Eigentlich ist die KunstArztPraxis ja unisono immer einer Meinung, aber bei Yayoi Kusama im Kölner Museum Ludwig scheiden sich ausnahmsweise mal unsere drei Geister. Wir bringen deshalb in einem Diptychon Lob & Tadel. Heute: Lob, von den wohlwollenden KunstÄrzten1&2: an Yayoi Kusamas 97. Geburtstag.

Und zwar in einem offenen KunstArztbrief an KunstArzt3.

Köln, am 22. März 2026

Hoch geschätzter Kollege, werter KunstArzt3, lieber Freund,

letzte Woche haben wir dir die Freiheit gelassen, die Räume unserer KunstArztPraxis alleine zu bespielen, denn wir haben dich zwar als notorischen Nörgler, aber eben auch als Jemanden kennen gelernt, dessen Meinung man wertschätzen kann.

Bis letzte Woche zumindest. Denn bei Yayoi Kusama bist du in unseren Augen dann doch erheblich übers Ziel hinausgeschossen. 

Wenn wir dich nicht besser kennten, dann würden wir sogar vermuten, du habest dir die phantastische Schau im Museum Ludwig gar nicht angesehen! Aber wir wollen ja nicht so böse sein wie du.*

^{*das mit dem böse sein verbitte ich mir, Kollegen!
KunstArzt3}

Wo sollen wir beginnen? Du reduzierst Yayoi Kusama auf die Punkte. Und auf den Kürbis. Dabei ist Yayoi Kusama viel mehr als das! 

Es gibt ein grandioses Frühwerk von großer Eigenständigkeit, dass die Ängste & Nöte der Künstlerin sehr wohl in Bilder fasst.

Es gibt eine überwältigend-surreale, phallische Phase.

Und es gibt diese kuratorische Meisterleistung, die uns komplett umgehauen hat. Schöner sahen wir vor allem das „Souterrain“ des Hauses nie bespielt.

Wir empfehlen hiermit, die Schau schon mal für den Preis „Beste Ausstellung des Jahres“ vorzumerken.

^{Foto oben: Unser beider erklärtes Lieblings-Objekt – und SO SCHÖN ausgeleuchtet:
Yayoi Kusama, „In the Woods“ (1983), Museum Ludwig, Köln 2026}

Yayoi Kusama ist nämlich sehr viel mehr als Punkt & Kürbis! Und das arbeitet diese Schau im Museum Ludwig, die du nicht gesehen hast (?), sehr gut heraus.

Im Übrigen: Warum darf Kunst nicht einfach auch mal schön & poetisch & fotogen sein?

Und:

Und: Dass die Menschen im Museum nichtmals mehr das Bild des Abbilds der Idee, sondern nurmehr das Bild des Bildes des Abbilds der Idee betrachten können: Das ist zwar auch für uns beiden Anderen die platonische Hölle, aber doch der Künstlerin nicht vorzuwerfen! 

SO viel Reflexion hätten wir dir dann schon noch zugetraut.

^{Foto oben: Doch doch: Es gibt auch Menschen, die hinschauen!
„Yoyoi Kusama“, Ausstellungsansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Wir bitten dich also hiermit höflichst, noch einmal über deine Kritik an Yayoi Kusama nachzudenken.

Wir zeigen, wie sie keiner sieht!

Ansonsten lassen wir lieber mal die Bilder der Bilder der Abbilder der Ideen sprechen, die bekanntlich mehr als 1.000 Worte sagen.*

^{*zumal: mehr als 1.000 BÖSE Worte, KunstArzt3!*
*hört endlich auf mit eurem Nachtreten.
Das nervt total!}

Und zeigen die tolle Ausstellung so, wie sie wahrscheinlich keiner sehen wird, wie man sie aber am besten genießen sollte.

Nämlich, bis auf wenige Aus- und Aufnahmen: menschenleer. 

^{Foto oben: DIESE Hängung finden wir kuratorisch übrigens fast schon
hypnotisch. Nobles Understatement. Chapeau. „Yoyoi Kusama“,
Ausstellungsansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Wir durften nämlich vor den Massen rein. Danke sehr, Museum Ludwig! Und: Entschuldigung für unseren Kollegen, lieber Kurator Stephan Diederich! Er ist & bleibt halt ein notorischer Nörgler.

Und hat ihre Schau vermutlich nichtmals gesehen.*

^{*ja und?}

Voilà:

^{„Yoyoi Kusama“ in 111 Ausstellungsansichten, Museum Ludwig, Köln 2026}

Bitteschön. Dankeschön, KunstArzt3. Ach ja: Wir können ja trotzdem Freunde bleiben.*

^{*schaun wir mal.}

Deine Kollegen aus der KunstArztPraxis.

(22.03.2026)

^{„Yayoi Kusama“ läuft noch bis zum 2. August 2026 im Museum Ludwig in Köln. Und, noch einmal: Wir anderen beiden aus der KunstArztPraxis sind hellauf begeistert!}

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven!
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln
Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund
Kasper König: Porträt der Schenkung als ihr Schenker
Gerhard Richter Retro: „Neue Bilder“ in Köln (2017)

Der Beitrag Pro & Contra Yayoi Kusama 2: Mehr als Punkte!! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Vor Kurzem haben wir aus unserer kollektiven Erinnerung spontan das Gedicht „Weltende“ (1911) von Jakob van Hoddis niedergeschrieben, aber wir können noch etwas auswendig, weil das den Geschichtslehrern unserer Sauerländer Jugend wichtig war.

Es ist die Anfangspassage aus Kants Essay „Was ist Aufklärung“ von 1784, die so erschreckend aktuell geworden ist, dass wir auch sie kurz kollektiv erinnern wollen:

Im April feierte Immanuel Kant seinen 300. Geburtstag, und wenn er wirklich so unsterblich wäre, wie wir ihn ob solcher Sätze gerne hätten, dann hätte er sich über die Ausstellung in Bonn sicher gefreut – vor allem über die vielen jugendlichen Besucher*innen.

Zumindest als wir da waren, waren neben den üblichen Ü60 sehr viele Schulklassen mit ihren Lehrer*innen da.

Der Kant-Kult der Vergangenheit

In Bonn wird Kants Leben, seine Zeit und seine Philosophie gerade für ein philosophiefernes Publikum didaktisch anschaulich aufbereitet. Es gibt viel zu lesen und zu experimentieren. Und ein paar Reliquien, die sich dank Kant-Kult der Vergangenheit überliefert haben, gibt es auch.

So sind in „Kant und die offenen Fragen“ sogar jene feinen Schuhe zu bestaunen, mit denen der Philosoph bei seinen täglichen Stadtspaziergängen vielleicht durch Königsberg flanierte – und jenes im Zweiten Weltkrieg komplett zerstörte barocke Königsberg, durch das er mit den Schuhen flaniert ist, ist sehr imposant & mit riesigem Aufwand virtuell rekonstruiert.

„Wer nicht denken will, fliegt raus“

Was kann ich wissen? Was soll ich tun? Was darf ich hoffen? Was ist der Mensch? Anhand dieser Schlüsselfragen Kants entspinnt sich in Bonn der Parcour.

Wobei wir es natürlich besonders toll finden, dass dabei nicht nur zeitgenössische Dokumente aus Leben, Kunst und Wissenschaft zu finden sind, sondern auch Gegenwartskunst, die sich von Kant her begreifen lässt.

Beuys ist mit dem Multiple „Ich kenne kein Weekend“ vertreten, zu dem auch Kants „Kritik der reinen Vernunft“ als bescheidene Reclam-Ausgabe gehört – ein Multiple, das wir im Beuys gewidmeten Anfangsjahr unserer KunstArztPraxis als DIY-Servier-Vorschlag zum Nachbasteln angeboten haben.

Das leuchtet ein: Immerhin hat Beuys im Grunde Kants „Sapere aude!“ mit „Wer nicht denken will, fliegt raus“ ironisch in die autoritärere Formel des philosophieren lehrenden Lehrers in seiner Klasse gepresst.

Wo bleibt die Moral?

Von Anselm Kiefer gibt ist ein eher unbescheidenes Gemälde zu sehen – wohl wegen seines kantianischen Titels „Der gestirnte Himmel über mir und das moralische Prinzip in mir“ (1997). Das ist Kontrastprogramm: Erhaben – vielleicht sogar über jeden Selbstzweifel? – ist Kiefer ja immer.

Ein moralisches Prinzip jedenfalls haben wir auf dem Bild nicht entdeckt.

So weit, so gut.

Ansonsten aber hätte sich Kant, wenn er in seiner Unsterblichkeit mit seinen Schuhen aus der Bundeskunsthalle zum Spaziergang an die freie Stadtluft getreten wäre, sicher vor allem jene in der Schau von besagter Strähne repräsentierten Haare gerauft: Schließlich wird seine Aufklärung von imaginären Glatzköpfen in imaginären Springerstiefeln gerade mit Füßen getreten.

Mangelnde Urteilskraft Hilfsausdruck

Wir sind ja im erkenntnistheoretisch eher unbeleckten postfaktischen Zeitalter angekommen, das zwischen faktenbasierter Wahrheit und bloßer Meinung keinen Unterschied mehr erkennen will – selbst da nicht, wo einem die amoralische, unsoziale, bisweilen gar narzistisch-kriminelle Durchtriebenheit dieser „Meinung“ ganz offensichtlich in beide Augen springt.

Mangelnde Urteilskraft Hilfsausdruck.

Was Kant auf unseren Straßen zu sehen bekäme, ist ja nichts weniger ein neuer Eingang des Menschen in seine selbstverschuldete Unmündigkeit, eine Rolle rückwärts in eine Epoche, in der ausgerechnet Aufklärer wie Kant die Buhmänner sind.

Nur fehlt es bei diesem Eingang in die selbstverschuldete Unmündigkeit offenbar nicht an Mut, sich seines eigenen Verstandes zu bedienen. Es ist den Eingegangenen schlichtweg egal.

Was will ich glauben? Was kann mir nützen? Was soll ich kaufen? Wer ist ein Mensch? Das sind so die Fragen.

Exkurs zum Schlafschaf

Für diesen in seine Unmündigkeit Eingegangenen haben die Schlafschafe übrigens den schönen Begriff des „Schlafschafs“ erfunden, und der trifft es, wie wir finden, ziemlich gut.

In unserer kollektiven Einbildungskraft schlummert das Schlafschaf sanft in einer Blase, die die Wölfe permanent mit süß-sauren Giften füllen. In dieser nährenden Lösung erträumt sich das Schlafschaf einen Leitwolf zum Schäfer, der wie durch Zauberhand nur jene Schafe reißt, die das Schlafschaf für die schwarzen hält.

Dass es selbst ein Schlafschaf sein (und dem Wolf zum Opfer fallen) könnte, fällt dem Schlafschaf im Traum nicht ein. Es hält sich nämlich für hellwach. Und tatsächlich sieht man dem Schlafschaf den Schafsschlaf äußerlich nicht an! Das ist der ontologische Trick.

Wir sind uns ziemlich sicher, dass das Schlafschaf noch tiefer wird schlummern können, wenn die Wölfe ihm in naher Zukunft die Fruchtblase dank KI zu 100 Prozent mit virtuellen Giften füllen. Wobei wir mit KI natürlich „Künstliche Intelligenz“ meinen, und nicht, wie noch im Philosophieunterricht unserer Sauerländer Jugend, „Kategorischer Imperativ“.

Und damit genug fabuliert. Zurück zu Kant.

Es gibt momentan eine heftige Debatte über „westliche Werte“, die wir nicht so recht verstehen, aber es liegt vermutlich nur ein Missverständnis vor.

Wenn wir an „westliche Werte“ denken, dann denken wir automatisch an Demokratie, Gleichberechtigung, Menschenwürde, Wissenschaftsfreundlichkeit, Friedfertigkeit und Toleranz. Und an moralische Integrität. Ja: auch auch die.

Mit diesen Idealen sind wir zum Gutteil nämlich noch großgeworden. Aber „westliche Werte“ sind das ja tatsächlich nicht unbedingt.

Im Großen und Ganzen sind das eher die Ideale der Aufklärung, die in der Ausstellung aufscheinen, weil unter anderen Kant sie vertreten hat – auch wenn es mit der praktischen Umsetzung bei ihm nicht immer so ganz klappen wollte.

Auch dies zeigt die nicht zuletzt vom Erkenntnisstand der Forschung her sehr fundierte Bonner Schau mit Blick auf Kolonialismus, Rassismus, Antisemitismus und Sexismus auf.

Sollte man besser „Werte der Aufklärung“ sagen?

Vielleicht sollte man statt „westliche Werte“ also besser „Werte der Aufklärung“ sagen? Dann hätte man (zum Beispiel) auch die muslimische Welt mit eingefangen, die ja mal unvergleichlich viel aufgeklärter als die christliche war.

Und all jene, die im „Westen“ diese Werte nicht vertreten, hätte man außen vor.

Könnte man sich DANN vielleicht darauf einigen, dass diese „Werte der Aufklärung“ durchaus Ideale sind, die es – gerade jetzt, wo der blasige Mainstream der teils erschreckend jungen Schlafschafe aus Trotz und Verachtung und Empathielosigkeit und Egoismus die Wölfe zu wählen droht – mit Zähnen und Klauen zu verteidigen gilt?

Es sind nämlich fast ausnahmslos jene Werte, die die imaginären Glatzköpfe wie, sagen wir: Donald Trump, Wladimir Putin oder die AfD, in ihren imaginären Springerstiefeln pausenlos mit Füßen treten.

Was dürfen wir wünschen?

Wir jedenfalls wünschen uns viele aufgeklärte Menschen, die sich weigern, erneut in ihre selbst verschuldete Unmündigkeit einzutreten, obwohl es nie so verführerisch war wie heute. Und wir wünschen uns eine vernunftbasierte, polemikfreie Politik, die, wie von Kant vorweggewünscht, endlich wieder in Bildung & Erziehung investiert: also langfristig in Zukunft denkt statt in Humankapital und in Wahlperioden.

Auch das wäre langsam an der Zeit.

Und, ja: Wir wünschen uns Lehrer*innen, die den Mut besitzen, ihren Schüler*innen Kant (und noch viele andere derselben Liga) zuzumuten. Und Schüler*innen mit der Entschließung, Kant (und noch viele andere derselben Liga) auch zu lesen. Durchaus so kritisch, wie diese Ausstellung Kant zu lesen versteht. Auf dieses Sapere aude wollen wir zumindest hoffen.

Und den Anfang von Kants Essay „Was ist Aufklärung“ sollte auch noch Jede*r auswendig können. Punkt & Schluss. (28.01.2024)

^{„Immanuel Kant und die offenen Fragen“ läuft noch bis zum 17. März 2024 in der Bundeskunsthalle in Bonn. Mögen Schulklassen die Ausstellung fluten.}

^{Anmerkung1, zur Sicherheit: Nein nein: Wir sind zwar nicht so lebensmüde, dass wir eines unserer drei Leben für Andersdenkende opfern würden wie Voltaire sein einziges, aber wir haben nichts gegen Andersdenkende, im Gegenteil: Man kann ja lernen. Gerade Querdenker sind willkommen. Sie sollten eben halt nur wirklich quer DENKEN. Darauf wollten wir hinaus.}

^{Anmerkung 2: Doch doch: Wir wissen selbst, dass die unabhängigen, also auch die öffentlich-rechtlichen Medien und die „Eliten“ eine Menge zur momentanen Medien- und Eliten- und Demokratiefeindlichkeit beigetragen haben. Wir versuchen ja zumindest, mit unseren Köpfen die eigene Blase hin und wieder zu durchstoßen wie der Mensch auf Flammarions Holzstich. Gut, das man auch sowas sagen kann.}

^{Nachtrags-Anmerkung 3 (22.01.2024): Wir haben gestern die Bilder der Demonstrationen in Hamburg, München und Berlin gesehen (und auch die, wenn auch kleinen, Demos aus dem Osten), und: Ja, wir haben alle Drei ein bisschen vor Freude geweint.}

Appendix: Kant, Georgia und der Wert der Kunst

Kant hat sein Postulat vom Ausgang des Menschen aus seiner selbst verschuldeten Unmündigkeit zeitgemäß an „Religionssachen“ festgemacht, weil „in Ansehung der Künste und Wissenschaften unsere Beherrscher kein Interesse haben, den Vormund über ihre Untertanen zu spielen“. Aber EINEN Vormund für Kunstfans gibt es heutzutage schon, und der heißt „Markt“. Wobei wir den „Markt“-Begriff, wie er hier interessiert, ziemlich weit fassen wollen.

Der „Markt“ bestimmt den „Wert“ von Kunst, der sich zumeist am Finanziellen – oder am Martgeschrei der Anderen – orientiert. Und der „Markt“ legt fest, was wir überhaupt zu sehen kriegen. Beim „Markt“ geht es aber meistens nicht um Kunst, sondern um Geld und um Geschichten (außer bei uns natürlich!), und eine besonders hübsche hat sich bekanntermaßen Ende letzten Jahres in der Bundeskunsthalle zugetragen.

Auch wenn es natürlich Alle wissen, erzählen wir es hier gerne noch einmal: In der Bundeskunsthalle ist beim Abbau von „Wer wir sind. Fragen an ein Einwanderungsland“ Anfang Oktober 2023 aufgefallen, dass in der Ausstellung offenbar über einen Monat lang ein Bild hing, das die Künstlerin Danai Emmanouilidis aus Hagen hineingeschmuggelt und mit doppelseitigem Klebeband an der Museumswand befestigt hatte.

Die Kunst-Aktion, die als „Geschichte“ ziemlich alles hat, worauf Medien so abfahren, bekam wie erwartet ein Medienecho, dass das journalistische Maß der Aufmerksamkeit für die vorangegangene Ausstellung gefühlt um das Hundertfache überstieg. Am Ende – sprich: am 29. November 2023 – wurde das Bild („Georgia“, Acryl auf Papier, 2019/2020) beim renommierten Kölner Auktionshaus VAN HAM für einen guten Zweck, vor allem aber für 3.700 Euro (inkl. Aufgeld) versteigert. So macht es der „Markt“ ja immer: Subversives wird gnadenlos einverleibt.

Und? Sagt diese Geschichte irgendetwas aus über das Bild (das wir im Übrigen gar nicht übel finden, wenn auch nicht so gut wie die Aktion daselbst!) und seinen „Wert“? Natürlich nicht! Aber sie sagt viel aus über unsere Vormünder – und was wie & warum zu sehen (oder eben nicht zu sehen) kriegen. Im Übrigen sollte uns die Geschichte daran erinnern, dass prinzipiell überall da draußen – jawohl: auch jenseits der Museen und Galerien und Auktionshauswände! – gute Kunst lauern könnte. Man muss nur mündig & aufgeklärt hinschauen.

Denn: Kants „Sapere aude!“ gilt auch für Kunst.

Die Bundeskunsthalle in der KunstArztPraxis:
Echt? Peinlich? “Ernsthaft?!” in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung (15): “Ernsthaft?!” in Bonn

Der Kunstmarkt in der KunstArztPraxis:
159,2 Millionen für van Goghs “Gurkenmädchen”!
Die Zerstörung van Goghs: “Stand up for Art”
Keine Kunst! Was Richard David Precht vergaß

Homepage der Bonner Bundeskunsthalle

Der Beitrag Vom Schlafschaf. Kant und seine Fragen in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Neulich haben wir Drei von der KunstArztPraxis uns genauso künstlich aufgeregt wie Herr Müller-Lüdenscheidt und Herr Dr. Klöbner in Personalunion.

Nur steckte unsere Ente nicht in einer Badewanne, sondern im Briefkasten, genauer: in der Depesche eines Kölner Auktionshauses. Und sie hatte die Form eines Satzes, den der Auktionshaus-Besitzer sich selber zugeschrieben hatte.

Und der lautet doch tatsächlich: „Ein Leben ohne Kunst ist möglich, aber sinnlos.“

Der Satz ist eine ausgemachte Frechheit, weil: eine richtig schlecht gemachte, richtig plumpe Fälschung.

Um das mit der Plumpheit einmal in die elegante Sprache der Kunst zu übersetzen: Das wäre, als würde Jemand der weltberühmten Mona Lisa ein D’Artagnan-Bärtchen anmalen und behaupten, das Ganze sei sein Werk – nur eben umgekehrt, also mit abrasiertem Bärtchen!

Denn die Kopie stiehlt dem Original ja nicht nur die Eleganz, sondern auch noch den funkelnden Humor.

Warum?

Warum? Ganz einfach: Der Depeschen-Satz des Auktionshaus-Besitzers ist EINDEUTIG auf ein Publikum gemünzt, das ihn Eins zu Eins unterschreiben soll. Der Witz des Originals besteht aber zwingend in der Möglichkeit zur Verweigerung einer Unterschrift.

Denn in der unikatären Welt wahren Witzes gehört zu einem sinnlosen Leben eben nicht keine Kunst, sondern zweifelsfrei kein Mops.

Wir haben uns in 1.345 Zeichnungen gründlich umgeschaut

Das Original der plumpen Fälschung stammt natürlich vom großen Loriot. Wir hegen keinen Zweifel, dass die Depeschen-Leser das erkennen, deshalb nehmen wir dem Auktionshaus-Besitzer die in seinen Kreisen eigentlich üblichen Zuschreibungen „nach Vicco von Bülow“ oder „Loriot-Werkstatt“ nicht übel.

Alles andere aber, wie gesagt, eben schon.

Wir sind uns auch ziemlich sicher, dass Loriot die Auktionshaus-Fälschung nicht unterschrieben hätte: Er war ja nicht Dalì, der bekanntlich jede Fälschung signiert hat.

Im Übrigen haben wir uns in den 1.345 Zeichnungen seiner gesammelten Werke einmal gründlich umgeschaut. Und da sticht Kunst – und dezidiert ihre Vermarktung! – gerade durch ihre markerschütternde Absurdität hervor.

Ein Leben MIT der Kunst ist sinnlos und manchmal nicht mal möglich

Im schlimmsten Fall bringt die Kunst das Leben ihrer Erzeuger sogar komplett zum Stillstand. Sie degradiert ihre Sammler*innen zu schnöden Deko-Objekten. Oder sie verhindert den Vollzug der Ehe. Und die echte Mona Lisa taugt im Grunde auch nur als handzerschnittenes „Luxus-Puzzle“ für Gutbetuchte, das die existentielle Leere ihres spießigen Daseins überdeckt.

All das hätten wir hier gern auch visuell ausgebreitet. Aber selbst im Königreich des Humors wütet beizeiten – leider, leider – die Unsichtbarkeits-Maschine. Weshalb wir uns bei der Bebilderung dieses Beitrags zum Gutteil mit Symbolbildern behelfen müssen.

Aber die eleganten Texte können wir hier drucken:

„Das ansprechendste Objekt seiner Ausstellung zeitgenössischer Kunst in Heilbronn, der Künstler selbst (Pfeil), war leider unverkäuflich“, steht da unter der Zeichnung einer Vernissage in Anwesenheit des am Leuchter erhängten Künstlers (Pfeil) zu lesen.

Und unter dem Bild eines Mannes, der statt mit seiner Frau mit einem löchrigen, recht platten Metallfräulein im Bett liegt, steht: „Durch seine innige Beziehung mit einer Bronzeplastik bewies der Angestellte Norbert K. aus Remscheid, was echte Kunst vermag.“

Zarte Porträts vom Russlandfeldzug

Wir wagen deshalb hiermit eine steile These: Die hehre Kunst hat Loriot, im Gegensatz zu Musik oder Literatur, den Großteil seines Lebens nicht so richtig interessiert.

Und dies, obwohl er neben Grafik ursprünglich in derselben Klasse wie der phantastische Horst Janssen Malerei studiert und der Nachwelt vier anrührend zarte Porträts hinterlassen hat, die er als Wehrmachtsoffizier des Russlandfeldzugs 1943/1944 – es war beileibe keine rühmliche Zeit! – mit 21 Jahren zeichnete.

Die kann man gerade in einer hübschen Ausstellung zu Loriots 100. Geburtstag im Caricatura Museum Frankfurt erstmals öffentlich sehen.

Spannung zwischen Hoch- und Knollennäsigkeit

1981 hat Loriot den Fragebogen der FAZ ausgefüllt – da war er deutschlandweit schon weltberühmt. Die Fragen müssen ihn sehr gelangweilt haben, so monothematisch eintönig hat er sie beantwortet. Wagner, Wotan und Walküren wabern wortgewellt durchs ganze Statement, und auf die Frage nach seinem Lieblingsmaler gibt Herr von Bülow indirekt die Auskunft, dass er keinen habe. Denn:

Loriot hingegen hat auch nach Russland sehr wohl gemalt, nämlich Wagner: in klassischer Manier, aber eben mit der obligaten Knollennase. Das Gemälde prangt unter anderem auf dem Cover seines „Kleinen Opernführers“ aus Loriots Zürcher Hausverlag Diogenes.

Diese Spannung zwischen Hoch- und Knollennäsigkeit, diese im Bild fixierte Fallhöhe zwischen Genie und Blödsinn, hätte Sowa auch nicht besser hinbekommen.

Das hat schon was vom Bart der Mona Lisa. Aber eben, lieber Herr Auktionshaus-Besitzer, in seiner angemalten, nicht in seiner abrasierten Form.

Und das ist eben dann der zweite Punkt: Hehre Kunst fand Loriot in ihrem Marktgetöse und der ihr angehängten Wirkung eher albern. Aber er hat in unseren Augen mit seinen Zeichnungen, seinen Zeichentrick- und Realbildfilmen – ja: sogar mit legendären, unverwechselbaren Mops-Zitaten – eben selbst Kunst gemacht. Kunst, die das Tragische hinter Komischem verbirgt. Und ganz, ganz viel Sprachwitz hat.

Es gibt auch ein paar blöde Sachen

Zugegeben: Von Loriot gibt es auch ein paar blöde Sachen, die in unseren Augen fast so spießig sind wie die Spießer, die er – zumindest in der Zeichnung – mit Melone und Stresemann eh schon veraltet karikierte.

Vielleicht ist es ein mopsfideler Zufall, aber in Loriots ödesten Sachen kommen immer wieder Hunde vor. Jene Cartoons zum Beispiel, in denen Hunde Menschen spielen müssen und Menschen Hunde, entlocken zumindest uns kein müdes Lächeln.

Oder Wum und Wendelin. Die waren schon damals krasseres Biedermeier als Loriots erst rotes und dann später grünes Sofa.

Aber auch das ist natürlich Geschmackssache: Auch unsere Deutungen sind ja nur Auslegeware.

Die Melone des Spießers, die Melone Magrittes

Aber es gibt eben auch den anarchischen Humor im Liebevollen: ein Humor, der in den von ihm erzeugten Bildern die Spießigkeit immer wieder kunstvoll unterwandert; der moralische Doppelbödigkeiten aufdeckt, teils geschlechtsspezifischen Grausamkeiten des Zusammenlebens.

Und jene Text-Bild-Kombinationen, in denen Loriot die Benimmbücher der Wirtschaftswunderjahre parodiert hat, verströmen heute einen frischen surrealen Zauber, den sie vielleicht für zeitgenössische Betrachter*innen noch gar nicht hatten.

Da wird dann die Melone des Spießers zur Melone Magrittes. Also Cartoon zur hehren Kunst jenseits bloßer Parodie. Diese Text-Bild-Kombinationen sind uns die liebsten.

Loriot selbst hat das offenbar anders gesehen. Für ihn war die Karikatur das Terrain der immergleichen menschlichen Schwächen und die Kunst das Feld des permanenten Bruchs mit Konventionen. Das ist nun wieder uns zu altbacken gedacht.

Der Schnurrbart der Mona Lisa und die Knollennase eines Richard Wagner oder ein Satz von der Sinnlosigkeit mopsfreien Lebens sind ja der beste Beweis dagegen.

Während ein Satz von der möglichen Sinnlosigkeit ohne Kunst seinem Wesen nach eben ziemlich spießig ist.

Die letzten Jahre wieder Maler

Vermutlich hat sich Loriot die Trennungsaufhebung von Hoch und Tief selbst gewünscht. Nicht nur, dass sich der Humorist 2006 ins Häusliche zurückzog, um sich für den Rest seines Lebens wieder der privaten Malerei zu widmen:

Schon 1978 imaginierte er sich eine unvorstellbar lange Menschenschlange, die mit Schlafsäcken und Klappstühlen vor dem Metropolitan Museum in New York ausharrt, um an einer streng bewachten Vitrine aus Panzerglas mit einem angestrahlten Kleinod vorbeizudefilieren.

„Es ist ein stockfleckiges Blatt aus einem Notizblock, 9 x 12 cm, darauf ein Nasenmännchen in Bleistift, nicht signiert, mit Expertise der Kestner-Gesellschaft“, heißt es in der Rede, die Loriot anlässlich einer Ausstellung von Karikaturen in der Kestner-Gesellschaft hielt.

Wir halten diese Phantasie Loriots für komplett angemessen. Ins New Yorker MeMu gehört er nämlich unbedingt hinein.

Bild: Nicht signierte Zeichnung Loriots von 1977. Expertise der Kestner-Gesellschaft auf der Rückseite.

(12.11.2023)

^{Anmerkung 1: Die oben gezeigten Zeichnungen Loriots dürfen wir nur unter ausdrücklicher Erwähnung oben schon einmal erwähnter Ausstellung zeigen! Deshalb hier nochmal: „Ach was. Loriot zum Hundertsten“ ist noch bis zum 25. Februar 2024 im Caricatura Museum in Frankfurt am Main zu sehen. Wir werden noch hingehen, es sind schöne Sachen da. Aber es gibt keinen Katalog. Vielleicht auch da Unsichtbarkeits-Maschine?}

^{Anmerkung 2: Ach ja: Die Google-Suche nach „Ein Leben ohne Kunst ist möglich, aber sinnlos“ ergab am 25.10.2023 rund 530 Treffer. Sich dieses Bonmot also selbst zuzuschreiben, ist zwar möglich, lieber Herr Auktionshaus-Besitzer, hat aber hunderttausend Mona-Lisa-Bärte.}

^{Anmerkung 3: Loriot war Wehrmachtsoffizier. Seine Militärakte von damals rühmt seine „klare“, seine „durchdachte“ Art zu befehlen und lobt neben seinem Talent als Unterhalter auch sein „straffes“ Regiment an der Front. Diese Episode, die Loriot klar bereut hat, wird gerade gern verschwiegen, gehört zu seiner Biografie aber unbedingt dazu.}

Homepage des Caricatura Museums Frankfurt
Homepage von Loriots Hausverlag Diogenes

Der Beitrag Kunst: Möglich, aber sinnlos! Loriot zum 100. Geburtstag erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Es war einmal ein Museum, das mochten wir besonders gern. Es hatte tolle Ausstellungen, die ganze Crew war klasse. Wir wurden gern zum Fotografieren engagiert, und im Gegenzug engagierten wir uns gern zurück.

Als das Museum in Not geriet, rief uns der Direktor an, wir machten uns für die gute Sache stark. Wir bekamen als Erste Informationen, schrieben Texte, wurden Experten in der Causa, auch von Kolleg*innen angefragt. Wir knieten uns solange rein, bis die Not verging.

Und als eine Sammlungserbin an uns herantrat mit der Bitte, sie bei der Wahl eines Ausstellungsorts zu beraten, empfahlen wir ihr – weil es eben sehr gut passte – diesen.

Inzwischen war schon viel aus der Sammlung in besagtem Museum zu sehen.

Dann ging der Direktor, ein Teil der Crew ging auch. Ein neuer Chef* zog ein, der war ein wenig burschikoser. Kuratorisch sorgte er für eine frische Brise, aber uns wehte plötzlich ein anderer Wind entgegen.

^{*in der Folge nutzen wir das generische Maskulinum. Der neue Chef
könnte auch eine neue Chefin gewesen sein.}

Denn der neue Chef brachte neben neuen Ideen auch eine Idee von Ausstellungsfotografie mit ins Haus, die wir offen gestanden ziemlich altbacken finden.

Ein neuer Ton von Herr und Knecht

Ausstellungsfotografie habe Eins zu Eins zu zeigen, was Besucher*innen sähen, lautete des neuen Chefs Divise. Er wolle deshalb Fotos „auf der Sichtachse des Publikums“.

Dafür, dass wir für unsere Fotos auch schon mal auf Leitern stiegen oder in die Hocke gingen, hatte er nur – ja, so müssen wir es sagen – Hohn und Spott.

Fortan hatte der neue Chef bei jeder Begegnung im Museum einen Witz für uns parat, der immer um eine Leiter oder eine Hocke kreiste. Mit einem Schlag war da ein Herr-Knecht-Getöne, das zwar der Wirklichkeit entsprach, uns bisher aus Museen aber unbekannt war.

Fotografieren wurde zum Spießrutenlauf, aber eben mit nur EINER Rute und EINEM Spieß. Dafür aber sogar vorgetragen vor teils amüsierten, teils irritierten Dritten.

Humor als Schwert des Damokles

Wir haben im Grunde nichts gegen Humor, der uns aufs Korn nimmt, so billig kann er gar nicht sein. Aber dieser Humor hier drohte uns während der Arbeit unentwegt mit Jobverlust, und das war selbst für gestandene KunstArztPraxis-Ärzte wie uns nur schwer erträglich.

Und tatsächlich blieben dann wirklich – aus „Budgetgründen“, wie man uns nach langem Schweigen endlich sagte – die Aufträge aus.

Ausbleibende Aufträge sind in unserem Metier normal und auch bei gern gehabten Museen in Ordnung. Gegen Budgetgründe ist nicht zu sagen. Indes: In diesem Fall sind wir in unserer Ehre tief & nachhaltig gekränkt.

Deshalb wollen wir dem neuen Museumschef hier einmal erläutern, warum wir auf Leitern steigen & in die Hocke gehen. Und überhaupt: Warum wir so fotografieren, wie wir es nun einmal tun.

Und zwar mit folgendem Brief:

Lieber neuer Herr Museumschef,

wir wissen natürlich nicht, wie sie Ausstellungen wahrnehmen, aber WIR bleiben in der Regel nicht stocksteif in den Türen stehen und blicken uns von links nach rechts im Raum um wie auf einem Foto. WIR durchmessen Räume, umrunden Skulpturen und pirschen uns, manchmal sogar vor- und rückwärtswippend, an Gemälde heran.

Man könnte auch sagen: Wir sehen Kunst nicht nur mit den Augen, sondern auch mit den Beinen – und beizeiten sogar mit den Hüften. Und hier liegt der Hase im Pfeffer: Unser Fotoapparat hat nämlich keine Beine. Er ist auch anatomisch hüftlos. Und dazu noch einäugig wie ein Zyklop.

Tatsächlich ist uns im Reich des starren Flachen keine Möglichkeit bekannt, die einfängt, wie Besucher*innen sehen, also adäquat räumlich, beweglich, dreidimensional.

Auf Sichtachse, aber nicht auf Augenhöhe

Natürlich kennen wir die Fotos, die so tun, als ob sie wie Besucher*innen sähen: Vielleicht meinen Sie ja die. Im Grunde sind diese Fotos sogar die Regel, in jeder Kunstzeitschrift gibt es Hunderte davon. Eigentlich ist die Wahrnehmung des gesamten Kunstbetriebs geprägt von ihnen.

Auf diesen Fotos sind die Kanten der Gemälde parallel zur Bildkante des Fotos akkurat gerade, die Räume „auf der Sichtachse des Publikums“ perfekt austariert, die Tiefenschärfe bis in den letzten Winkel da. Menschen sieht man auf diesen Fotos selten, und wenn, dann höchstens als maßstabsgebende Staffage.

Wir finden das offen gestanden ziemlich öde. Auf sehr sterile Weise makellos. Und trotz der Sichtachse auch nicht auf Augenhöhe, weder mit den Besucher*innen, noch mit der Kunst.

Aber das ist natürlich Geschmackssache. Nur eines ist jenseits des Geschmacks die Wahrheit: Diese Fotos zeigen eben NICHT, was man in Ausstellungen sieht. Aus den oben angeführten Gründen.

Wir wollen es anders machen

Wir verzichten deshalb auf die Illusion zu zeigen, was „man“ sieht. Wir zeigen lieber Menschen, die auf Werke blicken, die den Raum durchmessen oder die (von oben) in Vitrinen schauen. Im Grunde betrachten wir Betrachter*innen beim Betrachten – wobei diese Betrachter*innen selten Besucher*innen sind.

Auch diese Illusion von „Wahrheit“ wollen wir so gut es geht umschiffen.

Foto: Der Raum gibt den Rahmen: Lena Henke im Museum Marta, Herford 2023

Man könnte auch sagen: Wir dokumentieren nicht. Wir inszenieren, und zwar mit den Möglichkeiten, die die Ausstellung, die beinlose Kamera – und beizeiten auch die digitale Dunkelkammer – uns bieten. Durchblicke spielen dabei eine zentrale Rolle, Spiegelungen. Unschärfe auch.

Und manchmal guckt die Kunst auf unseren Fotos sogar Betrachter*innen an statt umgekehrt.

Uns geht es um das gute Bild

Uns geht es nicht um das technisch perfekte, sondern um das in diesem Sinne gute Bild: Uns geht es um Details und Atmosphäre, unser eigenes Empfinden, um Impressionen, Intimität. Und, ja: auch ums zyklopische Erfassen des konkreten Raumes durch seine Übersetzung in 2D.

Ersteres (Detail) geht tatsächlich in der Hocke, letzteres (Raum) mit Leitern besonders gut.

Wir wollen kuratorische Ideen sichtbar machen, verborgene Symmetrien, versteckte Bezüge. Und manchmal wollen wir auch einfach nur ein Foto schießen, das spielerisch Lust macht auf das, was man dann nur vor Ort wirklich, also mit den Augen und den Füßen und der Hüfte sieht.

Ein anderer Weg

Für diese Wahrheit steigen wir auf Leitern. Für diese Erkenntnisse machen wir uns auch mal klein. Deshalb ist es öfters schräg auf unseren Fotos, und deshalb sind Bildteile unscharf und deshalb ist es manchmal viel zu dunkel – oder viel zu hell.

Uns ist klar, dass wir damit den Handwerksweg klassischer Ausstellungsfotografie verlassen. Wir sagen auch nicht, dass unser Weg der bessere ist. Es ist halt nur definitiv ein anderer.

Foto: Was sieht man von vorne? Neugierig machen mit Alicja Kwade im Lehmbruck Museum, Duisburg 2023

Im Idealfall kommt dabei ein Foto heraus, das zeigt, wie WIR ganz persönlich eine Ausstellung wahrgenommen haben. Ein solches Foto wäre dann eines auf echter Augenhöhe, auf Sichtachse mit uns als Publikum, also wirklich wahr. Aber eben auf eine andere als auf die (vermeintlich) authentische Manier.

Wir haben uns etwas dabei gedacht

Ob uns dieses wahre Bild gelingt, steht natürlich in den Sternen, liegt also im Auge des Betrachters. Aber den Versuch wollen wir uns halt nicht nehmen lassen. Und werden dafür auch weiterhin in Museen auf Leitern steigen oder in die Hocke gehen. Nur eben nicht mehr in Ihrem.

Wir haben uns nämlich etwas gedacht dabei. Und wir sind froh & dankbar für Jede*n, der sich darüber nicht lustig macht.

Köln, im Oktober 2023,

Ihre KunstArztPraxis

(22.10.2023)

Wie & Warum wir Fotos machen. Kleine Auswahl (2015-2020)

^{Anmerkung: Besagtes Museum macht immer noch tolle Ausstellungen, die Crew ist natürlich auch noch klasse. Das wollen wir schon noch mal unterstreichen. Auch wenn wir uns nicht mehr engagieren mögen.}

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Manifest des malerischen Frutar(t)ismus

^{Für (und gegen) Filippo Tommaso Marinetti}

^{„Friede den Blüten!
Krieg den Koteletten!“}

Wir sind die Verfechter des malerischen Frutar(t)ismus. Wir missbilligen eine Kunstgeschichte, die auf der Darstellung von totem Fleisch und tierischen Produkten basiert. Wir lehnen Gemälde ab, deren Farben aus den Leichen getrockneter Schildläuse, den pulverisierter Blasen von Tintenfischen oder dem Sekret zerstampfter Gastropoden bestehen.

Für jedes Gramm Purpur auf diesen Bildern mussten – und müssen! – rund 10.000 Schnecken sterben! Karminrot und Sepia waren – und sind! – die Sargnägel in der Artenvielfalt unseres Planeten. Und Eitempera-Malerei war – und ist! – Mord an ungeborenem Leben.*

^{*Von Schellack, Ochsengalle, Glutinleim, Kasein, Tierkohle, Gelatine, Haut, Horn
Honig oder Bienenwachs im Kunstwerk wollen wir erst gar nicht reden.}

Wir verachten die Stillleben-Produzenten des Goldenen Zeitalters für ihre Legitimierung der brutalen Jagd, den Stierkampf-Zeichner Picasso für seine Schönfärberei des Rindertötens zum Zeitvertreib.

Wir verachten die Schlachthaus-Maler Hieronymus Bosch und Francis Bacon (sic!), die uns die Welt als jene hermetisch geschlossene fleischliche Hölle präsentieren, der es angesichts einer durch Massentierhaltung forcierten Klimakatastrophe doch eigentlich zu entrinnen gilt.

Hingegen verehren wir den Obst- und Gemüsemaler Arcimboldo, den ersten veganen Künstler der Neuzeit, der die Erde, die Luft und das Wasser aus lebendigen Tieren geformt hat und mit der visuellen Fülle jedes seiner Bilder die bedrohte Biodiversität unseres Planeten preist.

(Bild: Für das Gemälde der österreichischen Designerin Emilie Flöge von Gustav Klimt mussten Hunderttausende Purpurschnecken sterben – ebenso wie wohl auch für das echte Kleid.)

Acimboldos physiognomisch versinnbildlichte Philosophie

Wir lesen Arcimboldos Gemälde als ökotrophologisch fundierte Serviervorschläge eines gesünderen Lebens, als Allegorien auf gerechtes Essen. Für diesen Maler sollte der Mensch nicht aus Fleisch und Blut gemacht sein, sondern aus Rettich, Kohlblättern, Kirschen und Lauch!

Fleischfressen ist/macht hässlich, Pflanzenessen schön: So lautet Acimboldos physiognomisch versinnbildlichte Philosophie.

Wie anders wären sonst seine Kippbilder zu verstehen, auf denen sich ein Gemüsetopf im Handumdrehen in einen gesund & glücklich dreinblickenden Gärtner verwandelt, ein Braten-Teller mit Gegrilltem hingegen in einen verschlagenen, grimmigen Koch im Harnisch des Schlächters?

Und nur so ergibt Arcimboldos rosiges Bildnis seines Gönners „Rudolf II. als Vertumnus“ – also als Gott des Gartens und der Früchte – jenseits aller bisherigen Interpretationen endlich Sinn:

als Apotheose der platonischen Idee einer weisen Herrschaft von Äpfeln, Artischocken, Birnen, Bohnen, Erbsen, Feigen, Granatäpfeln, Kastanien, Kirschen, Kohlblättern, Kürbissen, Maiskolben, Maulbeeren, Pflaumen, Weintrauben, Weizenähren und Zwiebeln über den menschlichen Körper von A bis Z.

Dass das Gemälde 1988 mit Hilfe von Krill-Enzymen restauriert worden ist, betrachten wir als Schande – und als Schlag ins Gesicht aller Wale, Pinguine, Seevögel, Robben, Heringe und Makrelen, die noch leben.

Bekanntlich war Arcimboldo ein großer Verehrer Platos und seines im „Timaios“ präsentierten Gedankens, dass die Götter Menschen und Tiere aus gleichem Stoff erschaffen hätten – während die „Bäume, Gewächse und Saaten zu einem anders beschaffenen Lebenden hervorsprießen“ würden.

Für Arcimboldo musste Fleischverzehr also Kannibalismus sein! Und derart frutar(t)istisch hat er auch gemalt. Quod erat demonstrandum.

Die Wissenschaft gibt dem Blumigen recht

Für uns steht das große „F“ auf Arcimboldos Bildern deshalb nicht für das gemeinhin unterstellte kleine „fecit“ („er hat gemacht“): Das war ja mit der Signatur schon klar. Es steht für „Floridus“ („der Blumige“) oder „Fructus amicus“ („Freund der Früchte“).

Die moderne Forschung jedenfalls gibt diesen zu Lebzeiten als „grilli“ (sic!) diffamierten, dann verlachten und bis ins 20. Jahrhundert vergessenen Bildern aus ernährungsphysiologischer, aber auch aus tierethischer und lebenswissenschaftlicher Perspektive Recht.

Im Namen Arcimboldos erklären wir das mörderische Zeitalter einer carnivoren Malerei, die zwecks der Abbildung toter Kreaturen zermalmte Weichtiere und Insekten mittels Pinseln aus Schweineborsten auf eine tierknochenverleimte Leinwand brachte, für beendet.

Die Zukunft gehört den Eisenoxiden der Höhlenmalereien, den Färberpflanzen der Klostergärten, den mit Pflanzengummi gebundenen Pigmenten aus den Mineralien und Erden des Mittelalters, den exotischen, artgerecht entnommenen Harzen des Drachenblutbaumes oder des Gummigutts.

Der echte Nährwert der Gemälde

Die Zukunft gehört den Blumenbildern, den arciboldesken Porträts und phantastischen Architekturen aus Obst und Gemüse, einer von Mastvieh und Monokulturen auf den Feldern befreiten, alles frei Sprießende und Blühende lobpreisenden Landschaftsmalerei.

Die Zukunft gehört Museen, die sich dem Lebenden statt dem Toten, dem Blumigen statt dem Blutigen verschreiben. Und einer Kunstkritik, die Bilder ganzheitlich nach ihrem echten Nährwert zu beurteilen vermag.

Wir Verfechter des neuen malerischen Frutar(t)ismus wollen aber noch weiter gehen! Denn für uns begann der Sündenfall der Malkunst mit der Darstellung einer verführten Frau, die unter Einflüsterungen des inkarnierten Bösen einen Apfel brutal seiner paradiesischen Heimat /also dem Baumstamm) entriss!

Pflücken verboten!

Dahingegen strebt der malerische Fruktar(t)ismus in seiner unschuldigen Verwendung von Obst- und Gemüse-Material auch nach einer unschuldigen Darstellung von Obst und Gemüse, das noch am Baum (oder Strauch) der Erkenntnis hängt.

Oder wie im Schlaraffenland nach den Gesetzen der Newtonschen Schwerkraft kraft seiner freien Entscheidung in den Schoß (oder auf den Kopf) der Menschheit herabgefallen ist.*

^{*Aber natürlich ohne die Darstellung von Schweinen, die mit Messern
und Gabeln in der Schwarte servierfertig durch die Gegend rennen!
Müssen wir ja wohl nicht mehr erwähnen.}

Das Scheitern Marcel Duchamps wird unterbewertet!

Und in der Performance, der Plastik? Da hätten wir uns einen Marcel Duchamp gewünscht, der 1917 statt einer Sanitärkeramik aus dem Baumarkt einen (wurmlosen) Apfel vom Boden einer Streuobst-Wiese aufgehoben und ins Museum getragen hätte!

Das hätte uns in der neueren Kunstgeschichte sicher so Manches an Rindfleisch (Abramović), Knochen (Holzer), Haien (Hirst), Hasen (Beuys), Wölfen (Dion), Rentieren (Höllerer) oder Pferden (de Bruyckere) erspart.

Ein solcher Streuobstwiesen-Apfel wäre das erste Readymade des skulpturalen Frutar(t)ismus gewesen, den Pioniertaten des Arcimboldo würdig. Und weitaus wegweisender als ein umgekipptes, den gefüllten Blasen des patriarchalen Schweinesystems dienendes Pissoir. (10.07.2023)

^{Anmerkung 1: Obwohl uns der malerische Frutar(t)ismus natürlich auch zu weit geht, doch noch mal zur Sicherheit: Für uns sind nicht die Vertreter einer gesünderen Ernährung oder einer lebenswerteren Umwelt die gefährlichen Ideologen. Die lauern unseres Erachtens an der entgegengesetzten Seite des Tischs und mästen den Rechtsextremismus gerade mit Wortwürsten wie “Öko-Diktatur”, „Heiz-Stasi“, “Klima-RAF” oder „Fleischverbots-Partei“. Diese ausgekochte Verrohung aus Lügen & egoistischem Kalkül in der politischen Mitte ist mehr als beschämend: nicht nur, aber auch & gerade in einer Zeit, die sich der gemeinsamen Suche nach Rezepten zur Rettung der Erde – und der gleichfalls gefährdeten Demokratie! – verpflichten sollte. Punkt.}

^{In diesem Sinne bitten wir, das obige Manifest nicht misszuverstehen. Es eignet sich zur Instrumentalisierung nicht. Wir wollten einfach nur eine neue, zeitgemäße Kunstströmung erfinden. Und Arcimboldo ähren.}

^{Anmerkung 2: Ja, wir wissen, dass „Koteletten“ nicht der Dativ Plural von Kotelett ist! Für eine gute Paronomasie gehen wir halt über semantische Leichen.}

Vegane Kunst in der KunstArztPraxis:
Ricardo Reuss: Der Fotograf der Gurke
159,2 Millionen für van Goghs “Gurkenmädchen”!
Veganic Art (VA)

Tiere in der KunstArztPraxis:
Peep-Show mit Tieren: Bertram Jesdinsky in Neuss (gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Betriebsausflüge (1): “Kunst für Tiere” in Rüsselsheim
Wie man dem toten Hasen Joseph Beuys erklärt
„Surreale Tierwesen“ in Brühl: Zoo mit Zerberbus
Das Wir im Tier: „Lovely Creatures“ in Aachen
Sommerloch-Porträts (2): Pierre Huyghes Hund
Stella Hamberg: Kraft und Sinnlichkeit

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Gestern haben wir geträumt, wir wären auf der Beerdigung von Vincent van Gogh. Aber irgendwie kamen wir zu spät, der Künstler war bereits begraben. Jetzt saßen nur noch vier gut gelaunte Menschen beim Leichenschmaus. Man sprach über appe Ohren, überall hingen Bilder, van Gogh war schon vergessen.

Es wurde viel gelacht, über den Toten natürlich, und über die eigenen Witze: Die Stimmung war superb. Wie gesagt: Es war ein Leichenschmaus.

Aber es war kein Traum. Es war die sechste Folge der „Comedy & Satire“-Sendung „Stand up for Art“ im WDR. Die will ein junges Publikum für Kunst begeistern, indem sie es mit seinen eigenen hippen Formaten abholt. Nur leider wurde van Gogh mit seiner Kunst dabei komplett im Regen stehen, also links liegen gelassen.

Das Hipe beginnt schon beim Vorspann. Hip ist zum Beispiel heutzutage zu betonen, dass man von dem, worüber man anschließend plaudern will, keinen blassen Schimmer hat – und darauf auch noch stolz zu sein. So die Moderatorin schon im Vorspann: „Bei mir zuhause hängt ’ne Plastiktüte in ’nem Bilderrahmen an der Wand. Ob das Kunst ist, weiß ich jetzt nicht“.

Das Motiv der Ahnungslosigkeit zieht sich durch die ganze Sendung. Bald wird klar, dass sich auch die Gäste – eine Frau, zwei Comedians – gar nicht oder nur extrem oberflächlich mit van Gogh beschäftigt haben. Auch das ist hip. Die Botschaft lautet: Hey, wir sind Eine*r von Euch! Wir sind nicht hier, um Euch mit tiefen Gedanken Angst zu machen! Wir sind einfach cool und ohne Berührungsängste, wir reden, wie uns der Schnabel gewachsen ist. Wissen stört. Have fun.

„Stand up for Art“ ist so niederschwellig angelegt, dass niemand über irgendeine Schwelle treten muss. Weil alles komplett eingeebnet ist. Diese Strategie sieht man im Fernsehen immer öfter. Kultur-Programm für Flachbildschirme.

Es bleibt über die Dauer der gesamten Sendung flach. Niemand soll am Ende schlauer sein als wie zuvor. Versprochen! Vermittelt wird, was hoffentlich schon Jeder weiß über Vincent van Gogh. Also das:

Vincent van Gogh war der mit dem appen Ohr. Er hat aber auch gemalt. Er war sein Leben lang traurig und erfolglos. Sein Bruder Theo war sein best friend forever, es gibt da viele Briefe. Einmal war er sogar verliebt, er hat sich erschossen. Hätte er nur 200 Jahre länger gelebt, dann wäre er heute Multimilliardär.

Van Goghs Gemälde? Sie können düster sein, aber auch farbenfroh. Es gibt mehr davon als Britney Spears Haare auf dem Kopf hat. Manchmal wirkt die Perspektive, als sei der Maler beim Malen bekifft gewesen. Die Porträts sind die Selfies von gestern, die „Sonnenblumen“ müffeln. Und das Bett auf van Goghs „Schlafzimmer in Arles“ ist hart und scheuert.

Halt, stop, die Sonnenblumen müffeln und das Bett ist hart und scheuert? Das sind ja tatsächlich neue Funfacts! Woher wissen die denn das?

In Bed with Madonna – äh: Godfather Vincent

Die wissen das, weil „Stand up vor Art“ nicht – sagen wir: im Van Gogh Museum in Amsterdam zu Besuch ist, sondern im Multimedia-Spektakel „Van Gogh Alive“ in Frankfurt. Und dort kann man, wie die Moderatorin sagt, in die Werke des Künstlers hineingehen, sie erfühlen und sogar erriechen!

Und tatsächlich beschleicht besagte Moderatorin in „Stand up for Art“ mehrmals das Gefühl, „richtig in van Goghs Kunstwerk drin“ zu sein.

(links: DIESE Sonnenblumen kann man sogar erschmecken! Einfach an der Rückseite lecken.)

Dass man in „Van Gogh Alive“ keineswegs „alle seine Werke“, sondern vor allem gewaltige Projektionen sehen kann, die van Goghs Gemälde zum Anlass für ein Spektakel nehmen, das ein eventorientiertes Publikum kommerziell abholen soll – eben auch mit einem Nachbau von van Goghs Schlafzimmer in Arles nach van Goghs „Schlafzimmer in Arles“ oder einem durch Spiegel vergrößerten Sonnenblumenfeld mit Plastiksonnenblumen – Petitessen.

Im Zweifelsfall hat die Projektion ja ohnehin mehr Aura als die Originale.

Zum Besuch in „Van Gogh Alive“ hat sich die Moderatorin eine „zauberhafte Gästin“ mitgebracht: Eva. Das ist eine wirklich sehr charmante Podcast-Journalistin. Mit ihr geht die Moderatorin in Berlin hin und wieder mal spazieren, lernen wir. Und: Die Gästin ist eine „superentspannte Museumsgängerin“!

Sprich: „Wenn Irgendjemand intellektuell und lustig genug ist, um mit mir das Leben eines alkoholkranken und depressiven Niederländers zu interpretieren, dann ist es“ – tatataaa: ja wohl sie.

Und womit kann man das Leben eines alkoholkranken, depressiven Niederländers am besten interpretieren, na? Natürlich mit Alkohol und guter Laune! Also setzen sich die Beiden erstmal in die Bar von „Van Gogh Alive“, um – nein, nicht Absinth, sondern – heute noch viel hipper! – Cocktails zu schlürfen.

Und nach dem ersten Schluck der erste witzige Test: Wird es der Gästin gelingen, van Goghs Namen richtig aussprechen? Wir sind ganz aufgeregt.

(links: Auch kein van Gogh, aber immerhin Absinth und Depression)

Natürlich gelingt es der Gästin! Schließlich ist Eva an der Grenze zu den Niederlanden aufgewachsen, wo es, wie wir lernen, viele Kreisverkehre gibt. Und Mitschülerinnen, die im Schlafzimmer deutsches und im Wohnzimmer holländisches Radio hatten. Krass. Die Gästin kann kein Niederländisch, aber ihre Aussprache von „van Gogh“ klingt in unseren Ohren, die auch kein niederländisch können, überzeugend.

Und was verbindet die Gästin am meisten mit van Gogh – jetzt, am Anfang, wo wir noch nicht viel mehr wissen über den Maler als die überzeugend klingende Aussprache seines Namens? „Dass er zu Lebzeiten noch gar nicht erfolgreich war!“

Stimmt zwar nicht ganz, kommt in der Folge als Running Gag aber immer wieder vor. Ist auch egal. Die Gästin ist sympathisch. Und: Endlich mal wieder ein Satz über van Gogh. Überhaupt: Nach dem Tod erfolgreich sein ist doch auch schon was! Also: „Dann Cheers, Eva!“

Nach fast fünf Minuten ist es in „Stand up for Art“ dann an der Zeit, sich „sofort das Leben von van Gogh ein wenig zusammenfassen“ zu lassen. Die Worte des kommenden Einspielers fassen auch. Die Bilder sprechen aber eine irritierend andere Sprache.

„Wir müssen über Ohren reden!„

Am Anfang sieht man zum Beispiel kein Bild von van Gogh, sondern eins vom „Mentalisten“ Vincent Raven – wegen des gleichen Vornamens! Verstehen Sie? Vincent – Vincent! Witzig, oder?

So geht es heiter weiter. Wenn es um van Goghs „Neurosen“ geht, sieht man Donald Trump (kicher), bei Depressionen den Influencer Fynn Kliemann mit – hoffentlich nicht belgischen! – Fritten in den Nasenlöchern. Als es um van Goghs Greatest „Hits“ aus seiner berühmten Irrenhausperiode geht, wird ein Auftritt der Kultband „Flippers“ eingespielt: „Wir sagen: Dankeschön, 40 Jahre die Flippers“. Man muss die Zeit ja irgendwie rumkriegen.

Und beim Satz „Paris ist teuer, dreckig und irgendwie nicht besonders sexy“ sieht man – Achtung, Schenkelklopfer! – Paris Hilton.

Als die Frage nach dem Zerwürfnis von van Gogh und Gaugin in ihrer „Männer-WG“ in Arles aufkommt, sieht man eine versiffte WG-Küche (Symbolbild für die Antwort: „wahrscheinlich die üblichen Gründe“). Und als behauptet wird, van Gogh habe sich „aus Trotz“ am Ohr „rumgeschnibbelt“, ruft eine erzürnte Lee bei der Trennung von Tic Tac Toe: „Wenn wir Freunde wären, dann würdest du so einen Scheiß überhaupt nicht machen!“

Andere Anbiederungen an die anvisierte Zielgruppe („Vincent van Gogh war ein echter Emo, Jahrzehnte [sic!] bevor süße Emo-Boys zahllose Herzen brachen“) lassen wir mal außen vor.

Eine stilechte Van-Gogh-Situation!

Danach sitzen die Moderatorin und ihre Gästin in irgendeinem Raum von „Van Gogh Alive“, der mit projizierten Porträts des Künstlers zugepflastert ist, am gedeckten Tisch. Warum? Na klar: „Van Gogh hat mal gesagt: Wer gut arbeitet, muss auch gut essen. Deshalb sind wir hier in einer stilechten Van-Gogh-Situation, in der wir uns befinden. Greif bitte zu. Ich werde das auch machen“.

Tatsächlich greifen beide zu. Wir können es beim Käse sehen.

Und, fragt die Moderatorin kauend, „kannst du schon einen ersten Eindruck teilen mit uns, Eva?“. Natürlich kann Eva teilen! In dem mit Projektionen von Porträts van Goghs zugepflasterten Raum wirke es so, als habe van Gogh „nur sich selbst gemalt“, ist Evas erster Eindruck.

Stimmt, so wirkt es hier im Raum, jetzt sehen wir es auch! Und was folgert Eva daraus? „Ich habe gerade als Allererstes daran gedacht, dass die Eltern-Generation sich immer drüber mokiert, dass wir ständig Selfies machen – aber was ist DAS bitte? Und das braucht ja auch noch viel länger! Das ist ein gutes Argument gegen diese ganze Selfie-Kritik.“ Und die Moderatorin so: „Absolut“.

Darum geht es ja: Immer sagen, was man als Allererstes denkt. Und bloß nicht nochmal drüber nachdenken.

„Hat das für dich was Narzisstisches?„

Dann kommt ein Hoffnung machender Satz. Die Moderatorin fragt mit unglaublich forschem, fast investigativem Blick: „Hat das für dich was Narzisstisches? Oder wie würdest du das einschätzen?“ Hier ist die Psychologin in uns allen gefragt! Die sympathische Gästin beweist, dass sie selbstständig denken kann. Die Porträts sähen für sie eher aus wie von „jemandem, der auf der Suche nach was ist.“

Es ist ein Moment, in dem die Sendung zu kippen, Substanz zu gewinnen droht. Wenn jetzt jemand den Fehler macht nachzuhaken, was da passieren kann! Zum Glück kommt dann aber der erste Comedian.

Ich hab‘ noch Peperoni in den Ohren – äh: in den Augen – aus Pizza Hawaii

Insgesamt sind es zwei Comedians, die kommen. Laut Vorspann von „Stand up for Art“ gehören sie zu den „lustigsten Comedy-Talents Deutschlands“. In der Sendung agieren sie stilecht vor Publikum. Die beiden Auftritte können wir getrost zusammenfassen, denn ihrem Wesen nach sind beide quasi identisch.

Wie viele anderen Comedians haben auch die Beiden die Angewohnheit, über ihre eigenen Witze zu lachen – was in unseren Augen per se ein schlechtes Zeichen ist. Und: Beide nutzen van Goghs Leben eher so als Anschubfinanzierung, um ihr Programm abzuspulen: „Bei den Gerichten meines Mannes ist es wie bei den Werken von van Gogh, als er noch gelebt hat: Die will keiner.“

Stimmt zwar wieder nicht (also im Fall von van Gogh!), ist aber immer einen Lacher wert! Van Gogh und mein Mann: zwei Looser unter sich. Danach geht es dann nur noch um die keiner haben wollenden Gerichte des Mannes, der noch lebt und beide Ohren hat.

Vincent krieg kein‘ hoch wenn er ans Schreiben denkt (Symboltext)

So geht es heiter weiter. Wenn abgeschnittene Ohren ins Spiel kommen, sind abgeschnittene Finger und ein abgeschnittener „Pimmel“ nicht weit: laut Comedian Dinge, die der, der von van Gogh lernt, braucht, um als Mann garantiert Erfolg – in diesem Fall: mit einem Roman – zu haben. Und vielleicht sogar – als Mann – einen Lacher von den Radikalfeministinnen im Saal zu ergattern? Wer weiß.

Ansonsten geht es um die bekanntlich ach so böse Kirche, um den bekanntlich allgegenwärtigen Inzest auf dem Lande, um klassischen Beziehungsstress, um genussvolles vs. schlingendes Essen („ich brauch auch schon mal ’ne halbe Stunde für ’ne Olive – und mein Mann FRISST“), Peperonisaft im Auge und den allseits bekannten Dilettantismus von Till Schweiger. Das Übliche eben.

Es geht halt nur nicht um van Gogh.

Ach doch, es geht natürlich um van Gogh, wir hatten es nur vergessen! Zum Beispiel, als es um die allseits bekannte Sensationsheischerei der Presse bei der Bewerfung der „Sonnenblumen“ durch Klimaaktivist*innen mit Tomatensuppe geht: „Da waren die Medien – im Gegensatz zu van Gogh – ganz Ohr.“ Brüller.

O temopra, o Ohres!

Im weiteren Verlauf entspinnt sich aus der Biografie des Malers ein Binsenstrauß aus Lebensweisheit: „Es gibt Eltern, die sind bereit, alles für dich zu tun, außer dir zu erlauben, du selbst zu sein.“ Oder: „Kochen ist ja ein bisschen so wie malen.“ Oder „Ohne tiefen Schmerz keine gute Kunst“. Oder, als Anlagetipp für Philanthropen: „Kauft Kunst von den Lebenden. Die Toten können mit dem Geld nichts mehr anfangen.“

Und das auf dem Boden kauernde Publikum tut das, wozu es eingeladen wurde: Es liegt klatschend und lachend unter den nicht vorhandenen Stühlen. „Vielen Dank. Ihr wart phantastisch! DankeschÖÖÖÖn.“

Van Gogh hat ja mal gesagt: „Wer gut arbeitet, muss auch lekker spielen“. Also machen die Moderatorin und die Gästin in „Stand up for Art“ auch lustige Spielchen. In einem geht es darum zu erraten, welches von vier Bildern van Gogh in einem Brief an seinen Bruder Theo beschrieben hat. Hinweise sind „Nacht“ und „farbenprächtig“. Unter den vier vorgeschlagenen Gemälden ist nur ein Farbenprächtiges dabei. Man will niemanden blamieren.

Die Gästin liegt trotzdem daneben. Dummerweise ist sie zu klug für den eindeutigen Hinweis, weil sie um Ecken denken und sich wohl nicht vorstellen kann, dass es so banal ist, wie es ist: ein bekanntes Phänomen bei Quiz-Shows, wo man mit Unwissenheit eher als mit Intelligenz die 500.000-Euro-Frage knackt. Die Gästin entscheidet sich für die berühmten „Kartoffelesser“ (1885), die die Moderatorin vorher als düstre „Kneipen- oder Wohnzimmerszene“ identifiziert hat. Richtig wäre aber „Das Nachtcafé“ (1888) gewesen – für die Moderatorin auch eher so eine „Wohnzimmerszene“.

„Ich finde das Bild ehrlich gesagt überhaupt nicht soooo schlecht“, sagt die Moderatorin, um sich als wahre Könnerin des eleganten Übergangs zu entpuppen: „im Gegensatz leider zum restlichen Leben von van Gogh“. Chapeau. Und Danke für die Ehrlichkeit.

„Vom Ohr her – schick!„

Später spielt die Moderatorin in Frankfurt mit der sich auf van Goghs Bett in Arles flätzenden Gästin das Spiel „Ein Ding gehört nicht ins Schlafzimmer – findest du es?“. Erster Einfall der Gästin: der Cocktail der Moderatorin? Unser erster Einfall: die Moderatorin und die Gästin? Beides richtig, aber, leider, falsch.

Die Gästin findet das Ding schließlich doch: Es ist ein mannshohes (also tatsächlich unübersehbares) weißes Ohr, an dem viele bunte Fotos von anderen Ohren kleben. Die Moderatorin klärt auf, dass es sich bei den Ohren um „berühmte Ohren“ von Prominenten und Künstler*innen handle, die im Original aber immer noch an diesen Prominenten dranhängen müssen, denn sonst machte das nächste Spiel – „Errate den Prominenten, der am Ohr auf dem Foto dranhängt!“ – gar keinen Sinn.

„Friends, Romans, countrymen, lend me your ears!“

Gehört das fleischige Ohrläppchen auf diesem Foto nicht an Mark Zuckerberg? Oder vielleicht doch eher an Evas Nachbarn? Nein, leider beides falsch! Es ist Teils des Ohrs von CDU-Zerstörer Rezo, schade! War aber auch knifflig. Allerdings: Ja, das andere Ohr ist das von Angela Merkel, die für die Moderatorin „immer noch unsere Kanzlerin“ ist – oder, wie das seit dem Tod von Lady Dis Ohren heißt: „Kanzlerin der Herzen“. Herzlichen Glückwunsch.

Und nein, das ist jetzt nicht das Ohr von Hermine Granger aus „Harry Potter“, wie die Moderatorin zunächst vermutet – die HAT ja als Romanfigur auch gar nicht so wirklich fotografierbare Ohren –, sondern – tataaaa: das linke Ohr von „Deutschlands bester Journalistin und Moderatorin“, sagt die Moderatorin, also: das Ohr der Gästin selbst! Die hat‘s natürlich gleich erkannt, allerdings nicht am unwulstigen Läppchen, sondern an der Frisur!

Und die Moderatorin dann mit diesem Hinweis auch. Denn, merke: „Eher macht man die Leute an den Haaren fest als an den Ohren.“ Ein Satz für die Aphorismensammlung des Friseur*innen-Innung Oer-Erkenschwick.

Uuuuuund? Kann Eva denn schon ein Fazit ziehen, wie van Gogh so war, „als Mensch, als Künstler“, nach diesen unglaublich informativen 30 Minuten? Natürlich kann sie! Schließlich hat sie ja schon im kratzigen Bett van Goghs gelegen, das verbindet! Und jetzt steht sie auch noch mit der Moderatorin im seinem müffelnden Sonnenblumenfeld aus Plastiksonnenblumen – oder, wie es die Moderatorin sagen würde: „schon wieder richtig in van Goghs Kunstwerk drin“.

„Also, ich glaube, wir haben jemanden kennengelernt, der es sich selber nicht leicht gemacht hat im Leben“, sagt die sympathische und ja eben gar nicht dumme Gästin. „Der sehr getrieben, sehr umgetrieben von Selbstzweifeln und selbstzerstörerischen Gedanken war – bei gleichzeitig ja sehr viel Schönheit, die er produziert hat. Das finde ich so einen verrückten Widerspruch.“

Humor ist, wenn man anders lacht

Ja, so einen Menschen hätten wir auch gerne kennengelernt in „Stand up for Art“. Noch lieber hätten wir ein wenig erfahren über seine Kunst, die noch mehr als van Gogh nicht stattfand. Was sie ausmacht, warum sie berührt, vielleicht sogar wichtig ist, uns alle immer noch angeht. Gern auch über ihre Schönheit. Gern auch anders, frischer, jünger als in anderen Formaten. Und gern auch mit Humor.

Aber dann vielleicht doch mit einem Humor, der van Gogh und sein Werk nicht links liegen lässt, sondern tatsächlich abholt, ernst nimmt. Lebendig, nicht als alberner Leichenschmaus. Das ist nämlich kein verrückter Widerspruch. Das kann man machen! Das wäre, wie schon andernorts gesagt, unser persönlicher Lieblingstraum.

Stattdessen haben wir vier Menschen kennengelernt, die über weite Strecken lieber sich selbst betrachtet haben als van Gogh und seine grandiosen Bilder. Die zeigen wollten, wie lustig sie sind, ohne es (unsere Meinung!) auch nur im Ansatz zu sein. Und für die Kunst offenbar nicht mehr ist als eine Steilvorlage für flache Witze und alberne Spielchen.

Für uns war „Stand up for Art“ ein verstörender Selfie-Spuk. Unsere Einschätzung? DAS ist Narzissmus, medialer nämlich, wenn auch noch nicht im Endstadium. Und auf van Goghs Kosten. Wir finden, dass man so mit Kunst nicht umgehen kann. Außer natürlich, man meint, sie sei nicht mehr als eine gerahmte Plastiktüte an der Wand.

Wie die anderen Folgen „Stand up for Art“ so geraten sind, werden wir wohl nie erfahren. Diese eine hat uns gereicht. Wenn das die Zukunft von Kunstvermittlung im Fernsehen sein soll, und wenn man die Jugend für die Kunst nur ködern kann, indem man van Gogh ein Ohr abkaut – dann gute Nachtcafé Marie. (06.03.2023)

Na, Lust bekommen auf van Gogh? Hier gibt’s die ganze Sendung:

Website von „Stand up for Art“
Website von „Van Gogh Alive“

^{Anmerkung für alle, die diesen Beitrag für ihr populistisches Öffentlich-Rechtliche-Bashing nutzen wollen: Wir sind froh, dass es die Öffentlich-Rechtlichen gibt. Sehr viele Journalist*innen leisten hervorragende Arbeit. Wer die Öffentlich-Rechtlichen abschaffen will, will die Demokratie abschaffen. Wer Demokratie wichtig findet, muss dafür sorgen, dass die Öffentlich-Rechtlichen besser werden. Unsere Meinung.}

Der Beitrag Die Zerstörung van Goghs: „Stand up for Art“ erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Es geht um einen Güterwaggon, den der niederländische Künstler Peter Sevriens bearbeitet und mit seinen Sichtbarkeitsmaschinen in einen „Photo-Waggon“ verwandelt hat.

35 Jahre lang stand er unbehelligt hinterm ehemaligen Bahnhof auf den stillgelegten Gleisen. Jetzt versperrt er angeblich „in der Sichtfläche des Schienenverkehrs“ den Blick. Bisher war das nie ein Problem. Dabei wurde die unweit verlaufende Strecke in den Anfangsjahren noch mehrfach täglich von Schotterzügen befahren, sagt Sevriens. Später nur noch einmal im Monat. Und in den letzten zwei Jahren gar nicht mehr.

Aber vielleicht wird die Strecke ja inzwischen auch stündlich von hochmodernen Geisterzügen mit gespenstisch kleinen Lokführern frequentiert.

Das Bonner Eisenbahn-Bundesamt jedenfalls gibt dem Künstler nun ziemlich unverschämte 14 Tage, um sein Kunstwerk eigenhändig zu entfernen. Der Waggon wiegt Tonnen, für die „Entfernung“ oder einen Umzug per Kran ist kein Geld vorhanden. Auch ist dem 80-jährigen Künstler weder körperlich noch seelisch zuzumuten, sein eigenes Kunstwerk zu zerstören. Unsere Meinung. Nicht die des Eisenbahn-Bundesamts.

Am 16. Februar endet die von der Deutschen Bahn gesetzte Frist. Wir sind entsetzt.

Im Sommer wollte Sevriens seinen Photo-Waggon, der in den 1990er Jahren schon auf den „Internationalen Fototagen Herten“ sowie auf der Kölner „photokina“ zu Gast war, restaurieren. Bei unserem ersten Besuch im Bahnhof vor ein paar Wochen wurden wir herzlich eingeladen, anschließend noch einmal zu einem holländischen Reiskuchen vorbeizukommen und das Ergebnis fotografisch in Augenschein zu nehmen. Deshalb hatten wir uns einen Blick in den Photo-Waggon extra aufgespart.

Auf Besuch & Bericht hatten wir uns schon sehr gefreut. Dass uns die Bahn dies jetzt vermasseln will, ist schon schlimm genug. Aber ihr Umgang mit Kunst ist (wieder einmal) objektiv gesehen ein Skandal.

Wir haben uns nämlich schon einmal über die Deutsche Bahn echauffieren müssen: Damals ging es darum, dass das Kunstmuseum Bonn im Hauptbahnhof nicht mit einem Motiv Maria Lassnigs für deren Ausstellung werben durfte. Aber hier geht es nicht um ein Plakat, sondern um ein echtes Kunstwerk, das aus für uns fadenscheinigen Gründen entfernt werden soll. Und das geht in unseren Augen noch mehr zu weit.

Juristisch mag die Bahn ja im Recht sein – das können wir aus der Ferne nicht beurteilen. Aber moralisch ist sie es in keinem Fall.

Denn der Güterwagon ist inzwischen ein Kulturgüterwagon geworden. Er gehört zu einem Ensemble, das als Gesamtkunstwerk erhalten werden muss. Wer es beschädigt, macht sich schuldig – vor allem, wenn er 35 Jahre lang offenbar gut damit leben konnte. Sevriens ist jetzt 80, der Bahnhof sein Vermächtnis. Dieses einmalige Lebenswerk verdient mit Sicherheit mehr Respekt als die nebulöse „Sichtfläche des Schienenverkehrs“.

Kunst ÖFFNET nämlich Blicke.

Wir haben schon in der letzten Woche ans zuständige Fachreferat sowie ans Eisenbahn-Bundesamt in Bonn geschrieben mit der dringenden Bitte, sich das mit der Zerstörung des Kunstwerks doch noch mal zu überlegen – und uns bis gestern das Ergebnis dieser Überlegungen mitzuteilen. Gehört haben wir bisher nichts: Offenbar hat die DB ihrerseits kein Problem damit, ihr gesetzte knappe Fristen verstreichen zu lassen. Trotzdem hoffen wir Sichtbarkeitsfanatiker von der KunstArztPraxis inständig, dass Irgendjemand im immobilen Bürokratenapparat die Notbremse zieht. Oder eben neue Weichen stellt.

Neue Weichen für den Schienenverkehr mit seinen aktualisierten Sichtflächen-Bedürfnissen wohlgemerkt! Denn unserer Meinung nach muss sich die Deutsche Bahn bewegen, nicht der Waggon. (07.02.2023)

KunstArztPraxis-Hausbesuch bei Peter Sevriens:
Joseph Beuys und die Sichtbarkeits-Maschinen

Der Beitrag Erste Hilfe: Darf die DB Kunst zerstören? erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Vor einem Monat spülte uns der objektive Zufall Richard David Precht in den Bistro-Wagen.

Es war der 30. September 2022 um 13 Uhr 15, irgendwo zwischen Frankfurt und Essen. Tags zuvor war Precht bei Markus Lanz gewesen und hatte mit Harald Welzer den gemeinsamen Bestseller „Die vierte Gewalt“ vorgestellt, der von den Medien behauptet, Mehrheitsmeinung zu erfinden: eine These, die zumindest im Lügenpresse-Lager längst Mainstream ist.

Die Küche war ausgefallen, das Bistro-Team offerierte kostenlos stilles Notfallwasser. Precht nahm sich eins und setzte sich uns gegenüber. Er wirkte nachdenklich, schaute versunken zu uns herüber, setzte die Lesebrille auf und wieder ab, schrieb etwas auf einen Zettel. Dann holte er sein Smartphone heraus und wählte. Es war 13 Uhr 26. Wir wissen das so genau, weil wir die Bistro-Hälfte des Gesprächs nahezu in Echtzeit in unseren Laptop tippten, um sie zu bewahren.

Die Bristo-Hälfte klang wie folgt:

Precht: Michael*, wir hatten uns doch gestern auf einen Titel geeinigt, der war doch super!
Michael: …?
Precht: Ja, woher soll ICH das noch wissen, weißt du, was ich im Augenblick um die Ohren habe?!?
Michael: …!
Precht: Wir hatten da richtig was Superes!
Michael: …!
Precht: Ach Mist, dann weiß ich auch nicht.

^{*Name von der Redaktion geändert}

Dann war das Gespräch zu Ende und Precht schaute aus dem Fenster.

Wo bin ich und wenn ja: Könnten Sie mich zurückrufen?

Das Bistro-Erlebnis brachte uns aus Gründen augenblicklich eine Telefonsituation wieder ins Gedächtnis, die wir 2009 selbst mit Precht erlebten. Gerade war sein Bestseller „Liebe“ erschienen, wir sollten den Autor fürs Goethe-Institut interviewen. Es war ein angenehmes, ja: im Grunde auch inspirierendes Gespräch.

Wir riefen Precht damals pünktlich auf dem Handy an, er war auf Lesereise, wir hatten eine Uhrzeit ausgemacht; Precht wollte die Zugfahrt zum Talken nutzen, er hatte schon damals viel um die Ohren. Es war ständig besetzt, beim dritten oder vierten Versuch hatten wir ihn an der Strippe. Precht hatte inzwischen sein Hotelzimmer bezogen.

Damals entspann sich folgendes, etwas hektisches Vorgeplänkel (Gedächtnisprotokoll):

KunstArztPraxis: Hallo Herr Precht, hier ist die KunstArztPraxis wegen des Interviews!
Precht: Hören Sie, ich bin gerade im Interconti angekommen. Mein Akku ist fast leer! Ich habe unglaublich viel telefonieren müssen heute, es ist schrecklich, alle wollen was von mir! Könnten Sie mich bitte hier auf dem Zimmerapparat zurückrufen?
KunstArztPraxis: Haben Sie die Nummer?
Precht: Nein, ich bin doch gerade erst reingekommen! Können Sie das nicht recherchieren im Internet?
KunstArztPraxis: Wo sind Sie denn?
Precht: Na, in meinem Zimmer im Interconti. Sagte ich doch schon!
KunstArztPraxis: Nein nein, wir meinen: In welcher Stadt im Interconti?
Precht: Woher soll ICH das wissen? Ich bin jeden Tag woanders, da kann ich mir doch nicht die Orte merken!

Es war ein bisschen wie bei Popstars auf Tournee.

Precht schaute dann im Rahmen seiner Akku-Laufzeit doch noch irgendwo nach, der Rückruf klappte, wir glauben, es war Iserlohn. Aber die damalige Vergesslichkeit Richard David Prechts kam uns am 30. September 2022 wieder in den Sinn.

„Nee, steht nicht im Buch!“

Und als wir Tage später aus der Presse erfuhren, Precht habe bei Lanz mehrmals gesagt, im neuen Buch stünden Dinge, die gar nicht drinstehen, und Dinge kämen nicht vor, die vorkommen, haben wir uns etwas Sorgen gemacht. Denn die an sich ja sympathische Vergesslichkeit – wir leiden bekanntlich selbst darunter! – geht hier offenbar mit Erinnerungslücken einher.

Wie bei Datenverlust, wenn der Akku plötzlich leer ist.

„Vorübergehend nicht lieferbar“

Was sollen wir sagen: Wir haben Prechts Auftritt bei Lanz nicht gesehen. Und wir haben „Die vierte Gewalt“ nicht gelesen. Wir hätten es sogar getan, aber das Buch war laut unseren drei Lieblings-Buchhandlungen bei diversen Barsortimentern „vorübergehend nicht lieferbar“. Deshalb müssen wir seinen Inhalt komplett aus dem rekonstruieren, was in der Presse darüber stand.

Demnach scheint uns vieles anfechtbar, manches arg polemisch, einiges richtig, manches sogar klug. Aber das meiste irgendwie auch nicht ganz neu.

Vor allem gibt es etwas, das uns als KunstArztPraxis nach unserer Lektüre über Bande schmerzlich fehlt. Deshalb haben wir unten einmal eine Lanz-Sendung herbeiimaginiert, wie wir sie uns als KunstArztPraxis gerne angesehen hätten. Harald Welzer musste aus Gründen der Verdichtung leider draußen bleiben. Entschuldigung.

Hier also der Dialog, wie er unserer Phantasie entsprungen ist:

Das TV-Studio von „Markus Lanz“ in Hamburg-Altona. Der Raum ist leer, das Publikum muss aus Gründen der Verdichtung draußen bleiben. In den Talk-Show-Sesseln sitzen Markus Lanz und Richard David Precht, der gerade mit einer Flasche Sprudel aus der Minibar des Interconti hereingekommen ist. Precht wirkt nachdenklich, schaut zu Lanz herüber, setzt die Lesebrille auf und wieder ab, schreibt etwas auf einen Zettel. Er greift zum Smartphone und wählt, bemerkt dann aber den leeren Akku. Lanz macht eine nickende Kopfbewegung: Es geht los.

Lanz: Meine Damen und Herren, meinen heutigen Gast muss ich Ihnen nicht vorstellen, deshalb tue ich es nicht. Wir wollen heute auch nicht über sein neues Buch reden, das ich nicht gelesen habe. Wir wollen heute über etwas reden, was mein Gast darin wahrscheinlich zu erwähnen vergessen hat: Die Presse und die Kunst. Herr Precht?
Precht: Ja, ich weiß auch nicht, wie ich das vergessen konnte! Wahrscheinlich hatte ich einfach zu viel um die Ohren.
Lanz (beugt sich vor): Wenn Sie sich erinnern würden: Was HÄTTEN Sie denn schreiben WOLLEN?
Precht: Ich möchte da gar nicht ausufern. Ich möchte lieber eine Geschichte in Erinnerung rufen, die ich komplett aus dem rekonstruiert habe, was darüber in der Presse stand. Es ist eine Geschichte, die vor genau 20 Jahren begann und auf den Monat genau vor einem Jahr endete. Es geht um Banksy …
Lanz: … den sagenumwobenen Street-Art-Künstler?
Precht: Den sagenumwobene Street-Art-Künstler. Um Banksy und sein Kunstwerk „Girl With Baloon“ …
Lanz: … das Mädchen, das versucht, einen herzförmigen Ballon aufzufangen?
Precht (sichtlich genervt): Oder ihn gerade losgelassen hat. Das bleibt ja Interpretationssache, Herr Lanz! Dieses Bild …
Lanz: … wurde 2017 von den Briten zum beliebtesten Kunstwerk des Landes gewählt! Und ein Jahr später …
Precht (jetzt aufgebracht): Nun lassen Sie mich in Gottes Namen doch mal ausreden! Wo war ich? Ach ja: Das Mädchen mit dem Ballon tauchte zum ersten Mal 2002 auf einer Mauer in London auf. Seitdem ist es auf Tassen, Taschen, Kerzen und Postern in aller Welt zu sehen. Siebdrucke bringen auf Auktionen gerne mehrere Hunderttausend Euro. 2018 kam eine gerahmte Fassung sogar für 1,2 Millionen Euro unter den Hammer – und wurde von Bansky vor laufenden Kameras per Fernsteuerung mit Hilfe eines in den Rahmen eingebauten Schredders zur Hälfte zerstört.
Lanz (lehnt sich zurück, legt die Fingerkuppen aufeinander): Ja, ich erinnere mich an die entsetzten Blicke des Saalpublikums! Ein spektakulärer Coup des Kunstgenies, eine sensationelle Kritik am Kunstbetrieb!
Precht (lehnt sich nach vorne): Ach, hören Sie doch auf! „Ein spektakulärer Coup des Kunstgenies!“ Vor jeder Auktion werden Kunstwerke ausgerahmt, um ihre Echtheit zu überprüfen, das weiß doch jedes Kind. Glauben Sie wirklich, da bleibt ein Schredder im Rahmen unentdeckt? Und dann noch der angebliche Konstruktionsfehler im Schredder, der die vollständige Vernichtung verhindert hat! (winkt ab) Lächerlich.
Lanz: Aber darauf wollten Sie bestimmt ohnehin nicht hinaus?
Precht: Aber darauf wollte ich ohnehin nicht hinaus. Die Geschichte wird ja nun erst richtig spannend! Eigentlich ist das Bild jetzt zerstört und wertlos, das Mädchen hängt in Streifen geschnitten aus dem Rahmen, nur der Herzballon ist nicht geplatzt. Aber was passiert? Bansky benennt das „Girl With Baloon“ in „Love Is In the Bin“ um, die Vernichtung wird zur Performance, das Bild zur Skulptur, zum Ereignis, zum „ersten Kunstwerk der Geschichte, das während einer Auktion live entstand“. So schrieb der Guardian.
Die Liebe im Eimer wird in Museen ausgestellt, die Menschen stehen Schlange, um es zu sehen. Und damit steigt der Wert des zerstörten Werks absurderweise auf das 15-fache.
2021 wird „Love Is In the Bin“ in London für 18,3 Millionen Euro versteigert. Und da kamen dann die Auktionsgebühren noch on top! (lehnt sich zurück und wartet)
Lanz (schweigt): …
Precht: Na, Lanz? Merken Sie was?
Lanz: Nö. Was sollte ich denn merken?
Precht: Na, das ist doch offensichtlich! Es geht null um Kunst in der Geschichte!
Lanz: Äh – worum geht es denn dann?
Precht: Das liegt doch auf der Hand! Es geht um Berühmtheit, um Menschen, die zur Marke ihrer selbst geworden sind. Es geht um Verkaufsrekorde, um Bestseller, die mysteriöse „Geschichte“, die Sensation, den Markt. Die ganze Oberflächlichkeit des Boulevards.
Lanz: Also wie bei Ihnen?
Precht: Genau. Wie bei mir! JETZT haben Sie mich verstanden.
Lanz: Und was würden Sie sich von der Presse stattdessen wünschen?
Precht: Ich wünsche mir einen Journalismus, der die Kunst nicht mehr als Dekoration betrachtet. Der sie ernst nimmt – aber mit Humor! Der Ergriffenheit formuliert, spielerisch sichtbar macht, statt Offensichtliches voneinander abzuschreiben. Ein empathisches Denken mit dem Herzen, ein Sehen mit dem Großhirn. Auf intuitive Weise analytisch, entschlüsselnd in Rätseln! Also „kritisch“ auf literarische Weise, in Metaphern erhellend, inszenierend statt deskriptiv, mehr Rilke als Derrida. Aber Rilke in heiter eben. Und dann möglichst auch noch so, dass man es versteht.
Ich wünsche mir TV-Moderator*innen, die nicht hüpfend und fuchtelnd durch die Museen kaspern, als wären sie auf einem Selfie-Laufsteg. Feuilleton-Kritiker*innen, die nicht kapitulieren vor Essenz. Die sich ergreifen lassen, die wahre Kostbarkeit der Kunst erkennen. Journalist*innen, die auf mündige Leser zielen statt auf Klicker und Scroller. Die mit Röntgenblicken auf Werke schauen statt in die Kamera. Reflexionionäre statt Narzissten, die sich trauen, das Wichtigste aus dem Vorherigen zu entwickeln und das Beste erst zum Schluss zu bringen statt am Anfang.
Eben Kunst- statt Selbstbeschau. So irgendwie. Richtig beschreiben kann ich das nicht.
Die KunstArztPraxis versucht sowas ja ansatzweise. Die drei Herren geben sich da redlich Mühe. Aber die KunstArztPraxis vergisst auch manchmal ihre Ziele. Und außerdem kennt die eh keiner außer mir.
Lanz: Dann hätten wir’s ja jetzt. Guten Abend.

Lanz und Precht erheben sich aus ihren Talk-Show-Sesseln und schütteln sich die Hände. Sie gehen auseinander. Lanz beugt sich über sein Smartphone, um die KunstArztPraxis zu abonnieren. Plötzlich dreht Precht sich nochmal um.

Precht: Halt! Da fällt mir noch was ein. Was wäre eigentlich, wenn die KUNST die vierte Gewalt im Staate würde und die Presse – sagen wir: die fünfte? Wenn die KUNST der Politik und der Gesellschaft mehr noch als der Journalismus auf die Finger schaute – aber in einem tieferen Sinn, mit ihren eigenen Mitteln? Wenn die Menschen so selbstverständlich täglich in eine neue Form von Museen gingen, um sich über das Leben und die Welt zu informieren, so, wie sie heute noch Nachrichten lesen, hören, sehen? Und wenn die Street Art das flankierend auf der Straße übernähme?
Das ist ein großer Gedanke! Darüber werde ich mein nächstes Buch verfassen! Über den Titel rede ich gleich morgen mit Michael*. Hoffentlich erinnere ich mich beim Aufwachen noch daran!
Lanz: Viel Glück.
Precht: Wenn ich mich morgen noch erinnere: Laden Sie mich dann wieder ein?

(24.10.2022)

^{Anmerkung 1: Wir haben auch mal ein Buch von Harald Welzer rezensiert, „Klimakriege. Wofür im 21. Jahrhundert getötet wird“. 2008 war das, für die Sonntagsbeilage der NZZ. Das haben wir natürlich ganz gelesen. Wir waren damals sehr angetan.
Anmerkung 2: Wir haben im Internet recherchiert. Iserlohn hat gar nicht Schönes, äh: kein Interconti. Wir haben uns, was das betrifft, geirrt.
Anmerkung 3: An einer Stelle unserer imaginären Lanz-Sendung lassen wir Richard David Precht gendern. Das tut uns leid.}

Street Art in der KunstArztPraxis:
Ein Tod verschwindet: Harald Naegeli in Köln
Gekleisterte Botschaften: Der Street-Art-Künstler Tim Ossege
Kunst für alle: Keith Haring in Essen

„Markus Lanz“ mit Richard David Precht und Harald Welzer (ZDF mediathek, bis 29.9.2023)

Appendix: Geisteswissenschaft im Ukraine-Krieg oder: Wahrheit über Meinung

So sehr wir Richard David Prechts oben angeführte Ausführungen zu Kunst und Presse schätzen – weiter so, Herr Precht! –, so sehr müssen wir doch noch ein paar Worte über seine ja ebenfalls in der Querdenkerszene sehr populäre Behauptung verlieren, die Presse hätte sich zu stark die Meinung der Ukraine zu eigen gemacht und würde bei ihrer Mehrheitsmeinungsmache die Positionen Russlands ignorieren. Das größte Problem bei dieser Behauptung scheint uns dabei der nicht so recht begriffene Unterschied zwischen Meinung und Wahrheit zu sein.

Vielleicht ist das Problem in diesem Fall ja ein geisteswissenschaftliches Missverständnis: nämlich, dass die Welt nach den Maßstäben der Geisteswissenschaft funktioniert, die im Unterscheid zur Naturwissenschaft zum Gutteil eben nicht auf objektiven Wahrheiten basiert, sondern (und das ist ja im Idealfall bestens) auf dem Nebeneinander gleichberechtigter Meinungen – wobei sogar nur der im akademischen Betrieb reüssieren kann, der eine andere Meinung als alle anderen vertritt: Sonst kann er nicht mal promovieren.

Während man in der Naturwissenschaft aus der Datenlage seine Thesen ableitet, die der Wahrheit möglichst nahe kommen, geht es in der Geisteswissenschaft aber leider auch hin und wieder darum, die Fakten auf eine „eigene“, abweichende Meinung hin zurechtzubiegen. Unter dem Schlagwort der Interpretation ist da vieles möglich. Und wenn alles Meinung ist, lautet der Fehlschluss, darf man eigentlich auch alles behaupten. Man muss es halt irgendwie begründen.

Aber es gibt sie halt in freier Wildbahn schon noch, auch in Soziologie, Geschichte, Politik, Psychologie und Recht: die objektive Wahrheit. Und manchmal, so grausam das auch sein mag, hat eben auch die Mehrheit recht. Oder, wie der Volksmund sagt: der gesunde Menschenverstand.

Und überhaupt hat die Presse nicht die Pflicht, der Mehrheit das Wort zu reden, sondern der Wahrheit.

Um es am Beispiel von Prechts Behauptung zu konkretisieren: Dass Putin die Ukraine überfallen hat, weil er befürchtete, sie würde von der Nato aufgenommen, ist Meinung. Dass Putin ohne westlichen Zwang völkerrechtswidrig ein freies demokratsches Land überfallen hat, ist Wahrheit. Dass der Westen Putin durch die Daumenschrauben seiner Sanktionen keine Wahl lässt, als mit Atomwaffen zu fuchteln, ist Meinung. Dass die Ukraine in den 90er Jahren alle auf ihrem Territorium befindlichen Atomwaffen an Russland abgegeben hat, weil Russland ihr im Budapester Memorandum 1992 zugesichert hatte, ihre Grenzen zu respektieren & sie niemals anzugreifen, ist Wahrheit.

Dass Russland der Osten der Ukraine zustehe, weil die Menschen dort zu Russland gehören wollen, war schon 2014 Meinung. Dass russische Truppen zur Durchsetzung russischer Interessen wie Terroristen agieren, Kampfdrohnen gezielt auf Zivilisten niederregnen lassen, ukrainische Kinder nach Russland verschleppen, unschuldige Menschen foltern und vergewaltigen und gezielt Infrastruktur zerstören, damit Ukrainer*innen im Winter möglichst erfrieren und verdursten, während der russische Tyrann im warmen Kreml gestohlenes Getreide aus der Ukraine kriegsverbrecherisch auf den Weltmarkt lenkt, um für den Gewinn noch mehr Bomben auf die Ukraine niederregnen zu lassen, ist Wahrheit.

So einfach ist das eigentlich in diesem Fall. Es gibt nicht immer zwei Seiten. Da gibt es keine Position des Agressors, die man berücksichtigen müsste. Denn im Fall von Putin steht nicht Meinung neben Meinung, sondern Wahrheit gegen Lüge bzw. Propaganda.

Wenn die Presse Wahrheit ausspricht, erfindet sie nicht Mehrheitsmeinung, sondern schaut im Idealfall verständig hin. Und das soll in der Philosophie ja sogar mal ein Schlüssel zur Erkenntnis gewesen sein.

^{Anmerkung: Die Behauptung, deutsche Medien würden Putins Position nicht angemessen würdigen, setzt ja voraus, dass man die komplette Medienlandschaft im Blick hat – was sicher bei den meisten Mainstream-Kritikern nicht der Fall sein dürfte. Wir haben immerhin das Vergnügen, beruflich ein, manchmal auch zwei Mal in der Woche sieben, acht Tages- und Wochenzeitungen lesen zu dürfen. Und wir können versichern, dass da selbst Putins wüsteste Propagandalügen ernste Beachtung finden.}

Der Beitrag Keine Kunst! Was Richard David Precht vergaß erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Wie Jeder weiß, stehen wir Drei von der KunstArztPraxis Kollektiven grundsätzlich skeptisch gegenüber. Zu oft versinkt Geniales dort im Mittelmaß. Und eine Ansammlung von Mittelmäßigkeiten bringt ja nie Geniales hervor, sondern im Idealfall nur etwas, das in der Summe seiner Teile unterm Strich einen Ticken weniger mittelmäßig ist als diese Teile selbst. So denken wir uns das. Da sind wir vielleicht ein wenig arrogant.

Schwarmintelligenz wird ohnehin überschätzt. Ein mediokrer Hering, der im schlauen Heringsstrom untertaucht, verringert vielleicht tatsächlich die Wahrscheinlichkeit, vom hungrigen Dorsch gefressen zu werden. Vielleicht erhöht er sie aber auch. Irgendeiner wird statistisch halt gefressen. Nur hängt das nicht mehr von der individuellen Schläue ab, sondern vom kollektiv gelenkten Zufall.

Am Ende ist die Natur wieder im Gleichgewicht, niemand muss für das Geschehene Verantwortung übernehmen, und der verwirrte Dorsch zieht trotzdem satt von dannen.

Auf der vom indonesischen Künstler*innenkollektiv „ruangrupa“ unter Zuhilfenahme von 14 Unter-Kollektiven kuratierten documenta 15 war das mit der Schwarmintelligenz allerdings anders.

Dort konnten sich einzelne Einzelne nicht in der Masse wegducken, im Gegenteil: Dort fischte man, alarmiert durch eine ziemlich unverschämte, gastunfreundliche Eröffnungsrede des Bundespräsidenten, aus dem Meer der Bilder ein paar mehr oder weniger eindeutige antisemitische Stereotype. Und danach wollte die oft zu Unrecht als Meute diffamierte Presse als einheitlicher Gegenschwarm fast unisono gleich die ganze documenta fressen.

Und das mit teils sehr dummen, blindwütigen Argumenten.

Das Kollektiv als eingeschnappte Diva

So nahm man die rund 1.500 documenta Künstler*innen wegen dreier Fälle (davon zumindest einer krass) publizistisch und politisch in Sippenhaft. Eine zuvor hoffnungsvoll als kunstfreiheitsliebend eingestufte Kulturstaatsministerin forderte für die Zukunft mehr Einfluss für ihr Geld – als könne die Politik besser ausstellungsmachen als die Ausstellungsmacher und der Skandal der nächsten documenta wäre schon vorprogrammiert.

Und der Kollege einer anderen Partei forderte gleich den Neustart der documenta in einer anderen Stadt – als wäre der Ort für eine historisch gewachsene, ortsspezifische Kunstschau so austauschbar wie die populistischen Forderungen von Politikern.

Ein Königinnenkopf musste rollen, die Schreie nach Zensur wurden immer lauter, die Nerven lagen blank. Und „ruangrupa“ setzte dem eigenen Konzept zum Trotz nicht auf erklärenden Dialog, sondern verweigerte den nachkuratierenden Empfehlungen einer eilig einberaumten Expert*innengruppe („Nicht mehr zeigen!“ / „In den historischen Kontext einordnen!“) sogar die Gefolgschaft.

Da prallten wohl auch kuratorisch zwei Welten unvereinbar aufeinander.

Lieber gab das Kollektiv die eingeschnappte Diva, der man nicht vorzuschreiben habe, wie sie was bespiele. Was vielleicht auch daran lag, dass einige im „ruangrupa“-Team im diktatorischen Indonesien unter Suharto mit Zensur schon so ihre Erfahrung gemacht hatten. Und man der Gruppe vielleicht auch schon zu oft signalisiert hatte, nicht willkommen zu sein.

Da in unserer Brust drei Herzen für die Schwachen schlagen und wir ohnehin Sichtbarkeitspäpste sind, hat uns das ganze Verschleierungstheater rund um die documenta 15 sehr leid getan. Und das ihr zugrunde liegende, nach einer Reis-Scheune zur Sättigung aller Dorfbewohner „lumbung“ benannte Prinzip ist uns natürlich auch sympathisch!

Wir mögen auch den Versuch, die Kunst wieder dem Alltagsleben mit all seinen Ungerechtigkeiten, Arroganzen und Verlogenheiten zu öffnen. Auch davon haben die Gäste dieser documenta während ihrer 100 Tage Laufzeit ja so einiges abbekommen. Denn im Grunde wurden da ja (sicher wichtige) deutsche Befindlichkeiten über ihre Köpfe hinweg und komplett losgelöst von ihnen diskutiert.

Aus all diesen Gründen, denken wir, hat die documenta 15 nach ihrem Ende eine zweite diagnostische Chance in unserer KunstArztPraxis verdient. Denn eigentlich sollte die documenta ja eine Kunstschau der Kunstler*innen sein.

Sie blieben Stunden, blieben Tage

Weil wir aber wie gesagt grundsätzlich befangen sind, sind wir trotz anderslautender Ankündigungen doch nicht persönlich nach Kassel gefahren. Lieber haben wir eine Handvoll befreundeter, weniger verbohrter KunstArztPraxis-VertrauensÄrzte als Vertretung auf der documenta 15 ausschwärmen lassen. Sie blieben teils Stunden, teils mehrere Tage.

Unsere kollektive Leistung ist nur, ihre polyphonen Ansichten zu einer Stimme zusammengefasst zu haben.

Was die KunstArztPraxis-VertretungsÄrzte zur documenta 15 sagen:

Anders als im deutschen Blätterwald war die Stimmung auf der documenta 15 gut, teils ausgelassen. Es ließ sich erahnen, was für eine documenta das geworden wäre, wenn auch jene Künstler*innen geblieben wären, die im Zuge der Antisemitismus-Debatte schon frustriert nach Hause gefahren waren.

So oder so war die documenta proppenvoll. Allerdings verteilte sich die Menge seltsam: Vor Zentren wie dem Fredericianum bildeten sich lange Schlangen, aber in den – weniger reichhaltig als früher bespielten – Parks und Auen war es merkwürdig leer. Dabei gab es gerade hier Tolles zu entdecken: Wie die von Más Arte Más Acción im documenta-Gewächshaus aufgetürmten Baumstämme, die eine zentrale Botschaft der Schau – die Folgen der Umweltzerstörung und des Klimawandels – ebenso simpel wie eindrücklich auf den Punkt brachten.

Und die vom Nest Collective aus Nairobi gepressten Quader aus jenen Altkleidern, die wir normalerweise tonnenweise nach Afrika verschiffen, waren als Mahnmal gegen die ungerechte Globalisierung an der Karlsaue auch imposant platziert. Da waren aber an manchen Tagen Viele.

Wer Kunst im klassischen Sinn erwartet hatte, wurde enttäuscht. Jedoch gab es Ausnahmen.

Die textilen Wandbilder der Polin Malgorzata Mirga-Tas im ersten Stock des Fridericianums zum Beispiel. Die imposanten Gemälde des Aborigine-Künstlers Richard Bell. Oder die Arbeit von Hito Steyerl. Zumindest am Anfang. Denn die ja auch nicht immer einfache Künstlerin kam mit dem Kuratorenkollektiv – namentlich mit dessen Umgang mit den Antisemitismus-Vorwürfen – auch nicht so recht zurecht und brach ihre Zelte im Ottoneum schon im Juli ab.

Ihren grandiosen Film „Animal Spirits“ zeigte sie danach in einer Kasseler Videothek. Auch kein schlechter, da so mit Ironie aufgeladener Ort.

Skandalöses bei Taring Pari?

Wie an den anderen 31 Stationen der documenta, so gab es auch bei Taring Pari im Hallenbad Ost Antisemitismus-Jäger, die jedes Werk mit der Lupe auf Verdacht hin abklopften – teils, ohne richtig hinzusehen. Manche Zufallsdiskussion war daher nervig.

Die Wandteppiche des Kollektivs waren eher so lala, man fühlte sich an den Sozialistischen Realismus erinnert. Schon wieder so ein angestaubter Kollektivgedanke.

Positiv aufgenommen wurde der Versuch, in der Lumburg Gallery dem ökonomischen Wahnsinn des westlichen Kunstmarkts entgegenzusteuern: Dort gab es bezahlbare Werke, deren Preise nach einem demokratischen Prinzip ermittelt worden waren. Die Erlöse wanderten zu 70 Prozent in die Taschen der Schöpfer*innen und zu 30 Prozent in kollektive Töpfe.

Wir haben trotzdem nichts gekauft. Und auch bei Lumbung Press in der documenta-Halle kein Flugblatt drucken lassen.

Insgesamt war das keine documenta für eine Nacht. Sie wollte erobert werden! Einen richtigen Zugang bekam nur, wer mehrere Tage blieb und an Workshops, den Führungen der 130 kunstvermittelnden „Sobats“ und den Filmpräsentationen ausgiebig teilnahm.

Für den Kurzbesuch war die documenta viel zu kopflastig. Aber es war auch durchaus Eingängiges, bisweilen sogar unkünstlerisch Wertvolles am Start. Zum Beispiel der großartige Komposttoiletten-Turm von Más Arte Más Accion. Davon haben wir aber leider kein Bild.

Der Charme des Kirchentags

Alles in Allem haben andere documenten mehr begeistert. Vieles war zu sehr Workshop und Prozess und zu wenig Ergebnis. Auch etwas zu viel Agitprop – und trotz der vielen (Wimmel-)Bilder zu viel Text und Storytelling. Bei den Längergebliebenen entstand der Eindruck eines fröhlichen, offenen und liebenswürdigen Happenings („vielleicht eher eine Art evangelischer Kirchentag aus besten Zeiten“).

Mit ihrem Fokus auf Nachhaltigkeit, Teilhabe, das Kollektive und der Entdeckung außereuropäischer Kontinente war die documenta 15 kein neues, wegweisendes Format, sondern eine Mainstream-Schau: Das macht im Augenblick im Kunstbereich doch Jede*r. Das war nicht schlecht, denn wir müssen ja die Welt retten! Aber doch bitte nicht mit Kunst.

Es war schön, bisweilen auch anregend, aber eine Dauerkarte brauchte es für diese documenta nicht. Es war ein Experiment, endlich mal wieder, man hätte auch mehrere Wochen bleiben können. Es war nicht mehr als eine Illustration von Themen, zu denen man im Politik-Teil der Zeitungen in Zukunft gerne viel mehr lesen würde. Im globalen Süden scheint die Kunst viel näher dran am Volk. Da könnten wir von lernen.

Es gab trotz aller Unkenrufe einiges Interessantes – und auch Schönes! – zu sehen. Ich freue mich schon auf die nächste documenta. (26.09.2022)

^{Anmerkung 1: Einen KunstArztPraxis-VertretungsArzt wollen wir dann doch noch aus der Masse der KunstArztPraxis-VertretungsÄrzte hervorheben, weil er der documenta 15 hier so schön bildgebend Sichtbarkeit verlieh – und überhaupt ein toller Fotograf ist: Philipp J. Bösel. 1984 hat er mit einem Kollegen die gesamte Berliner Mauer fotografisch vermessen – eine tollkühne kollektive Arbeit (wir berichteten). Vor allem aber hat er seit 1987 – also seit genau 35 Jahren – alle documenten in der ihm eigenen Art und Weise dokumentiert. Alles zu sehen auf seiner Seite. Nimm das, Unsichtbarkeits-Maschine!}

^{Anmerkung 2: Ach, was soll’s: Tausend Dank nicht nur an Philipp, sondern auch an Zoë, Andreas, Tim, Marie, Lennart, Mattes, Harry, Phillip, Julia (ein Satz im Text ist auch von dir!) und Andrea E. (zugeschaltet per Kommentar zu unserem letzten documenta-Beitrag).}

Fern-Diagnose: Die Wunde der documenta fifteen

Documenta 1987-2022 auf der Seite von Philipp J. Bösel
Homepage der documenta 15

Der Beitrag Nah-Diagnose: So war die documenta 15 wirklich! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Lieber Herr Ai Weiwei,

seit wir Sie 2019 bei einem Foto-Shooting kennenlernten, haben wir viel über Sie nachgedacht, und dabei kam uns immer wieder auch der Pharao in den Sinn. Irgendwann kommt ja jedem Pharao von Berufs wegen die Idee, sich eine Pyramide zu bauen. Dann trommelt er seine Sklaven zusammen, und: Schwupps!, kitzelt die bestaunte Spitze eines neuen Bauwerks den azurblauen Himmel.

Viele Pharaos, aber ohne Einmauern

Natürlich sind Sie nicht ein Pharao, sondern viele Pharaonen, denn Sie haben ja viele Ideen. Und natürlich lassen Sie nicht Sklaven bei Wasser und Brot für sich schuften, bevor Sie sie in Ihrem Kunstwerk vermauern, sondern bezahlen, wie man so hört, nach Ortstarif.

Trotzdem ist es eben doch ein wenig wie beim Pharao: Sie trommeln, und dann brennen und bemalen 1.600 Menschen über zwei Jahre lang 100 Millionen Sonnenblumenkerne aus Keramik. Oder 1001 Chinesen reisen zur „documenta“ nach Kassel. Oder Hundertschaften emsiger Handwerker biegen 164 Tonnen aus Stahl und Korruption geformte Träger gerade, unter denen ein Erdbeben in der Provinz Sichuan Tausende von Schüler*innen in marode gebauten Schulen begraben hat.

Werbeflächen für Ideale

Dabei wollen wir gar nicht bestreiten, dass wir Ihre Ideen oft betörend & menschlich wichtig finden – und zwar, weil sie den Finger in viele Wunden diktatorischer Regime und gesellschaftlicher Systeme legen, die die individuelle Freiheit oder die universelle Nächstenliebe mit Füßen treten. So gesehen sind Sie viele Pharaonen im Widerstand.

Ihre Pyramiden sind Mahnmale gegen die Ungerechtigkeit und Heuchelei der Welt. Auf ihren Werbeflächen stehen weithin sichtbar jene Ideale, die auch wir gern unterschreiben. Aber eben nicht die Namen derer, die für die Umsetzung geschuftet haben. So gesehen: Old-School-Pharao.

Kunst oder Dunst?

Im Grunde können Sie natürlich da nichts für. Heute kommt Kunst ja nicht mehr von Können, sondern von Denken. Das hat den Sklaven letztendlich Marcel Duchamp eingebrockt, den Sie – wie wir! – zu Recht verehren wie der Pharao die Sonne.

Wo Duchamp aber noch sein eigener DIY-Sklave war, geben Konzeptunternehmer wie Jeff Koons oder Maurizio Cattelan die schockierende Materialisierung ihrer Softporno- oder Papstmord-Phantasien bei externen Dienstleistern wie Oberammergauer Herrgottschnitzern oder Pariser Wachsfigurenformern in Auftrag; oder sie haben gleich eine eigene Factory. Da sind Sie komplett state of the art.

Und genau hier liegt unseres Erachtens das Problem.

Wir fänden es nämlich gut, wenn Sie Avantgarde wären. Wenn Sie im Feld der Konzeptkunst den nächsten Schritt wagten, der weit hinausginge über das Fersmaß Duchamps und aller faul im Schatten seiner Fußstapfen schlummernden Epigonen. Wenn Sie der größte Pharao würden unter allen Pharaonen an der einsamen Pyramidenspitze des Kunstbetriebs. Sprich: Wenn Sie sogar für Ideen Sklaven hätten!

Geschenke zum Anfixen

Wissen Sie was? Wir machen einfach mal den Anfang und schenken Ihnen die ersten drei Ideen, von Jedem von uns eine, quasi als Ready-mades aus purem Geist. Bei Bedarf würden wir für weitere Lieferungen dann die ortsüblichen Tarife nehmen. Aber wir versprechen hoch & heilig, an Namensnennungen nicht interessiert zu sein. Wäre das was? Wir finden ja.

Herzlichen Glückwunsch zum 65. Geburtstag also, Ai Weiwei. Viel Spaß beim Auspacken. Vielleicht gefällt Ihnen ja zu sehen, was wir denken. Das würde uns echt freuen.

Köln, am 28. August 2022, Ihre KunstArztPraxis

Geburtstags-Idee Nr. 1
Ai Weiwei: „Tearing Down That Wall“ (2023-2123)

Zum Glück stehen Sie der Zerstörung von Kulturgut nicht prinzipiell ablehnend gegenüber, aber die Geste mit den fallengelassenen Vasen aus der Han-Dynastie war auf der nach oben offenen Schockierungs-Skala in unseren Augen dann doch ein paar Nummern zu klein. Wir schlagen deshalb vor, die Chinesische Mauer abzutragen. Was David Hasselhoff mit seinen Mauerspechten in Berlin gelang, sollte Ihnen in China gut möglich sein.

Als Ihre Mauerspechte empfehlen wir die in den weiten Grasländern Chinas lebenden Nomaden. Man könnte auch Wanderarbeiter oder Uiguren nehmen, was politisch gegebenenfalls brisanter wäre; aber wir als Romantiker der poetischen Verdichtung würden gern bei den Nomaden blieben. 2.000 Nomaden halten wir für angebracht.

Aus den Steinen der abgetragenen Mauer könnten die Nomaden feste Hütten bauen. Am besten am Rand von Chinas boomender Industriemetropole Ordos in der Inneren Mongolei. Dort hatten Sie ja schon mal geplant, mit 99 anderen Architekten schicke Villen zu entwerfen, was Ihnen dann aber doch zu „megalomanisch“ vorkam. Da ist unsere Idee mit den kleinen Nomadenhütten auf jeden Fall bescheidener.

Wir haben das mal durchgerechnet: Für Abriss und Aufbau würden wir bei 2.000 Nomaden und einer tariflich vereinbarten 35-Stunden-Woche mit 30 Tagen garantiertem Jahresurlaub grob 100 Jahre veranschlagen wollen. Dann wäre aus dem sperrigen Bollwerk gegen die wilden Reitervölker aus dem Norden ein bewohnbares Monument des Friedens und der Freundschaft geworden.

Und ein Protest gegen die Zwangsansiedlung der Mongolen durch das chinesische Regime wäre es auch: Schließlich basiert „Tearing Down the Wall“ auf dem Konzept freiwilliger Sesshaftigkeit. Und die Nomaden dürften ihre Hütten laut Schenkungsvertrag natürlich auch vermieten!

Geburtstags-Idee Nr. 2
Ai Weiwei: „Berlin Fuck Off Taxi Convoy“ (2024)

Wie wir lasen, mögen Sie die Deutschen nicht. Faul und ausländerfeindlich seien die, haben Sie gesagt, als Sie ihr Atelier in Berlin verließen, um nach London auszuwandern, und unfreundlich: im Gegensatz zu den Briten, die „wenigstens höflich“ seien. Als Beleg haben Sie damals angeführt, in Berlin drei Mal aus einem Taxi herausgeworfen worden zu sein; wobei Sie andernorts einmal sagten, dass die Berliner Taxi-Fahrer fast ausschließlich Türken seien.

Das hat uns alles arg verwirrt, denn wir hatten eigentlich gedacht, dass Sie als Streiter gegen Vermassung und für die Rechte des Einzelnen in Individu- statt in Nationalitäten dächten. Aber als Künstler dürfen Sie natürlich denken was & wie Sie wollen. Schwamm drüber. Geht uns nichts an. Soviel Höflichkeit muss sein.

Wir haben trotzdem folgenden Vorschlag:

Wir schlagen vor, alle Mercedes-Sterne der rund 8.100 konzessionierten Taxen in Berlin von der Motorhaube zu entfernen (die Hybrid-Taxen von Toyota müsste man wie alle anderen nicht der Mercedes-Taxi-DIN entsprechenden Fahrzeuge leider links liegen lassen) und durch Stinkefinger aus purem Gold zu ersetzen, die in Richtung der entsprechenden Taxifahrer zeigen.

So würden nicht nur zwei der wichtigsten, inzwischen ikonisch historisierten Punk-Gesten der 1970er bis 1990er Jahre – Entfernen von Mercedes-Sternen und Zeigen von Stinkefingern – miteinander verknüpft: Es wäre auch der verständlichen Rache Genüge getan. ​Denn unter den bestinkefingerten Taxi-Fahrern verstecken sich ja vielleicht auch Ihre drei Rauswurf-Rowdys.

Wahlweise könnten die Stinkefinger auch aus Marmor, Lego-Steinen oder Murano-Glas bestehen. Und sie wären bei älteren Modellen dank des Stern-Scharniers in der Mercedes-Motorhaube sogar in Richtung Straße, also in Richtung aller von Berliner Taxi-Fahrern angefahrenen Ziele drehbar!

In dieser Variante könnte das Taxi-Netz der Hauptstadt als „mobile Skulptur“ Ihre berühmte Fotoserie mit flüchtigen Bildern wie „F… Brandenburger Tor“, „F… Checkpoint Charlie“ oder „F… Alexanderplatz“ adäquat ins 21. Jahrhundert transportieren – auch als rollende, nur vom Inneren des Taxis aus zu sehende Kritik an der touristischen Geschichtslosigkeit und der Fotoflut unserer digitalen Zeit.

Es wäre sogar denkbar, dass die Taxi-Fahrer Gefallen finden würden am „Berlin Fuck Off Taxi Convoy“, denn uns persönlich erschien ihre tatsächlich nicht immer charmante Ruppigkeit bei unseren Besuchen in der Hauptstadt oft nicht frei von Humor! Das gilt zumindest für die rund 8.097 türkischen Taxi-Fahrer. Die drei deutschen sollten sich natürlich weiter in Grund und Boden schämen.

Geburtstags-Idee Nr. 3
Ai Weiwei: „S.A.C.R.E.D  R.E.L.O.A.D.E.D“ (bitte noch 2022!)

Auf diesen Vorschlag des dritten Kollegen sind wir beiden anderen KunstArztPraxis-Ärzte ziemlich neidisch, denn er ist unserer einhelligen Meinung nach mit Abstand der beste!

Besagter Kollege empfiehlt Ihnen die Entführung eines Diktatoren aus einem x-beliebigen Überwachungsstaat, um ihm unter dem Vorwand der Steuerhinterziehung 81 Tage lang jene Behandlung angedeihen zu lassen, die die chinesische Regierung Ihnen im Jahr 2011 eben jene 81 Tage lang angedeihen ließ. Und dabei stehen Sie – wie weiland bei Ihnen die beiden strengen Polizisten – rund um die Uhr hinter ihm und schauen ihm ununterbrochen beim Schlafen, beim Essen, beim Stuhlgang und beim Aushecken von Grausamkeiten zu.

Parallel hierzu vertwittern Sie ihre Beobachtungen in Echtzeit in Ihrem Blog. Am Ende dieser Tage könnten sogar Puppenbauer, Metallschweißer und Innenausstatter noch eine Guckkasten-Installation mit neun Eisenkästen daraus machen wie die, die wir 2019 von Ihnen im K21 der Kunstsammlung NRW in Düsseldorf gesehen haben. Muss aber nicht.

An dieser Stelle nur ein Einschub in eigener Sache: Beneideter Kollege behauptet, bei seiner Idee ein wenig von Marina Abramović abgekupfert zu haben, die ihre tollen Original-Performances seit geraumer Zeit bekanntlich ebenfalls re-inszenieren lässt. Wir beiden anderen wollen diese Selbstkritik aber so nicht gelten lassen.

Denn bei „S.A.C.R.E.D  R.E.L.O.A.D.E.D“ geht es ja gar nicht um wiederholte Eigenkunst, sondern um die Re-Inszenierung der echten, verdammenswerten Wirklichkeit. Und auf die Gedanken – sagen wir: die gemeinsam mit Ulay uraufgeführte Ohrfeigen-Aktion „Light/Dark“ (1977) oder die Anschrei-Orgie „AAA-AAA“ (1978) zum Beispiel von Kim Jong-un und Baschar al-Assad re-inszenieren zu lassen, ist selbst Marina Abramović (leider) noch nicht gekommen.

Von „S.A.C.R.E.D  R.E.L.O.A.D.E.D“ jedenfalls erhoffen wir uns wichtige Erkenntnisse für die noch junge Diktatoren-Forschung. Träumen diese Wesen Böses? Sprechen Sie im Schlaf – wenn, was? Schlingen sie Nahrung besonders gierig in sich hinein – und schlabbern & sabbern dabei vielleicht sogar aufs Lätzchen? Und, entscheidend: Was kommt am Ende beim Diktator hinten raus? Studien hierzu könnten die Menschheit retten.

Wie gesagt: Den Diktator für „S.A.C.R.E.D  R.E.L.O.A.D.E.D“ können Sie aus allen Unrechtsstaaten dieser Erde gern frei wählen. Wenn es nach uns ginge, dürfte die Aktion ohnehin in Serie gehen, denn sie träfe nie den Falschen: Schließlich gehört Steuerhinterziehung zum Diktatoren-Kerngeschäft.

Allerdings würden wir begrüßen, wenn Sie mit Wladimir Putin den Anfang machten. Fragen Sie doch mal in Moskau nach. Vielleicht hat er ja Zeit & Lust dazu.

Bitteschön. Dankeschön. (28.08.2022)

^{Anmerkung: Wir empfehlen, regelmäßig in Ai Weiweis Blog nachzuschauen, ob „S.A.C.R.E.D  R.E.L.O.A.D.E.D“ schon angelaufen ist. Nachdem die chinesischen Behörden das wirkmächtige Original 2011 im Zuge von Ai Weiweis willkürlicher Verhaftung gesperrt hatten, findet sich eine Twitter-Fassung inzwischen hier.}

Noch mehr Ai Weiwei in der KunstArztPraxis:
Sommerloch-Porträts (5): Ai Weiweis Kern

Und noch ein bisschen was zu Marina Abramović:
Being Marina Abramović
Korrekt performen: Marina Abramović zum 75.

Der Beitrag Zum 65.: Drei Geschenk-Ideen für Ai Weiwei erschien zuerst auf KunstArztPraxis.