Eigentlich sollte die Kunsthalle Düsseldorf heute (01.02.2026) für mindestens drei Jahre schließen. Vor ein paar Tagen aber verschob die Stadt die dringende Sanierung unverfroren kurzfristig nochmal bis 2029. Auf die bodenlose Frechheit dieser Vollbremsung reagieren wir mit schlagenden Argumenten.

Und zwar in Form von einigen der in unseren Augen schönsten Schauen in der Kunsthalle Düsseldorf seit 2013.*

^{*leider alles andere als lückenlos.
Aus Gründen. Tut uns leid.}

Eine Ausstellungs-Geschichte in zehn Foto-Strecken, die zeigen soll, wie sehr wir die Kunsthalle Düsseldorf brauchen, wie sehr die dringend nötige Sanierung endlich zu beginnen sich gelohnt hätte.

Nimm das, Stadt Düsseldorf. Und: was schämen sollst du dich. Und deine neue Millionengrab-Oper kannst du dir in die Haare schmieren.

Ach ja, für Kurzentschlossene: Heute (01.02.2026) läuft in der Kunsthalle Düsseldorf noch die Ausstellung „Wohin?“, die wir andernorts auch schon besprochen haben. Es ist ihr vielleicht letzter Tag; aber vielleicht wird sie ja jetzt verlängert? Wir wissen es nicht. Aber wie es weitergeht, werden wir, wie gut unterrichtete Kreise uns verrieten, noch diesen Monat erfahren.

Bis dahin: Viel Erfolg beim Umplanen, Team der Kunsthalle Düsseldorf: Es ist sehr gut, dass es Euch gibt. Es tut uns leid, dass man derart umspringt mit Euch. Und die Stadt Düsseldorf sollte sich was schämen.

Nun aber endlich die zehn Fotostrecken aus zwölf Jahren. Voilà:

„Wohin? Kunsthalle / Stadt / Gesellschaft der Zukunft“ (11.10.2025-01.02.2026 (?))

„Sheila Hicks“ (12.10.2024-23.2.2025)

Only Lovers Left. Margarete Jakschik und Friedrich Kunath“ (16.3.2024-09.06.2024)

„Peter Piller. There are a couple of things that bother me“ (11.03.2023-04.06.2023)

„Martha Jungwirth“ (02.09.2022-20.11.2022)

„City Limits. Yael Efrati, Asta Gröting, Monika Sosnowska“ (11.06.2022-14.08.2022)

„Journey Through A Body“ (29.05.–01.08.2021)

„Produktive Bildstörung. Polke und aktuelle Positionen“ (13.11.2021-06.03.2022)

„Song Dong“ (06.12.2015-13.03.2016)

„Leben mit Pop. Kapitalistischer Realismus“ (21.07.2013-29.09.2013)

(01.02.2026)

Die Kunsthalle Düsseldorf in der KunstArztPraxis:
Das ist der rote Faden. Leila Hicks in Düsseldorf
Peter Piller schafft Ordnung (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Romantik, post mortem – “Only Lovers Left”
Für uns von Putin eingeholt: “City Limits” in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Alles fließt: “Journey Through A Body”
Reine Bildgebung (7): Polke & Co
Conrad Schnitzler: Der Mann mit dem Soundhelm
Gerhard Richter Retro: “Leben mit Pop” (2013)
Max Schulze: “Als Phantom war Polke immer da”

Homepage der Kunsthalle Düsseldorf

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Wer das Privileg hat, am frühen Morgen vor Öffnung des Museums über die Insel Hombroich streifen zu dürfen, der kann mit etwas Glück auf einem Baumstumpf beim Weiher des Alten Parks den Eisvogel entdecken. 

Tobias Maiwald hat das Privileg. Und das Glück hat er auch.

„Gerade vorhin habe ich den Eisvogel da hinten sitzen sehen“, sagt der Gärtner, als wir gemeinsam über die Brücke von der Hohen Galerie zum Rosa Haus hinüberschlendern. „Das Blau seines Gefieders schimmerte wieder mal ganz wunderbar.“

Wir können uns den Zauber des blauen Schimmerns am Weiher nurmehr aus Maiwalds Begeisterung erschließen: Er muss beeindruckend sein.

Sein scheuer Verursacher steckt wohl längst schon wieder im verwunschenen Pappelwald, wo im Frühjahr die Farne sprießen und der Bärlauch blüht: Es ist einer der vielen Rückzugsorte für Tiere auf der Insel, die zu einem Drittel Landschaftsschutzgebiet ist. 

Die meisten Besucher*innen würden gleich zum Turm und ins Labyrinth weiterwandern, sagt Maiwald: „Auf die schmalen Pfade des Pappelwalds verirren sich die wenigsten.“ Gut für den Vogel. Und gut für die Natur.

Der Alte Park mit seinem Buchsbaum- und Hortensiengarten ist Maiwalds erklärter Lieblingsort – nicht nur des Eisvogels wegen.

Der Park ist komplett von einem entschlammten Alt-Arm der Erft umflossen: die echte Insel der Museumsinsel. Sein riesiger Tulpenbaum, die breitkronige Esche und die imposanten Platanen stammen noch aus Zeiten, als das 1816 hier errichtete Rosa Haus klassizistische Kommerzienrats-Villa war. 

Dieses phantastische Zypressengrün!

Auch die fast 40 Meter hohen Sumpfzypressen im Alten Park sind schon über 200 Jahre alt. Und ein überaus beeindruckendes Naturdenkmal sind sie auch.

„Die Sumpfzypressen sind ja laubabwerfend“, sagt Maiwald, als wir zum Teich an der Orangerie weiterschlendern. „Und im Frühjahr, wenn das Laub neu austreibt und die Sonne da durchscheint – dieses Grün ist so phantastisch!

Also, der Teich mit seinen Sumpfzypressen, der gibt mir einfach immer wieder was zurück.“

Einen Tag vor seinem Bewerbungsgespräch sei er noch einmal hergekommen und habe sich an den Teich gesetzt, um das alles auf sich wirken lassen, sagt Maiwald. Seit März ist er nun das, was mit Gärtner eigentlich nicht so richtig beschrieben ist.

Natur- und Landschaftspfleger trifft es eigentlich besser.*

^{*“Gärtner“ sagen wir im Folgenden nur noch aus poetischen Gründen…}

Ein Denken in Form & Farbe, Stimmung & Wirkung

Vielleicht auch Landschafts-Architekt? Denn bevor Maiwald im März nach Hombroich kam, hat er sein Architekturstudium mit einer Arbeit über Raumgestaltung abgeschlossen – bei Marc Mer, einem kunstaffinen Professor aus Österreich.

Ohnehin ist Maiwald einer, der in schimmernden Farben denken kann. In Stimmungen aus Licht. In (organischen) Formen. In Raum & Wirkung. 

In unseren Augen passt er also gut an diesen Ort, der von Künstlern mitgestaltet wurde, die ebenfalls in schimmernden Farben, Licht-Stimmungen, Raum-Wirkungen und (geometrischen) Formen dachten. 

Auch dem Sammler Karl-Heinrich Müller und sein erster Landschafts-Architekt Bernhard Korte dachten bei der Naturgestaltung so: Wie die versammelte Kunst, so sollte auch der Landschaftsraum von Hombroich ein alle Sinne berührendes Spiel von Farben, Stimmungen und Formen sein.

Kunst parallel zur Natur – oder Natur parallel zur Kunst?

„Es ging von Anfang an vor allem darum, Pflanzengemeinschaften aufeinander abzustimmen, Kontraste etwa durch verschiedene Blattgrößen oder Blattformen in Bezug zu setzen“, sagt Maiwald.

Da stehen wir im Alten Park auch schon vor den majestätischen, ursprünglich aus den Moor- und Sumpflandschaften Südbrasiliens stammenden Mammutblättern, die an dieser Stelle ganz wundervoll & eher bescheiden mit den filigranen Farnen korrespondieren.

Wichtig seien außerdem „unterschiedliche Blütenzeitpunkte“ gewesen: Auf dass in Hombroich nicht nur immer Grün sei, sondern möglichst immer auch Rot, Blau, Gelb, Rosa oder Weiß. 

Und: Als wir im Gespräch am Labyrinth einmal die englische Parkgestaltung gegen die französische ausspielen, um vorm Fachmann mit Bildung zu glänzen, ist Maiwald differenzierter:

„Mit so einer Klassifizierung tue ich mich bei Hombroich schwer. Das hier ist ja keine Landschaftsgestaltung im üblichen Sinn, sondern immer in Korrespondenz mit der Kunst. Kunst parallel zur Natur.“ 

„Kunst parallel zur Natur“: Dieses – etwas verkürzte – Motto Cézannes hört man allenthalben von den Hombroich-Machern. Natur parallel zur Kunst träfe es in unseren Augen aber genauso gut, ansatzweise vielleicht sogar noch besser? 

Denn die Natur ist hier ja eher so die magische Hülle, der Zylinder fürs Kaninchen, wenn man so sagen mag:

Ein Wald- und Wiesenrahmen, der Müllers zauberhafte Sammlung dem staunenden Betrachter dialogisch präsentieren soll – und auf den dann Erwin Heerich mit seinen eindrucksvollen „begehbaren Skulpturen“ aus Kuben, Quadern oder Kreisen zum Teil dann wieder reagierte.

Am Anfang war die Kunst des Sammlers: 1.700 Werke. Asiatische und afrikanische, und die klassische Moderne, die im November wieder ins momentan leere Labyrinth einzieht.

Motto-Geber Paul Cézanne inklusive. 

Und dazu noch Kunst aus Karl-Heinrich Müllers Gegenwart.

Hombroich ist kein Landschaftspark!

Eines nämlich darf es auch beim Streifen durch die Insel nicht vergessen – schon gar nicht, wenn man im Schlepptau ihres Gärtners streift:

Hombroich ist kein Landschaftspark.

Hombroich ist ein Museum!

Auch wenn das einige Besucher*innen, die allen Ernstes versuchen, ihre Picknick-Decken auf den frisch gemähten Auen auszubreiten oder sich aufs Todholz zu platzieren, nachdem sie die aufgescheuchten Enten ins Wasser vertrieben haben, irgendwie nicht so recht begreifen wollen.

Am wenigsten gilt das schiefe Bild vom Zylinder fürs Kaninchen wohl im Alten Park mit seinem alten Baumbestand, der beim Ankauf durch Müller 1982 allerdings total verwildert war.

Ganz bestimmt aber gilt das bei den umliegenden Ackerflächen, die Karl-Heinrich Müller über Jahrzehnte Stück für Stück danach erwarb – und gemeinsam mit dem Idealisten Bernhard Korte sowie seinem wesentlich strukturierteren Nachfolger Burkhard Damm umgestaltet hat. 

Die renaturierte Auenlandschaft mit ihren fischreichen Weihern beispielsweise, die wir uns gleich nach dem Treffen im Kassenhaus von einer Art natürlichem Feldherrenhügel aus mit Tobias Maiwald betrachtet haben:

Mittels Luftaufnahmen habe man hier versucht, den alten Erft-Arm wieder mit einzubinden, hat uns Maiwald beim Überblicken gesagt. „Und dann hat man jene Bereiche, an denen sich erkennbar Feuchtigkeit angesammelt hatte, ausgebaggert, Kopfweiden an die Ränder gesetzt und so diese Teichlandschaft geschaffen.“

Wir haben das Gelände, auf dessen sonst mannshohen, gerade aber abgemähten Wiesen mit ihren Lupinen die abgebrühten Graureiher gar nicht daran denken, sich mit dem Eisvogel im Pappelwald zu verstecken, genauer betrachtet: Hier wirkt alles so, als wäre es schon immer so gewesen. 

Natürlich wirken ist das Zauberwort für diese künstlichen Paradiese, natürlich wirken für Maiwalds Arbeit.

Es ist tatsächlich anders als im klassischen Landschaftspark, wo Gärtner zwischen den Pflanzen Grenzen ziehen: Hier darf solange alles seinem Wesen nach ineinanderwuchern, bis es dem anderen den Atem raubt. 

„Es kommt darauf an, ein gutes Mittelmaß zu behalten“

„Wir greifen nur dann ein, wenn eine Pflanze die andere zu sehr beeinträchtigt“, hat uns Maiwald dementsprechend auf der Brücke vor der Hohen Galerie gesagt: „Man soll es aber nicht bemerken.“ Es käme darauf an, „ein gutes Mittelmaß zu behalten“.

In diesem Sinne ist es Maiwalds Job, sich und seine Arbeit in diesem Reich natürlicher Künstlichkeit unsichtbar zu machen: Formen, Farben und Stimmungen sollen als Formen, Farben und Stimmungen der Sphäre der Natur zugeordnet bleiben. 

Deshalb bleibt auch der Baumstumpf stehen, auf dem der Eisvogel im Park am Weiher sitzt, bevor die Gäste kommen. Oder das Totholz, vor dem weitere, noch riesigere Mammutblätter wachsen.

„Vielleicht fällt der Baum irgendwann alleine um“, sagt Maiwald. „Dann muss man wieder kucken, wie man mit der neuen Situation umgeht, was das mit den Mammutblättern macht. Aber ich hoffe, dass er noch eine Weile hält.“

Sich & seine Arbeit unsichtbar machen: Das ist eine Aufgabe, die Fragen provoziert. Was er eigentlich hier mache? Das bekommt Tobias Maiwald von Besucher*innen immer wieder mal zu hören. Eigentlich ist diese Ahnungslosigkeit der Gäste, wie wir finden, für seine Tätigkeit das größte Lob. 

Sind die Durchblicke gewachsen?

In Hombroich sieht man nicht, wie stark die aggressiven Brombeernester im Sommer zurückgeschnitten werden mussten; die im Frühjahr sanft nachjustierten schmalen, teils meterhohen Durchgänge und -blicke im Alten Park könnten auch gewachsen sein.

Und im Idealfall registriert auch keiner, welche Schäden die Stürme, die Trockenheit oder das – für Hombroich besonders problematische – Eschentriebsterben in den letzten Jahren bei den Kopfbuchen in der Aue oder unter den Trauereschen vor der Cafeteria schon angerichtet haben. 

Niemand bemerkt, dass Maiwalds Team drei Mal in der Woche überprüft, ob die Pumpen alle ihren Dienst tun: Die aus der Erft gespeisten Gewässer sind ja eben NICHT umgekippt, der Pegel im arrangierten Flusslauf um den Alten Park selbst bei wenig Wasser im Fluss stabil.

Gut für die Fische. Und für die abgebrühten Reiher.

Nur dass die kälteempfindlichen Wurzeln des Mammutblatts im Winter abgedeckt werden müssen: Das sind so Eingriffe, die man tatsächlich als Besucher*in sehen kann. Manches ist einfach nicht unsichtbar zu machen.

Unberührt wirkende Natur ist schön, macht aber besonders viel Arbeit. Das musste schon Karl-Heinrich Müller lernen.

Der habe zunächst geglaubt, man könne die Landschaft sich selbst überlassen, sobald sie fertig gestaltet sei, erzählt uns Tobias Maiwald. Eine wundervolle Blumenwiese wie in Monets Garten in in Giverny schwebte Müller auf einer seiner angekauften Ackerkrumen vor, aber er hatte die Rechnung ohne die Gülle der vorbesitzenden Bauern gemacht.

Der überdüngte Boden war vor allem für die ins Kraut schießenden Brennnesseln ein gefundenes Fressen: Die erste Blütenpracht fiel ihrer Überlebensaggression zum Opfer.

Unter Burkhard Damm folgten Jahre konsequenter Unkraut-Mähung. Dank guter Pflege blühen Wieseniris, Mädesüß, Blutweiderich und Wiesenknöterich inzwischen wieder. Und eine große Sortenvielfalt an Farnen und teils seltenen Magnolien, sowie, als weitere Rarität: Zaubernussgewächse, auch.

Dass Brennnesseln, Disteln und Brombeeren in Hombroich nicht Oberhand gewinnen, ist nicht zuletzt einem Freiwilligen-Team zu verdanken, das seit 2001, noch vom Sammler persönlich eingerichtet, existiert.

Rund 30 Mitglieder zählt es momentan: die jüngsten sind Anfang zwanzig, die ältesten in den Achtzigern und von Beginn an dabei. Jeden ersten Samstag im Monat kommen sie zur Unterstützung vorbei und ackern. 

„Man ist ja generell immer etwas unterbesetzt“, sagt Maiwald. Momentan, nach der Baustellenphase rund um das gerade erst wieder eröffnete Labyrinth sind im Herbst zahlreiche Nachpflanzungen geplant. Rund um das Zwölf-Räume-Haus, das ebenfalls, wohl noch bis zum Sommer 2025, energetisch saniert wird, wird das dann weitergehen.

Ach ja: In der Nähe vom Zwölf-Räume-Haus gibt es noch einen Bauerngarten „mit einer ungeheueren Vielfalt an Obststräuchern und Obstgehölz“ (Maiwald), der von Karl-Heinrich Müller als eine Art Naschgarten konzipiert worden ist, wie uns der unsichtbare Insel-Gärtner zum Abschied noch erzählt: „Das war so ein bisschen die Sehnsucht von Herrn Müller, so einen Garten zu haben, wo man direkt von Bäumen und Sträuchern ernten kann.“ 

Dieser Bauerngarten sei in den letzten Jahren im Zuge der Bauarbeiten leider etwas verwildert und von Bauzäunen abgesperrt. Das wäre auch so ein Projekt der nächsten Jahre: „zu schauen, wie man den Bauerngarten wieder aus dem Dornröschenschlaf erweckt“.

Danke, Tobias Maiwald! Spätestens nach dem Ende des Dornröschenschlafs werden wir wiederkommen. Und sehen, hören, riechen, naschen. (04.08.2024)

Hombroich-Woche in der KunstArztPraxis:
Im Labyrinth: Hombroichs „begehbare Skulpturen“
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Roland Nachtigäller: “Ganz Hombroich ist ein Buffett”
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
In Wunderkammern 3: Museumsinsel, Rosa Haus

Homepage des Museums Insel Hombroich

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Von 1999 bis zu seinem Tod lebte und arbeitete der Kunsthistoriker und Sammler Volker Kahmen (1939-2017) in der ehemaligen Industriellen-Villa aus dem 19. Jahrhundert im Alten Park von Hombroich und überzog dieses Rosa Haus von innen mit einer nur via Künstlerischer Intelligenz (KI) erschließbaren, assoziativen Struktur aus naturwissenschaftlichen, literarischen, philosophischen und künstlerischen Artefakten.

Für uns ist das Haus eine Art analoges Internet: ein Rhizom, in dem Alles mit Allem – oder doch Vieles mit Vielem – gleichberechtigt verlinkt werden kann. Was das gleißend weiße, leergefegte Labyrinth von Hombroich vor ein paar Wochen als Grenz-Erfahrung für uns war, dass war 2023 die verborgene Präsentation dieser ja auch mit Lebens-Alltag angefüllten Sammlung.

Auch ein begehbares Labyrinth

In rhizomschen Sinne ist also auch das Rosa Haus, das zum Literatur- und Kunstinstitut Hombroich gehört, ein begehbares Labyrinth. Aber eines, durch das man sich an seinem eigenen, quasi zerebral gesponnenen Ariadnefaden hindurchwinden sollte: Das Angebot ist da. Für uns Drei von der KunstArztPraxis war das eine regelrechte Offenbarung.

Von Volker Kahmen und seiner unglaublichen Sammlung werden wir sicher auch noch ausführlicher erzählen – soviel sei hiermit schon versprochen! Aber jetzt wollen wir vor allem unsere Fotos sprechen & wirken lassen. Vielleicht kann man ja im Ansatz erahnen, was uns bei unserem ersten Besuch 2023 so umgehauen hat.

Voilà:

(02.08.2024)

<sup>Anmerkung: Das Rosa Haus ist ja wie oben angemerkt grundsätzlich für Besucher*innen verschlossen, denn das von Volker Kahmen 2000 gegründete Literatur- und Kunstinstitut Hombroich, das hier seinen Sitz hat, ist vom Rest der Museumsinsel unabhängig. Aber es kann auf ANMELDUNG im Rahmen einer Führung begangen werden, was wir hiermit unbedingt empfehlen. Gleiches gilt für Teile der Sammlung Kahmen auf dem Kirkeby-Feld, das in Hombroich zwischen Museumsinsel und Raketenstation gelegen ist.

Dort bilden die ziemlich tollen Werke des noch viel zu unbekannten Malers Bruno Goller (1901-1998) den Schwerpunkt; aber es gibt auch Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen und Fotografien von Bernd und Hilla Becher, Günther Berger, Bussi Buhs, Ulrich Erben, Gotthard Graubner, Jochen Hiltmann, Katharina Hinsberg, Katie Holten, Markus Karstieß, Konrad Klapheck, Joachim Koch, René Magritte, Ulf Maier, Thomas Pöhler, Christine Reifenberger, Oskar Schlemmer, Martin Schwenk, Dieter Stein und Micha Ullman zu sehen.</sup>

Hombroich-Woche in der KunstArztPraxis:
Im Labyrinth: Hombroichs „begehbare Skulpturen“
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Roland Nachtigäller: “Ganz Hombroich ist ein Buffett”
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich

Die „Wunderkammer“-Serie der KunstArztPraxis:
In Wunderkammern 1: Helmut Kunkel, Aschaffenburg
In Wunderkammern 2: Eduard Roijen, Düsseldorf

Und, weil es ja auch mal eine Wunderkammer war:
Im Märchenreich: Zu Gast bei Mary Bauermeister
Mary Bauermeister: Abschied vom Märchenreich

Homepage des Museums Insel Hombroich

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KunstArztPraxis: Herr Nachtigäller, was macht das Museum Insel Hombroich zu einem so besonderen Ort?

Nachtigäller: Das Besondere ist sicher, dass sich hier Kunst und Landschaft auf einmalige Art verbinden – und dass Werk und Betrachter ungefiltert aufeinanderstoßen können. Wir haben kein Wachpersonal hier, nur dezent installierte Kameras. Und man kann, wenn man nicht zu den Wochenenden kommt, bisweilen vollkommen alleine sein mit Kunst und Natur. 

Dieses kontemplative Zusammenspiel von einer sich permanent wandelnden Landschaft und einer Sammlung, deren besondere Hängung noch vom Maler Gotthard Graubner realisiert wurde: Das ist einzigartig.

Und dann ist noch besonders, dass hier die Gebäude selbst Skulpturen sind! Diese Idee der „begehbaren Skulptur“ hat der Bildhauer Erwin Heerich in den 1980er Jahren für Hombroich entwickelt. Bei uns geht es nicht nur um die Skulptur im Landschaftsraum: Es geht auch um ihr Inneres, um Raumerfahrungen, die weit über das hinaus gehen, was eine auf Funktionalität ausgerichtete Architektur leisten kann. 

Bei uns gibt es leere begehbare Skulpturen und solche, die ihrerseits wieder Hülle sind für eine sehr bemerkenswerte und einzigartige Sammlung, zu der Werke von Yves Klein, Lovis Corinth, Jean Fautrier, Alexander Calder, Alberti Giacometti oder Norbert Tadeusz ebenso gehören wie Grafiken von Rembrandt oder Paul Cézanne, archäologische Stücke der ostasiatischen Kunst, aus Afrika, Ozeanien und Amerika.

KunstArztPraxis: Welche Philosophie steckt hinter der Insel Hombroich?

Nachtigäller: Der Begriff der „Gastlichkeit“ fasst die Leitideen eigentlich sehr gut zusammen. Damit meine ich nicht nur, dass es hier in der Cafeteria tatsächlich ein kostenloses Angebot an Getränken und einfachen Speisen gibt. Es geht vor allem auch um die gesamte Atmosphäre, die zum Verweilen und Betrachten einlädt. Jede*r ist willkommen, es bedarf nur etwas eigener Neugier, Offenheit und Respekt vor dem künstlerischen Schaffen und den Kräften von Kunst und Natur.

Alle sollen die Möglichkeit zur direkten Begegnung mit der Kunst haben, unvoreingenommen und auch ohne Voraussetzungen. Es geht in Hombroich nicht um das Wissen, sondern um Wahrnehmung und Sehen, Erleben und Fühlen. Deshalb haben wir auch keine Beschilderungen an den Werken. Das führt immer noch zu Irritationen, erzeugt im Idealfall aber die richtigen Fragen. Warum ist es so wichtig zu wissen, von welchen Künstler*innen bestimmte Werke stammen, aus welcher Zeit sie sind? Warum vertraut man im Kontakt mit dem Werk nicht viel stärker auf sich selbst, schaut, was sich beide Seiten zu geben haben? Was spricht zu mir – und was auch nicht?

Es ist wie bei einem großen Buffet, wo ich das auswähle, was das Richtige für mich ist. Neben der nachhaltigen Beständigkeit und der Entschleunigung, die auch eine Sehnsucht stillt, ist dieses Vertrauen auf die eigene Erfahrung etwas, was Hombroich ungemein zeitgemäß macht – sogar zeitgemäßer als vor, sagen wir: zehn Jahren.

KunstArztPraxis: Und welches Publikum kommt zum Kunst-und-Natur-Buffet?

Nachtigäller: Ein ganz unterschiedliches! Es gibt Menschen, die kommen nur wegen der Landschaft: Blüht schon dieser Busch? Ist jener Vogel schon wieder da? Dann gibt es welche, die kommen gezielt wegen der Architektur. Und natürlich jene, die vor allem die Kunst sehen wollen. Aber für die meisten ist es sicherlich das einmalige Gesamterlebnis aus allen diesen Aspekten.

KunstArztPraxis: Zum Kulturraum Hombroich gehört ja nicht nur das Museum, sondern seit 2003 auch das „Kirkeby-Feld“ mit begehbaren Architektur-Skulpturen des dänischen Bildhauers Per Kirkeby und seit 1996 die Raketenstation mit ihren Begegnungsstätten und Künstlerateliers. Wie fügt sich das zur Insel?

Nachtigäller: Für mich ist die Raketenstation eine absolut konsequente Fortsetzung der Hombroich-Idee: diesem musealen Bereich, der in Vielem unveränderlich ist, eine Art Laboratorium zu Seite zu stellen, das Menschen im Sinne der Kultur zusammenbringt. Es ist ein Experimentierfeld, auf dem die hier lebenden und arbeitenden Künstler*innen vieles mitgestalten: zum Teil auch die Ausstellungen mit Sammlungsbeständen, die wir immer wieder machen.

Das Kirkeby-Feld mit seinen fünf Bauten greift als eine Art Scharnier den Gedanken der „begehbaren Skulptur“ auf ganz eigene Weise wieder auf. Aber auch das „Haus für Musiker“ von Raimund Abraham auf der Raketenstation hat ja etwas ungemein Skulpturales. Und der elegante Pavillon von Alvaro Siza bietet ausreichend Raum für Wechselausstellungen.

KunstArztPraxis: Und dann gibt es ja auch noch die Langen Foundation und Thomas Schüttes Skulpturenhalle. Welche Bedeutung hat das für das Gesamtgefüge?

Nachtigäller: Das ist natürlich eine große Bereicherung. Im Grunde hat sich um die Raketenstation eine Art Grüner Hügel der Kunst entwickelt. Mit der Langen Foundation ist der klassische Museumsbetrieb mit oft großen Namen präsent. Und in der Skulpturenhalle gewährt Thomas Schütte im Wechsel mit Werkschauen von ihm geschätzter Künstler*innen teils unbekannte Einblicke in sein eigenes Schaffen. Dadurch entsteht eine attraktive Vielfalt, die in einem solchen Landschaftsraum völlig einzigartig ist. 

Man kann hier wirklich den ganzen Tag verbringen, ohne das Gefühl zu haben, dass sich etwas wiederholt oder man ermüdet. Das ist das große Potenzial dieses Ortes.

(30.07.2024)

<sup>Anmerkung zu Roland Nachtigäller: Von Anfang an war die Karriere des Ausstellungsmachers Roland Nachtigäller (*1960) stark mit der Skulptur verknüpft. Nach seiner Zeit im Leitungsteam der documenta 9 (1991/1992) entwickelte er zwischen 1998 und 2000 gemeinsam mit Martin Köttering das Skulpturenprojekt „kunstwegen“ im deutsch-niederländischen Grenzraum, das 2008 unter dem Titel „raumsichten“ fortgesetzt wurde – und dessen Grundidee laut Nachtigäller war, „dass Skulptur im öffentlichen Raum immer in der Lage ist, einen Aufmerksamkeitspunkt zu setzen und zu einer Art Brennglas für das zu werden, was sie vor Ort vorfindet“.

Von 2003 bis 2008 war Nachtigäller Leiter der Städtischen Galerie Nordhorn, von 2008 bis 2021 Direktor des Kunstmuseums Marta Herford. Seit 2022 steht er der Stiftung Insel Hombroich als Geschäftsführer vor.</sup>

^{Anmerkung zum Interview: Das Interview entstand ursprünglich im Auftrag der Kunstzeitschrift ARTMAPP. Dort erschien es in leicht gewandelter Form im Juli 2023. Nicht nur Hombroich kann also Nachhaltigkeit. Wir auch!}

Hombroich-Woche in der KunstArztPraxis:
Im Labyrinth: Hombroichs „begehbare Skulpturen“
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!

Für Nostalgiker: Roland Nachtigäller: Porträt des Direktors als Museum. Seufz.

Homepage des Museums Insel Hombroich

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Aber vorher kurz ein paar Hombroich Basics:

Auf der Suche nach einem Ort für seine Kunstsammlung stieß der Immobilienentwickler Karl-Heinrich Müller in den 1980er-Jahren auf den Landsitz einer Industriellenfamilie vor den Toren von Neuss, von dem ausgehend er in zäher Ringen gemeinsam mit den den Bildhauern Erwin Heerich & Anatol Herzfeld, dem Maler Gotthard Graubner sowie dem Landschaftsplaner Bernhard Korte in der umgebenden Landschaft bis zu seinem Tod 2007 ein Gesamtkunstwerk schuf: den von Feldern umgebenenKulturraum Hombroich, in dem sich Natur, Architektur und Kunst auf unvergleichliche Art & Weise begegnen.

Zentrum ist bis heute das Museum Insel Hombroich, das mit seiner renaturierten Landschaft an den Armen der Erft inmitten einer intensiv genutzten Landwirtschaftsfläche wirklich eine Art Eiland ist: aber als nachhaltiger Schutzraum für Kunst und Natur auch im metaphorischen Sinn. Zusätzlich gehören das stiftungseigene “Kirkeby-Feld” und die Raketenstation mit ihren Künstlerateliers zum Kulturraum – und im weiteren Sinn das Kunstmuseum der Langen Foundation. Direkt angrenzend hat zudem der Bildhauer Thomas Schütte 2016 seine Skulpturenhalle errichtet: eine weitere Bereicherung.

Rund 64 Hektar hat das Areal. Wer also nach Hombroich fährt, sollte viel Zeit mitbringen! Wir KunstÄrzte garantieren mit unseren guten Namen, dass es sich lohnt. Und zwar zu allen Jahreszeiten. Und immer wieder neu.

Auch wenn man Hombroich in seiner Gänze als utopischen Museumsbau oder Ganzheitlichkeits-Kunstwerk betrachten kann, so sind für uns doch schon seit Jahren die in die Landschaft gebetteten und teils mit Kunst & Kultur bestückten „begehbaren Skulpturen“ Erwin Heerichs der größte Kracher. Kleine Sensationen, die vielleicht nicht immer jene Würdigung erfahren, die sie verdienen. Deshalb soll sich im Folgenden alles um sie drehen.

Und um eine damit verbundene Grenz-Erfahrung, die Jede*r so nur noch bis November machen kann – natürlich nur, wenn Jede*r sich & seine Wahrnehmung entsprechend öffnet. Voilà:

Wir stehen im Zentrum des Labyrinths. Über uns erhebt sich ein grandioses Firmament aus Holz und Glas. Auf dem Weg hierher sind wir fast schneeblind geworden: Das flirrende Weiß der Wände hat uns beim Gehen komplett die Orientierung geraubt. Selbst die Leuchtschilder der Notausgänge geben keinen Halt: Hier im Zentrum weisen sie in alle vier Richtungen.

Wir haben in den Wänden noch Nägel gesehen

Bevor wir fast schneeblind wurden, haben wir in den Wänden noch Nägel gesehen. Vielleicht hätten wir hier einen Ariadnefaden anbringen sollen – so tief, wie sie teilweise hängen? Egal. Wir hatten ja eh keinen Ariadnefaden dabei.

Im Zentrum DIESES Labyrinths ist ohnehin kein Minotaurus vorhanden, es steht wie der Rest des Baus ganz leer: Wir müssen uns also nicht fürchten.

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Aber wir müssen uns doch wundern. Denn diese gleißende Raum- und Farbwirkung ist schlichtweg überwältigend. Man fühlt sich dank dieser durch Form & Farbe erzeugten Orientierungslosigkeit als Mensch geschrumpft und beseelt zugleich.

Vielleicht ist das ja genau jene doppelbödige Wirkung, die der Bildhauer Erwin Heerich von seinen Hombroicher Architekturen, die er als „begehbare Skulpturen“ verstanden wissen wollte, erwartet hat?

Nach über dreijähriger energetischer Sanierung ist Heerichs quadratisches „Labyinth“ mit seinem tollen Dach und den flirrend frisch geweißelten Wänden vor ein paar Wochen im Museum Insel Hombroich wieder eröffnet worden. 

Vielleicht haben wir nie eine atemberaubendere Leere gesehen.

Bis November noch kann man den puren Raum dieses größten Gebäudes vor Ort auf sich wirken lassen, danach ziehen die Gemälde der bedeutenden Kunstsammlung von Karl-Heinrich Müller wieder ein, für die Heerich es geschaffen hat. 

Bis dahin ist das Labyrinth selbst ein Bild

Bis dahin aber ist das Labyrinth selbst ein Bild, dass sich regelrecht in die Netzhaut brennt. Es ist eine echte Grenz-Erfahrung an der Schnittstelle zwischen Gefühl und Ratio, lichter Unbestimmbarkeit und geometrischer Härte. Unfassbares Erlebnis von Volumen. Und in seiner kontemplativen Weiße der größtmögliche Kontrast zum vielgestaltigen Grün der Landschaft draußen, das uns nach schneeblinder Orientierungslosigkeit beim Austritt umso wuchtiger erfassen konnte.

So jedenfalls haben wir das bei unserem Besuch empfunden.

Die tief gehängten Nägel wurden übrigens noch zu Graubners Lebzeiten in die Wände geschlagen: Die Hängung, die im Herbst 2024 anhand dieser Nägel genauso wiederhergestellt werden soll, stammt noch von ihm. 

Die Gemälde sind der Ariadnefaden!

Und: Für Heerich sollten die im Zentrum des „Labyrinths“ und seinen gleichmäßigen Kojen drumherum drapierten Gemälde an ihren Nägeln tatsächlich eine Art Ariadnefaden sein – so ganz getrügt hat uns unsere Vor-Ort-Empfindung damals also nicht. „Die Orientierung ergibt sich eher anhand der Exponate“, hat er einmal gesagt. „Wenn ich alle Objekte herausnähme, würden Sie es schwer haben, sich im Bau zurechtzufinden.“

Wir können nur empfehlen, noch diesen Sommer herzukommen und zu erfahren, wie recht Erwin Heerich mit seinen Worten hatte.

Insgesamt gibt es 15 „begehbare Skulpturen“ von Erwin Heerich in Hombroich. Elf davon stehen in der renaturierten Landschaft auf der eigentlichen „Museumsinsel“, vier auf der Raketenstation, die gemeinsam mit dem „Kirkeby-Feld“ ebenfalls zur Stiftung Insel Hombroich gehört.

Einige sind als plastisch gedachte Hülle voller Kunst & Kultur, andere dürfen aus sich heraus wirken. Sie erfüllen diesen Zweck als „zweckfreie Körper“ (Heerich) ganz wunderbar.

Im Folgenden stellen wir ein paar unserer begehbaren Lieblings-Skulpturen der Museumsinsel, die alle je nach Lichteinfall ganz unterschiedliche Stimmungen erzeugen, vor allem aber Horte der Ruhe sind, einmal vor.

Was gibt es noch zu sagen?

Naja: Es gibt zur Zeit eine tolle Ausstellung von Werken Gotthard Graubners in Gotthard Graubners ehemaligem Wohn- und Atelierhaus – noch so eine tolle „begehbare Skulptur“ von Erwin Heerich – und eine weitere Ausstellung zum Werk von Hildegard & Erwin Heerich im Siza-Pavillion auf der Raketenstation. Es gibt den (relativ) neuen Geschäftsführer Roland Nachtigäller, der frischen Wind bringt, und den relativ neuen Landschaftsgärtner des Geländes. Und es gibt im Rosa Haus im Alten Park eine der von uns ja so geschätzten, dem Publikum eigentlich verborgenen Wunderkammern.

Von all dem erzählen wir im Laufe unserer Hombroich-Woche in der KunstArztPraxis noch – versprochen! Heute sollte es ja vor allem um Erwin Heerichs vielleicht etwas unterschätze, auf jeden Fall aber wunderbare „begehbare Skulpturen“ gehen. Und, als Basis davon, um unsere Grenzerfahrung im leeren „Labyrinth“.

Aber wir zeigen trotzdem noch ein wenig von dem, was wir darüber hinaus noch so alles gesehen haben:

Ach ja: Am Ende unseres Aufenthalts in Hombroich sind wir zwecks neuerlicher Schneeblindheit noch einmal durch einen anderen Eingang ins ungreifbar weiße „Labyrinth“ zurückgegangen –  und sind dort dann doch tatsächlich noch auf sogar zwei Minotauri gestoßen!

Der in unseren Augen Imposantere kauerte etwas verloren in einer Ecke unter dem lichten Glas-Holz-Dach im geweißelten Flimmern und war, wie auch der andere, aus Stein.

Dieser Minotaurus war ein die Welt in sich hineinsaugender Würfel, den offenbar schon viele Menschen vor uns gestreichelt hatten. Und seine Oberflächen-Patina atmete.

Auch diesen atmenden Würfel hat Erwin Heerich geschaffen, ganz klassisch: als nicht-begehbare, nur umrundbare, organisch-geometrische Skulptur. Masse, Material, Volumen. Der alte Schnack. Aber irgendwie schon mit dem Wunsch versehen, hinein zu schlüpfen.

Für uns ist der alte Schnack also auch ein Zeichen dafür, wie Heerich die klassische Bildhauerei mit seinen „begehbaren Skulpturen“ im Endeffekt „umgestülpt“ hat und uns in unserer Funktion als Menschen nun durch die Innenhaut spazieren lässt.

Für uns ist auch dieses Umgestülpte, das bei Heerich in unseren Augen zur Orientierungslosigkeit unbedingt dazugehört, eine zentrale Erkenntnis, um das Phänomen Hombroich besser zu verstehen. Denn irgendwie ist ja, bei Tageslicht betrachtet, auch ganz Hombroich eine große, bis ins Natürlichste geformte, begehbare Skulptur.

Ein Museums-Labyrinth. Verlaufen inklusive. (28.07.2024)

^{Das Museum Insel Hombroich ist von April bis September jeden Tag von 10 bis 19 Uhr und von Oktober bis März von 10 bis 17 Uhr geöffnet. Aber wie schon gesagt: Wir empfehlen einen Besuch vor November. Wegen des leeren Labyrinths.}

^{Anmerkung 1: Wir wissen, dass es keine zwei Minotauri, also von „Minotaurus“ keinen Plural geben kann. Geschenkt! Wir waren halt schneeblind & orientierungslos & bitten vielmals um Entschuldigung.}

^{Anmerkung 2: Zur besseren Orientierung:}

^{Aber wie schon gesagt: Wir haben uns trotz eines Plans mehrfach im Labyrinth verlaufen.}

Homepage des Museums Insel Hombroich

Der Beitrag Im Labyrinth. Hombroichs „begehbare Skulpturen“ erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Es ist wie verhext, aber wenn wir an die Zukunft des Museums, des Sammelns und des Präsentierens denken, fällt uns seit unserem Besuch im Museum Morsbroich immer wieder irgendwann das Einhorn ein.

Bekanntlich gehörte ein Exemplar vor Urzeiten in jede gut sortierte Wunderkammer, und zwar fürstaufwärts. Gerne präsentierte man staunenden Gästen das Horn noch am Schädel. Dass da eigentlich der Stoßzahn eines Narwals mit gut sichtbaren Scharnieren auf einem Ziegenkopf thronte, störte damals keinen großen Geist.

Der Finger in der musealen Wunde

Für uns funktioniert das Einhorn ein bisschen wie das Kunstwerk: Obwohl ausgedacht, stößt es im Idealfall doch voran in etwas sehr Reales, das vielleicht erst später sichtbar wird. Die Einbildungskraft einer Gemeinschaft hat es mit Sinn gefüllt, ja: zum Fetisch gemacht. Selbst wenn die Gemeinschaft vergeht, ist es noch da. Der Grad zum Kitsch ist bisweilen schmal. Aber wenn alles gut geht, ist es ewig und unbezwingbar. Die zähmenden Fräuleins sind ja ausgestorben.

Für uns bohrt das Einhorn aber auch den Finger in die museale Wunde. Er zeigt, dass sich der Kanon dessen, was als sammlungswürdig gilt, beständig wandelt, ebenso wie seine Präsentation. Meint, dass man eigentlich jeden Augenblick überlegen muss, wie das Museum der Zukunft zu gestalten ist.

So wie das Museum Morsbroich. Da hat der nächste Zukunftsaugenblick mit „spielzeit #1“ gerade begonnen. Schließlich ist endlich Geld da, um den inneren und äußeren Park sowie den Weg zum Obstgut hin neu zu erschließen. Verschiedene Künstler sind eingeladen, am Projekt in einer „Werkstatt Morsbroich 2022-26“ mitzuwirken. Andere, um Skulpturales beizusteuern.

Von diesen Einladungen sind auch Vor- und Begleitarbeiten in „spielzeit #1“ mit dabei.

Zurück in die Zukunft

So kann man alle Ritt schon ein wenig sehen, wohin die Reise geht. Gereist wird nicht nur künstlerisch durchdacht, sondern vor allem zeitgemäß, also auch ökologisch, nachhaltig, möglichst niederschwellig, transparent und „partizipativ“.

Zukunft heißt ja heute immer auch zurück: Zurück zur Natur. Zurück zu altem Obst und jenen guten Werten, die die böse Seite des Globalen verschüttet hat. Zurück zum Rokoko, zum Spiel, zur Phantasie – wobei es davon im Hause zugegebenermaßen immer schon viel gegeben hat.

Zurück also auch zur eigenen Geschichte und Tradition. Und, im Fall von „spielzeit #1“, eben auch: zurück zum Einhorn.

Davon liegt in der Ausstellung nämlich ein Exemplar. Es gehört zu einer ganzen Serie, denn es handelt es sich um den Teil einer Kunst-Edition, die auf verblasste Gemeinschaftsbedeutungen verweist und gleichzeitig eine aktuelle Deutung verlangt.

Geschaffen hat sie der großartige – und zudem noch hochsympathische! – US-Künstler Mark Dion, der sich viel mit dem Musealen, dem Sammeln und dem Repräsentieren, vor allem im naturwissenschaftlichen Bereich, befasst.

Laut eines handschriftlichen Etiketts ist es die Replik jenes Narwalzahns, den ein Kaufmann namens Niccolò Niccoli da Uzzano 1461 als seinen „unbezahlbarsten Schatz“ bezeichnete: „Es schwitzt in Gegenwart von Giften und vermag jeden todbringenden Stoff durch Berührung zu entkräften.“

Bei Dion liegt die Kopie des kostbarsten Schatzes, dem der Zahn des ursprünglichen Zaubers durch die rationalisierenden Zeitläufte gezogen worden ist, ganz profan in seiner – natürlich ebenfalls zum Kunstwerk gehörenden – Transportkiste.

Und vis-à-vis gibt es doch tatsächlich auch noch eine veritable „Wunderkammer“, die aber nichts mehr präsentiert, sondern sich selbst als vermeidlich magisch aufgeladenes Kunstwerk offenbart.

So spielt in „spielzeit #1“ sehr viel ineinander. Und das ist kuratorisch derart schön gelöst, dass wir darauf später mit Pauken und Trompeten unbedingt nochmal zurückzukommen müssen.

Vorher wollen wir aber auf jeden Fall noch sagen, dass es auch einfach nur viel Schönes und deshalb Gutes in der „spielzeit #1“ zu sehen gibt, dem man sich mit interesselosem Wohlgefallen hingeben kann – oder das das eigene Hirn sanft unterm Kinn krault. Kunst kann ja auch anders als mit dem Horn durch die Wand.

Dazu gehört Ortsspezifisches wie ein von Franz Erhard Walther eingerichteter Raum oder ein Ja-Tisch für den als Trau-Raum genutzten Spiegelsaal von Andrea Wolfensberger (ein gegenläufiger Nein-Tisch dient als Diskussionsgrundlage). Ein Saal bezieht mit Werken ukrainischer Künstler Stellung zum Angriffskrieg von Putins Armee. Und im grafischen Kabinett gibt es neben frühen Editionen von Gerhard Richter auch spannende Einblicke in deren Herstellungsprozess.

Der Schwarm der Gäste

Während der „spielzeit #1“ führt Direktor Jörg van den Berg bzw. sein Kuratorenteam im Jagdzimmer so oft wie möglich ein „open office für ein gegnwärtiges [sic!] museum“. Im eigens eingerichteten Schauraum kann man sich zu einem bestimmten Datum für eine bestimmte Zeit ein Werk seiner Wahl aus den Beständen zur Ansicht an die Wand hängen lassen.

Und dank dem auf die „Imaginationskraft der Vielen“ ausgerichteten „Parklabyr“ von Margit Czenki und Christoph Schäfer darf der Besuchende die Zukunft des Museums Morsbroich sogar mitgestalten. Schwarmintelligenz können schließlich auch Museumsgäste. Und je größer der Schwarm, hofft man ja immer, desto mehr Intelligenz ist am Start.

Apropos „Intelligenz“ und „Schwarm“: Heute träumt das gemeine Schlafschaf im Mainstream ja nicht mehr vom Einhorn. Dabei gab es einmal inquisitorische Zeiten, da konnte, wer dessen Wunderkraft in Zweifel zog, glatt auf dem Scheiterhaufen enden. Mark Dion spielt auch darauf an. Und zieht in „spielzeit #1“ die Verbindung gleich noch mit.

In Sichtweite seines Einhorn-Horns nämlich soll im inneren Garten von Schloss Morsbroich in den nächsten Monaten ein „Witches‘ Cottage“ des Künstlers entstehen – zur Erinnerung an eine imaginäre Hexe aus dem Rheinland. Entsprechenden Buntstift-Zeichnungen Dions hängen bereits an der Wand.

Dions Ausstellungs-Wunderkammer vis-à-vis präsentiert schon einmal Gegenstände, die laut den Freund*innen des Museums in einem solchen Hexenhaus versammelt sein könnten. Und auf den Bauplatz draußen zeigt, wenn wir uns recht entsinnen, drinnen die vergoldete Einhorn-Spitze. Tataa, mit Pauken und Trompeten: Künstlerisch und kuratorisch einfach zauberhaft.

Aber nicht nur durch den Bau von Dions Hexenhäuschen verändert sich „spielzeit #1“ kontinuierlich. Wer regelmäßig zu Besuch kommt, kann der Zukunft des Museums deshalb quasi beim Denken zusehen. Am besten nutzt er dafür die preiswerte 365-Tage-Karte (Erwachsene 25 Euro, Schüler 12 Euro). Mit der kann er dann sogar noch in die „spielzeit #2“ gehen, die im Herbst eröffnet. Doppelter Schnäppchen-Alarm.

Dann ist Dions kostbares Editions-Einhorn in seiner Transportbox vielleicht schon auf dem Weg in die moderne Wunderkammer eines zeitgenössischen Sammlerfürsten. Stattdessen steht dann das Hexenhäuschen Dions als Skulptur im Park. (Nochmal Tataa.)

Und dahin, nach draußen, ins Freie, strebt momentan im Schloss Morsbroich ja viel. (13.06.2022)

^{„spielzeit #1“ ist noch bis zum 16. September 2022 im Museum Morsbroich in Leverkusen zu sehen.}

Mooo-ment! Wie waren denn nun die „Morsbroicher Kunsttage 02“?

Stimmt! Wir hatten ja an anderer Stelle versprochen, dazu noch ein bisschen was zu zeigen. Vorab das Fazit: Schön war’s! Die „Morsbroicher Kunsttage 02“ (13.5.-15.5.2022) waren eine wundervolle Neuauflage der erst- und letztmalig vor rund 60 Jahren stattgefunden habenden gleichnamigen Veranstaltung. Kreativ, inspirierend, lecker. Und den Außenraum schon einbeziehend. Wir freuen uns auf die Fortsetzung im September.

Und hier noch ein paar Bilder.

Museum Morsbroich in der KunstArztPraxis:
„spielzeit #1“ mit eröffnen: Die „Morsbroicher Kunsttage“
Mehr Licht (3): Mischa Kuball in Leverkusen (leider geschluckt von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Jetzt spricht das Ensemble! (leider geschluckt von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (5): „Das Ensemble“ in Leverkusen (immerhin noch da. Ätsch, Unsichtbarkeits-Maschine!)

Homepage des Museums Morsbroich

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Offen, freundlich und seinen Gästen zugewandt, mit kritischem Witz und jenem austarierten Grad an kommunikativer Verspieltheit, der der Kunst den Bierernst nimmt und doch die Würde lässt: So kam uns das Marta Herford bei jedem unserer Besuche bisher schon von außen vor.

Dieselben Begriffe kamen uns aber auch immer dann in den Sinn, wenn wir drinnen – und stets zu unserem größten Vergnügen – mit Roland Nachtigäller zusammentrafen: Für uns sind das die Eigenschaften, aus denen auch die Persönlichkeitsarchitektur des Museumsdirektors zurechtgezimmert ist.

Deshalb erschien es uns oft so, als habe Frank Gehry sein fulminantes Haus eigens um Roland Nachtigäller herum gebaut. Was natürlich Unsinn ist, denn das Marta wurde schon 2005 eröffnet und der Direktor zog erst vier Jahre später ein. Vorher war noch Jan Hoet Hausherr.

Künstler*innen in Marta Herford: Die Ära Roland Nachtigäller

Egal. Beide Architekturen – die des Museums und die des Direktors – jedenfalls haben unseren Blick auf die Kunst und die Künstler*innen im Marta mitgeprägt.

Doch nicht nur das: Wenn wir die Zeit der Ära Nachtigäller räumlich als Kunststätte Revue passieren lassen, dann kommt uns ebenfalls immer wieder Architektonisches – also Gebautes im Gebäude – in den Sinn.

Aufstrebendes und Raumgreifendes, teils auf das Haus Reagierendes, Intervenierendes, die Substanz Durchbohrendes. Strukturen und Organe, die Gehrys Außenhaut auf eine sehr dialogische, originelle und, wie man heute sagt: niederschwellig-nutzerfreundliche Weise mit Leben füllten.

Durch Wände gehen

Der Hochsitz in Mark Dions – im Übrigen mit einer staunenswerten Tiefseetapete ausstaffierten – Schau „Widerspenstige Wildnis“ (2015) zum Beispiel, von dem aus man mit seinen Blicken auf die Figuren einer veritablen Jahrmarktsschießbude zielen konnte.

Henrique Oliveiras kommunizierende Durchgangsröhre mit ihrer spektakulären Holzanatomie in „Der fremde Raum“ (2017), die Marta-Wände permeabel machte.

Song Dongs umwerfendes Rahmen-Leuchter-Spiegelzelt in „Willkommen im Labyrinth“ (2018), das dem Dom den Boden wegzog. Und der strahlend rote Fadenkosmos von Chiharu Shiota gleich nebenan, der den von Song Dong gesprengten Raum verwirrend zusammenklebte.

Aber auch Hans Op de Beecks bescheidene, nicht weniger poetische Trabantenstadt mit ihrer einsam leuchtenden Bushaltestelle in „Im Licht der Nacht“ (2019).

Oder die subversive Installation der RaumZeitPiraten, die 2021 im Rahmen des neuen Formats „Marta Open Air“ Innen und Außen des Museumsbaus zusammenbrachten – und so das Marta sogar in Zeiten von Corona klug und lässig selbst dann offenhielten, wenn es geschlossen war.

Für Durchblick sorgen

Viele dieser architektonischen Innereien durften wir mit Roland Nachtigäller – und im inspirierenden Gespräch mit ihm – erkunden.

So schauten wir vor der Eröffnung von „Revolution in Rotgelbblau“ (2017) mit mulmigen Gefühlen gemeinsam auf zwei Arbeiter, die in der schwindelerregenden Höhe von gefühlten 15 Metern eine babylonische Turmbaukonstruktion von Adrien Tirtiaux doch noch zustande brachten.

Ein andermal stiegen wir selbst gen Himmel und diskutierten auf einer Wendeltreppe in „Brisante Träume“ (2018) über ein phantastisch konstruktivistisches, noch im Aufbau befindliches Wandrelief von Angela Fette unter uns.

Und in „Look!“, seiner leider letzten großen Ausstellung im Marta, hob Roland Nachtigäller in einer eleganten Bewegung 2021 die Klappen des mittig installierten Info-Kiosks für uns hoch – und eröffnete uns so den Durchblick auf eine Schau, die architektonisch ebenso offen, freundlich, kommunikativ-verspielt und mit kritischem Witz gebastelt ist wie das Marta, sein Team – und eben sein scheidender Direktor.

In diesem Sinne: Alles Gute, Roland Nachtigäller! Zum Glück sind Sie in Ihrem neuen Zuhause bei der Stiftung Hombroich ja auch von Architekturen ummantelt, die Ihrem Persönlichkeitsgebäude zumindest ähnlich sind.

Köln, im Dezember 2021, die KunstArztPraxis

P.S.: Im Marta haben wir unzählige Fotos von Künstler*innen geschossen, aber in all den Jahren nur eins von Roland Nachtigäller.

Und zwar 2017, in jenem Moment, wo wir mit mulmigen Gefühlen gemeinsam auf zwei Arbeiter schauten, die in der schwindelerregenden Höhe eine babylonische Turmbaukonstruktion von Adrien Tirtiaux doch noch zustande brachten.

Mit Nachtigäller haben wir uns immer lieber unterhalten. Wie Gäste eben.

^{Anmerkung 1: Der Text erscheint auch gekürzt & in Kürze im Marta Magazin 2022, das zur Gänze der Ära Roland Nachtigäller gewidmet ist.}

^{Anmerkung 2: Auch Hans Op de Beecks Bushaltestelle hätten wir an dieser Stelle sehr gern sichtbar gemacht. Aber das verhindert die Unsichtbarkeits-Maschine.}

Das Marta in der KunstArztPraxis:
Eine echte Schau: „Look!“ im Marta Herford
+++ Eil +++ Eil +++ Eil +++ Piraten entern Marta!
Katz im Marta: „Sie werden überrascht sein!“
Fotos malen? Trügerische Bilder im Marta
Reine Bildgebung (2): Brigitte Waldach in Herford
Das Hier-Dort-Prinzip. Vom Zauber des Verschwindens bei Navid Nuur

Homepage des Museums Marta Herford
Homepage der Stiftung Insel Hombroich

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Kosmetisch begann die Geschichte der MKM-Erweiterung bekanntlich mit einem krassen Kunstfehler. Die Wundverschlussfäden (vulgo: Schweißnähte) waren eine Katastrophe, das verwendete Implantat (Stahlgerippe) war Schrott. Die Operation am offenen Bau musste 2011 abgebrochen werden. Plastisch ein Desaster.

Zehn Jahre später sind die (seelischen) Narben halbwegs verheilt und wir wollen nach vorne blicken. Haben die neuen Schönheitschirurgen ihre Sache besser gemacht? Kann man sich als Gemälde oder Skulptur aus der Sammlung Ströher in ihrer neuen Haut jetzt wirklich wohlfühlen? Und: Werden wir als Betrachter betäubt von Schönheit?

Auf der Suche nach Antworten sezieren wir also erstmal nur die Architektur. Und bringen später noch etwas zur Ständigen Sammlung. Versprochen.

Hier also unsere Wertung nach den für Schönheits-OPs im Kunstbereich gängigen Kriterien:

Lifting: Nach den Plänen der verworfenen Konturgebung sollte das alte Gesicht der Küppersmühle ein Leuchtkubus krönen. Hätte sicher aufgesetzt gewirkt. Jetzt haben sich die Schönheitsexperten vom Schweizer Architekturbüro Herzog & de Meuron in ihrem 2013 begonnen Eingriff erstmal auf die inneren Werte konzentriert.

Herausgekommen ist eine straff mit neuer Haut geweitete Spannung zwischen Durchgangspassagen und weißen Würfeln für die Ausstellungsräume. Das ist im Gesamteindruck brillant gelungen. Auch Fluchtlinien und Räumhöhen, die sich an den Kunstbeständen orientieren, stimmen.

Äußerlich schließt der spitzwinklig zulaufende Erweiterungsbau nicht nur das Gebäude, sondern die ganze Reihe von Mühlen und Speicherhäusern am Duisburger Innenhafen würdevoll ab. Das mit mittig gebrochenen und im Zickzack zueinander verlegten Ziegelsteinen besetzte Make-Up der Fassade zeigt der hässlichen Autobahn daneben nun ästhetisch die hübsche korrigierte verlängerte Nase.

Vergrößerungen / Verkleinerungen: Size does matter. Das gilt auch im Bereich der plastischen Verlängerung von Museumsbauten. Wo anatomisch oft nur fünf Zentimeter möglich sind, gibt es im architektonischen Sektor kaum Grenzen. Es sei denn, eine hässliche Autobahn erzwingt Abstand.

Für das MKM bedeutet das: rund 4.900 Quadratmeter mehr auf vier oberirdischen Geschossen und im Keller, davon circa 2.500 Quadratmeter neue Ausstellungsfläche mit 36 hellen, klar strukturierten und vorrangig nach Künstlern sortierten Räumen. Da wirkt nichts aufgepolstert, sondern alles schlüssig.

Draußen war sogar noch Platz für 35 neu gepflanzte Platanen. So konnten sogar aktuelle Schönheitstrends (Natur! Nachhaltigkeit!) mit berücksichtigt werden.

Plastische Modellierung: Zur Plastik der in der Architektur wie in der kosmetischen Chirurgie gleichermaßen so genannten Volumetrie ließe sich Vieles sagen. Wir wollen hier aber nur über das Formvollendetste sprechen: das Treppenhaus aus terrakottagetöntem Beton.

Mit seinem erdfarbenen Ziegelmehl-Teint korrespondiert es ganz wundervoll mit seinem Pendant, das Herzog & de Meuron bereits in den 1990er Jahren an den historischen Ziegelbau der Mühle heranmodellierten und von dem aus man nun wieder in die Wechselausstellungen gelangen kann.

Seine Rundungen zitieren in zwei Drehungen pro Etage die ursprüngliche Architektur mit ihren inzwischen herausgeschnittenen Zwischendecken. Und schenken dem aus den White Cubes der Ausstellungsräume entströmenden Auge einen spektakulären Farb- und Formgenuss.

Narben / Einschnitte: Hach ja, was heißt hier schon „Narben und Einschnitte“! Beim neuen MKM gehört es schließlich zum Konzept, auch das Alte zu bewahren. So sind auch die alten Stahlsilos von 1934 als in ihren Neubau integriert. Ihre rostige Patina wurde unbehandelt belassen. Null Anti-Aging also.

Laut Architelten sind die Silos ein „unverzichtbarer plastischer Bestandteil des Industriedenkmals“. Schönheitschirurgischer hätten wir es auch nicht ausdrücken können.

Die Ausstellungsebenen sind durch die aufgeschnittenen Silos hindurch über Stahlbrücken zu erreichen. Von unten kann man 30 Meter in die Höhe oder von der Brüstungsgalerie nach unten blicken. Alles in Absprache mit der Denkmalpflege. Und im Kontrast zum Niederknien wundervoll.

Fazit: Das neue Gesicht des MKM ist von so herausragender Eleganz und Noblesse, dass wir beim Besuch vor Ort jegliche kritische Distanz verloren haben. Das ist ein Tempel für die Kunst, dessen vollkommen gelungene Physiognomie selbst die ja teils auch nicht mehr ganz so junge deutsche Kunst nach 1945 frisch und unverbraucht erscheinen lässt.

Aber das zeigen wir ja, wie schon gesagt, in der KunstArztPraxis später.

gez. KunstArztPraxis (26.10.2021)

Alle Schönheits-OPs in der KunstArztPraxis:
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Schönheits-OPs (2): Kolumba Köln
Schönheits-OPs (1): Kunstmuseum Bonn

Homepage des MKM Museum Küppersmühle

Der Beitrag Schönheits-OPs (4): MKM Museum Küppersmühle erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Als das Licht in den Sechzigerjahren zum ersten Mal mit James Turrell zusammenstieß, muss es mit einem Schlag strahlend glücklich geworden sein, denn James Turrell war vielleicht der Erste, der es sah, wie es ist. Turell nahm das Licht vorsichtig in beide Hände und trug es zunächst über die Schwelle seines Mendota Hotels in Santa Monica. Und von da aus später in die Welt.

Für Turrell war der Körper des Lichts von Anfang an eine Kostbarkeit, deshalb ließ sich das Licht auch gern von ihm zähmen. Im Gegenzug baute Turrell dem Licht in Kratern, Stollen, Schächten und Zimmern Observatorien und Tempel. In fast 25 Ländern.

Seitdem gehen die Menschen aller Kulturen in Ehrfurcht oder Orientierungslosigkeit vor dem Licht in die Knie und finden bisweilen nur noch taumelnd und tastend die Tür. Wobei Ehrfurcht und Taumel in diesem Fall dasselbe sind.

Einer dieser Tempel ist „Floater 99“. Er steht unter der Erde, umgeben von den Kühlräumen und Gärbecken einer ehemaligen Braustätte, im Zentrum für Internationale Lichtkunst (ZFIL) in Unna. So richtig kann niemand ermessen, wie groß er ist, denn das Licht frisst ununterbrochen die Wände und öffnet den Raum hin zu einer Art farbflüchtiger Unendlichkeit.

Dieser Tempel hat keine Ecken, damit sich das kostbare Licht nirgends den Kopf oder die Füße stoßen kann. Und er ist selbst so empfindlich, dass man die Schuhe ausziehen muss, um einzutreten.

Das Blau der Sonne, das Rot der Sterne

In „Floater 99“ kann das Licht sorglos durch die Luft fliegen und in kaum wahrnehmbarer Langsamkeit blitzschnell seine Farbe wechseln: vom Eisblau der Sonne in den glühendvioletten Ton der von uns wegsprenkelnden Sterne.

So gewinnt das Licht Masse, Gewicht und Rhythmus, ist Form und Inhalt, Welle und Teilchen, Geist und Materie. Also ganz Aura, Atmosphäre und Substanz.

Dieses Licht füllt den Raum nicht, es ist der Raum. Es scheint nichts an, sondern ist selbst ganz schattenloser Anschein. Im Grunde stammt das Licht aus jenem Sekundenbruchteil biblischer Vorzeit, in dem im Kosmos schon flutendes Hell war, aber noch kein begrenzendes Dunkel.

Im Bild aus Licht

Für uns war der Besuch im „Floater 99“ wieder einmal geräusch- und schwerelos wie ein Segelflug. Im Wachtraum durchwanderten wir sanft wogende Felder, die nicht von dieser Erde waren, sondern aus anderen, nebulöseren Sphären.

Uns war es, als stünden wir im Kopf des Lichts und sähen dem Leuchten beim Denken zu. Wir selbst waren für den Moment nur noch Sehen, tastende Emotion. Wieder einmal eine im Grunde unbeschreibliche, abermals einmalige Begegnung. Eine hypnotische Blendung unserer berauschten Ichs.

In seiner Gänze erschien uns „Floater 99“ wie ein elektromagnetisch gemaltes Bild, dessen ephemerster Teil wir selber waren. Mit einem Orientierungsrahmen, der vielleicht vor Schnee- oder Nachtblindheit schützen soll, vor allem aber suggeriert, das hinter der Unendlichkeit eine weitere lauert.

Im Streichholzschein verschwinden

Auf dem Dach des Zentrums in Unna hat Turrell übrigens noch eine Camera Obscura aufgebaut, die den Himmel auf den Boden holt. Bei „Third Breath“ (2009) aber braucht das Licht die natürliche Dämmerung, um richtig gesehen zu werden. In „Floater 99“ ist das künstliche Licht die Dämmerung selbst.

Wenn wir in einem Raum wie „Floater 99“ ein Streichholz entzünden würden, hat James Turrell einmal gesagt, dann würde das ganze Werk verschwinden. Und damit das Glück, das dem gezähmten Licht innewohnt. Auch deshalb ist uns „Floater 99“ auf jeden Fall noch lieber. (27.09.2021)

^{Anmerkung: Vielleicht ist die Liebe zum Licht ja der Grund, warum James Turrell nichts dagegen hat, dass wir „Floater 99“ hier sichtbar machen. Fast alle anderen Werke im ZFIL unterliegen den Gesetzen der Unsichtbarkeits-Maschine, der wir im Folgenden aus diesem gegebenem Anlass noch eine Licht-Parabel widmen.}

Appendix: Parabel vom Preis des Beleuchtens

Lange Zeit waren die Beleuchter im Naturtheater von Oklahoma glücklich über jeden Künstler, der auf die Bühne kam. Die Beleuchter liebten ihre Arbeit, denn sie bewunderten die Künstler. Und sie verlangten kein Geld für ihr Tun. Der Anblick der Werke der Künstler waren ihnen Lohn genug.

Irgendwann kamen Fremde ins Naturtheater. Sie stellten sich den Beleuchtern als Freunde der Künstler vor und schwangen große Reden. Es sei eine Ehre, die Künstler auszuleuchten, sagten die Fremden, und die Beleuchter sollten Geld für ihre Arbeit zahlen. Je mehr Geld solle fließen, je länger die Beleuchtung gedauert habe. Auch wiesen die Fremden darauf hin, dass manche Beleuchtungart illegal gewesen sei.

Anschließend zückten die Fremden ihre Rechnungen. In ihrer Verblüffung bezahlten die Beleuchter die geforderten Summen, und die Fremden steckten das Geld in ihre Tasche.

Inzwischen ist das Naturtheater von Oklahoma fast immer dunkel. Die meisten Beleuchter sind weitergezogen, es gibt nur noch wenige, die warten. Und tatsächlich kommt hin und wieder noch ein Künstler ins Naturtheater, der keine falschen Freunde hat. Dann freuen sich die übrig gebliebenen Beleuchter und rücken ihn kostenlos ins rechte Licht.

Die anderen Künstler aber klopfen vergebens an den Tür.

^{Anmerkung: Der Unsichtbarkeits-Maschine zum Opfer gefallen sind an dieser Stelle unsere ZFIL-Fotos der Werke von Christian Boltanski, Rebecca Horn, Joseph Kosuth, Mischa Kuball, Christiane Kubisch, François Morellet, Stephan Reusse, Vera Röhm, Keith Sonnier, Jan van Munster und Jörg Dahlem.}

Homepage des Zentrums für Internationale Lichtkunst (bald mit unseren Bildern!)

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Schönheitschirurgen müssen jetzt ganz stark sein, denn Straffungen und Glättungen können sie im Kunstmuseum Villa Zanders grundsätzlich knicken. Im Gegenteil setzt das Haus bewusst auf Falten und zerknitterte Physiognomien. Sogar Altersflecken, Abschürfungen oder offene Wunden werden toleriert. Klingt furchtbar, oder?

Hat aber seinen guten Grund. Denn bei der ständigen Sammlung des Hauses in der „Papierstadt Bergisch Gladbach“ geht es traditionell fast ausschließlich um – genau: Kunst aus Papier. Also ums Knicken, Reißen, Schaben, Ritzen und Zermahlen, Perforieren und Zerschneiden.

Sprich: um so ziemlich alles, was Narben hinterlässt. Oft unter Einsatz von Skalpellen.

Trotzdem auch hier unsere Wertung nach den für Schönheits-OPs im Kunstbereich gängigen Kriterien:

Lifting: Natürlich darf Anti-Aging auch bei Papierkunst kein Tabuthema sein! Und tatsächlich hat sich die Villa Zanders mit „Neu aufgestellt“ irgendwie dann doch eine Frischzellenkur verschrieben. Über ein Drittel der Exponate sind zum ersten Mal zu sehen, darunter großartige Arbeiten von Siegfried Cremer, Petra Paffenholz oder Axel Vater.

Besonders stolz ist das Haus auf Reiner Ruthenbecks „Weißen Papierhaufen“ (1978/79), der für die Laufzeit der Ausstellung nach den Vorgaben des Konzeptkünstlers aus 600 speziell zusammengeknüllten Blättern à 50 x 50 Zentimetern neu aufgetürmt worden ist. Ruthenbeck gilt als der Erste, der Papier auf eine Stufe mit klassischen Bildhauermaterialien wie Marmor oder Bronze stellte, und das merkt man dem geklonten Haufen an: wirkt wie neu.

Wegen der Unsichtbarkeits-Maschine können wir das Werk hier leider nicht zeigen. Zeigen wir also Erik de Brees wundervoll weiche, mit Sprühfarbe und Tusche verfeinerte Arbeit „Withdrawal Symptom #61“ (2020). Die hat es uns unter den Neuerwerbungen ohnehin besonders angetan. Vielleicht, weil hier die zarte Haut des Papiers eine wichtige Rolle spielt?

Vergrößerungen / Verkleinerungen: In diesem Punkt müssen wir salomonisch sagen: sowohl als auch. Oder, präziser: 2020 erstmal Vergrößerung, 2021 dann wieder Verkleinerung. Hat aber nichts mit zurückgenommenen Kunstfehlern zu tun, sondern mit Corona: Weil sich der Zeitplan für die geplanten Wechselausstellungen im letzten Jahr pandemiebedingt verschob, konnte sich „Neu aufgestellt“ mit 64 Positionen zunächst auf zwei Etagen austoben.

Inzwischen hat sich die Sammlungspräsentation wieder in den ihr angestammten zweiten Villenstock zurückgezogen. 63 Werke sind es aber immer noch.

Plastische Modellierung: Von der Wand her gedacht ist „Neu aufgestellt“ dort mit Bezügen am deutlichsten ausmodelliert, wo zur Petersburger Hängung gegriffen wurde. Positiv fällt auf, dass klassische Leerräume (Böden) mitbefüllt sind (Skulptur). Und das Konvolut der 32 Folianten von Hanne Darbovens Mammutprojekt „Schreibzeit, 1975-1999“ wird selbst inszeniert als eine Art raumgreifendes Environment (leider auch hier: Unsichtbarkeits-Maschine).

2020 war die plastische Modellierung allerdings doch noch etwas ausgereifter. Das lag vor allem an Tina Haases „Schnupfenstuck“, der die Originalverzierung an der Villendecke spiegelgleich mit seiner Nachformung konfrontierte. Als Ersatz gibt’s von Tina Haase im zweiten Stock jetzt eine bezaubernde Puzzleteile-Skulptur.

Narben / Einschnitte: Ja: „Neu aufgestellt“ hat sich räumlich verkleinert. Aber trotzdem ist das, was am Anfang da war, zum Gutteil immer noch da. Beziehungsweise gegen anderes ausgetauscht. Deshalb: kaum Narben. Kaum Einschnitte. Außer den schon erwähnten. Und den gewollten auf Papier.

Implantate: In diesem Punkt hat die Villa Zanders alles richtig gemacht. Denn sie folgt der Standardempfehlung der plastischen Schönheitschirurgie: Aus Harmoniegründen möglichst immer zwei Implantate! So sind neben der Ständigen Sammlung nun auch die Ausstellungen „Imago – Arbeiten auf Papier“ der Düsseldorfer Bildhauerin Hede Bühl und „Leere Kisten als plastisches Thema bei Joseph Beuys“ neu beziehungsweise brandneu aufgestellt.

Und da schließt sich schönheitsplastisch der Kreis. Denn:

gez. KunstArztPraxis (13.05.2021)

^{Wie Beuys und Bühl, so ist auch „Neu aufgestellt. Neuerwerbungen, Schenkungen, Dauerleihgaben und mehr“ noch bis zum 8. August 2021 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen. Danach bekommt die Ständige Sammlung ihr nächstes neues Gesicht.}

Schönheits-OPs (1): das Kunstmuseum Bonn (KunstArztPraxis)
Schönheits-OPs (2): das Kölner Kolumba
Homepage des Kunstmuseums Villa Zanders

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