Eigentlich ist die KunstArztPraxis ja unisono immer einer Meinung, aber bei Yayoi Kusama im Kölner Museum Ludwig scheiden sich ausnahmsweise mal unsere drei Geister. Wir bringen deshalb in einem Diptychon Lob & Tadel. Heute: Lob, von den wohlwollenden KunstÄrzten1&2: an Yayoi Kusamas 97. Geburtstag.

Und zwar in einem offenen KunstArztbrief an KunstArzt3.

Köln, am 22. März 2026

Hoch geschätzter Kollege, werter KunstArzt3, lieber Freund,

letzte Woche haben wir dir die Freiheit gelassen, die Räume unserer KunstArztPraxis alleine zu bespielen, denn wir haben dich zwar als notorischen Nörgler, aber eben auch als Jemanden kennen gelernt, dessen Meinung man wertschätzen kann.

Bis letzte Woche zumindest. Denn bei Yayoi Kusama bist du in unseren Augen dann doch erheblich übers Ziel hinausgeschossen. 

Wenn wir dich nicht besser kennten, dann würden wir sogar vermuten, du habest dir die phantastische Schau im Museum Ludwig gar nicht angesehen! Aber wir wollen ja nicht so böse sein wie du.*

^{*das mit dem böse sein verbitte ich mir, Kollegen!
KunstArzt3}

Wo sollen wir beginnen? Du reduzierst Yayoi Kusama auf die Punkte. Und auf den Kürbis. Dabei ist Yayoi Kusama viel mehr als das! 

Es gibt ein grandioses Frühwerk von großer Eigenständigkeit, dass die Ängste & Nöte der Künstlerin sehr wohl in Bilder fasst.

Es gibt eine überwältigend-surreale, phallische Phase.

Und es gibt diese kuratorische Meisterleistung, die uns komplett umgehauen hat. Schöner sahen wir vor allem das „Souterrain“ des Hauses nie bespielt.

Wir empfehlen hiermit, die Schau schon mal für den Preis „Beste Ausstellung des Jahres“ vorzumerken.

^{Foto oben: Unser beider erklärtes Lieblings-Objekt – und SO SCHÖN ausgeleuchtet:
Yayoi Kusama, „In the Woods“ (1983), Museum Ludwig, Köln 2026}

Yayoi Kusama ist nämlich sehr viel mehr als Punkt & Kürbis! Und das arbeitet diese Schau im Museum Ludwig, die du nicht gesehen hast (?), sehr gut heraus.

Im Übrigen: Warum darf Kunst nicht einfach auch mal schön & poetisch & fotogen sein?

Und:

Und: Dass die Menschen im Museum nichtmals mehr das Bild des Abbilds der Idee, sondern nurmehr das Bild des Bildes des Abbilds der Idee betrachten können: Das ist zwar auch für uns beiden Anderen die platonische Hölle, aber doch der Künstlerin nicht vorzuwerfen! 

SO viel Reflexion hätten wir dir dann schon noch zugetraut.

^{Foto oben: Doch doch: Es gibt auch Menschen, die hinschauen!
„Yoyoi Kusama“, Ausstellungsansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Wir bitten dich also hiermit höflichst, noch einmal über deine Kritik an Yayoi Kusama nachzudenken.

Wir zeigen, wie sie keiner sieht!

Ansonsten lassen wir lieber mal die Bilder der Bilder der Abbilder der Ideen sprechen, die bekanntlich mehr als 1.000 Worte sagen.*

^{*zumal: mehr als 1.000 BÖSE Worte, KunstArzt3!*
*hört endlich auf mit eurem Nachtreten.
Das nervt total!}

Und zeigen die tolle Ausstellung so, wie sie wahrscheinlich keiner sehen wird, wie man sie aber am besten genießen sollte.

Nämlich, bis auf wenige Aus- und Aufnahmen: menschenleer. 

^{Foto oben: DIESE Hängung finden wir kuratorisch übrigens fast schon
hypnotisch. Nobles Understatement. Chapeau. „Yoyoi Kusama“,
Ausstellungsansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Wir durften nämlich vor den Massen rein. Danke sehr, Museum Ludwig! Und: Entschuldigung für unseren Kollegen, lieber Kurator Stephan Diederich! Er ist & bleibt halt ein notorischer Nörgler.

Und hat ihre Schau vermutlich nichtmals gesehen.*

^{*ja und?}

Voilà:

^{„Yoyoi Kusama“ in 111 Ausstellungsansichten, Museum Ludwig, Köln 2026}

Bitteschön. Dankeschön, KunstArzt3. Ach ja: Wir können ja trotzdem Freunde bleiben.*

^{*schaun wir mal.}

Deine Kollegen aus der KunstArztPraxis.

(22.03.2026)

^{„Yayoi Kusama“ läuft noch bis zum 2. August 2026 im Museum Ludwig in Köln. Und, noch einmal: Wir anderen beiden aus der KunstArztPraxis sind hellauf begeistert!}

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven!
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln
Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund
Kasper König: Porträt der Schenkung als ihr Schenker
Gerhard Richter Retro: „Neue Bilder“ in Köln (2017)

Der Beitrag Pro & Contra Yayoi Kusama 2: Mehr als Punkte!! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Eigentlich ist die KunstArztPraxis ja immer unisono einer Meinung, aber bei Yayoi Kusama scheiden sich dann doch unsere drei Geister. Wir bringen deshalb anlässlich der Schau im Museum Ludwig einen Diptychon aus Lob & Tadel. Heute: Tadel, vom Trypophobiker KunstArzt3: dem Nörgler aus der Wissenschaft.

2022 stand die japanische Künstlerin Takako Saito (1929-2025) Im Vorfeld ihrer Performance im Klangkleid im Museum Ludwig vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ (1966) – einem der Gründungswerke des Museums vor genau 50 Jahren.* Ein guter Freund kann das bezeugen.

^{*die Retrospektive von Yayoi Kusama versteht
sich auch als Jubiläums-Ausstellung.}

In ihren frühen Jahren habe sie ebenfalls Punktebilder gemalt, sagte Takako Saito vor dem Zwangsmöbel-Stück: 1956 habe sie damit angefangen.

Dabei sei sie vom Meister-Maler Ei-Kyu beeinflusst worden, der seit den frühen Dreißigerjahren mit Punkten gearbeitet habe: genauso wie, man ahnt es längst – natürlich! Yayoi Kusama.

Wenn Punkte öde werden

Das wisse sie, weil sie und Kusama sich im New York der Sechzigerjahre ständig über den Weg gelaufen seien. Die Kunst-Welt dort war klein.

^{Bild oben: Das Universum in der Nusschale: Takako Saito, „Ohne Titel“ (1957)}

„Aber mir sind die Punkte nach ein paar Jahren langweilig geworden. 1963 habe ich deshalb damit aufgehört.“

Das hat Takako Saito laut besagtem Freund, mit dem auch wir von der KunstArztPraxis locker Freundschaft pflegen, vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ im Museum Ludwig gesagt.

Yayoi habe wegen des Erfolgs trotzdem immer weiter gemacht. Und dann soll Takako Saito gesagt haben: „Bei den ‚Polka Dots‘ von Yayoi fällt alle Welt auf diese Krankheits-Geschichte herein.“

Die Punkte fluppen immer noch

Zur Erklärung: Laut Yayoi Kusama gehen ihre „Polka Dots“ auf Halluzinationen ihrer Kindheit zurück, in denen sich die Welt plötzlich mit Punkten überzog.

Bis heute hat sie nach eigener Aussage Ängste, lebt & malt freiwillig in einer Nervenklinik in Tokio.

Und: Offenbar hatte sie wirklich gute Berater aus dem Marketingeltangel! Nach über 60 Jahren unentwegtem Punkte-Malen ist Yayoi Kusama die berühmteste Künstlerin der Welt.

^{Foto oben: Takako Saito durchblättert in ihrem Atelier
ihre Punkt-Gesichter und Punkte-Himmelsscheiben. Düsseldorf 2024}

Zur New Yorker Kunstszene der Sechzigerjahre gehörten übrigens auch Yoko Ono und Mary Bauermeister.

Erstere schlägt, wie Yayoi Kusama, in den Instructions ihrer „Grapefruits“ (1964) die Brücke vom Punkt zur Unendlichkeit, letztere auf ihren Bildern auch. 

Die Amnesie der Kunstgeschichte

ALLE Künstlerinnen haben in New York damals Punkte gemalt, das war meditative Praxis. Und ALLE haben zum Punkten damals von Love, Peace und Universe gesprochen.

Nur hat die Kunstgeschichte das vergessen. Sind ja zur Hälfte tote Frauen. Da kriegt die Kunstgeschichte bekanntlich gerne Amnesie.

^{Foto oben: Punkte-Bilder aus dem New York der Sechzigerjahre
in Mary Bauermeisters Atelier-Haus, Rösrath 2015}

Egal. Wichtig ist, dass Yayoi Kusama mit dem Punktieren der Welt immer weiter gemacht – und den Punkt irgendwie zur künstlerischen Eigenmarke entwickelt hat. Deshalb glauben heute alle, der Punkt gehöre ihr alleine.

Aber man ist ja nicht deshalb einmalig, weil man immer dasselbe macht. Das, was man macht, sollte auch schon einmalig SEIN.

Punkte, Performance, Klamotten, Schachspiel

Tatsache ist, dass sich die Werke von Yayoi Kusama, Takako Saito und Yoko Ono – Dots, Performance, Klamotten, Schachspiel – in so vielen Punkten ähneln.*

^{*Sogar den Kürbis-Fetisch teilte sich Yayoi Kusama mit Takako Saito! Ständig hat sie
Kürbisse gemalt! Aber eben nur eine Zeit lang. Dann wurde es ihr öde.}

Was wissen denn wir?

Kann es also sein, dass Yayoi Kusama deshalb zur berühmtesten Künstlerin der Welt avancierte, weil wir so wenig über das New York der Sechzigerjahre und die künstlerischen Traditionen Japans* wissen?

^{*das mit den „Traditionen Japans“ gilt ja wohl
eher für die Instructions von Yoko Ono
und Takako Saito, KunstArzt3, oder?!?}

Und: Ist ein bescheidenes, individuelles Klangkleid von Takako Saito nicht viel sympathischer als Yayoi Kusamas 450-teilige Überpunktungs-Kollektion – Taschen-Punkte! Turnschuh-Punkte! Luxus-Punkte! – für Louis Vuilleton?*

^{*auch das sehen wir anders! Siehe die
tollen 1968er-Kleider auf dem Foto!}

^{Foto oben: „Yayoi Kusama“, Ausstellungsansicht,
Museum Ludwig, Köln 2026. Tolle Kleider. Von 1968. Aus New York!}

Das ist gar nicht der Punkt!

Aber das ist gar nicht der Punkt. Auch sonst kann ich mit dem „Polka Dot“ von Yoyomi Kusama nämlich nicht viel anfangen.

Ich habe einfach kein Auge dafür – gerade dort nicht, wo er das Ding millionenfach übertüncht. Oder den Raum. Denn dieses heute so beliebte „Immersive“ liegt mir fern.

Das liegt aber vielleicht auch daran, dass ich von Kunst nicht überwältigt werden will. Kunst soll mich nicht an die Hand nehmen. Ich hätte gern, wenn sie auf Distanz bleibt zu mir.

Das hat auch etwas mit Respekt mir als Betrachter gegenüber zu tun. Alles andere ist Penetranz.

^{Foto oben: Wirkt wie Kunst der Aborigines. Ist aber Yayoi Kusamas
„Every Day I Pray For Love“ (2023), Museum Ludwig, Köln 2026}

Aber das sehen die beiden anderen KunstÄrzte vielleicht anders.*

^{*nö, lieber KunstArzt3: Mit DIESEM Punkt sind wir dann doch d’accord.
Haben wir aber auch schon SO oft drüber gesprochen zusammen!
Schöne Grüße!!! Deine KunstÄrzte1&2}

Nichts gegen Konzept-Kunst!

Nichts gegen Konzept-Kunst, die immer das Gleiche macht. Peter Dreher, On Kawara, Erwin Hapke: alles tolle Sachen. Weil sie mein Denken animieren, das Denken mit dem Knie.

Hier aber sehe ich nur Überreizung. Effekt. Ich kann mir da nicht helfen, aber für mich ist Yoyomi Kusamas punktuelles Grenzen-Überschreiten Mode-Trip.

Für mich schaffen Yoyomi Kusamas „Polka Docs“ aalglatte Oberflächen, sind Punkte-Fashion ohne Reibungspunkte, Pop-Art-Deko. Sie führen trotz vermeintlich poetischer Titel nicht zu poetischer Erkenntnis, sondern von der Ausstellung direkt in den Museums-Shop.

^{Foto oben: Museums-Shop in der Buchhandlung König
im Museum Ludwig, Köln 2026. Fürs Kusama-Mechantising
gibt’s extra zusätzlich noch einen Sonder-Stand im Foyer.}

Einfach nur Wow!

Die Grenzen zwischen Körper und Raum auflösen, Grenzen überschreiten, das wollen ja Viele. Das man das will, das kann man lernen. Es ist doch immer noch die Frage, wie man es macht.

Und die Inbesitznahme der Welt durch Kunst ist in meinen Augen beispielsweise Günther Uecker mit seinen Nägeln viel besser geglückt. Und Louise Bourgeois das mit der Angst.

Was soll’s. Die Massen werden ins Museum strömen – vermutlich auch die jungen Massen, die sonst nicht ins Museum gehen. Niederschwellig ist das, was Yoyomi Kusama macht, ja auf jeden Fall. Besucher-Rekorde sind vorprogrammiert.

Diese jungen Massen werden dann Yayoi Kusamas immersive Räume stürmen und sie als Staffage für ihre Selfies per Film & Foto auf Insta & TikTok ins mediale Universum spülen, während sich das echte Universum ganz klein fühlt dabei.

Denn so sehr Yayoi Kusama das Publikum auch einlädt, das eigene Ego dank Dots im Kosmos aufzulösen: Ihr Werk wird von einer Generation Z konsumiert, die nurmehr das eigene Ich, wenn’s hochkommt, im Raster ihrer Punkte ins Unendliche vergrößert.

^{Foto oben: Yayoi Kusama, „Infinity Mirrored Room – Illusion Inside the Heart“ (2025),
Herz-Innenansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Ein Werk wird Inszenierungskunst für Social Media – und das Museum zur Personenkultstätte für narzisstische Influencer. So gesehen: doch wieder analoger Spiegelsaal der Gegenwart.

Von Berufswegen sympathisch

Ach ja: Yayoi Kusamas Gedanke, dass Kunst heilen könne, ist mir als KunstArzt schon von Berufswegen sehr sympathisch – und wenn ich das richtig sehe, dann hat es bei Yayoi Kusama selbst, zumindest um zu überleben, ja auch ganz gut geklappt.

Allerdings sind Yayoi Kusamas „Polka Docs“ nicht die Art von Kunst, die mich persönlich heilen könnte. Punkt und Aus. (15.03.2026)

<sup>„Yayoi Kusama“ läuft noch bis zum 2. August 2026 im Museum Ludwig in Köln; es muss online ein Zeitfenster-Ticket gebucht werden, denn es wird, da muss man kein Prophet sein, voll.

Man kann das Ganze nämlich auch ganz anders sehen als unser ansonsten hochgeschützter KunstArzt3-Kollege in seinem trypophobischen Wahn! Und natürlich sind bei den über 300 Arbeiten – von der ersten Zeichnung Mitte der Dreißigerjahre bis zu heutigen Werken – weitaus mehr als Punkte zu sehen. Und auch die Ausstellungs-Architektur ist richtig klasse – wie man hoffentlich an den Fotos von KunstArzt1 erkennen kann!

Dazu aber wie oben schon versprochen übernächste Woche mehr.</sup>

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln
Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund
Kasper König: Porträt der Schenkung als ihr Schenker
Gerhard Richter Retro: „Neue Bilder“ in Köln (2017)

Zur Entfremdung bei der Kunstbetrachtung:
Der Herr im Kunstpalast. „Elias Sime. Echo“

Homepage des Museums Ludwig

Der Beitrag Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Als wir Human 2014 im Museum Ludwig kennenlernten, war sein Herrchen gerade explodiert. Die Druckwelle spülte eine recht aufgescheuchte Kuratorin in den Raum, die uns aus der im Aufbau befindlichen Ausstellung herauskomplimentierte: „Tut mir leid, wir müssen raus.“ Der hoch sensible Meister – „Er ist Perfektionist“ – sei not amused über die Anwesenheit der Presse bei der Pressekonferenz. Fotos sowieso verboten. 

Folgsam verließen wir das Theater. In einem lieblos dekorierten Aquarium dümpelten traurig eine Handvoll Fische. Irgendwo versteckte sich ein melancholischer Einsiedlerkrebs dem Vernehmen nach in einem goldenen Kopf von Brancusi.

Ameisen und Algen, Pfaue, Bienen und Bakterien: Für uns hatte Pierre Huyghe immer das Zeug zu einer Art Heiligem Franziskus des Kunstmarkts gehabt. Jetzt ließ er uns aus seinem unfertigen Tempel werfen wie ein gottloser Heiland.

Von schwebender Freundlichkeit

Dann betrat Human im Erdgeschoss die Bühne, und die Stimmung wurde wieder menschlich. Wie auf der Kasseler documenta 13 zwei Jahren früher war der spanische Podenco mit dem pinkfarbenen Vorderlauf auch hier der eigentliche Star. Und er verkraftete den damit verbundenen Rummel offenbar unweit besser als sein Herrchen. 

Leichtfüßig durchschritt Human die heiligen Hallen, betrachtete wohlwollend die anderen Werke, grüßte mit kaum wahrnehmbaren Nicken die Anwesenden freundlich, mäanderte mal hierhin, mal dorthin, und als er mit elegantem Schwung zur Treppe schwebte, war es uns, als drehte er den Kopf leicht zu uns um und lüde uns mit sanftem Wedeln beiläufig ein, ihm zu folgen.

So gelangten wir in einen kleinen Dachgarten im ersten Stock, wo Huyghe Caspar David Friedrichs „Eismeer“ nachgebaut zu haben schien. Dort präsentierte uns Human unter den Augen einer nur mit einem Bienenschwarm um den Kopf bekleideten Dame aus Beton gnädig und etwas entrückt nach einer leichten Drehung des Vorderkörpers sein lila bemaltes Bein.

Heiliger Franziskus geht anders

Es gibt viele Porträts von Human, dem eigentlichen Gott des Huygheschen Universums. Aber für mindestens zwei unter uns ist unser zweites Sommerloch-Lieblinggsporträt eines der schönsten. 

Später haben wir übrigens erfahren, dass Pierre Huyghe gar nicht Humans Herrchen ist. Durch die Bemalung mit pinker Lebensmittelfarbe hatte er den Hund nur für die Dauer der documenta 13 und nachher für die Kölner Ausstellung als sein Kunstrevier markiert. Heiliger Franziskus geht echt anders. 

Am liebsten würden wir jetzt explodieren. Aber dieses Privileg bleibt natürlich Pierre Huyghe vorbehalten. (31.08.2025 / 31.07.2023 / 26.07.2021)

Sommerloch-Porträts (1): Tim Burtons Hand

Tiere in der KunstArztPraxis:
Betriebsausflüge (1): „Kunst für Tiere“ in Rüsselsheim
Wie man dem toten Hasen Joseph Beuys erklärt
„Surreale Tierwesen“ in Brühl: Zoo mit Zerberbus
Das Wir im Tier: „Lovely Creatures“ in Aachen
Stella Hamberg: Kraft und Sinnlichkeit
Peep-Show mit Tieren: Bertram Jesdinsky in Neuss (gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Museums Ludwig

Der Beitrag Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Als wir Kasper König kennenlernten, trug er einen Bademantel und Filzpantoffeln. Wir sind uns nicht mehr sicher, aber wir glauben, dass der Bademantel braune und gelbe Streifen hatte. Die Filzpantoffeln waren rot. Der Bademantel war aus Frottee. Die Hosenträger fehlten.

2017 war das, kurz vor der Skulptur Projekte Münster, bei der König künstlerischer Leiter war. Die Ärzte hatten ihm Ruhe verordnet, ihr Patient war wohl in der Vorbereitung der Skulptur Projekte zu engagiert gewesen. Aber Kasper König wollte keine Ruhe. Sein Krankenhaus-Zimmer hatte er in einen Audienz-Raum verwandelt.

Er war souverän. Er hatte strubbelige Haare. Er war lässig unrasiert. Äußerlichkeiten waren ihm sichtlich egal. Das war kein nobles Understatement: Ihm ging es nicht um sich, ihm ging es um die Kunst, war unser Eindruck. Die Qualität war das höchste Ziel.

Neugierig & offen & originell & schräg

Wir sprachen knapp zwei Stunden, er druckreif. Wir sprachen über die Neuausrichtung der Skulptur Projekte Münster 2017, auch über die turbulenten Anfänge in den Siebziger- und Achtzigerjahren: die Randale, die Ablehnung durch eine linksautonom-gutbürgerliche Anti-KunstimöffentlichenRaum-Koalition, die geschlagene 20 Jahre brauchte, um die Bedeutung für Münster zu erkennen.

Wir haben selten einen kunstaffinen Menschen getroffen, der so authentisch wirkte, der so neugierig & offen & originell & schräg war wie er. Spaß und Ernst in Personalunion, etwas zwischen – Achtung, Wortspiel, wir können es uns nicht verkneifen: Kasper & König eben.

Und das meinen wir null despektierlich.

^{Leider die einzigen beiden historischen Schnipsel, den wir im KunstArztPraxis-Archiv noch finden konnten:}

Kasper König war auch mal Direktor des Museum Ludwig. Jetzt hat er dem Haus einen Teil seiner privaten Kunstbestände vermacht.

Die 50 Werke, die zum Teil ihm selbst gewidmet sind, zeugen vom engem Kontakt des Schenkers zu Kunst & Künstler*innen; aber auch von der Spontaneität, mit der die Sammlung offenbar entstand.

Lustkäufe, Souvenirs, Jahresgaben und Geschenke

Es sind Lustkäufe, Souvenirs, Jahresgaben und Geschenke, die Kasper König nicht der großen Namen oder einer übergeordneten Sammlungsidee willen angehäuft hat, sondern vermutlich, ja: weil sie ihm schlicht & ergreifend ästhetisch & intellektuell gefallen haben.

Wir erwähnen das auch deshalb, weil wir einige Sammler*innen kennen, die stolz darauf sind, dass ihre unter einer übergeordneten Sammlungsidee entstandene aalglatte Sammlung voller großer Namen nicht mal an den Rändern unrasiert herumstrubbelt.

1.000 … miles to the edge – Schenkung Kasper König, Museum Ludwig, Köln 2024

Königs Konvolut aus Bildern, Skulpturen, Multiples und Objekten bestätigt den Eindruck, den wir vom Sammler in Münster gewonnen haben. Die Schenkung ist ein Spiegel, aus dem Kasper König auch zu uns herausschaut: Äußerlichkeiten sind ihr offensichtlich ebenso egal wie ihm.

Offenheit und Neugierde zeichnen sie aus. Qualität als Ziel. Das ist ihre INNERE Physiognomie.

Politisch durchaus aktuell

Da ist viel Konzeptionelles dabei, aber auch vieles sehr Witziges, Schräges & Originelles. Und auch Manches, das gerade in der Zusammenschau die politische Außenwelt humorvoll oder ernst kommentiert. Insofern also wieder äußerst aktuell.

Uns gefallen allerdings die Ansichtspostkarten von On Kawara am besten: weil sie Konzeptionelles, Witziges, Schräges & Originelles in sich vereinen – und weil wir On Kawara wegen seiner Zeitkapsel-Gemälde ohnehin seit zusammengerechnet 120 Jahren sehr verehren.

Der dauerreisende Künstler hat die rund 8.000 Postkarten aus seiner Serie „I Got Up“ zwischen 1968 und 1979 an verschiedenste Personen geschickt: unter anderem an Kasper König.

Überlebens-Flaschenposte ohne Flaschen

Auf der Vorderseite findet sich das Foto einer Sehenswürdigkeit jenes Ortes, an dem On Kawara gerade weilte, auf der Rückseite neben der Adresse Königs der gestempelte Satz „I GOT UP AT“ mit der minutengenauen Uhrzeit des Erwachens.

Das sind serielle Überlebens-Flaschenposte ohne Flaschen. Und mit der immergleichen Botschaft: I’m still alive. Im Museum Ludwig wird der Kartensatz zudem grandios beidseitig präsentiert. Tolltolltoll.

Man könnte sagen, dass “1.000 … miles to the edge…“ eine Ausstellung in Bademantel und Filzpantoffeln geworden ist, aber auch mit Hosenträgern. Lässig unrasiert. In ihrer Schrägheit bemerkenswert souverän. Und mit strubbeligen Haaren, nicht nur an den Rändern. Also irgendwie Kasper & König, Spaß & Ernst in Personalunion.

Eine Ausstellung wie Kasper König eben. Und sicher auch nach seinem Geschmack. (03.03.2024/10.08.2024)

^{„1.000 … miles to the edge – Schenkung Kasper König“ ist noch bis zum 17. März 2024 im Museum Ludwig in Köln zu sehen. Danach wandert die Schenkung erstmal ins Depot. Getreu dem Motto des Schenkenden: „Ein Museum ist ein Depot mit Schauräumen“.}

Appendix: Die Gelbe Madonna und das Rote Meer

Als wir Kasper Königs Sätze zur Ablehnung der ersten beiden Skulptur Projekte Münsters durch die Münsteraner*innen aus dem KunstArztPraxis-Archiv zogen, kam uns plötzlich wieder in den Sinn, dass diese zweite Ausgabe Königs 1987 unsere erste war: Ein Teil von uns studierte damals bekanntlich in der westfälischen Domstadt, der Rest von uns besuchte ihn dort hin & wieder – und mit ihm gemeinsam die im urbanen Raum platzierten Werke.

In der Salzstraße, auf einer Achse zwischen Kaufhof und Dominikanerkirche, stand mitten in der Fußgängerzone Katharina Fritschs „Gelbe Madonna“ (1987), die quittengelbe Replik der Grotten-Madonna des Wallfahrtsörtchens Lourdes. Wegen ihrer unmittelbaren Evidenz war sie für uns eine echte Offenbarung. In dieser Umgebung leuchtete sie uns auf Anhieb unumwunden ein.

Für uns war die „Gelbe Madonna“ in ihrer monochromen Überhöhung ein unglaublich stimmiges Bild für die durch sie erst sichtbar gemachte Vor-Ort-Symbiose von Religion und Kommerz.

Fast täglich pilgerte Einer von uns an der „Gelben Madonna“ vorbei, denn im Devotionalien-Laden Kuhlmann vis-à-vis gab es wundervoll romantische Knisterkerzen – Studententage sind Niemandstage der Verliebtheit! – und im Traditions-Café Grotemeyer gab es den besten Apfelstrudel des Universums (mit Vanillesoße, reichte für zwei Verliebte zusammen).

Wir erinnern uns noch gut an die ungeheuerliche, fast schon übersinnliche Strahlkraft der Skulptur, die die heilige Aura des Originals selbst an den vielen trüben Münsteraner Regen-Tagen in die Farbsphären der Kunst überführte: eine Epiphanie wie die Erscheinung des Herrn, nur eben in weltlich. 

Die Ironie an der Sache verstand nicht Jede*r.

Und so vollführte Fritschs „Gelbe Madonna“ während der Laufzeit der Skulptur Projekte Münster zwischen Konsumtempel und Klosterkirche 1987 tagtäglich aufs Neue vor unser aller Augen ein staunenswertes Wunder: Sie spaltete die ansonsten verschworene katholische Gemeinschaft der hiesigen Gläubigen in zwei Teile wie Mose im Pentateuch das Rote Meer. 

Der rechte Teil entzündete bei Kuhlmann erstandene Ewige Lichter vor ihrer monochromen Gestalt, legte ihr beim Marktstand vorm Kaufhof gekaufte Blumen zu Füßen. Der linke Teil hätte die Muttergottes am liebsten ans Kreuz genagelt, derart blasphemisch sprang das quittengelbe Sakrileg ihm ins Auge.

Wir sahen sowohl ihre erste Duroplast-Fassung als auch den späteren, bekerzten und beblümten Steinguss zu Boden gestoßen und stigmatisiert, vulgo: beschädigt. Und einmal war Fritschs „Gelbe Madonna“ sogar verschwunden. Aber sie war nicht gen Himmel aufgestiegen wie ihr heiliges Vorbild, sondern unter Missachtung des weiland durch Mose nach der Meeresteilung bei der Erscheinung des Herrn im Pentateuch vom Berg geholten siebten Gebotes ganz profan geklaut. 

Zwischen ketzerisch und heilig schwebte Fritschs „Gelbe Madonna“ trotz ihrer für uns ziemlich klaren frohen Botschaft unfassbar wie ein gutes Kunstwerk über den durch sie geteilten Wassern dieser frommen Friedensstadt. Und war für uns deshalb schon damals eine anbetungswürdige Ikone.

Wir Drei himmelten sie an.

Es ist schon wahr, was Kasper König sagt: Aus heutiger Sicht ist nur noch schwer nachzuvollziehen, was den erzkatholischen Teil der Münsteraner*innen damals auf die eine oder andere Weise derart in Wallung brachte. In den letzten Jahrzehnten ist die Welt ja immer säkularer und genusssüchtiger und viel weniger romantisch geworden, da vergisst man Vieles. Das gilt auch für Westfalen.

Vor ein paar Jahren beispielsweise waren wir nochmal in Münster bei Kuhlmann, um uns ein paar original „Münsteraner Knisterkerzen“ zu „holen“, wie man heutzutage sagt – natürlich nicht mehr aus Verliebtheit, sondern aus Nostalgie. Aber der Knisterkerzen-Zieher von damals hatte sein Knisterkerzen-Zieherwissen mit ins erzkatholische Grab genommen: Kein Lehrling wollte den Zauber erlernen. Inzwischen hat, wie man so hört, auch der Devotionalienladen neben der Dominikanerkirche schließen müssen. Der Name ist geblieben, aber Kuhlmann ist heute ein heidnisches Café.

Das mit dem Vandalismus allerdings gibt es immer noch, aber das konnte Kaspar König bei unserer ersten Begegnung noch nicht wissen: Zur fünften Skulptur Projekte Münster 2017 wurde der wundervolle Brunnen von Nicole Eisenman an der Promenade kurz nach unserem Gespräch im Krankenzimmer von blindwütigen Bilderstürmern teilzerstört.

Schön, dass man sich in diesen turbulenten Zeiten noch auf etwas verlassen kann.

Ach ja, auf noch etwas kann man sich verlassen: In Lourdes brummt der Devotionalien-Handel mit Kitsch-Repliken der von Katharina Fritsch für ihre Kunst-Replik ebenfalls genutzten Grotten-Madonna immer noch.

Diese Vor-Ort-Symbiose aus Religion und Kommerz funktioniert hier weiterhin – wenn auch nicht mehr ganz so brummend wie noch vor hundert Jahren.

Der Fotograf unter uns (also KunstArzt1) ist 2023 mal für zwei Stündlein hingefahren, das hat ihm gereicht. Aber er hat aus seinen beiden Stündlein ein, wie wir Anderen finden: mit allen Weihwassern gewaschenes Buch gemacht.

Und jetzt kommt das Beste: Hier gibt es das ganze Buch als pdf zum KOSTENLOSEN Download. Wir wollen ja aus Religion nicht Profit schlagen. Toll, oder?

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Gerhard Richter Retro: “Neue Bilder” in Köln (2017)
Sommerloch-Porträts (2): Pierre Huyghes Hund

Homepage des Museum Ludwig

Der Beitrag Kasper König: Porträt der Schenkung als ihr Schenker erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wie Jeder weiß, sind wir große Verächter der biografisch nacherzählenden Kunstkritik. Aber wir lieben Erzählungen, die sich die Kunst aus sich selbst heraus zusammenreimt. Diese Erzähl-Automaten sind uns die liebsten. Und die Konzeptkunst schenkt uns persönlich besonders fruchtbare Exemplare.

Im Fall der Erzähl-Automaten von Joseph Beuys, Yoko Ono, Marcel Duchamp, Martin Kippenberger oder Mark Dion haben wir einige dieser Geschichten sogar höchstselbst weitergesponnen.

Der magnetische Hund, das geschmolzene Eis: die flüchtige Spur

Die Konzeptkunst von Francis Alÿs besteht auch aus Erzähl-Automaten. Seit über 30 Jahren streift der Künstler auf „Spaziergängen“ („paseos“) durch Mexico City und vollführt mit banalen Objekten staunenswerte Dinge.

Beim ersten Spaziergang zum Beispiel zog er 1991 tagelang einen magnetischen Hund am Band durch die Straßen, den der achtlos weggeworfene Metallmüll der Bewohner mästete.

Sechs Jahre später schob er rund neun Stunden einen Eisblock über die erhitzten Steine, bis er geschmolzen und seine Wasserspur komplett verdunstet war.

(Bild: Francis Alÿs beim Spaziergang, Mexico City 2022; © Roberto Ruiz)

„Paradox of Praxis 1“ (1997) ist unser absoluter Lieblings-Spaziergang: harte Arbeit, die bei zunehmend gekrümmtem Rücken, bis zum Kicken mit den Füßen, immer leichter wird.

Aus bildhauerischer Sicht ist die paradoxe Praxis das Gegenteil des magnetischen Hundes: Während der Stadtraum dem Hund permanent Masse zufügt wie einer Plastik, raubt derselbe Stadtraum dem Eisklotz den skulpturalen Körper.

Auf jeden Fall ist Sisyphos am Ende seiner sinnlosen Mühen wieder frei.

Kunst als Kinderspiel oder: Camus hatte doch Recht!

DIESEN Sisyphos, den Künstler Francis Alÿs also, müssen wir uns tatsächlich als glücklichen Menschen vorstellen. Denn er macht ja, was er will: wie ein Kind, das spielt. Und das macht Sinn. Denn Alÿs stellt spielerisch Fragen zur menschlichen und zur künstlerischen Arbeit, zum Verhältnis von Präsenz und Verschwinden, Materie und Idee.

Und schafft dabei noch neue Welten. Hach, darüber könnten wir stundenlang nachdenken.

„Sometimes Making Something Leads to Nothing“ lautet der ironische Untertitel von „Paradox of Praxis 1“. Was sich die Passanten bei Alÿs‘ Passieren mit dem schmelzenden Eisklotz gedacht haben könnten, darf man sich getrost zusätzlich ausmalen. Es ist Teil der ganzen Geschichte, die im Laufe der Zeit an Volumen gewinnt.

Der Körper des Eises ist vergangen, aber die Erzählung schwillt an. Tolltolltoll.

Sehr urbane, subversive, poetische Abenteuer

Es sind sehr urbane, subversive, poetische Abenteuer, die Alÿs bestreitet: Erzähl-Automaten, deren Geschichten sich nicht nur unter den Bewohnern von Mexiko City verselbstständigen, sondern auch in unseren Köpfen. Diese Geschichten ergehen sich im Stadtraum, weil Alÿs ihn durchstreift, hinterlassen erzählende Spuren, eben weil sie vergehen.

Der Rest ist Dokumentation.

Auch die beiden Bilder, die das Museum Ludwig jetzt besitzt, weil Francis Alÿs den Wolfgang-Hahn-Preis 2023 der Gesellschaft für Moderne Kunst erhielt, mit dem immer ein Ankauf verbunden ist, sind solche Dokumentationen von Spaziergängen des Künstlers durch Mexico City. Aber sie sind noch mehr.

Sie sind nämlich selbst die Objekte jener paradoxen Praxen, die zu ihrer Erstellung nötig waren, Teil des konzeptionellen Prozesses. Und dieses Paradoxe finden wir besonders groß.

Alÿs hat sie durch den Stadtraum getragen, von seinem Atelier zu den Ateliers dreier Schildermaler, zwischen dieses Ateliers hin und her – oder zurück.

Von 1993 bis 1997 beauftragte Alÿs Juan García, Enrique Huerta und Emilio Rivera, die eigentlich Emaille-Reklameschilder auf Metallplatten („Rotulos“) für den Stadtraum malten, damit, in ihrer jeweiligen Technik großformatige Kopien seiner kleinen Gemälde anzufertigen – wobei sich die „Erzählung“ (das Motiv) immer ein wenig verändert hat.

(Bild: Juan Garcia in seinem Atelier, Mexico City 1995)

Wir nennen auch das mit den Motiven jetzt mal „Erzählung“, weil Alÿs diese paradoxe Praxis, in deren Folge rund 500 Bilder entstanden, selbst mit dem Kinderspiel „Stille Post“ verglichen hat. In Köln kann man auch die Unterschiede suchen. (Findet ihr sie alle?)

Woraus ergibt sich diese Kunst?

Die Bilder sind also Ausdruck von etwas, was sich verflüchtigt hat, Manifestationen einer Idee, einem ganzen Netz absurder Gänge durch die Straßen, verbunden nur durch ein Konzept, das Francis Alÿs sich ausgedacht hat, also politisch und sozial und ökonomisch aufgeladene reine Poesie.

Was mehr Wert besitzt: Objekt oder Aktion, Konzept oder Bild, Verflüchtigtes oder Präsentes? Keine Ahnung. Ist aber auch egal. Denn es gehört ja irgendwie zusammen. Diese Kunst ergibt sich aus allen Geschichten, die sie erzählt. Nochmal tolltolltoll.

Und welche Geschichten erzählen uns die Bilder der Kölner Mini-Schau? Sie erzählen Geschichten von einem Mann im Anzug, der mit Dingen äußerst merkwürdige Dinge tut.

Wenn man sich den Anzug und die Physiognomie wegdenkt, dann könnte dieser Mann also Francis Alÿs selber sein, der eine seiner paradoxen Praxen ausübt. Dann wären die Bilder Porträts und Selbstporträts, die uns einen Künstler zeigen, der drinnen, im Privaten, dieselben paradoxen Praxen ausführt wie im öffentlichen Raum. Das ist ebenfalls ein Gedanke, der uns sehr gefällt.

Wie schweißreibend das sein kann, offenbart der Umstand, dass im Museum Ludwig sogar die Schuhe mitschwitzen.

Das ist der magische Zaubertrick!

Und was zöge dieser imaginäre Francis Alÿs dann mit seiner rechten Hand unter dem Tafelberg der Tischdecke hervor, unter der er sie verborgen hat, wie der Zauberer das weiße Kaninchen aus seinem Zylinder? Was für ein Ding könnte das sein? Hmmmm???

Wir glauben, dass dieses Zöge ein wildes, buntes Knäuel wäre. Aber kein Wolliges, sondern eines aus all jenen Geschichten, die die Erzähl-Maschine des Schildermaler-Projekts in Vergangenheit und Zukunft in Raum und Zeit aus sich selbst heraus gesponnen hat und spinnen könnte. Also auch diese.

Das ist der Zaubertrick, der in der Kunst per Fingerschnipp die magische Aura schafft.

Da ist also etwas mächtig schief gelaufen beim Schildermaler-Projekt, denn eigentlich ging es ja auch darum, Begriffe wie Aura, Originalität und Autorenschaft zu unterwandern. Und jetzt hängen da im Museum Ludwig diese Bilder, die einen derart mystischen Zauber haben, dass man gar nicht anders kann, als möglichst oft hinzugehen und ihre Geschichten weiterzuspinnen.

Dass dieser Teil des Konzeptes nicht geklappt hat, dafür sind wir Francis Alÿs nicht böse.

Vom Tausch- zum Prestige-Objekt

Bei einem anderen Teil sind wir uns noch nicht ganz sicher. Denn das Schildermaler-Projekt zielte ja auch darauf ab, die Wertschöpfungsketten des Kunstmarkts zu unterwandern, seine Bilder waren Tauschobjekte für Zahnarzt-Besuche oder wanderten für wenig Geld (1.000 Dollar pro Einheit) an Sammler mit Geschmack.

Dass diese Bilder dann später auf Auktionen auftauchten und für Fantastilliarden unter den Hammer kamen, um an den Betonwänden brutalistischer Bankiers-Villen zu enden, kann man Francis Alÿs natürlich nicht vorwerfen.*

^{*Das mit den brutalistischen Bankiers-Villen haben wir uns nur ausgedacht, Ehrensache.
Aber das mit den Auktionen und den (relativ zu den 1.000 Dollar) Fantastilliarden stimmt.}

Aber: Was ist mit dem Preis, dem wir die kleine Ausstellung im Museum Ludwig verdanken?

Warum ging der mit 100.000 Euro dotierte Wolfgang-Hahn-Preis an Francis Alÿs, der inzwischen von einem der weltweit mächtigsten Galeristen in New York vertreten wird, und nicht an Francis Alÿs, Juan García, Enrique Huerta, Emilio Rivera und all die anderen, die an den paradoxen Praxen teilgenommen haben?

Ganz einfach: Weil die Idee im Kunstbetrieb im Jahr 107 n.D.* alles ist und das Handwerk eigentlich gar nichts – auch so eine Sache, mit deren Unterwanderung Francis Alÿs ein Stück weit gescheitert ist.

^{*nach Duchamp}

Warum wir Francis Alÿs trotzdem gern verzeihen

Aber Scheitern gehört zu guter Konzeptkunst ja dazu, Scheitern für 100.000 Euro kann auch nicht Jeder. Dass der New Yorker Galerist nicht Larry Gargosian ist, sondern David Zwirner, ist ebenfalls ein Trost. Und ohne den Preis und die Gesetze des Kunstmarkts hätten wir diese grandiosen Bilder aus Alÿs‘ Erzähl-Automaten, die zum Großteil in Privatsammlungen stecken, nie gesehen.

Überhaupt: Jeder hat das Recht, reich & berühmt zu werden. Wir sind doch nur neidisch.

Und, wer weiß: Vielleicht hat Alÿs das Preisgeld auch fürstlich unter sich und Juan García und Enrique Huerta und Emilio Rivera und all den anderen aufgeteilt? Ist aber auch egal. Geht uns nichts an. Das wäre nämlich eine von jenen biografisch nacherzählenden Geschichten, die wir, wie Jeder weiß, verachten. (28.01.2023)

^{„Francis Alÿs. Wolfgang-Hahn-Preis 2023“ ist noch bis zum 4. April 2024 im Museum Ludwig in Köln zu sehen. Dazu gehört auch ein Film zum Schildermaler-Projekt. Die begleitende Publikation ist auch sehr schön. Und darin erhalten Juan García, Enrique Huerta und Emilio Rivera hinreichend Würdigung.}

^{Anmerkung 1: Auf die sozialen, ökonomischen und politischen Implikationen von Alÿs‘ Werk sind wir jetzt nicht eingegangen, wir sind ja eher dem Poetischen verpflichtet. Aber auch darüber gäbe es noch viel zu sagen. Und auch über viele seiner anderen tollen Erzähl-Automaten zur Erforschung städtischer Texturen.}

^{Anmerkung 2: Als wir vom Scheitern der besten Erzähl-Automaten sprachen, hatten wir unter anderen Martin Kippenberger im Kopf, dessen Lieber-Maler-male-mir-Idee wir immer noch großartig finden, Weshalb wir Kippenberger ja bekanntlich ein Lieber-Dichter-dichte-mir-Gedicht zum Geburtstag schenkten.}

^{Die Idee, zum Beispiel seine „Paris Bar“-Bilder von einem Auftragsmaler malen zu lassen, ist durchaus mit der Idee von Alÿs vergleichbar, auch in der Intention. Aber anders als Alÿs fand es Kippenberger nicht nötig, den tatsächlichen Maler zu würdigen, in der öffentlichen Wahrnehmung waren die Bilder ausschließlich von ihm. Götz Valien musste klagen und bekam im Urheber-Rechtsstreit 2023 Recht.}

^{Hach, diese biografischen Geschichten! Das Handwerk lebe trotzdem hoch.}

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Gerhard Richter Retro: “Neue Bilder” in Köln (2017)
Sommerloch-Porträts (2): Pierre Huyghes Hund

Martin Kippenberger in der KunstArztPraxis:
Fit für Kippi? Das Martin-Kippenberger-Quiz
Lieber Dichter, dichte mir: Lyrik für Kippenberger
“Liebes Chatbot, dichte mir”: KI für Kippenberger
“Kippenbergers Kosmos steckt im ‘Kafka’”

Homepage des Museum Ludwig
Homepage von Francis Alÿs

Der Beitrag Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wenn wir unsere KunstArztPraxis nicht zum zweiten Corona-Lockdown 2021 eröffnet hätten, sondern im Mittelalter, dann hätten wir mit Sicherheit auch einen Alchemisten eingestellt. Die Alchemisten waren ja dem Universal-Allheilmittel („Panacea“) auf der Spur. Und danach suchen wir im Grunde auch.

Für letzte Evidenz müssen wir noch etwas herumexperimentieren, aber wir glauben: Dieses „Panacea“ ist die Kunst.

Drei unschlagbare Wege, um aus allem Möglichen Gold zu machen

In Vielem haben die Alchemisten im Nachhinein Recht behalten. Inzwischen ist bekanntlich sogar wissenschaftlich nachgewiesen, dass man Unedles prinzipiell in Gold verwandeln kann! Es kostet nur verdammt viel Geld. Und man braucht keinen Stein der Weisen, oder den feuchten Händedruck eines mythischen Phrygierkönigs, sondern einen Teilchenbeschleuniger. Oder einen Kernreaktor.

Oder, wie wir seit Kurzem wissen, einen sogenannten Pandora-Schrank.

Den Pandora-Schrank hat Ursula Schultze-Bluhm erfunden, kurz, der Signatur nach: Ursula. Es gibt ihn in diversen Varianten, aber alle haben dieselbe Funktion: Sie sind künstlerische Teilchenbeschleuniger, Kernreaktor-Tabernakel zur Transmutation realer Objekte in Magie.

Perlen finden sich darin, Puppenaugen, Federn und Vogelbalg, Spiegel, ein Maiskolben, Schnuller, eine präparierte Flugechse sogar. Und: Pelze, immer wieder Pelze. Jedes Element für sich genommen bleibt ein totes Ding. In den Schreinen aber wohnt den Elementen ein neuer Zauber inne, der ununterbrochen lebendige Energie ausstrahlt.

Die unermessliche Fülle der Allesgeberin

Einige von den Pandora-Schränken stehen jetzt im Museum Ludwig. Das Haus hat es gewagt, die Büchse der Allesgeberin erneut zu öffnen: eine Büchse, die, wie die Tonbandstimme Ursulas verkündet, „statt des Unglücks die Fülle des Lebendig-Blühenden ausstreut“. Jetzt ergießt sich diese sagen- und mythenumwobene Kunst in ihrem unermesslichen Reichtum über zwei Stockwerke in die Räume.

Es ist die erste umfassende Retrospektive der zu Lebzeiten weit über Köln hinaus bekannten Künstlerin seit über 30 Jahren: insgesamt 236 Arbeiten, von denen 44 aus Museumsbeständen stammen.

Für uns ist Ursula eine Alchemistin. Oder, besser: eine Alchemist*in. Das Wort mit dem – im Grunde seines Herzens selbst schon wieder alchemistischen – Gendersternchen ist moderner, passender, denn bei Ursula verschwimmen auch die Grenzen der Geschlechter. Hermaphroditisch, wie das auf Alchemistisch heißt. Androgyn, wie Ursula das nennt.

Hätte Ursula heutigen Diskursen beigewohnt, dann hätte sie sicher ein neues Wort für das erfunden, was man auf und in den Werken sieht. Sie war ja auch Poetin. Und ihre Werke kennen eindeutig mehr als zwei verwobene Geschlechter.

Wie in den Pandora-Schränken, so geht auch in den engmaschigen Wucherungen, in den textil anmutenden Geweben aus Öl, Wachs, Lack und Tinte, in den Gemälden und Skulpturen also, alles ineinander über: Menschen in Tiere in Pflanzen. Belebtes in Unbelebtes, Geist in Materie, Natur in Kultur in Natur in Kultur.

Da gibt es Gesichter mit Fischmündern, Häuserwangen oder Schmetterlingsstirnen. Schildkrötbakterien und Zitronenelefanten. Augenbäume und Mondbohnen. Flammenkatzen. Schneckentierstädte. Und geheimnisvolle Schöne, denen Einhörner oder Biester aus den Oberschenkeln wachsen. Oder verschmelzen? Arcimboldo, einer von Ursulas Hausgöttern, war nichts dagegen.

Wir jedenfalls fanden beim Betrachten des Überquellenden aus unserem eigenen Staunen kaum noch heraus.

„Legenden eigener Imagination“

Uns scheint es, als sei Ursula auf die ihr eigener alchemistische Art recht tief in die „prima materia“ der Wirklichkeit eingetaucht. Als habe sie alles erdenklich Konkrete, Alltägliche, Banale mit einem Universal-Lösungsmittel auf die Ursubstanzen heruntergebrochen und dann in den Windungen ihres Kopfes fein ziseliert – strichelnd, streichelnd, tupfend und punktierend – neu zusammengesetzt.

Zu Monstern, Feen, Vielfüßlern und Tentakelwesen, Nachtmahren, Idolen und Augenbohrern – oder zu fast lebensgroßen Tempelwächtern, die eigentlich ihre eigenen Tempel sind. Selbstbewusst und teils auch mit Humor.

Diesen Formexperimenten ist allerlei „Haariges, Pelziges, Befedertes, Augapfelbewimpertes, Perliges“ entsprungen, wie Ursula das selbst benannt hat: eine aus Metamorphosen gesponnene „eigene Gegenwelt zur Außenwelt“.

Etwas unglaublich Sinnliches, halluzinarorisch Betörendes – und zugleich auch Fremdes, Befremdliches, Bösartiges, Abstoßendes ist das, wie wir ergänzen möchten.

Ängste, Wünsche, Obsessionen

Natürlich ist es ihre eigene, innere wie äußere Wirklichkeit, die individuelle Tiefsee, in die Ursula da eingetaucht ist – wie könnte es auch anders sein. In ihren Bildern spiegeln sich ihre persönlichen Ängste, Obsessionen, Albträume, Wünsche und Phantasmen, ihre Klinikaufenthalte, Krisen, Flohmarktbesuche und Entfgiftungsphasen.

Aber es ist auch etwas Universelles daraus geworden. Große Kunst.

Hin und wieder kleben noch Objekte an Ursulas Bildern. Der Ohrring an jenem Selbstporträt zum Beispiel, das der Ausstellung „Ursula – Das bin ich. Na und?“ den Namen gab. Da scheint dann der alchemistische Übergang von realer Gegenwart in opulentes Werk nicht ganz geklappt zu haben. Oder umgekehrt besonders gut.

Was für eine Esoterik ist das letztlich?

Vielleicht hängt der Ohrring tatsächlich nur am Bild, weil sein Pendant im wirklichen Leben verloren ging und er außerhalb des Bildraums nutzlos wurde. Vielleicht soll er aber auch das Gemälde zum komplexen Fetisch machen, mit seiner Ornamentik aus der Fläche wuchernd. Oder ist der Schmuck der Leinwand vielleicht doch durch eine rätselhafte Form des Transmutierens entwachsen?

In diese letzte – okkulte? profane? – Esoterik von Ursulas teils eben auch recht hermetischem Kosmos dringen zumindest wir nicht ein.

Im Grunde hat Ursula Schultze-Bluhm sogar sich selbst verwandelt, zu Ursula: das eigentliche Opus Magnum ihrer künstlerischen Alchemie.

Rückzugsorte für Kettenreaktionen

Als Ursula Schultze-Bluhm hat sie sich mit ihrem immer noch viel berühmteren Mann, dem informellen Maler Bernard Schultze, das Atelier geteilt – oft bis Mitternacht, wie man so hört. Nach Mitternacht aber muss sie als Ursula in ihrem von Schilfbüscheln aus Pfauenfedern und Marksteinen aus Puppenköpfen umrahmten, auerhahngekrönten „URSULA-PELZ-HAUS“ (1970) gewohnt haben, das in der Kölner Schau ein Zentrum ist.

Oder eben in den Pandora-Schränken, ihren selbstgebauten Rückzugsorten für Kettenreaktionen. Anders ist für uns die Sache nicht vorstellbar.

Im tollen Katalog zur Schau steht geschrieben, dass Ursula ihre Gemälde teils auf Goldgrund gemalt und ihre Skulpturen teils vergoldet haben soll. Wie glauben, wie gesagt, eher, dass das Gold auf oder unter ihren Werken durch alchemistische Verwandlung entstanden ist.

Im Katalog findet sich zudem der Satz des Kunstkritikers Heinz Ohff, der konstatiert, dass Ursula im Mittelalter wohl nicht hätte malen dürfen: „Sie wäre verbrannt worden“. Und das, denken wir, ist, auch entgegen unserer Alchemist*innen-These, wahr.

Die Taschenspielertricks des Kunstbetriebs

Zur Jahrtausendwende hat sich Ursula plötzlich in Nichts verwandelt, einfach aufgelöst, und das war nun KEIN Alchemisten- oder Hexenwerk, sondern einer dieser billigen Taschenspielertricks des Kunstbetriebs, der vor allem weibliche Künstler nach ihrem Tod gern unsichtbar macht.

Es ist dem Museum Ludwig also hoch anzurechnen, dass es uns Ursula in dieser blendend kuratierten Schau, in diesem märchenhaften Labyrinth voller Betörungen und Verstörungen nach über 20 Jahren des Vergessens wieder zusammensetzt. Auch Kurator Stephan Died­erich hat, finden wir, alles gegeben.

Das „Panacea“ ist die Kunst ?!?

Dass Kunst jenes Universal-Allheilmittel sein könnte, das die Alchemisten sich ersehnten, versuchen wir in der KunstArztPraxis seit über zwei Jahren mit der Alchemie der Worte experimentell nachzuweisen.

Auch wenn letzte Zweifel bleiben: Nach dem Besuch von Ursulas Ausstellung im Kölner Museum Ludwig sind wir uns jetzt schon wieder sehr viel sicherer. (10.04.2023)

^{„Ursula—­Das bin ich. Na und?“ ist noch bis zum 23. Juli 2023 im Museum Ludwig in Köln zu sehen. Ach ja: Der Katalog ist toll! Aber das sagten wir ja schon.}

^{Anmerkung 1: Bei unseren Operationen in den Museen suchen wir oft das Gespräch mit der Security, weil die Security am längsten mit der Kunst alleine ist, aber in „Ursula“ suchte die Security mehrfach das Gespräch mit uns. Noch nie, wirklich: noch nie haben wir so begeistertes und waches Wachpersonal angetroffen wie in dieser Schau. Da wurden uns in jedem Stockwerk Lieblingsbilder vorgestellt. Und manche visuelle Transformation, die sich allein aus einem veränderten Blickwinkel auf die Bilder und Skulpturen ergibt, wäre uns sicher entgangen. Dafür 1.000 Dank.}

^{Anmerkung 2: Wir hätten an dieser Stelle gern auch unsere Fotos zu jenen großartigen Ausstellungen in Düsseldorf, Köln und Remage vorgestellt, die 2015 Bernard Schultzes 100. Geburtstag gefeiert haben – auch, um zu zeigen, wo die Ähnlichkeiten und Unterschiede zum Werk seiner Frau Ursula liegen. Aber Schultzes Werk hängt in den Klauen der Unsichtbarkeits-Maschine. Und die ist leider kein Migof. Zumindest kein guter. Tut uns leid.}

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis
Gerhard Richter Retro: “Neue Bilder” in Köln (2017)
Sommerloch-Porträts (2): Pierre Huyghes Hund

Homepage des Kölner Museums Ludwig

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^{© für alle Gemälde: Gerhard Richter}

Anamnese: So war „Neue Bilder“ im Kölner Museum Ludwig

„Wie wäre es, wenn Ihr zum Geburtstag einfach meine neuesten Arbeiten zeigt?“ So oder ähnlich wird die Frage beim spontanen Anruf Gerhard Richters Ende 2016 im Museum Luswig gelautet haben. Danach hatte das Team nur drei Monate Zeit, die Schau zusammenzustellen. Wie gut, dass Richter mithalf.

In Köln versammelt waren 25 klein- und großformatige Bilder, die fast alle 2016 entstanden sind. Überwältigende Farbflächen, denen Richter nicht nur dem berühmten Rakel, sondern auch mit Spachtel, Holzstielen und Küchenmessern zu Leibe rückte. Zu sehen waren sie zum ersten Mal.

Gemalt wurden die Bilder, die frisch aus Richters Atelier um die Ecke kamen, nur in einem kurzen Zeitabschnitt während des Sommers 2016. Ein bis zwei Bilder pro Woche müssen da entstanden sein. Wo der 85-jährige diese unglaubliche Produktivität hergenommen hatte, blieb ein Rätsel.

„Wahnsinnig facettenreich und unglaublich vielschichtig“

Wer die Farbenfülle im Museum Ludwig sah, begriff, dass diese Bilder unbedingt in der hellen Jahreszeit entstanden sein mussten. Wer genau hinschaute, glaubte sogar, Flüsse, Horizonte, oder Felder zu erkennen. Tatsächlich hatte Richter zum Teil realistisch gemalte Landschaften abstrakt übermalt.

Richters Verfahren, mit dem breiten, flachen Rakel von links nach rechts über die zuvor mit dem Pinsel aufgetragenen Farben zu ziehen, diente Jahrzehnte lang dem Zweck, die subjektive Handschrift des Malers buchstäblich zu verwischen. Bei den Arbeiten von 2016 war Richter allerdings hin und wieder doch nochmal mit dem Pinsel über die Farbflächen gezogen. Die so entstandenen Striche wirkten wie eine Signatur.

„Wahnsinnig facettenreich und unglaublich vielschichtig“ nannte Kuratorin Rita Kersting die Arbeiten. Und man konnte ihr nur zustimmen: selbst, wenn man das zweifellos auch Dekorative des Spätwerks nicht mag. Die „Neuen Bilder“ zeigten Richter einmal mehr auf dem Höhepunkt seines abstrakten Schaffens.

Streben nach innen

Eine zusätzliche Facette bekamen die in der „Museumsstraße“ im ersten Stock gezeigten Arbeiten noch dadurch, dass sie zu den strengen Werken von Zeitgenossen in Dialog treten konnten. Zu den Datumsbildern On Kawaras etwa, die mit ihrer meditativen Wirkung einen schönen Kontrapunkt bildeten.

Wie stark sich Richters Abstraktion in 35 Jahren entwickelt hatte, zeigte unter anderem die direkte Konfrontation mit „Krieg“ von 1981: Wo dort alles explosiv den Rahmen sprengt, strebten die neuen Bilder klar nach innen. Bezeichnenderweise haben sie keinen Titel: Der Betrachter soll in keine Richtung gelenkt werden, das Gemälde sollen für sich sprechen.

„Krieg“ gehörte zum zweiten Teil der Kölner Schau, in dem Richter am Museumsmodell im Maßstab 1:50 die Bestände des Museums Ludwig neu arrangiert hatte. Darunter waren Klassiker wie „Ema (Akt auf einer Treppe)“ von 1966: eine Hommage an Marcel Duchamp, und das erste Bild, das Richter nach einem eigenen Farbfoto gemalt hat.

„Ema“ stammt noch aus der Sammlung des Museumsstifters Peter Ludwig, der das Bild bereits ein Jahr nach seiner Entstehung als Pendant zu seinen amerikanischen Pop-Art-Bildern erstand. Ebenso wie die „5 Türen“ (1967), von denen in Köln erstmals auch Vorzeichnungen zu sehen waren.

So dokumentierte „Neue Bilder“ auch die tiefe Verbundenheit von Künstler und Museum. Wer damit wem zu Richters 85. das größere Geschenk gemacht hatte, ließ sich eigentlich nicht so richtig sagen. Die Schau jedenfalls war toll. (12.02.2022)

^{Anmerkung: Text und Bilder erschienen in abgewandelter Form zuerst im Februar 2017 auf den Internetseiten des WDR}

Gerhard Richter in der KunstArztPraxis:
Gegen.Bilder.Terror, 1989: Richters „18. Oktober 1977“
Gerhard Richter Retro: „Über Malen“ in Bonn (2017)
Das Gerhard-Richter-Geburtstags-Quiz
Gerhard Richter Retro: „Leben mit Pop“ in Düsseldorf (2013)
Dietmar Elger: „Gerhard Richter ist kein Malerfürst“

Homepage des Museums Ludwig

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Die KunstArztPraxis (11.01.2021)

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