Unermüdlich widmet sich Hede Bühl dem menschlichen Körper: vor allem dem Kopf. 2020 haben wir die Bildhauerin in ihrem Düsseldorfer Atelier besucht: Erst jetzt ist ein Buch daraus entstanden. Das hat mit dem Schock des fremden Blicks zu tun. Mit Fürsprecher*innen. Und, am Ende, mit Vertrauen.

Ateliers sind für viele Künstler*innen sehr intime Räume. Für die Erlaubnis, darin zu fotografieren, braucht es Vertrauen. Für die Erlaubnis, die Bilder danach zu veröffentlichen, manchmal auch Mut.

Wir waren schon in vielen Ateliers, zumeist war das Vertrauen da. Manchmal stieß es an Grenzen – wie bei Thomas Ruff, der uns aus guten Gründen bat, bestimmte Räume nicht abzulichten.*

^{*Die guten Gründe tun hier nichts zur Sache.}

Und manchmal reichte eben Vertrauen nicht aus. So wie bei Thomas Schütte, der uns ersuchte, die Fotos, die wir bei ihm zuhause gemacht hatten, zu seinen Lebzeiten unter Verschluss zu halten, nachdem er sie gesehen hatte: „zu intim“. 

Das beides war in Düsseldorf, vielleicht ein Zufall (nein, kein objektiver!): in Düsseldorf, wo auch Hede Bühl wohnt.

Bei Hede Bühl waren wir im Sommer 2020 im mit hohen Mauern umfriedeten Atelier, genau zwischen zwei Lockdowns während der Corona-Pandemie. Die damalige Direktorin der Villa Zanders, Petra Oelschlägel, hatte uns den Besuch – und uns selbst dann später auch bei Hede Bühl – empfohlen.

Unser Hexenbuch war ein wichtiger Schritt

Es dauerte zwei Jahre und brauchte viele weitere Fürsprecher*innen, bis genug Vertrauen da war. 

Eine davon – Mary Bauermeister – schenkte Hede Bühl unsrer „Hexenbuch“ (O-Ton Mary-Bauermeister) über Mary Baumeisters Haus und Garten, das war ein wichtiger Schritt. Ein persönliches Treffen in Tony Craggs Wuppertaler Skulpturenpark Waldfrieden während Bühls Ausstellung 2019 tat sein Übriges.

Über den dann nach zwei Jahren Fürsprache endlich folgenden Atelier-Besuch haben hier in der KunstArztPraxis ja schon mal was geschrieben.

Beim Besuch fanden wir sofort einen Draht zueinander: ein ähnlicher Humor, aber auch ein ähnliches Kunst-Verständnis. Das Harren hatte sich gelohnt.

Nach unserem Shooting schenkten wir Hede Bühl einen selbstgemachten Foto-Band als Erinnerung. Für Freund*innen ließ sie ihn mehrmals von uns – in London, sehr teuer! – nachproduzieren. Wenn wieder Bedarf war, rief sie an.

Unsere Fotos müssen Hede Bühl also doch irgendwie von Anfang an gefallen haben, wir sprachen damals nicht weiter darüber. Aber zu einem „öffentlichen“ Foto-Buch war sie lange nicht bereit. 

Nicht wir, die mit dem selbstgemachten Foto-Buch beschenkten Freund*innen trugen diese Idee mehrfach an Sie heran.

Warum das lange Zögern?

Es sei nicht nur die Intimität gewesen, die preiszugeben für sie problematisch gewesen sei, hat uns Hede Bühl später verraten. Da saßen wir 2025 Im Rahmen einer sehr berauschenden Bucherscheinungs-Feier im Kreise der Fürsprecher*innen-Freund*innen* zum ersten Mal wieder in ihrem mit Mauern umfriedeten Atelier.

^{*auch die Geliebte von Joseph Beuys war da!}

Es sei vor allem diese andere Perspektive auf ihre Kunst, das Haus, den Garten! Dieser fremde Blick auf ihr Werk sei beim Betrachten zunächst ein regelrechter Schock gewesen. Damit habe sie erst einmal zurechtkommen müssen.

Oha! Wir werten das als riesengroßes Kompliment.

Deshalb also waren fünf Jahre Überredungs-, nein, wohl eher: Überzeugungskunst nötig, das begriffen wir erst da. Von vielen an- und abwesenden Freund*innen, vor allem von einem. Danke, Hartmut Kraft. Für diese Hartnäckigkeit. Und für den schönen Text im Buch.

Ein Buch von Hede Bühl und uns

Das Ergebnis ist vor allem ein Produkt von Hede Bühl und uns geworden: eine Gemeinschaftsarbeit gegensätzlicher, aber einander nicht mehr fremder Blicke. Wir überließen Hede Bühl die freie Wahl bei Bildern und Fokus; und im Gegenzug freundete sich Hede Bühl während der Arbeit mit ihrer Grafikerin Susanne Belau offenbar immer weiter mit unserer Perspektive an.

Auf diese Weise ist ein echtes Kunst-Foto-Buch entstanden, das keine Herausgeber-Namen & keinen Buch-Titel & auch das Verlags-Logo nicht auf dem Cover trägt, sondern nur unser Abbild ihrer Skulptur:

Mit einem sich im Kunst-Kopf Hede Bühls spiegelnden Selbstporträt von KunstArzt1 als dreifach dissoziiertem Ich.

Wegen dieser dreifaltigen Reflexionen von Einem von uns – aus unserer Sicht ein klarer fotografischer Kunst-Fehler! – hätten wir das Foto als Cover sicher niemals genommen. Wir mussten auch ein wenig schlucken.

Aber Hede Bühls anderen, beizeiten fremden Blick auf unser Werk: den müssen wir uns natürlich genauso gefallen lassen.

^{Jetzt ist es öffentlich: So sieht unser Einer also WIRKLICH aus!
KunstArzt1 als Cover-Boy, Atelier Hede Bühl, Düsseldorf 2020}

Mit dem Ergebnis ist die ganze KunstArztPraxis jedenfalls inzwischen sehr zufrieden. Und Hede Bühl, so hört man aus vertrauten – und nunmehr auch komplett vertrauenden – Kreisen, auch. (19.10.2025)

<sup>„Hede Bühl: Atelierrundgang“. Herausgegeben von Hartmut Kraft und Thomas Köster, 104 Seiten, Kettler Verlag Dortmund, ISBN 978-3-9820830-3-2.

Kostenpunkt: 38,00 Euro.</sup>

^{Anmerkung 1: Wir haben oben etwas abstrakt von den Freud*innen Hede Bühls geschrieben, die sich sehr um das Buch verdient gemacht hätten. Aber einen sollten wir doch namentlich erwähnen, weil es der verdienstvollste von allen war, und das ist Mitherausgeber Dr. Hartmut Kraft. Ohne seine Hartnäckigkeit über all die lange Zeit hätte es das Buch sicher nicht gegeben. Deshalb, von ganzen Herzen: Danke, Dr. Hartmut Kraft!}

^{Anmerkung 2: Ein Atelier ist nicht nur ein intimer Ort. Es ist auch ein Ort, der sich beständig wandelt. So, wie wir das Atelier Hede Bühls 2020 fotografierten, ist es schon lange nicht mehr. Und wird es niemals wieder sein.}

^{Anmerkung 3: Ach ja: Skulpturen und Bilder von Hede Bühl sind noch bis zum 1. November 2025 in der Galerie Kadel Willborn in Düsseldorf zu sehen.}

Die anderen Foto-Bücher der KunstArztPraxis:
Mary Bauermeister (nur noch wenige Rest-Exemplare der 2. Auflage!)
Erwin Hapke
Eduard Roijen

Bonus-Track: Was sein oben erwähntes Übriges tat

Homepage von Hede Bühl

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Im Lehmbruck Museum in Duisburg läuft gerade eine Ausstellung, die grandiose Gemeinschaftsarbeiten des einstigen Ehepaares Eva Aeppli & Jean Tinguely ins Zentrum stellt. Jean Tinguelys Sinnlosigkeits-Mechanik macht wie immer Spaß. Aber die Stoff-Figuren von Eva Aeppli sind eine echte Entdeckung.

Unter den Superhelden des Marvel-Universums ist uns Iron Man der liebste. Das mag daran liegen, dass Iron Man gar kein Superheld ist, sondern ein Mensch aus Fleisch und Blut.

Ein Mensch allerdings, der im Innern ein bitzeli Maschine ist: Ein Palladium-Kraftwerk in der Brust hindert Kriegsgranaten-Splitter daran, in sein Herz zu stechen. Im ständigen Bewusstsein seiner Sterblichkeit, hält dieses Kraftwerk Iron Man ein paar Filme lang am Leben.

Und da Iron Man High-Tech-Exo-Skelette sein eigen nennt, kann er sogar ins Universum fliegen.

Im besten Sinne sinnlos

Vom Technik-Kult Iron Mans oder jedes Diktatoren dieser Erde ist Jean Tinguely natürlich so weit entfernt wie Krypton von der Erde.

Der Künstler hat ja Maschinen erfunden, die sich bisweilen selbst zerstören, nicht Schulen oder Krankenhäuser oder Menschen. Es sind Maschinen, die keine anderen Maschinen zusammenbauen wie Panzer noch Drohnen, sonders im besten Sinne sinnlos sind. Sie sind halt gute Kunst. 

Und den gespenstischen Wesen Eva Aepplis? Denen hat dieser künstlerische Iron Man Exo-Skelette verpasst, damit sie trotz ihrer ganzen Erdenschwere fliegen können.

^{Foto oben: Eva Aeppli und Jean Tinguely,  „Samurai an der Öllampe. Komm mit mir
in den siebten Himmel der Liebe“ (1985/91, Detail), Lehmbruck Museum, Duisburg 2025}

Der Tod als Begleiter

Man kann das sicher auch anders sehen, aber für uns ist Eva Aepplis Thema der Tod, der uns zur Erde zieht. Aber nicht der Tod in weiter Ferne. Nicht der Schnitter.

Eva Aepplis Tod ist jener Tod, der in uns wohnt seit der Geburt: der uns von Anfang an eingeschrieben ist. Der mit uns wächst, uns mit der Zeit verfallen und immer bleicher werden lässt, ein Leben lang schicksalhaft zeichnet: im besten Fall mit physischen Falten, im schlimmsten Fall – wie bei Eva Aeppli – mit seelischen Narben. 

Eva Aepplis Tod ist der Tod als ständiger Begleiter.

Den Physiognomien von Eva Aepplis Figuren sieht man in unseren Augen an, dass sie die Granatsplitter des Zweiten Weltkrieges und die Metzeleien Hitler-Deutschlands nahe beim Herzen tragen.

Sie kämpfen nicht gegen fiktive Terroristen oder Superschurken, sondern gegen reale Trauer und Verzweiflung an: die seelischen Bösewichte. 

Und da, wo ihnen Tinguelys Exo-Skelette fehlen, die ihnen per Knopfdruck eine wirbelnde, ungelenke, mit Humor als Gegengift versehene Leichtigkeit verleihen wie Gerippen einer humanen Geisterbahn: da sinken sie derart körperspannungslos in sich zusammen, dass man spürt: ihnen fehlt auch die innere Stütze.

^{Foto oben: In ständigem Bewusstsein ihrer Sterblichkeit. Eva Aeppli und Jean-Pierre Raynaud, 
„Dame oder Bella“ (1967, Detail), Lehmbruck Museum, Duisburg 2025}

Es geht ums Unaussprechliche

Und noch etwas ist uns aufgefallen, nämlich, dass Eva Aepplis Figuren stumm sind. Selbst da, wo sie aus Verzweiflung oder Leid mit weit aufgerissenen Mündern schreien, als wären sie in diesem Augenblick dabei, ihr Leben auszuhauchen, sind ihre Lippen wie vernäht.

Es geht ja bei Eva Aeppli um etwas, für das es eigentlich keine Worte gibt.

Aber Aepplis Körper reden. Es gibt eben auch eine im besten Sinne sinnhafte Kunst, deren Botschaft unaussprechlich ist, aber bildlich sichtbar gemacht werden kann.

^{Foto oben: Eva Aeppli und Jean-Pierre Raynaud, „Das Kreuz“ (1968)
Lehmbruck Museum, Duisburg 2025}

Es geht ja um Not & Hunger & Leiden. Eben um den Tod als ständigen Begleiter. Aber es geht auch um Würde. Um Menschlichkeit.

Der Titel der Duisburger Ausstellung, „Mechanik und Menschlichkeit“, ist deshalb klug gewählt. Weil in dieser Form der Menschlichkeit auch Aepplis unseres Erachtens wichtigstes Thema: der Tod als biografischer Begleiter, mitschwingt.

Dann doch: der Tod als Schnitter

Beim letzten Abendmahl sitzt der Tod dann endlich doch noch als Schnitter freundlich grinsend mitten unter uns am Tisch und breitet wie Jesus segnend seine Arme aus. Und da zeigt sich schließlich: Der Tod ist nicht so böse wie das Leben! Er hält uns auch nicht – wie Jesus – mit Heilsversprechen davon ab.

Der Tod weiß ja, dass es keine Seele gibt, die er uns abschwatzen könnte. Das Kreuz markiert das Ende. Auf die Passion folgt keine Himmelfahrt. Auch nicht für den, der fliegen kann.

Eins kann man zum Schluss noch sagen: Das Zusammenspiel von Aeppli & Tinguely hat prima funktioniert.

Eva Aeppli hat seine Kunst geerdet, und Iron Man hat ihre Kunst mit Humor beflügelt. Das kann man momentan noch ein Paar Wochen lang in Duisburg sehen.

Das Mini-Kraftwerk Kunst

Sehen sollte man das auch. Es geht ja auch um die Splitter nahe UNSERER Herzen. Um jene unter uns, die nicht nur Falten haben.

Um den tödlichen Stachel, der sich mit dem Mini-Kraftwerk Kunst ein wenig zurückhalten lässt. Vor allem, wenn seine Narben dabei sichtbar werden. 

^{Foto oben: Todgeweiht, aber in Würde. Eva Aeppli, „Augusta“ (1972),
Lehmbruck Museum, Duisburg 2025}

Am Ende werden wir, die wir nicht im Marvel-Universum der Superhelden geboren sind, eh alle wieder Sternenstaub. Teil der Planeten-Systeme auf ihren unendlichen Bahnen im kosmischen Raum.

Wenn das mal nicht tröstlich ist. (10.08.2025)

^{„Mechanik und Menschlichkeit. Eva Aeppli und Jean Tinguely“ ist noch bis zum 24. August 2025 im Lehmbruck Museum in Duisburg zu sehen. Und ja: Man darf Aepplis erdenschwere Figuren in der Ausstellung per Knopfdruck eigenfüßlich zum Fliegen bringen. Und das macht, Jean Tinguely sei Dank, wie immer Spaß.}

^{Anmerkung 1: Dochdoch: Auch Eva Aeppelis Figuren wohnt neben Schmerz & Verzweiflung auch ein ganz eigener Humor inne! Getreu dem Motto der streitbaren, klugen Künstlerin: „Ich war schon immer ein Lausbub“. Das haben wir durchaus bemerkt. Und ja: Wir wissen, dass sich Eva Aeppli wohl eher als Akrobatin zwischen Himmel & Erde verstanden hat. Wir sehen trotzdem eher die Tragik und das Erdenschwere und den Tod als biografischen Begleiter.}

^{Anmerkung 2: Wir haben uns inzwischen auch auch mit dem Leben von Eva Aeppli befasst, vorher hatten wir offen gestanden nur Jean Tinguely auf dem Schirm. Vieles von dem, was wir oben geschrieben haben, könnten wir mit Lebensdaten belegen. Alles andere haben wir im Werk vor Ort erspürt. Hier ist also Wachsamkeit geboten.}

^{Anmerkung 3: Richtig bemerkt! Auf den Fotos oben sind ausschließlich Werke von Eva Aeppeli zu sehen. Das Werk von Jean Tinguely blüht lichtbildnerisch im Verborgenen. Das ist der Unsichtbarkeits-Maschine geschuldet, die uns ansonsten gezwungen hätte, unseren Beitrag sechs Wochen nach Beendigung der Ausstellung wieder vom Netz zu nehmen – genauso wie das Gedicht, das wir neulich zu Tinguelys Mal-Maschine geschrieben haben. Und auf die Zwänge der Unsichtbarkeits-Maschine haben wir einfach keinen Bock.}

Das Lehmbruck Museum in der KunstArztPraxis:
Ästhetik des Widerstands: „Courage“ in Duisburg
Wir Seelenblinden. Alijca Kwade in Duisburg
“Ich bin die Landschaft.” Barbara Hepworth
Traum nach innen: Antony Gormley
In der Strafkolonie: Cardiff & Miller
Beuys, der Schüler: “Alles ist Skulptur” in Duisburg (Teilfraß durch die Unsichtbarkeits-Maschine)
Stephan Balkenhol: Hüllen für Geschichten (gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Verfettend und bestrickend: Erwin Wurm (gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Bizarre Biester: Lynn Chadwick

Homepage des Lehmbruck Museums in Duisburg

Der Beitrag Der Tod & Iron Man. Eva Aeppli & Jean Tinguely erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Heute (11.05.2025) ist ja Muttertag, da könnte man im Kunstpalast auch in „Mama“ gehen. Wir empfehlen aber nochmal Elias Sime nebenan. Oder lassen ihn sich vielmehr in einem bunten Blumenstrauß aus unseren Fotos selbst empfehlen. Weil ja bekanntlich Bilder mehr als tausend Worte sagen.

Worte über Elias Sime und den Herrn im Kunstpalast verloren haben wir ja an anderer Stelle schon genug. Und „Mama“ ist uns einfach zu sehr kunstmarktschreierischer Populismus.

(18.05.2025 (vorm. 11.05.2025))

^{„Elias Sime. Echo“ ist noch bis zum 1. Juni 2025 im Kunstpalast in Düsseldorf zu sehen.}

<sup>Anmerkung: Seit TAGEN fragen uns Unzählige unserer geneigten Leser*innen, warum wir am 18. Mai 2025 einen Beitrag gepostet haben, den wir um eine Woche (11.05.2025) vordatierten.

Die Antwort ist ebenso simpel wie peinlich: Wir haben Muttertag vergessen! Der Teaser war eine Nebelkerze, um unsere drei Mütter glauben zu machen, wir hätten ihnen Blumen & Konfekt rechtzeitig geschenkt, wenn sie den Beitrag läsen.

Leider sind unsere drei Mütter nicht darauf hereingefallen. Schlimmer noch: Sie haben unseren Beitrag nichtmals gelesen.

Kluge Mütter. Ihre KunstArztPraxis</sup>

Der Kunstpalast in der KunstArztPraxis:
Der Herr im Kunstpalast. „Elias Sime. Echo“
Gute Kunst? Cornelius Völker (gefressen von der Unsichtbarkeit-Maschine)
Funky Funky Funky: Das Kunstpalast-Electro-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr)
Pack’s aus! Das Christo-und-Jeanne-Claude-Quiz (gefressen von der Unsichtbarkeit-Maschine)
Lüster, Glaube und Verfall: Das Barock-Modern-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr)

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguley in Duisburg
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstpalasts Düsseldorf

Der Beitrag Reine Bildgebung 32: Elias Sime in Düsseldorf erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte: Wobei es bei „Mechanik und Menschlichkeit“ im Lehmbruck Museum in Duisburg wegen der Beweglichkeit der per Knopfdruck animierbaren Skulpturen eigentlich Filme sein müssten! Egal: Wir lassen erstmal allein die Fotos sprechen.

Später werden wir über diese grandiose Schau dann aber auch noch Worte verlieren. Versprochen.

^{© für Jean Tinguely: VG Bild-Kunst, Bonn 2025}

(06.04.2025)

^{„Mechanik und Menschlichkeit. Eva Aeppli und Jean Tinguely. Zum 100. Geburtstag“ ist noch bis zum 24. August 2025 im Lehmbruck Museum in Duisburg zu sehen. Unbedingter Hingen-Tipp!}

Das Lehmbruck Museum in der KunstArztPraxis:
Ästhetik des Widerstands: „Courage“ in Duisburg
Wir Seelenblinden. Alijca Kwade in Duisburg
“Ich bin die Landschaft.” Barbara Hepworth
Traum nach innen: Antony Gormley
In der Strafkolonie: Cardiff & Miller
Beuys, der Schüler: “Alles ist Skulptur” in Duisburg
Stephan Balkenhol: Hüllen für Geschichten (gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Bizarre Biester: Lynn Chadwick

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Lehmbruck Museums Duisburg

Der Beitrag Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguely in Duisburg erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Neulich haben wir einen älteren Herrn durch den Kunstpalast hetzten sehen. Er blieb vor jedem Werk nur kurz einmal stehen, um es mit seinem Smartphone zu knipsen. Dieser Herr hat der Kunst von Elias Sime nicht EIN-MAL direkt in die Augen geschaut: Immer war das Display dazwischen.

Von Elias Sime hat dieser Herr im Grunde nichts gesehen. Statt Kunst nur Nullen und Einsen.

Wenn dieser Herr allerdings etwas gesehen HÄTTE, wenn er mit den Augen hätte denken können – oder doch zu mindest mit dem Knie –, dann hätte dieser Herr an der Wand & auf dem Boden im Kunstpalast seiner eigenen Entfremdung in die Eingeweide geblickt.

Das ist ja ein Teil der Erzählung, wenn man wie Elias Sime in Bildern denkt.

Tradition & Moderne

Für uns ist das eine sehr anschauliche Form von visueller Oral History über unsere auf vielfältige Weise abstrahierte Gegenwart – aufgeschrieben in Texturen, die mit den traditionellen – und meistens kommunikativen – Kulturtechniken des Stickens, Knotens oder Webens verfasst worden sind.

^{Elias Sime, „Tightrope: We Are All Green: Swollen Waves“ (2020, Detail), Kunstpalast, Düsseldorf 2025}

^{Elias Sime, „Echo“, Ausstellungsansicht mit smartphoneknipsender Dame, Kunstpalast, Düsseldorf 2025}

Fest steht auch, dass diese abstrakte Zivilisations-Schrott-Reliefs aus Computern und Musikanlagen, Fernsehern und Telefonen, Radios und Mediaplayern recht ambivalente Geschichten erzählen: SO technikfeindlich wie wir Drei von der KunstArztPraxis ist Elias Sime ja nicht.

Die Tastatur der Vielen

Es sind Geschichten von Ausbeutung und Kommunikation gleichermaßen; von Verbindung und Isolation; von Trostlosigkeit und Hoffnung. Auf den Tastaturen dieser Assemblagen haben ja Menschen Texte für andere Menschen geschrieben, von diesen Uhren ihre Lebenszeit abgelesen – NACHDEM die Tastaturen & Uhren von anderen Menschen zusammengebaut und verkauft worden sind.

^{Elias Sime, „Tightrope: Dichotomy: No. 4“ (2023/2024, Detail), Kunstpalast, Düsseldorf 2025}

Und BEVOR wieder andere Menschen sie – zum Beispiel – auf dem Markt von Adis Abeba verkauft oder vom Straßenboden aufgesammelt, auseinander genommen, nach Ähnlichkeiten sortiert und wieder neu zusammengesetzt haben. 

Das ist die große Kunst dieser Bilder. Das im Ausstellungs-Titel bezeichnete Echo (amharisch: „የገደልማሚቶ“) ihrer Schönheit.

Nicht umsonst hat Elias Sime seine zentrale Werk-Serie „Tightropes“ genannt: die Anglizisierung des amharischen Begriffs für ein Seil, das – wie von Artist*innen in der Zirkuskuppel – beansprucht wird. Das passt. 

Der ist – für uns – schon abgestürzt

Für uns ist Simes Kunst nämlich im oben von uns nacherzählten Sinn ein Drahtseilakt, der aus schwindelerregender Höhe mit großem Geschick unter anderem herabschaut auf unsere vielfältig bunte, aber eben auch immer abstrakter, digitaler werdende Welt.

Und wer nicht mitschaut wie unser Herr im Kunstpalast, wer das Display seines Smartphones zwischen sein Auge und das Kunstwerk schiebt, statt im Hier & Jetzt denkend & staunend einzutauchen, der ist für uns schon abgestürzt. 

In gar nicht allzu ferner Zukunft wird auch besagter Herr sein rapide veralterndes Smartphone entsorgen – vielleicht hat er sich seine Fotos der Ausstellung, die mit dem Apparat verschwinden, bis dahin nicht einmal angeschaut.

Auf der Müll-Kippe

Vielleicht reist sein Smartphone dann auf die größten Müllkippe der Welt in Ghana, um von Kindern unter giftigsten Dämpfen von Gold, Coltan oder Kupfer befreit zu werden. 

Oder es kommt auf den Markt von Adis Abeba, wo Elias Sime es findet & auseinandernimmt, sortiert & mit seinem Team auf einem Kunstwerk wieder in Ordnung bringt.

^{Elias Sime, „Tightrope: Dichotomy: No. 1“ (2023/2024), Kunstpalast, Düsseldorf 2025}

Und, ja: wer weiß – vielleicht kommt dann der Mann aus dem Kunstpalast bei einer anderen Ausstellung an einem anderen Ort nochmals mit den Innereien seines alten Smartphones in Kontakt, auf dem noch immer seine Fotos von Elias Simes Ausstellung im Kunstpalast gespeichert sind: mit SEINEM Echo.

Man könnte dieses Echo mit dem Megaphon herausbrüllen: Der Herr vom Kunstpalast würde es nicht hören. (23.3.2025)

^{„Elias Sime. Echo“ ist noch bis zum 1. Juni 2025 im Kunstpalast in Düsseldorf zu sehen.}

Appendix: Natürlich könnte alles auch ganz anders sein !

Natürlich kann alles auch ganz anders sein. Der ältere Herr vom Kunstpalast könnte zum Beispiel zuvor schon einmal über Stunden durch „Echo“ geschlendert sein, sich den Werken angemessen nähernd; und dann ist er nur noch einmal kurz zurückgekommen, um Fotos für seine Freunde im fernen Prien am Bodensee Chiemsee zu machen: Weil er so fasziniert von der Ausstellung gewesen ist und diese Beglückung teilen wollte.

Die smartphoneknipsende Dame von unserem dritten Foto hat vielleicht einer bettlägerigen, kunstaffigen Freundin, die nie wieder ins Museum gehen kann, eine Freude machen wollen.

Und der webexende Mann mit dem Laptop ist im echten Leben Sime-Spezialist und sprach gerade mit der Kuratorin und einer Galeristin sowie dem Künstler in Addis Abeba über die toxische Kinderarbeit auf den Müllkippen in Ghana, als wir ihn sahen. Die Wirklichkeit könnte ja theoretisch tatsächlich genauso ambivalent sein wie Elias Simes Kunst.

Man muss offen bleiben. Man DARF nicht verbittern! Ihre KunstArztPraxis.

Der Kunstpalast in der KunstArztPraxis:
Gute Kunst? Cornelius Völker in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeit-Maschine)
Funky Funky Funky: Das Kunstpalast-Electro-Quiz (leider kein Gewinn-Spiel mehr)
Pack’s aus! Das Christo-und-Jeanne-Claude-Quiz (leider kein Gewinn-Spiel mehr)
Lüster, Glaube und Verfall: Das Barock-Modern-Quiz (leider kein Gewinn-Spiel mehr)

Homepage des Kunstpalasts Düsseldorf

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Wir sind sehr gern in Wunderkammern. Für uns sind das natürlich gewachsene künstliche Paradiese, deren Bewohner*innen, die zugleich ihre Schöpfer*innen sind, zumindest die Chance besitzen, in ihnen glücklich zu werden. Künstler*innen sind ja Kurator*innen ihrer Alltagswelt, die sie mit ihren Werken, oft mit Bezügen untereinander, möblieren.

Bei Eduard Roijen in Düsseldorf haben wir das mal mit einer begehbaren Collage verglichen, bei Hans von Hoermann in Prien am Chiemsee mit der Knotenschrift „Quipu“ der Inka: weil es sich für die jeweilige Wunderkammer so anbot. 

Sampling aus Trash, Punk, Gothic, Jazz & Porno

Bei Hans von Hoermann zum Beispiel wimmelte es nur so von Bezügen:

Verknüpfungen, die der Künstler bis zu seinem Tod in seinem Reich mit all seinen Objekt-Kästen, Materialbildern und Collage-Heftchen, den Arrangements aus Schneekugeln und Kinderpuppen, afrikanischen Figuren und indonesischen Masken, chinesischen Plastik-Drachen und Katzen-Girlanden, Bienenwaben und Muschel-Stelen, historischen Gemälden und Postern indischer Gottheiten, präparierten Schmetterlingen und Perlenketten, Spazierstock-Bouquets und katholischen Devotionalien, dem Schrecken vom Amazonas und der Herrscherin der Dunkelheit Elvira geschaffen hatte. 

Und zwar allein für sich, für niemand sonst. Und, nein: leider nicht, um glücklich zu werden, wie wir beim Hausbesuch 2023 zu erkennen glaubten. Sondern, um als letzter Inka unter all den Aliens am Chiemsee zu überleben.

Jetzt sind Hans von Hoermanns Material-Bilder und Objektkästen vom Atelierhaus des Künstlers in die Galerie von Christian Pixis nach München gewandert – gemeinsam mit Hans von Hoermanns in Kunst verwandelte Kommoden, seinem Schaukelstuhl. Im weißen Schrank aus dem lichtdurchfluteten Atelierraum stecken keine Horror-Videos mehr, sondern Reliquien aus dem ganzen Haus, die der Galerist als pars pro toto dort arrangiert hat. 

Als kleine Wunderkammer sozusagen.

Und in Hans von Hoermanns Rekorder steckt immer noch die selbst aufgenommene Kassette der „Einstürzenden Neubauten“, die er offenbar besonders geschätzt hat. Wenn man ihn bittet, drückt der nette Galerist auf Play.

^{Der Himmel über Hoermann stammt von Gesine Braun.}

Sogar den quadratischen Arbeitstisch mit seinem Wirrwarr aus Abertausenden übereinander und nebeneinander gestapelter, von Hans von Hoermann kopierter und danach ausgeschnittener Comic-Figuren hat der Galerist nach München verfrachtet! Auch die fein säuberlich auf zwei Zwischenböden gestapelten, bereits fertigen Kopiercollage-Heften sind noch da.

Er hat sich viel Mühe gemacht!

Auch wenn das zentrale Blatt mit seinem aus dem Zusammenhang gerissenen Imperativ-Wort „ERZÄHLT“ auf der Reise verloren ging (weshalb wir es hier noch einmal zeigen): Der Galerist hat sich sehr viel Mühe gemacht.

Hier in der Galerie wurde also alles getan, damit sich Hans von Hoermanns Werke auch in der Fremde heimisch fühlen könnten. Aber es ist trotzdem etwas Merkwürdiges mit ihnen vorgegangen, was aber bei genauerem Nachdenken unausweichlich war: Die einzelnen Teile des Gesamtkunstwerks sind nämlich vereinsamt. 

Das führte bei den Material-Bildern und Objektkästen notgedrucken zu einem Wandel der Persönlichkeit. Aus den Rudeltieren sind einsame Wölfe geworden, aus Mannschaftsspielern Einzelkämpfer. Bei Erwin Hapke haben wir bei Ausstellungen in Nürnberg und Kevelaer vor langer Zeit etwas Ähnliches bemerkt.

Kann ein Kunstwerk überhaupt überleben, wenn man es dem Gesamtzusammenhang jenes künstlichen Paradieses herausreißt, mit dem es, oft über Jahrzehnte, symbiotisch verwachsen ist?

Oder wird es sogar besser, weil es in der Vereinsamung plötzlich aufatmen kann? Weil man es ohne die Bezüge des natürlichen künstlichen Paradieses von seinen Fesseln befreit, als Individuum endlich sichtbar macht?

Wir können es nicht mit Bestimmtheit sagen. Wir können nur konstatieren: Wir haben dieselben Werke Hans von Hoermanns in Prien und in München gesehen: Werke, die auf eine sehr überraschende Art und Weise komplett verschieden von sich selber waren.

Weil sich das, was man gern Kontext nennt, gewandelt hatte; weil aus der natürlichen eine synthetische, aus der vom Künstler kuratierten eine fremdkuratierte Wohnstatt geworden war. Aus dem Urwald ein Zoo. 

Es war ein neues Sehen!

Wir wollen nicht verhehlen, dass uns als Betrachter dieser Persönlichkeitswandel zwischen erstem Entdecken in Prien und Wiedersehen in München durchaus gefallen hat.

Es war ja wieder mal ein neues Sehen. Für Studien am Kollektiv war ersteres, für Studien am Individuum letzteres hilfreich. Man kam sich auch nicht mehr so unglaublich erschlagen vor.

Und kryptisch, voller Verheißung, eine Geheimschrift: Das bleiben diese zauberhaften Fetische Hans von Hoermanns hier wie dort.

(16.03.2025)

^{„Hans von Hoermann, 1940-2020. Objekte, Materialbilder, Kopierbücher, Atelier“ ist gemeinsam mit den Arbeiten von Gesine Braun noch bis zum 29. März 2025 in der Galerie Christian Pixis in München zu sehen.}

^{Und SO war es in der originalen Priener Wunderkammer:}

Die Wunderkammern in der KunstArztPraxis:
In Wunderkammern 1: Helmut Kunkel, Aschaffenburg
In Wunderkammern 2: Eduard Roijen, Düsseldorf
In Wunderkammern 3: Rosa Haus, Hombroich
In Wunderkammern 4: Hans von Hoermann, Prien

Und, weil es ja auch einmal eine Wunderkammer war:
Im Märchenreich: Zu Gast bei Mary Bauermeister
Mary Bauermeister: Abschied vom Märchenreich

Homepage der Galerie Christian Pixis

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Die KunstÄrzte sind riesige Fanboys von Nick Cave, er ist ihr Priester, wie sie sagen. Hier in der Praxis laufen seine Alben rauf und runter.

Ich bin erst drei Wochen hier, aber eigentlich kann ich Nick Cave schon fast nicht mehr hören. Die KunstÄrzte hören nämlich nicht die Songs, die so ein bisschen gothic sind und Post Punk, sondern eher so das kitschige Zeug mit der Liebe und den Mermaids. 

Noch schlimmer finde ich, dass bei „Jubilee Street“ immer Einer mit hochgereckten Händen durch die Praxis-Zimmer hüpft, und wenn Nick Cave bei „No More Shall We Part“ „My beautiful heart“ singt, liegen sich die Drei garantiert heulend in den Armen.

Bei „Love Letter“ übrigens auch.

Das ist alles ziemlich cringe. Da bin ich froh, dass im dritten Stock niemand durchs Fenster spinksen kann. Aber auf die Reise nach Den Haag habe ich mich trotzdem gefreut.

Da sind gerade Figuren von Nick Cave ausgestellt. Und da geht’s auch mal nicht um Gott und den Glauben an die Mermaids, sondern um den Teufel und den Tod. Und das interessiert mich als Gothic Girl dann schon.

Nick Cave ist nämlich eigentlich Künstler, die Musik ist ihm nur immer „dazwischengekommen“. Ausgerechnet die KunstÄrzte behaupten das!

Und dann bei „Love Letter“ heulen.

Ach, eins habe ich noch vergessen zu erwähnen, das könnte wichtig sein. Vielleicht wären wir nämlich sonst gar nicht so weit gefahren! 2020 hatten die KunstÄrzte nämlich Karten für Nick Cave & The Bad Seeds in München und hatten sich wohl auch schon unbändig gefreut darauf.

Aber dann kam Corona und das Konzert wurde abgesagt.

Und jetzt kommt’s: Zur SELBEN Zeit, als die KunstÄrzte im Lockdown in der Praxis bei den „Murder Ballads“ Trübsal bliesen, saß Nick Cave irgendwo in Australien in seinem Haus fest und hat statt der Tournee diese Teufels-Figuren aus Ton gemacht!

Die KunstÄrzte würden sagen: Weil ihm die Musik endlich einmal nicht dazwischengekommen ist. 

^{Ein objektiver Zufall, wie wir ihn lieben: Eigentlich wollte Nick Cave uns mit den Bad Seeds & zehn Gospelsängern am 06.06.2020 „Ghosteen“ präsentieren. Stattdessen modellierte er im Atelier seiner Frau Susie Bick einen Teil jener Teufels-Figuren, die wir nun gesehen haben! Vielleicht exakt zur selben Stunde. © für alle Atelier-Fotos: Sian Davey}

Vermutlich lag es an „Higgs Boson Blues“, denn fast wären die KunstÄrzte bei unserem Betriebsausflug bei einer Ausfahrt aus Versehen nach Genf abgebogen, aber dann sind wir doch noch mit „Abattoir Blues“ im Jaguar Richtung Niederlande. Und da gab es dann erstmal zwei Enttäuschungen. 

Denn das Museum ist gar nicht in Den Haag, sondern in einem Kaff namens Wassenaar ein paar Kilometer weiter am Meer. Und die Teufel von Nick Cave hätte ich mir viel größer vorgestellt! Aber das Museum ist echt eine Wucht. Im Garten steht eine riesige Spinne, von der das Spinnenkind in „Needle Boy“ stammen könnte. Und in einem Kunstwerk kann man sich sogar ein wenig wie eine Mermaid unter Wasser fühlen.*

Man kommt aus dem Stauen nicht heraus. 

^{*Die Spinne ist von der unvergleichlichen Louise Bourgeois, 
der optisch täuschende Swimming Pool von Leandro Erlich.} 

In einem Raum stehen dann Nick Caves Teufel auf einem langen Sockel wie auf dem schneeweißen Altar einer schwarzen Messe. 17 sind es, ich habe nachgezählt. Unsere Führerin hat gesagt, dass sie von ziemlich kitschigen Keramikfiguren inspiriert sind, die Nick Cave selber sammelt.

Den Namen habe ich leider vergessen.* 

^{*Ach Anne! Es handelt sich um die in England populären
Staffordshire-Keramiken aus dem 18. und 19. Jahrhundert.
Das sollte man als angehende Kunststudentin wissen.}

Unsere Führerin hat dann erklärt, dass die Figuren gar nicht viele Teufel sind, sondern vom Leben eines Teufels erzählen, der wie Nick Cave seinen Sohn verloren hat*, und zwar von seiner Kindheit bis zum ziemlich blutigen Tod. 

Den Teufel hatte ich mir trotz der Hörner auf jeden Fall ganz anders vorgestellt. Weniger elegant, oder: weniger menschlich vielleicht?

Für mich kann der Teufel nämlich nicht älter werden, oder sich verlieben, oder Gewissensbisse haben, oder traurig sein. Aber bei Nick Cave ist das nun mal so. Und einmal verbirgt er sein Gesicht mit den Händen wie auf einem Gemälde von Edvard Munch. 

^{*Nick Cave hat 2016 bzw. 2022 zwei seiner vier Söhne verloren,
der Tod von Ex-Bad-Seeds-Mitglied und Freundin Anita Lane 2021war ein weiterer Schicksalsschlag.}

Und noch etwas kann ich sagen: Je länger man die Figuren betrachtet, umso mehr Mitleid bekommt man mit dem Teufel. Und dann verwandelt sich wieder der ganze biedere Kitsch wie bei einem Kipp-Bild in Anarchie & Punk. Ein bisschen so, als würde The Birthday Party „Wild Roses“ spielen. Ja, vielleicht so in der Art.

Und dann hat die Führerin noch etwas gesagt, das mir, glaube ich, auch die KunstÄrzte irgendwie haben sagen wollen: Dass nämlich auch Nick Caves Musik eigentlich Kunst ist.

Weil Nick Cave mit seinen Songs Bilder und Gefühle macht im Kopf wie ein Maler mit Farbe, und weil seine Konzerte eigentlich Performances sind, bei denen es um Leid und Verlust und Erlösung und Vergebung geht wie bei seinem armen Teufel auch. Oder um Überwinden wie bei Marina Abramović und Hermann Nitsch. Nur eben nicht mit Stillsitzen oder Körperflüssigkeit, sondern mit Text und Musik. Und beim Teufel eben mit Glasur.

Tut mir leid, Jungs, aber: Wenn man das SO erklärt, dann kann man das wenigstens verstehen. (23.02.2025)

^{Anmerkung 1: Nein nein, liebe Anne, das mit Nick Cave , der Kunst & der Musik haben wir schon anders gemeint! Cave hat es im Museum Voorlinden im Gespräch übrigens nochmal gesagt: „Als Musiker habe ich mich immer als Hochstapler gefühlt. Meine eigentliche Bestimmung ist immer die eines Künstlers gewesen.“ Aber was Lieke uns da so unbekümmert in der Ausstellung erzählt hat, stimmt natürlich trotzdem, siehe Appendix unten. Danke, liebe Lieke!}

^{Anmerkung2: Ach ja: Vor lauter Aufregung hatte KunstArzt1 beim Betriebsausflug leider ZUM ERSTEN MAL seine Kamera zuhause liegengelassen. Wir mussten deshalb ausnahmsweise mal auf Fremdfotos zur Ausstellung zurückgreifen, die Thomas Merle gemacht hat. Danke, Thomas Merle! Und: Danke, Sian Davey, für die Fotos aus dem Atelier. Und nur noch kurz, zwecks Transparenz: Über den Text von Anne sind wir auch noch einmal stark redigierend drübergegangen. Der war uns viel zu gothic,}

Appendix: Nick Cave performt „Jubilee Street“, Hamburg, 8. Oktober 2024

„Jubilee Street“ ist der vierte Track auf „Push the Sky Away“ von Nick Cave und den Bad Seeds aus dem Jahr 2013. Jeder von uns Dreien weiß noch, wo er dieses Album zum ersten Mal gehört hat, und für Einen von uns war es das erste Nick-Cave-Album überhaupt. 

Dieser Eine ist beim Hören kurz vor Mitternacht bei Eiseskälte durch einen schneehellen Park gegangen, auf den das Licht der Kreißsäle eines großen Krankenhauses lange Baumschatten warf, und hat dabei dank „Jubilee Street“ erkannt, dass er die Frau liebt, die ihm das Album schenkte. Wenn also jemals ein musikalischer Liebestrank gelang, dann ist es dieses über acht Minuten lange Stück. 

Dabei ist „Jubilee Street“ vermutlich kein Liebeslied. Es handelt von einem feigen Freier, der einem leichten Mädchen namens Bee – oder B.? – eventuell ein Kind gemacht hat. Vielleicht ist Cave – wie er so oft behauptet – wie alle seine Helden, dieser Freier selbst? Egal. Bee jedenfalls ist schon nach zwei Zeilen erschossen, die Russen fallen in den Laden ein, Caves Name steht in einem schwarzen Buch auf jeder Seite.

Irgendwann wird er mit seinem Liebesbauch und Liebesrad – äh, also doch ein Liebeslied? – wohl auch Bees vermutlich abgetriebenen Fötus durch die Straße an der Leine Gassi führen. Aber das alles ist nicht sicher: Cave singt ja in Bildern. Fest steht nur: Liebe und Verlust, Sehnsucht und Trauer, Sünde und Erlösung, Gott und Teufel. Das alte Spiel.

Das Heilige der Live-Musik

Der Held von „Jubilee Street“ könnte aber auch ein falscher Priester sein, der mit Jesus gleichzieht, indem er am Ende in mystischem Leuchten verglüht und in Verzückung gen Himmel fährt. Das ist das Ende vom Lied, das wie Bee eine Geschichte hat, aber keine Vergangenheit: auch in Hamburg nicht. Am Ende geht alles in einem Rausch aus Klängen tranceartig in dem auf, was Cage in seinem Buch „Glaube, Hoffnung und Gemetzel“ (2022) mehrfach heilig nennt, spirituell: in der Musik. Genauer: in der Live-Musik vor Menschen. 

Gen Himmel fahren, erlöst werden von Zehn-Tonnen-Katastrophen, transformieren wie im Ritual der Messe: Das ist das, was Nick Cave während des ganzen Konzerts in Hamburg will. In „Jubilee Street“ ist es nur besonders offensichtlich. Neben den Bad Seeds sitzt noch eine weitere Pianistin da oben, auch die Percussions sind inklusive Marimbaphon satt bestückt. Im musikalischen Zentrum, an der rechten Bühnenseite, natürlich: der Freund und Teufelsgeiger Warren Ellis, mit dem gemeinsam Cave „Jubilee Street“ geschrieben hat.

Zudem stehen drei Gospel-Sängerinnen in liturgisch glitzernden Gewändern auf der Bühne, und ein Gospel-Sänger in Priesterschwarz. Das sind sechs Gospel-Sänger*innen weniger als bei der abgesagten „Ghosteen“-Tour, zu der wir Karten hatten, 2020 geplant war – aber es zeigt, wohin die Reise auch in Hamburg gehen soll: Nach oben, wo die seidenen Lichtkegel der Bühnenbeleuchtung hervorbrechen wie die göttlichen Sonnenstrahlen auf einem romantischen Gemälde aus einer Wolkendecke.

Hand- und Bauchauflegen

Caves Musik steckt voller Beschwörungsformeln. Bei „Jubilee Street“ ist das weniger offensichtlich als bei „Sweetheart Come“, aber es gibt sie doch, auf andere Weise: „I’m transforming, I’m vibrating, I’m glowing, I’m flying, look at me now!“ lautet diese Beschwörungsformel, das Mantra.

Und Jede*r , der hinschaut, kann es in Hamburg sehen, nachdem Cave mit einer Art Veitstanz auch das Tempo der Bad Seeds ebenso plötzlich wie radikal gesteigert hat: Cave vibriert, er glüht, die Welle der Klänge von Warren Ellis‘ E-Gitarre (dieses Mal: nicht die Geige), vom Schlagwerk Martin Caseys und vom Drumpad, auf das Jim Sclavunos mit dem Tamburin lässig eindrischt – peitscht ihn, unterstützt vom Gospelchor, nach oben.

Hier gilt die Beschwörungsformel keiner Liebe, mit der Nick Cave unter den Sternen wandern will: In Hamburg zielt sie eindeutig aufs Publikum. Nachdem Bee erschossen worden ist, rollt sein „wheel of love“ vor allem für die armereckenden Fans in den ersten Reihen. Cave wandert zwischen Klavier und seiner Gemeinde hin und her, schreitet die Bühne ab wie ein Tier im Käfig. Aber er greift zwischen den Stäben durch ins Meer der Hände, taucht beizeiten hinein. Wilde Energie aus dieser Masse, übertragen durch Hand- und Liebesbauchauflegen.

Bei einem der letzten Mantra-Flügen wirft sich Cave auf die hochgestreckten Arme seiner Fans und breitet die eigenen Arme aus zu Flügeln: Die Himmelfahrt gelingt bei „Jubilee Street“ in Hamburg nur, weil die Gemeinde ihren Priester stützt. Das ist das Bild, das uns auf ewig im Gedächtnis bleiben wird, der für uns seelenbewegende, Cave würde sagen: „heilige“ Augenblick. Oder, mit den Worten von „Song of the Lake“, der in Hamburg ebenfalls gespielt wird: „The Moment was worth saving.“

Was verstörend wirkte

Manches wirkt verstörend bei der Performance von „Jubilee Street“ an diesem Abend: eigentlich Vieles für die achteinhalb Minuten.

Gerade erst hat Cave beim Geständnis, nach dem Mord an Bee zu viel Angst gehabt zu haben zum Weitergehen, besonders lang die hochgereckte Hand eines Fans gedrückt, da bricht er plötzlich ab, weil er sich – wohl wegen eines Zurufs – dem Anschein nach im Text vertan hat  (er wird nach dem Lied zum Rufer zurückkehren und sich beschweren). Dann wandert er von links nach rechts, um einem anderen Fan etwas zu sagen. Oder ist dies der Rufer gewesen?

Cave spuckt in Anzug und Krawatte auf die Bühne, als wäre er noch bei „The Birthday Party“. Einmal findet er sein achtlos auf den Boden geworfenes Mikrophon erst im letzten Moment wieder, weil ein aufmerksamer Roadie es inzwischen aufs Klavier gelegt hat – offenbar war er selbst zu sehr ins Spiel versunken, um es zu bemerken. Aber all dies tut diesem Zauber von „Jubilee Street“ in Hamburg keinen Abbruch. Im Gegenteil. Verstörung gehört ja dazu.

Nein: „Jubilee Street“ in Hamburg, das war keine musikalische Unterhaltung, keine modische Deko-Protzigkeit wie bei manchem dieser anderen Konzerte anderer Stars: „Jubilee Street“ in Hamburg, das war Performance-Kunst, die wir immer noch im Herzen tragen, jetzt, da vier Monate vergangen sind. Die unsere Seele gesund gemacht hat.

„Jubilee Street“ in Hamburg war zum Niederknien, mehr noch als „Jubilee Street“ 2017 in der Frankfurter Jahrhunderthalle. Im Ansatz spürt man das sogar noch auf jenen verwackelten, unscharfen, akustisch verzerrenden Videos, die im Netz kursieren. Zumindest ein bisschen.

Ach ja, eines sollen wir der großen Liebe von Einem von uns noch ausrichten: Er hat Deine Karte nicht verkauft. Der Platz neben ihm blieb für Dich frei.

^{„Nick Cave. The Devil: A Life“ ist noch bis zum 16. März 2025 im Museum Voorlinden in in Wassenaar bei Den Haag zu sehen. Neben einem Skyspace von James Turrell besitzt das Haus Werke von Ai Weiwei,  Marcel Broodthaers, Tracey Emin, Damien Hirst, Roni Horn, Anselm Kiefer, Bridget Riley und Cindy Sherman. Auch Nick Caves Serie hat es inzwischen angekauft.}

^{Und bis zum 23. März 2025 läuft auch noch die tolle Schau von Michaël Borremans! Also nichts wie hin.}

Die legendären Betriebsausflüge der KunstArztPraxis:
Betriebsausflüge 1: „Kunst für Tiere“ in Rüsselsheim
Betriebsausflüge 2: „Geordnete Verhältnisse“
Betriebsausflüge 3: Nicole Eisenman in München
Betriebsausflüge 4: „Kafka: 1924“ in München

Homepage des Museums Voorlinden

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Als die spanischen Konquistadoren unter dem Kommando des Analphabeten Francisco Pizarro im 16. Jahrhundert in Tawantinsuyu landeten, um die herrschende Kultur auszulöschen, hatten die Inka eine „Quipu“ genannte Geheimschrift, die den Eroberern, ihrer rätselhaften Fremdheit wegen, gefährlich erschien.

Diese Schrift bestand aus einem Geflecht diverser Knoten, das nur von Eingeweihten, den Quipucamayocs, geknüpft und entziffert werden konnte.

Der profanere Teil der Quipus diente den Inka zur Verwaltung von Mengen und Maßen in ihrem riesigen Reich südlich des Titicacasees.

In ihrer komplexeren Form aber hielten die Quipucamayocs die Mythen und Erzählungen ihres Volkes in der Knotenkodierung fest. Zumindest glaubt das die Sprachwissenschaft, denn die Geheimschrift ist bis heute nicht entschlüsselt.

Von den einst wohl Millionen Quipus existieren heute gerade noch etwa 800: Die Konquistadoren haben einen Großteil aus Furcht und Ignoranz zerstört.

Die Geschichten der Quipucamayocs sind mit der Kultur der Inka verloren. Aber im Bild ihrer Knoten leben sie als Verheißung weiter wie beim Zauber eines Fetischs.

Das Reich Hans von Hoermanns in Prien am Chiemsee, das wir nach dem Tod des Künstlers im September 2023 vor seinem Untergang für uns entdecken durften, war dem Raummaß nach natürlich ungleich kleiner als das Riesenreich der Inka. Aber das Atelierhaus war trotzdem bis unters Dach angefüllt mit der Verheißung auf Geschichten.

Und es besaß eine als „Quipu“ ausgewiesene Knotenschrift: Hans von Hoermann hatte sie auf einem seiner Werke – namentlich auf einem Materialbild im Atelierraum, das zwischen einem weißen Vitrinenschrank mit Horror-Videos und einem Dschungel aus Underground-Comics und Foto-Magazinen versteckt war, – selbst so bezeichnet.

Die ersten Exemplare dieser rätselhaften Knotenschrift entdeckten wir auf der Toilette: Hans von Hoermann hatte ja mit seiner Kunst gelebt, das ganze Haus war möbliert mit ihr.

Der „unverkäufliche Leihsack“

Das eine Quipu stand unter dem Waschbecken: hinter einer schwarzen Büste, die ein Abbild des Analphabeten Francisco Pizarro hätte gewesen sein können. Das andere Quipu lehnte an einem Gewirr über Putz verlegter Rohre. 

Kombiniert waren diese Quipus mit Alltagsgegenständen und Fundstücken, die Hans von Hoermann vielleicht aus seinem 1974 aufgegebenen Laden für „Textilien, kunsthandwerkliche Gegenstände und Modeschmuck“ in Schwabing ins geerbte Atelierhaus seines Großvaters, des Malers Bernhard Klinkerfuß, nach Prien an den Chiemsee mitgenommen hatte:

Als Teil jener für den gelernten Schreiner typischen, fast immer nach Varianten eines bestimmten Schemas mit Rahmen unterteilten Objekt-Kästen, die in unseren Augen, ihrer rätselhaften Fremdheit, ihres Fetischs wegen, seine faszinierendsten Werke sind.

Kombiniert mit seltsamen Bürsten, die aus der dunklen Tiefe des Rahmens hervorzuschnellen schienen, mit zerlegten Handfegern und textilen Strukturen aus edlen Stofftapetenmustern oder grobem Leinen, von denen letztere der laut unserer Recherche 1951 liquidierten „Brandenburgischen Hauptgenossenschaft e.G.m.b.H.“ zuvor als „unverkäuflicher Leihsack“ gedient hatte.

Hans von Hoermann mag ein schwieriger Mensch gewesen sein, aber er hatte Humor.

Schon während unserer Entdeckungsreise durch Hans von Hoermanns Atelierhaus kämpften einige der empfindlichsten Quipus gegen die Zerstörung an: Ihre Konquistadoren waren die Motten. Eine beachtliche Anzahl von ihnen hatte sich aber doch in sehr schönem Zustand erhalten.

Der Stoff, aus dem die Schriften sind

Die Geheimschrift dieser – damals überall im Haus verteilten – Objekt-Kästen ist ja nicht nur aus Seilen geknüpft, sondern auch aus beständigerem Obermaterial:

Aus Gürteln, Elektrokabeln, Buchrücken, den Fronten von Reisekoffern oder Collagen ausgequetschter Zahnpasta- und Klebstofftuben.

Alles Elemente, die sich auf erstaunlich evidente Art und Weise mit den Maserungen und Strukturen der Flächen aus Stoff, Schiefer oder Leder auf der Fläche unter ihnen zu einer phantastischen Einheit fügen. 

Wir haben versucht, Hans von Hoermanns Geheimschrift zu lesen, uns als Eingeweihte zu gerieren: Jeder dieser Fetisch-Kästen ist ja mit der Verheißung auf Geschichten aufgeladen.

Könnten hinter den Verschnürungen der Korsetts nicht schöne Körper schlummern, hinter den Gürteln Geschlechtlichkeit? Und müssten hinter diesen Hölzern nicht Wälder lauern, hinter den Buchrücken ganze Bücher – Bücher von William Seward Burroughs oder Robert Crumb, Bücher, von denen Hans von Hoermanns Atelierhaus bei unserem Besuch nur so gewimmelt hat? 

Natürlich mussten wir scheitern. Natürlich sind keine Geschichten in diesen Objekten verborgen, sie sind ja nicht Wort, sie sind Bild, Textur, nicht Text. Alles plumpe Narrative liegt ihnen gänzlich fern. Das ist ja ihr Reiz.

Hinter den Schnürungen dieser Korsetts versteckt sich kein Körper – weil sie selbst der Körper sind. Diese Hermetik gaukelt nichts Öffnendes vor. Da ist kein „Inhalt“ jenseits der Erscheinung, die Verheißung läuft ins Leere.

Selbst da, wo Schrift erkennbar ist, wo der Schiefer von Tafeln beschrieben ist, ist sie rein visuelles Palimpsest. Das ist Hans von Hoermanns ganz eigene Sprache. Und es ist natürlich die der Kunst.

Der unauflösbare Gordische Knoten

Noch deutlicher als in den Objektkästen ist uns dies bei den Collageheften Hans von Hoermanns aufgegangen:

Hier hat der Künstler am hauseigenen Kopierer Bildausschnitte und Text-Fragmente aus Mangas und Untergrund-Comics, Nachrichten-Magazinen oder den Reklame-Heftchen mit Angeboten heimischer Discounter so lang übereinander und durcheinander geschichtet, bis in der Neuverknüpfung ein babylonisches, raum-zeitloses, unleserliches Tohuwabohu übrig blieb. 

Die ursprünglich einmal linearen Stränge der Comics sind verschwunden, jede „Botschaft“ vernichtet: Dieser Gordische Knoten ist durch nichts mehr auflösbar.

In der Geheimschrift Hans von Hoermanns ist nur noch das Geheimnis, das Rätselhafte: als neue Verknüpfung, aber, eben: als bloßes Bild, geblieben. Das ist, glauben wir, der rote, komplett zersplissene Faden.

Sinnbild dieses roten Fadens war für uns der quadratische Metalltisch im Atelierraum – der einzig wirklich helle Raum des überdunklen Hauses.

In seinem Wirrwarr übereinander- und nebeneinandergestapelter, von Hans von Hoermann bereits ausgeschnittener Figuren wirkte er auf uns damals schon wie ein Skulptur gewordenes Scrapbook seines Wirkens, mit seinen säuberlich auf zwei Zwischenböden gestapelten, fertiggestellten Kopiercollage-Heften wie ein Speicher seines grandiose Sinnlosigkeiten produzierenden Tuns.

Und über allem thronte – neben einem Blatt mit dem absurd aus dem Zusammenhang gerissenen Imperativ-Wort „ERZÄHLT“ – als Memento Mori ein menschlicher Schädel mit offenem Hirnkasten.

Wie schon gesagt: Hans von Hoermann hatte Humor.

Für uns ist der Arbeitstisch der perfekte Ausdruck jenes manischen Maelstroms eines Tuns, das sich, offenbar seit den Achtzigerjahren, im Atelierhaus Hans von Hoermanns tagtäglich aufs Neue zu einer unüberschaubaren Unendlichkeit verwirbelt hat, selbst auf der kleinen Fläche des durch Arbeit unbrauchbar gemachten Arbeitstischs: die aus dem Schädel nach außen herausprojizierte Phantasmagorie vom Arbeitshirn des Künstlers.

Allein das, was auf den Tischen des Atelierraums an Rohmaterial noch lag, hätte für drei weitere Künstlerleben locker ausgereicht.

Der Arbeitstisch im Atelierraum war Installation geworden: eine Verknotung mehr.

Und als solche mit dem ganzen Atelierhaus, mit allen diesen Arrangements aus Schneekugeln und Kinderpuppen, afrikanischen Figuren und indonesischen Masken, chinesischen Plastik-Drachen und Katzen-Girlanden, Bienenwaben und Muschel-Stelen, historischen Gemälden und Postern indischer Gottheiten, präparierten Schmetterlingen und Perlenketten, Spazierstock-Bouquets und katholischen Devotionalien, abgegossenen Zahnreihen und Halloween-Fledermäusen, dem Schrecken vom Amazonas und der Herrscherin der Dunkelheit Elvira in einem musikkassettengleichen Sampling aus Trash, Punk, Gothic, Jazz & Porno zu einer Einheit verknüpft. 

Hans von Hoermann hat ja nicht nur mit, er hat vor allem in seiner Kunst gelebt. In diesem Atelier war alles in einer riesigen Installation miteinander verknotet, wie bei einem begehbaren Quipu: eine Art noch gerade bewohnbarer Geheimschrift, die vielleicht sogar Hans von Hoermann mit allen ihren labyrinthischen Wucherungen nicht mehr bis ins Letzte entziffern konnte.

Die Schneise vom Kleinen zum Großen zum Kleinen

Auf unserer Expedition haben wir die Schneise vom Kleinen – Hoermanns unentzifferbarer Knotenschrift – zum großen Ganzen – Hoermanns unentzifferbaren Atelierhaus – geschlagen, aber wir müssen am Ende doch noch einmal kurz auf etwas ganz Kleines zu sprechen kommen: Hans von Hoermanns Polaroids.

Es gab viele davon im Atelierhaus: verknüpft in seiner Kunst, oft pornographisch; aber auch in Stapeln oder lose liegend, wie eine Spur verteilt. 

Zwei dieser Polaroids sind uns besonders aufgefallen: im Erdgeschoss, auf einem Tisch hinter einer Landschaft aus lauter Schneekugeln, über die einmal ein psychodelischer Farbwechsler wie eine Sonne über einem entfernten Planeten rotiert haben soll.

Das eine Polaroid ist ein Selbstporträt Hans von Hoermanns, zumindest glauben wir das. Das andere zeigt ein Madonnenbildnis, dem Hans von Hoermann eine venezianische Karnevalsmaske übergestülpt hat, bevor er das Arrangement fotografierte. 

Zwei Dinge finden wir bemerkenswert: dass die verkleidete Madonna durch die neue, ja eigentlich entlarvende Verknüpfung auf dem Polaroid wie ein Alien wirkt – das ist das eine.

Und das zweite: Dass Hans von Hoermann diesem von ihm erschaffenen Alien in unseren Augen zum Verwechseln ähnlich sieht.

Vermutlich sind also beides Selbstporträts. Wir glauben nämlich: Hans von Hoermann war da, wo er lebte, in Prien südlich vom Titicacasee, dem höchsten von Schiffen befahrbaren See der Erde, unter all den eingefallenen Touristen, unter all den Horden Magersüchtiger, in diesem polaroidschen Sinn ein Alien. 

Der letzte Quipucamayoc unter lauter Konquistadoren. (13.10.2024)

Die “Wunderkammer”-Serie der KunstArztPraxis:
In Wunderkammern 1: Helmut Kunkel, Aschaffenburg
In Wunderkammern 2: Eduard Roijen, Düsseldorf
In Wunderkammern 3: Rosa Haus, Hombroich

Und, weil es ja auch einmal eine Wunderkammer war:
Im Märchenreich: Zu Gast bei Mary Bauermeister
Mary Bauermeister: Abschied vom Märchenreich

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Zu den ersten kunstgeschichtlichen Meisterleistungen der KunstArztPraxis gehörte Anfang April 2021 die Sensationsdiagnose, dass der weltbekannte Künstler Erwin Wurm seine famose Idee mit der Gurke eigentlich dem heute völlig zu Unrecht komplett vergessenen Gurkenfotografen Ricardo Reuss und seinem auf Mallorca entstandenen Lebenswerk „The Cucumber Diaries“ (1977-1989) verdankt.

Diese Enthüllung hat in der Fachwelt hohe Wellen geschlagen. Sie hat Beifallsstürme entfacht, aber auch für einige Empörung gesorgt. Nicht so sehr bei Erwin Wurm, auf dessen Antwort wir bis heute warten, wohl aber bei Reuss‘ Witwe Ricarda, die „das seriöse Werk meines Mannes nicht durch konnotative Bezüge zu einem Kunst-Clown aus Österreich in Misskredit gebracht sehen“ möchte, wie sie uns kurz nach Veröffentlichung unseres Beitrags schrieb.

Rezepte für die Schmunzelatmung

Wir müssen das akzeptieren, wollen aber an dieser Stelle auf jeden Fall betonen, dass wir Erwin Wurm im Unterschied zu Frau Reuss für einen ganz, ganz Großen der Branche halten. Als KunstArztPraxis setzen wir ja gezielt auch auf die Hartung‘sche Lachtherapie – und auf die etwas verträglichere Schmunzelatmung nach Lohmann –, und für beide Ansätze lieferte Wurm auf konstant hohem Niveau bisher allzeit gelungene Rezepte.

Viele dieser Rezepte waren übrigens 2017 in Erwin Wurms wundervoller Duisburger Doppelschau im MKM und im Lehmbruck Museum zu sehen. Wir haben beide fotografiert, dürfen die Bilder aber wegen der Unsichtbarkeit-Maschine nicht zeigen.

Lange sprachen wir damals mit Direktorin Söke Dinkla über Wurms Humor, und währenddessen verfertigte sich in unseren Hirnen allmählich der Gedanke, ob Herr Wurm nicht eine Gurken-Edition fürs Museum machen könnte. Wir würden eine bestellen! Frau Dinkla gefiel die Idee; sie wolle das beim anstehenden Mittagessen mit dem Künstler besprechen.

Wir waren beim Mittagessen leider nicht dabei: Wir mussten ja fotografieren. Wir hoffen aber inständig, dass die Gurken-Edition bei einem Wiener Schnitzel mit deftigem Steirischem Erdäpfel-Gurken-Salat im „Grillparzer’s“ in der Mercatorstraße besiegelt wurde. Oder doch zumindest mit einem – im Übrigen sehr empfehlenswerten! – Gyros-Carpaccio an Tzatziki beim Duisburger Nobelgriechen „Feta & Söhne“ am Willy-Brandt-Ring. Alles andere wäre stillos.

Fünf Sterne für die Nummer Zwei

So oder so war knapp drei Wochen nach der Bestellung unsere Gurke da. Natürlich war sie da schon merklich abgekühlt, und es war auch in der Edition nicht wie gewünscht die erste (die verblieb im Museum), aber wir haben trotzdem keinerlei Grund zur Beschwerde. Wir vergeben deshalb gern fünf Sterne.

Seitdem können uns eigentlich gar nicht satt sehen an der Fleisch gewordenen Idee, diesem unterschätztesten aller Gemüse quasi über Bande ein wenn schon nicht ehernes, so doch zumindest bronzenes Denkmal gesetzt zu haben.

Und wenn es stimmt, was Erwin Wurm sagt, dann hat sein Werk auch uns Drei von der KunstArztPraxis immer mal wieder zu Skulpturen gemacht. Denn in den vielen Stunden und Tagen und Wochen bewundernder Betrachtung sind wir seit 2017 eben immer wieder einmal nicht wie gewohnt zum Praxis-Kühlschrank gewandert.

Und haben ergo an Volumen verloren, bevor wir dann natürlich später wieder zunahmen. Wie es sich für lebende Skulpturen gehört. (27.07.2024)

^{Anmerkung: Komplett unwitzig ist leider, dass Erwin Wurms Werk wie schon angemerkt tatsächlich von den Klauen der Unsichtbarkeits-Maschine umschlungen wird. Deshalb präsentieren wir statt der Bronze-Gurke-Edition oben abgebildeten Serviervorschlag. Das Werk von Ricardo Reuss ist zum Glück noch klauenlos, weshalb wir es anbei präsentieren. Zu hoffen bleibt nur, dass Frau Reuss sich nicht an anderen geldgierigen Witwen ein Beispiel nimmt. Dann müssen auch diese Fotos wieder vom Netz.}

Sommerloch-Porträts der KunstArztPraxis:
Sommerloch-Porträts (5): Ai Weiweis Kern
Sommerloch-Porträts (4): Karin Kneffels Kuh
Sommerloch-Porträts (3): Robert Wilsons Mund
Sommerloch-Porträts (2): Pierre Huyghes Hund
Sommerloch-Porträts (1): Tim Burtons Hand

Homepage des Lehmbruck Museums
Homepage des Museums Küppersmühle

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Auf „Good Year„ sind wir schon ein bisschen mächtig stolz: Ohne uns hätte es die Ausstellung nämlich gar nicht gegeben. Die Schau gehört zum Marta Preis 2023 – und für den haben WIR Lena Henke vorgeschlagen! Dafür, dass ihr das Ganze dann so grandios gelungen ist, können wir aber nichts.

Als uns das Marta vor rund zwei Jahren fragte, ob wir nicht Lust hätten, als Teil einer Findungskommission zwei Künstler*innen für den Marta Preis der Wemhöner-Stiftung 2023 vorzuschlagen, verfielen wir sofort in Schmeichelpanik:

Wir fühlten uns geehrt und überfordert zugleich.

Schließlich ist die mit 25.000 Euro dotierte Auszeichnung keine Feld-Wald-und-Wiesen-Ehrung. Und wir waren preisvergabetechnisch nunmal Dilettanten.

Klar: Schmeichel sticht Panik!

Wir sagten natürlich trotzdem zu, schlossen unsere Praxis-Tore und fuhren übers Wochenende mit quietschenden Reifen erstmal zu unserem Lieblingsbauern ins Bergische: Bei kniffligen Entscheidungen ziehen wir frische Landluft urbanen Klinikdünsten vor.

Im Gepäck hatten wir eine Liste jener Künstler*innen, die schon im Bestand des Marta waren: Schließlich war im Preis neben einer Einzelausstellung auch die Entwicklung eines neuen Kunstwerks fürs Museum inbegriffen.

Unsere Vorschläge mussten also gut zu jener tollen Sammlung passen, die wir auch schon im Depot besuchen durften. Sie sollten ihr eine überraschend neue Perspektive geben, den Fokus ohne Sprengung sanft, aber konsequent erweitern, das war der Plan. Nicht wirklich einfach, denn eine gute Sammlung hat ja immer eine recht komplexe Psyche.

Es war ein schöner innerer Disput

Es roch nach Schaf, Heu und Diesel, als wir im Bergischen in uns gingen. Ein paar Kriterien hatte das Museum vorgegeben, wir hatten ein paar eigene. Wir warfen uns gegenseitig Namen und Argumente an die Köpfe, versuchten mit dem Knie zu denken, befragten mit den Hirnen unsere Bäuche, während draußen Schafe und Traktoren mähten. Es war ein schöner innerer Disput.

Am Ende blieben von den fünf, sechs Namen nur Alicja Kwade und Lena Henke übrig.

Was wir an Alicja Kwade schätzen, haben wir an anderen Stellen bereits hinlänglich beschrieben. An Lena Henke schätzen wir seit vielen Jahren, dass sie für ihre Kunst in Archive steigt, Bücher wälzt, mit Menschen spricht. Dass sie Soziologie und Architektur ebenso mit einbezieht wie Kindheits-, Kunst- & Designgeschichte. Dass sie in Stadt & Land denkt und in Mann & Frau.

Dass sie klar & stringent ist. Uns in Vielem ähnlich und in Vielem fremd. Dass das, was dann an Kunst herauskommt, Museumsreife hat und Relevanz. Und dass es sich mit Worten wie den obigen nicht einmal annähernd beschreiben lässt.

Und dann trauten wir Lena Henke auch noch zu, auf Länge & Tiefe der Lippold-Galerie im Marta raumspezifisch adäquat zu reagieren. Auch sowas muss man erstmal können.

Natürlich grundlos!

Dass sich die Jury unter den zehn Kommissionsvorschlägen dann tatsächlich für unseren entschied, ist längst Kunstgeschichte. Uns versetzte die frohe Botschaft damals sofort in Beglückungsfurcht.

Was, wenn das Kunstwerk, was, wenn die Ausstellung Lena Henkes den Erwartungen nicht entsprach? Wir waren doch tatsächlich etwas aufgeregt. War das denn nicht auch ein klitzekleines Bisschen unsere Schau? Trugen wir nicht ein Quäntchen Verantwortung für das neue Werk der Marta-Sammlung?

Es klingt im Nachhinein doch arg vermessen, aber damals haben wir – natürlich grundlos! – wirklich kurz so gedacht.

Warum grundlos?

Es roch nach Pferd, Stroh und Gummi, als wir zur Preisverleihung nebst Ausstellungseröffnung ins Marta gingen. Da hatten wir noch nichts gesehen, aber wir wussten sofort: Wir hatten bei Lena Henke den richtigen Riecher gehabt. Und Lena Henke hatte alles richtig gemacht. Denn so nach Pferd, Stroh und Gummi hatte es im Museum sicher noch nie gerochen.

Der neue Marta-Duft entströmte dem neuen Sammlungs-Zuwachs: Einem schwarzen Emaille-Kochtopf auf einem weißen Sockel vorm Eingang zur Lippold-Galerie.

Lena Henke hat ihn gemeinsam mit einem Kölner Parfümeur nach den Gerüchen ihrer Kindheit im westfälischen Warburg entworfen, aber er kommt auch dem olfaktorischen Dreiklang unserer eigenen Kindheit (Kuh – Wiese – Bratfett) empfindlich nahe.

Bild: Lena Henke vor der Preisverleihung, Marta Herford, 2023

Bisher hatten wir Lena Henke vor allem mit dem Pferdefuß verbunden. Den kannten wir als Totem, Fetisch, Holzbein oder Autorad-Ersatz, in Plastik und Metall – sowie als ihre Lösung des Bildhauerei-Problems der Trennung von Skulptur und Sockel.

In Henkes Schau „My Fetish Years“ im MGK Siegen 2019 erdeten je zwei Exemplare davon übermannshohe, lederbezogene, mittels Riemen deckenfixierte Reiter*innenbeine-Bögen.

Mit dieser Verbindung im Rücken kam es uns deshalb beim Entree ins Marta so vor, als hätte sich der omnipräsente Pferdefuß samt Gummi in Duft aufgelöst und nun den kompletten Museumskörper in eine Erinnerungs-Küche schockgefroren.

Seit diesem strengen Madeleine-Erlebnis kriegen wir Henkes raumgreifende Straßenstallgeruchs-Skulptur trotz urbaner Klinikdünste nicht mehr richtig aus den Nasen.

Die coole Küche für den Reifen – äh: reifen Mann

Wobei der Gummi-Duft und der Emaille-Kochtopf auch ein Vorgeschmack waren auf das, was uns in der Lippold-Galerie dahinter erwartete: vor allem eine riesige Skulptur mit rund 2.000 von einer Presse zusammengedrückten und nun von Seilen vorm Explodieren bewahrten Autoreifen-Kuben in einer an die „Küche für den Mann“ gemahnenden Regal-Konstruktion.

Die von Henke angemahnte Küche hatte die Herforder Firma Poggenpohl mit Carbon, Aluminium und grifflosen Elektro-Türen unter dem Männer emotional aufwühlenden Namen „P’7340“ zusammen mit Porsche-Design 2014 entwickelt. Mehr Bezug zu Raum und Stadt und Geschlechterrolle geht wohl kaum.

All das muss man selbst gesehen und gerochen haben. Denn, wie auch schon gesagt: Zum Glück ist Lena Henkes Kunst mit Worten nichtmals annähernd beschreibbar. Und unsere Kamera hat nicht nur keine Beine oder keine Hüfte, sondern auch noch keine Nase.

Einfach in die Durchreiche gucken!

Wir sind beglückt, denn in Herford ist wieder alles da: die Soziologie & die Architektur; die Kindheits-, Kunst- & Designgeschichte; Stadt & Land; Mann & Frau. Und Henkes Pferdefuß gibt es natürlich auch – diesmal jedoch eher ungeerdet und in einer mit Privatheit ummantelten Form. Man muss ihn auch ein wenig suchen.

Kleiner Tipp: Der Pferdefuß ist Teil einer Skulptur der kleinen, damals auf dem Lande und heute in New York lebenden Lena Henke mit dem Chrysler-Building als Holzbein! Und man muss zwingend ins Wandloch einer stilisierten Küchendurchreiche gucken.

Was bleibt noch zu sagen? Vielleicht, dass Lena Henke es auf sehr originelle Art und Weise geschafft hat, der Länge & Tiefe der Lippold-Galerie Herrin zu werden? Dank einer variablen Installation von 2020, die nicht nur die anderen Arbeiten buchstäblich überspannt, sondern auch ein höchst ironisches Symbolbild kleinfamiliärer Idyllik ist.

Mit einem Strommast als energischem Vater und einer Wäschespinne als häuslicher Mutter! Besonders Letzteres ist assoziativ phantastisch.

Und dann passt der riechende Kochtopf auch noch perfekt in ein neues Ausstellungs-Konzept des Marta, das ganz offensichtlich weg will von einer Kunst nur für die Augen.

Die nächste Gruppenausstellung „Long Gone, Still Here“ (05.11.2023-25.02.2024) jedenfalls versteht sich laut Museum als „Teil der programmatischen Neuausrichtung, sich künftig als Ort synästhetischer Erfahrung zu positionieren“. Wie gesagt: Alles richtig gemacht.

Es war eine würdige Preisverleihung

Ach ja: Es war eine würdige Preisverleihung. Es gab gute Reden und guten Wein und eine gute Mucke. Und es wurde mehr Porzellan zerschlagen als beim Polterabend auf einem westfälischen Reitergut oder einem bergischen Bauernhof. Fürs Sauerland wollen wir unsere Hände dazu allerdings nicht ins Feuer legen.

Wir hatten jedenfalls allen Grund, uns im Marta rundum heimisch zu fühlen. Die unangenehmen Partien der Schmeichelpanik und der Beglückungsfurcht hätten wir uns jedenfalls echt sparen können.

Und das Werk Alicja Kwades ist in der Höhe & Breite der Langen Foundation oder des Lehmbruck Museums ja vielleicht ohnehin besser aufgehoben. (29.10.2023)

^{„Lena Henke: Good Year. Marta-Preis der Wemhöner Stiftung“ ist noch bis zum 7. Januar 2024 in der Lippold-Galerie des Marta in Herford zu sehen. Der Katalog wird am 12. November 2023 im Marta präsentiert. Lena Henke will hierzu extra aus New York nach Ostwestfalen kommen.}

^{Anmerkung: In unserem Beitrag zu Cornelius Völker haben wir uns sehr über das Wort „Galeristenware“ echauffiert. „Museumsreife“ hingegen wird von uns rundherum akzeptiert.}

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Homepage des Marta Herford
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