dank Ungerer in gewisser Weise sogar noch die Tür zum hochmodernsten Digitalen geöffnet. Jedenfalls schließt sich ein Kreis.

Die Türe um die Klinke zimmern

Für kunstarztpraktische Dienstleistungen lassen wir uns gern in Naturalien entlohnen. Deshalb besitzen wir nun ein Exemplar jener Designer-Klinke, die Tomi Ungerer am Gehstock immer drückte: und zwar die Standardbeschlag-Ausführung in Aluminium-Rundrosette, eine Drückergarnitur mit Profilzylinderlochung für 37 bis 41 Millimeter Türstärke, samt Acht-Millimeter-Stabilstift.

Sie soll dereinst die KunstArztPraxis-Türe schmücken, wenn wir uns verändern. Und wenn wir die Tür extra um die Klinke herum zimmern müssen. Bei den vielen Türen, die Ungerer uns bisher geöffnet hat, ist das ja wohl das Mindeste. (28.11.2021)

^{Anmerkung 1: Der Vollständigkeit halber sei hier auch noch angemerkt, dass wir nach dem Tod Tomi Ungerers im Februar 2019 auch noch zur öffentlichen Trauerfeier in der Kathedrale von Strasbourg eingeladen worden sind, die die Stadt mit dem Musée Tomi Ungerer ausgerichtet hat. Dort hinzufahren haben wir dann aber nicht übers Herz gebracht. DIESE Tür war verschlossen.}

^{Anmerkung 2: Verschlossen war uns auch die Tür zu Ungerers angeblich erotischen Zeichnungen, die der Postmann ein, zwei Mal brachte. Hier blieb es beim etwas enttäuschten Blick durchs Schlüsselloch. Aber vielleicht fahren wir ja noch zu Ungerers Retrospektive in den Hamburger Deichtorhallen. Da wird auch dem „Erotischen“, wie man so hört, viel Raum gelassen.}

Appendix: Im Chirurgen-Dschungel (Mr. Ungerer, I presume?)

Für uns waren Ungerers Bilder nicht nur Türöffner: Sie sind bis heute Entdeckungssafaris in die Urwälder gesellschaftlicher und politischer Abgründe. Abgründe zumal, durch die der Künstler mit der Machete seiner Feder und des Stifts öffnende Schneisen schlug.

Deshalb sind wir immer noch glücklich, dass wir Ungerer 2016 bei seiner Erkundung des Essener Museums Folkwang – vielleicht auf der Suche nach Crictor, seiner Schlange, Otto, seinem Bären, Rufus, seiner Fledermaus, Cromwell, Beowulf und Warwick, seinen Krokodilen? – fotografisch im Dschungel wiederfanden. Noch mit dem eleganten Tropenhut auf dem Kopf, dem Regenwaldmantel am Körper und der Fernglasbrille vor den Augen. Und einem skeptischen Forscherblick.

Später erfuhren wir, dass Ungerer sich selbst als eine Art KunstArzt begriff: „Ich vergleiche das Zeichnen mit der Chirurgie. Eine Feder oder ein Stift führen auf dem Papier eine Operation durch.“

Das bringt uns vielelicht ein wenig näher, ändert aber nichts am Umstand, dass Ungerer für uns immer der Mann mit dem Tropenhut und dem Regenwaldmantel und der Entdeckungssafari geblieben ist. DIESE Breiten des Mensch-Seins lagen hinter den Türen, die er uns für unsere eigenen Expeditionen aufstieß.

Homepage von Mail Order Kaiser (inzwischen nicht mehr postalisch, sondern online)
Homepage von „Books of Wonder“ (inzwischen 17. Straße und weniger zauberhaft)
Homepage des Museums Folkwang Essen (auch mit 100 noch das alte)

Tomi Ungerer in den Hambuger Deichtorhallen (bis 24.04.2022)

Tomi Ungerers Klinken-Phantasien

Der Beitrag Lebenslanges Türenöffnen: Tomi Ungerer zum 90. erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

KunstArztPraxis: Frau Capitain, Kippenbergers Installation „The Happy End of Franz Kafka’s ‚Amerika'“ im Museum Folkwang zitiert jene Romanszene, in der Kafkas Held sich für das mysteriöses Naturtheater von Oklahoma bewirbt, um vom Leben in die Kunst überzuwechseln. Wie Kippenberger?

Gisela Capitain: Nein. Kippenberger musste nicht überwechseln. Er hat sich ja schon mit fünf Jahren als Künstler verstanden. Für Kippenberger schrieb sich sein Leben sofort in seine Kunst ein. Beides war für ihn eine Einheit.

Und das mit einer alle Medien umfassenden Präsenz, wie sie am besten in seiner Kafka-Installation in Essen zum Ausdruck kommt.

Einstieg in den ganzen Kippenberger

KunstArztPraxis: Anders als im „Amerika“-Roman besteht die Bewerbungsszenerie bei Kippenberger nicht aus kleinen, labyrinthisch angeordneten Räumen, sondern aus kompletter – allerdings nicht weniger labyrinthischer – Offenheit. Warum?

Gisela Capitain: Das ist ein typisches Merkmal bei Martin Kippenberger: dass alle seine Werke offene, nicht abgeschlossene Denkmodelle sind, mit denen er sich bei seinem Publikum bewirbt. Das kann der Museumsbesucher sein, die Kunstkritik oder jede andere Instanz oder Person des Kunstbetriebs.

Tatsächlich ist dieses Riesenfeld mit seinen Stuhl-Tisch-Kombinationen in Essen ein möglicher Einstieg in all das, was Kippenberger vor der Entstehung dieses Werkes und in den anderthalb Jahren danach geschaffen hat. Objekte, Malereien, Installationen, Skulpturen, Bücher, Kataloge, Plakate, Musik, literarische Texte: Alles ist irgendwie enthalten.

Gleichzeitig ist die Kafka-Installation auch eine Auseinandersetzung mit allen möglichen kulturellen, gesellschaftspolitischen und kunsthistorischen Themen, die Kippenberger seit den späten 60er Jahren geprägt haben und die er auf seine Weise in sein Werk integriert hat.

Kippenbergers Kosmos, sein vielschichtiges Denken ist darin verwoben. Und das Ganze entwickelt und inszeniert mit einer unglaublichen visuellen Vorstellungs- und Bildkraft, die grundsätzlich sehr wesentlich für sein Schaffen ist.

Die Installation als Jahrhundertroman

KunstArztPraxis: Klingt nach einem gigantischen erzählerischen Opus Magnum…

Gisela Capitain: … und zwar von einer Vielfalt und Komplexität, mit der man eigentlich erst einmal gar nicht klarkommen kann. Da muss sich der Betrachter stückweise durcharbeiten und immer wieder neue Anregungen aufnehmen.

Nicht umsonst war Kippenberger fasziniert von einem Jahrhundertschriftsteller wie Robert Musil. Und nicht umsonst ist der Schreibtisch, an dem Musil seinen Roman „Der Mann ohne Eigenschaften“ geschrieben hat, Teil der Installation. Ein Verweis auf Kippenbergers Vorhaben, ein ähnlich allumfassendes Werk in der bildenden Kunst zu produzieren.

Ein offen-labyrinthisches Angebot

KunstArztPraxis: Bei Kippenberger sind wir dann wohl auch bei Musils Modell eines essayistischen Schreibens, das in seinen unterschiedlichen Lesbarkeiten ja stark auf einen aktiven Rezipienten setzt …

Gisela Capitain: Wie KIppenbergers Kafka-Installation, die als offen-labyrinthisches Denkmodell sehr stark dem Betrachter zugewandt ist. Vergleichbar dem Angebot in Kafkas Roman: Das Theater von Oklahoma bietet Jedem einen Job, wenn er nur Interesse hat. Jeder kann hier Künstler werden. Jeder kann seine eigene Vorstellung dazu entwickeln.

Eine utopische Idee, die Kippenberger dem Betrachter seiner Kafka-Installation anbietet. Das entspricht auch seiner immerwährenden öffentlichen Bewerbung als Künstler.

Das Büro als Bewerbungsmappe

KunstArztPraxis: Wenn man Kippenbergers Büro mit seinen Sitz-Parzellen betrachtet, dann gibt es zur Kafka-Installation einige Parallelen – auch wenn es dort offenbar viel aufgeräumter aussah. Oder?

Gisela Capitain: Ja, das Büro war tatsächlich so etwas wie eine sehr reduzierte Variante der Kafka-Installation, die sehr flexibel war und immer wieder verändert wurde – je nach Veranstaltung. Bei einer Lesung Oswald Wieners sah das Büro anders aus als bei einer Gruppenausstellung oder einem Konzert der Gruppe „Mittagspause“.

Symbol für diese Offenheit und Dynamik war neben dem Mofa, mit dem Kippenberger über die Etage fuhr, sein Schreibtisch. Der stand auf einer Plattform mit Rollen und wurde ständig woanders hingeschoben. Dazu sein Stuhl und bisweilen ein zweiter Stuhl für einen Gesprächspartner.

Hier bin ich!

KunstArztPraxis: Klingt so, als sei auch Kippenbergers Büro wie bei Kafka eingerichtet gewesen für Bewerbungsgespräche jedweder Art?

Gisela Capitain: Ja, das stimmt. Wenn ich darüber nachdenke, war das Büro mit allen Aktivitäten in diesen Jahren in Berlin eine einzige Bewerbung für Kippenberger als Künstler.

Es gab damals die Künstlergruppe der „Neuen Wilden“ mit Rainer Fetting, Helmut Middendorf, Bernd Zimmer und Salomé am Moritzplatz in Kreuzberg, oder die Generation davor um Karl Horst Hödicke und Markus Lüpertz. Kippenberger hat diese Gruppierungen als Herausforderung gesehen und sich sofort in Bezug gesetzt.

Da signalisierte das Büro: Hier bin ich. Martin Kippenberger ist in Berlin. Das ist mein Auftritt, das ist mein Ort, an dem ich mich inszeniere, mit dem ich mich vorstelle und auf sehr provokative Art in Wettbewerb zu euch trete.

Ein plakatierter Lebenslauf

KunstArztPraxis: Auf das Theater wird Kafkas Held durch ein Plakat aufmerksam, dass er interessanterweise für „noch unwahrscheinlicher hält, als Plakate sonst zu sein pflegen“. In der Villa Hügel ist nun ein Großteil von Kippenbergers über 120 Plakaten zu sehen, die das Museum Folkwang als Komplettsatz besitzt. Warum Plakate? Und warum so unwahrscheinlich viele?

Gisela Capitain: Wie die Ausstellungskataloge, so waren auch die begleitenden Plakate für Kippenberger das, was am Ende von einer Ausstellung übrigbleibt: Das belegt auch die aktuelle Ausstellung eindringlich. Kippenberger war immer enttäuscht, wenn eine Galerie oder ein Museum kein Plakat herstellen wollte, und hat am Ende die Druckkosten lieber selbst bezahlt als darauf zu verzichten.

Für Kippenberger waren die Plakate eigenständige grafische Werke, die als Teil der Inszenierung und Selbstdarstellung illustrierten, was er an welchen Orten und zu welcher Zeit seines Lebens gemacht hat. Man könnte sie auch wie ein Künstlerbiographie lesen. Und andererseits waren sie Bild-Text-Collagen, visuelle Muster, Belege und Dokumente jener Ideen, mit denen er sich im Kontext seiner Ausstellungen befasste.

KunstArztPraxis: Also eine Art Bewerbungsunterlagen für die Nachwelt?

Gisela Capitain: Ist das Schaffen eines Künstlers nicht immer eine Bewerbung für die Nachwelt?

Nachfolger des Dadaismus

KunstArztPraxis: Wenn man durch die Plakate-Ausstellung der Villa Hügel geht, hat man teils das Gefühl, man schlendre durch einen Architektur gewordenen Roman – so verwoben sind die Worte der verschiedenen Blätter in der Gesamtschau der Kapitel miteinander. Wieviel Dichter steckte denn in Martin Kippenberger?

Gisela Capitain: Sprache war für Kippenberger immer ein zentrales Element, nicht nur bei den Plakaten, sondern auch in der Malerei der 80er Jahre. Aber auch bei den Einladungskarten, die in Essen leider nicht zu sehen sind. Ein herausforderndes Spiel und gleichzeitig eine Ernsthaftigkeit, mit der Vieldeutigkeit von Sprache umzugehen.

Die damalige Kuratorin für Zeichnungen und Druckgrafik des New Yorker MoMa, Bernice Rose, hat bereits Mitte der 80er Jahre Werke Kippenbergers für die Sammlung angekauft. Für sie waren Kippenberger und Albert Oehlen mit ihren Bild-Text-Konstruktionen legitime Nachfolger des deutschen Dadaismus.

KunstArztPraxis: Würden Sie das unterschreiben?

Gisela Capitain: Ja, Kippenberger hat sich besonders in den Berliner Jahren sehr für den Dadaismus interessiert; dafür, wie in den Werken der dadaistischen Künstler Sprache mit Bildmaterial verdreht und zerstückelt wird, um alles mit neuer Bedeutung aufzuladen.

Was kann man mit Sprache machen? In welcher Weise kann sie demagogisch oder absurd, grotesk oder zerstörerisch, aber auch versöhnlich wirken? Wie agiert sie mit oder gegen seine Bilderfindungen? Das waren Fragen, die Kippenberger immer beschäftigt haben.

Dabei sind wunderbare Sprüche herausgekommen wie „Was ist ihre Lieblingsminderheit?“ oder „Wen beneiden Sie am meisten?“. Sätze, die nach mehr als dreißig Jahren heute noch Gültigkeit haben. Genauso, wie auch der gesamte „Kafka“ noch aktuelle Bedeutung hat.

Das KunstArzt-Praxis-Quiz: Fit für Kippi?

Fit für Kippi? Das Martin-Kippenberger-Quiz

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^{© für alle Kunstwerke: Estate of Martin Kippenberger, Galerie Gisela Capitain, Köln}

Gisela Capitain lernte Martin Kippenberger 1977 über ihre Schwester Jenny bei einer Partie von Kippenbergers Lieblingskartenspiel Mau-Mau kennen. Weil sie verlor, musste sie im Berliner Künstlerlokal „Exil“ ihre Spielschulden mit Rotwein begleichen: der Beginn einer lebenslangen Freundschaft. Kurz darauf bezogen beide in Kreuzberg „Kippenbergers Büro“ – bis zur Schließung 1980 ein Hort des kreativen Chaos. Drei Jahre später trafen sich beide in Köln wieder, wo Capitain inzwischen Assistentin von Kippenbergers Galeristen Max Hetzler geworden war. Ihre 1986 gegründete eigene Galerie vertritt bis heute Kippenbergers Nachlass.

Das Handwerkszeug zur Beurteilung guter Kunst, sagt Capitain, verdanke sie ihm.

^{Anmerkung: Natürlich heißt Franz Kafkas Romanfragment „Amerika“ nicht „Amerika“. Kafkas Freund Max Brod hat es posthum so genannt. Heute heißt das Buch „Der Verschollene“. Aber das konnte Kippenberger nicht wissen. Und es hätte ihn wohl auch nicht interessiert. Angeblich hat er das Buch eh nicht gelesen, sondern sich nur nacherzählen lassen – was wir natürlich nicht so dolle finden.}

Homepage des Museum Folkwang
Homepage der Villa Hügel

Der Beitrag „Kippenbergers Kosmos steckt im ‚Kafka'“ erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Die KunstArztPraxis (11.01.2021)

Der Beitrag Wo war die Kunst 2020? erschien zuerst auf KunstArztPraxis.