Bei der Ausstellung von Andreas Schmitten in Tony Craggs Skulpturenpark in Wuppertal sind wir etwas auf den letzten Drücker, Entschuldigung! Aber das hängt in erster Linie mit der Berliner König Galerie zusammen, die den Künstler vertritt.

Von der wollten wir unbedingt ein Foto von Schmittens Ausstellung „Sesshaft“ (2021) in der wundervoll brutalistischen Kirche St. Agnes haben, die die Galerie bespielt. Da waren nämlich jene Skulpturen des Bildhauers schon mal ausgestellt, die nun in der Oberen Ausstellungshalle des Skulpturenparks Waldfrieden zu sehen sind. Beziehungsweise (in einem Fall) davor.

Wir wollten zeigen, wie imponierend unterschiedlich diese Werke in verschiedenen Umgebungen – und mit unterschiedlichen Sockeln – wirken können. Auch das ist in unseren Augen beizeiten ein Kriterium für gute Kunst.

Auf den Tag genau ein halbes Jahr sind wir diesem Foto hinterhergejagt, wir hatten die Hoffnung schon aufgegeben. Jetzt ist es da, und das war allerhöchste Zeit. Schließlich geht Schmittens Wuppertaler Ausstellung, die wir hiermit unumwunden empfehlen wollen, nur noch bis Neujahr.

Uns bleibt deshalb nur noch eine schnelle Analyse, diagnostisch quasi Not-OP. Und die führt mitten hinein ins helle Herz der Pandemie

Hygiene und Distanz

Schmittens neue, im Vergleich zu früheren Arbeiten aalglatte Werke entstanden nämlich zwischen 2019 und 2021, also in Zeiten des Lockdowns, der Corona-Regeln und der ebenso depressionsfördernden wie demokratiegefährdenen sozialen Zerrüttung.

Die mit Schalen verwachsenen Hände, die in Beine mündenden Wannen und die wie Mundduschen-Brunnen aus der Zahnarztpraxis geweiteten Münder: All diese hybriden Torsi kommen aus einer Zeit, in der die permanente Reinigung des abgeschotteten Individuums zum kollektiven Ritual mutierte und wärmende Nähe aus menschlichem Miteinander herausgesaugt wurde wie strudelndes Waschwasser durchs Ablaufloch aus einer Badewanne.

Auf all das spielen Schmittens neue Skulpturen an. Und das Ablaufloch ist sogar tatsächlich vorhanden: bezeichnenderweise bei einer Arbeit mit dem Titel „Geburt“ (2021).

Das alles wirkt auf merkwürdig hippe Weise clean und bis hin zum Sakralen überhöht durchgestylt. Es ist auf eine sehr fremde Art antiseptisch, steril und kalt – und doch wieder unheimlich vertraut. Wir kennen keinen Fall, in dem Kunst jenen emotionalen Zustand sozialer Isolierung und körperlich übersteigerter Hygiene, in den das Virus uns gebracht hat, besser bespiegelt.

Der erdenschwere Bronzekern

Der Assoziationsraum, den Schmitten in Wuppertal eröffnet, ist jedenfalls groß. Dazu passt, dass sich das Material dieser Werkgruppe nicht wirklich fassen lässt.

Denn das, was hohl und leicht daherkommt wie Keramik, trägt in Wirklichkeit einen erdenschweren Bronzekern. Und die aalige Glätte, diese seltsame Leere, die die hybriden Körper ausstrahlen, verdankt sich einer speziellen, weiß glänzenden Lackbeschichtung.

Zwei Hälften einer Sache

In den schlanken, hohen, fast fensterlosen Räumen von Königs Berliner Kirche strahlten Schmittens Aliens letztes Jahr eher etwas Unnahbar-Sakrales aus, korrespondierten in ihrer Fremdheit ideal mit dem Brutalismus und der Hermetik dieser (natürlich entweihten) heiligen Hallen. Aber sie waren durch ihre Sockel-Sandwich-Installationen – Duschköpfe? Sonnenbänke? Baldachine? Heiligenscheine? – auch humorvoller drapiert.

In Tony Craggs lichtem, gefühlt wandlosem Glashaus im Skulpturenpark Waldfrieden demonstrieren die hybriden Wesen auf ihren nunmehr schnörkellos eleganten Stahlsockeln hingegen ihre strahlend-distanzierte Schönheit, ihre vom Betrachter auszudeutende Offenheit – und ihre Nähe zur mit banalen Alltagsdingen aus dem Sanitärfachgeschäft verknüpften Pandemie. Das betont eine andere, ebenso wichtige Eigenschaft.

Wir sind sehr froh, dies auf den letzten Drücker doch noch zeigen zu können. Und zwar nicht nur mit einem Foto, sondern – tataaaa! – sogar mit zweien. Danke, König Galerie! Und voilà:

(12.12.2022)

^{„Andreas Schmitten – Skulpturen“ ist nur noch bis zum 1. Januar 2023 im Skulpturenpark Waldfrieden in Wuppertal zu sehen. Also husch husch! Schnell noch hingehen!}

Der Skulpturenpark Waldfrieden in der KunstArztPraxis:
Leunora Salihu: Empathie für Keramik
Reine Bildgebung (1): Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Skulpturenparks Waldfrieden
Homepage der König Galerie

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Und später schreiben wir vielleicht auch nochmal was darüber. Aber jetzt erstmal: Fotos.

^{„Andreas Schmitten. Skulpturen“ ist noch bis zum 1. Januar 2023 im Skulpturenpark in Wuppertal zu sehen.}

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung (10): „Im Augenblick“ in Brühl (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (9): „Marta Maps“ in Herford
Reine Bildgebung (8): „Still Lines“ in der Villa Zanders
Reine Bildgebung (7): Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (6): Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung (5): „Das Ensemble spielt das Stück“ im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung (4): Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung (3): Marcus Neufanger
Reine Bildgebung (2): Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung (1): Joseph Beuys in Wuppertal (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

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Schade, dass Tony Cragg schon Bildhauer geworden ist. Er hätte sonst sofort in der Anatomie-Abteilung der KunstArztPraxis anfangen können. Denn offenbar hat er den gleichen – oder doch zumindest einen ähnlichen – Blick auf Skulpturen wie wir.

Das ist uns aufgefallen, als Cragg die „Pieces“ genannten Arbeiten seiner 1977 im Kosovo geborenen Meisterschülerin Leunora Salihu umrundet hat. „Die sind zusammengesetzt wie unser Körper“, hat er danach gesagt: „mit Zellen und Muskelfasern. Die sich stützen und zusammen eine Form ergeben.“

Und damit doch so ganz anders sind als das, was wir von Cragg zu sehen gewohnt sind. Denn Cragg baut seine Körper ja keineswegs so klar und strukturiert zusammen wie Salihu ihre „Pieces“. Sondern multiperspektivisch so, dass sich beim Umrunden immer wieder ein neuer Körper – oder ein neues Gesicht – ergibt.

Suche nach neuen Formen

Ein paar Dinge aber haben Cragg und Salihu trotzdem gemeinsam: Beide wollen Formen schaffen, die es so noch nicht gegeben hat. Und beide haben ein großes Talent für einen besonders subtilen, empfindsamen Umgang mit dem Material. Am liebsten würden wir hier von Empathie für Materialien sprechen. Geht natürlich nicht.

Wenn es aber ginge, hätte Salihu vor allem Empathie für Keramik: Deren vielschichtigen Eigenschaften nutzt sie für Muskeln oder Organe, die sie mit einem Skelett aus Holz kombiniert. Interessant ist der Werkstoff für sie vor allem deshalb, weil er sich leicht mit Händen formen oder ritzen lässt, bevor er im Brennprozess erhärtet. Und „roh“ belassen oder mit einer neuen Haut glasiert werden kann.

Prozesse als Energie gespeichert

Nicht nur auf eine symbolische Weise fasziniert Salihu Keramik, „weil sie bis zum Ergebnis von feucht und erdig bis fragil und trocken viele Prozesse durchmacht“, wie sie sagt. All diese Zustände sind für sie auch im Endergebnis noch gespeichert.

Dem gegenüber hat das Holz bei ihr kein Eigenleben, keine Maserung. Denn Salihu verwendet für ihre Skulpturen MDF-Platten wie aus dem Baumarkt. „Die Platten sollen sich der Keramik unterordnen“, sagt sie dementsprechend. Das Holz-Skelett darf nur stützen, was eigentlich lebt.

Gegensätze im Bild verdichten

Durch diesen Umgang mit stofflichen Polaritäten schafft Salihu hybride Wesen zwischen Wärme und Kälte, Energie und Erstarrung, Skulptur und Architektur, industrieller Konstruktion und atmendem Organismus.

Stücke, deren Titel wie „Turm“ oder „Bogen“ an die Urformen menschlicher Baukunst gemahnen. Oder an eine Geburtszelle: wie beim ovalen „Urraum“ im Außenbereich, der jeden Moment beginnen könnte, sich schaukelnd zu wiegen.

Die Halle als Resonanz- und Lebensraum

„Ich suche etwas Überzeitliches in Form und Material, gepaart mit zeitlichen Aspekten der Bewegung“, sagt Salihu. Es reize sie, „solche Gegensätze in einem klaren Bild zu verdichten“.

So entsteht bei jedem der „Pieces“ ein ganz spezieller Rhythmus, der auf die Umgebung reagiert. Das Phänomen könnte man mit einem Werktitel Salihus als „Resonanz“ bezeichnen. In diesem Sinn ist die obere, neun Meter hohe Glashalle im Skulpturenpark Waldfrieden für die „Pieces“ der ideale Resonanz- und Lebensraum.

Mit Leichtigkeit geerdet

Anders als bei Cragg, dessen oftmals beeindruckend pompöse, eher fließende Formen sich im Resonanzraum stetig nach oben schrauben, zerdehnen oder zu allen Seiten streben, bleiben Salihus fragile, modular konstruierte „Pieces“ selbst in der Bewegung irgendwie bescheiden bei sich.

Geerdet wie jener „Wellenlänge“ genannte Keramik-Anker, der den Boden der Halle einerseits scheinbar durchbrechen will, andererseits aber mit einer Leichtigkeit ausgestattet ist, die die himmelstürmende Schwere von Craggs Skulpturen im Park draußen kontrapunktiert.

Und der zudem auch eine Antenne sein könnte für die Schwingungen im Raum.

Dabei ist das eine in unseren Augen nicht weniger spektakulär als das andere. Denn eigentlich mögen wir beide Positionen in ihrer ganzen ähnlichen Gegensätzlichkeit sehr.

Deshalb sind wir natürlich froh, dass Tony Cragg Bildhauer bei sich und kein Anatom bei uns geworden ist. Und ziehen unser ohnehin eher halbherziges Jobangebot von vorhin hiermit offiziell wieder zurück. (17.05.2021)

^{„Leunora Salihu. Pieces“ läuft noch bis zum 20. Juni 2021 im Skulpturenpark Waldfrieden in Wuppertal.}

Homepage des Skulpturenparks Waldfrieden

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Wie hat Mozart ausgesehen? Oder Beethoven? Auf keinen Fall so ramponiert, wie Markus Lüpertz sie porträtiert hat! Dem Urteil wird wohl selbst der zustimmen, der in die Schmährufe nach der Enthüllung der Skulpturen in Salzburg (2005) und Bonn (2014) nicht einstimmen will. Und wohl auch Lüpertz selbst: Ihm ging es ja nicht um Wirklichkeitstreue, sondern um Allegorien der Musik und die nach Außen gestülpte Verletztheit des Genies.

So machen Lüpertz‘ Skulpturen en passant auf etwas aufmerksam, was wir gern vergessen: Niemand weiß, wie Mozart und Beethoven wirklich ausgesehen haben. Fotos gab’s ja eher weniger. Die ikonischen Bilder der Komponisten von Barbara Kraft oder Joseph Karl Stieler sind Gemälde, die vielleicht nur annähernd ähnlich sind.

Und vielleicht konnte ja selbst der ältere Lucas Cranach Martin Luther genauso schlecht abmalen wie, sagen wir: Albrecht Dürer aus Erzählungen ein Rhinozeros.

„Dafür bin ich hier“

Inzwischen gibt es mehr Fotos, als uns lieb ist. Und die Illusion echter, dokumentarischer Wahrhaftigkeit. Gemischt vielleicht sogar mit der Phantasie, etwas von der „Seele“ und dem „Wesen“ der Porträtierten aufzusaugen. Wenn die Porträtierten mitspielen.

Am Beispiel unseres Foto-Shootings mit Marina Abramović haben wir das ja schon aufgezeigt. Da dauerte es eine ganze Weile, bis durch die Marke Abramović für uns so etwas wie der Mensch Abramović durchschien.

Bei Markus Lüpertz ist das komplett anders. Im Vorfeld seiner Ausstellung „Der Tod, der bleiche Freier“ ist er im April 2018 noch einmal in den Skulpturenpark Waldfrieden gekommen, um sich von uns über sein Verhältnis zu Gips, Bonze und Marmor oder über sein Selbstverständnis als Bildhauer befragen – und eben, um sich fotografieren zu lassen: „Dafür bin ich hier“.

Nobles Understatement

Schnell ist klar: Lüpertz ist ganz anders „hier“ als damals Abramović. Er erstarrt nicht, blickt nicht hypnotisch in die Linse unserer Kamera. In die Linse unserer Kamera blickt er während der ganzen anderthalb Stunden unseres Zusammentreffens eher nicht. Im Gegenteil: Er ignoriert sie einfach. Toll.

Es ist die Geste eines Mannes, der seine sonst offen zur Schau getragene Eitelkeit hinter noblem Understatement verbergen kann. Der mit jeder Bewegung im Raum signalisiert, es nicht nötig zu haben, sich zu verstellen oder eine Pose einzunehmen.

„Ich habe es aus eigener Kraft nach oben geschafft. Hier bin ich jetzt“, stellt diese Geste klar. „Ich brauche kein neues Image mehr. Ich muss auch kein altes wahren. Ich bin der Meister. Ein Genie, das Schwächen zeigen kann. So wie mein Mozart oder Beethoven.“

Ein allürenfreier Größenwahn. Sehr sympathisch, wie wir finden. Und für uns ein echter Glücksfall. Sowohl für unseren Interviewer als auch für unseren Fotografen.

Eleganz und Krücke

Denn das, was sich uns bietet, ist eine sich selbst bewusste Unbefangenheit, die wir sofort bereit sind als Natürlichkeit zu akzeptieren. Unter dem Klicken der Kamera tritt Lüpertz gegen die Sockel seiner Skulpturen, umarmt sie, um sie zurechtzurücken, wischt über die Gipsgesichter, oder steht einfach verloren in der Halle. Ob der Maßanzug sitzt, ist ihm egal. Er ist ein schöner Mann.

Später wandern wir gemeinsam durch den Skulpturenpark, obwohl Lüpertz der Spaziergang wegen seines Kniebruchs sichtbar schwer fällt: Bei ihm ist der Stock kein pures Inszenierungsacessoir des Dandys, sondern ein notwendiges Symbol des gebrechlichen Genies. Er findet ihn gut. Aber er würde ihn nicht tragen, wenn er ihn nicht bräuchte.

Wir sprechen über Tony Cragg und Hede Bühl, über Michelangelo als Maßstab und darüber, warum er selbst ein Maler-Bildhauer und kein Bildhauer-Bildhauer ist. Und alles, was Lüpertz sagt, klingt klar und scharf und klug.

„Sie sagen mir einfach, wo ich mich positionieren soll“, sagt Lüpertz. „Sie sind der Boss.“ Ein sanft-ironisches Lächeln zeigt an, wie das gemeint ist. Wie Lüpertz dann, auf der Parkbank sitzend, in einer eben selbstgewählten Art sinnierend in die Ferne blickt, das ist ganz groß. Und, wie wir gerne glauben wollen: nicht gekünstelt.

Schönes soll bleiben

Ob wir Markus Lüpertz beim Foto-Shooting wirklich nah gekommen sind, ist zweifelhaft. Das kann nur echte Kunst – wie Lüpertz‘ Skulpturen von Mozart und Beethoven. Aber immerhin hat uns der Meister das Gefühl gegeben, ihm äußerlich einigermaßen gerecht geworden zu sein. Mehr jedenfalls, als er es von seinen eigenen Skulpturen verlangt.

Zur Frage einer Porträtähnlichkeit gehört am Ende natürlich auch das, was im Ergebnis nicht zu sehen ist. Eine Handstudie mit Totenkopf-Gehstockknauf jedenfalls will Lüpertz uns nicht gestatten. Denn: „Sie sollen doch die Schönheit für die Nachwelt festhalten und nicht den Tod und die Vergänglichkeit!“ Allzu viel Realismus darf dann doch nicht sein.

Es geht halt auch um Legendenbildung. Um die Nachwelt, von der man ebenso geliebt – also bewundert und vergöttert– werden will wie von den Zeitgenossen. Das zumindest hat sich seit Cranach oder Kraft und Stieler nicht geändert. Und bei Mozart oder Beethoven, das zeigen die Reaktionen auf Lüpertz‘ Skulpturen, hat es ja auch geklappt.

In diesem Sinne: Alles Gute zum 80. Geburtstag, Markus Lüpertz. (25.04.2021)

^{Anmerkung: Bei Markus Lüpertz wütet eine ähnliche Unsichtbarkeits-Maschine, wie die, die wir im Fall von Joseph Beuys an anderer Stelle beschrieben haben. Sie sorgt dafür, dass wir einige Porträts, in denen Lüpertz seinen Skulpturen nahe kommt, hier lieber nicht zeigen. Und unsere zahlreichen Ausstellungsfotos von „Der Tod, der bleiche Freier“ im Giftschrank halten.}

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Die KunstArztPraxis (11.01.2021)

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