Eigentlich ist die KunstArztPraxis ja unisono immer einer Meinung, aber bei Yayoi Kusama im Kölner Museum Ludwig scheiden sich ausnahmsweise mal unsere drei Geister. Wir bringen deshalb in einem Diptychon Lob & Tadel. Heute: Lob, von den wohlwollenden KunstÄrzten1&2: an Yayoi Kusamas 97. Geburtstag.

Und zwar in einem offenen KunstArztbrief an KunstArzt3.

Köln, am 22. März 2026

Hoch geschätzter Kollege, werter KunstArzt3, lieber Freund,

letzte Woche haben wir dir die Freiheit gelassen, die Räume unserer KunstArztPraxis alleine zu bespielen, denn wir haben dich zwar als notorischen Nörgler, aber eben auch als Jemanden kennen gelernt, dessen Meinung man wertschätzen kann.

Bis letzte Woche zumindest. Denn bei Yayoi Kusama bist du in unseren Augen dann doch erheblich übers Ziel hinausgeschossen. 

Wenn wir dich nicht besser kennten, dann würden wir sogar vermuten, du habest dir die phantastische Schau im Museum Ludwig gar nicht angesehen! Aber wir wollen ja nicht so böse sein wie du.*

^{*das mit dem böse sein verbitte ich mir, Kollegen!
KunstArzt3}

Wo sollen wir beginnen? Du reduzierst Yayoi Kusama auf die Punkte. Und auf den Kürbis. Dabei ist Yayoi Kusama viel mehr als das! 

Es gibt ein grandioses Frühwerk von großer Eigenständigkeit, dass die Ängste & Nöte der Künstlerin sehr wohl in Bilder fasst.

Es gibt eine überwältigend-surreale, phallische Phase.

Und es gibt diese kuratorische Meisterleistung, die uns komplett umgehauen hat. Schöner sahen wir vor allem das „Souterrain“ des Hauses nie bespielt.

Wir empfehlen hiermit, die Schau schon mal für den Preis „Beste Ausstellung des Jahres“ vorzumerken.

^{Foto oben: Unser beider erklärtes Lieblings-Objekt – und SO SCHÖN ausgeleuchtet:
Yayoi Kusama, „In the Woods“ (1983), Museum Ludwig, Köln 2026}

Yayoi Kusama ist nämlich sehr viel mehr als Punkt & Kürbis! Und das arbeitet diese Schau im Museum Ludwig, die du nicht gesehen hast (?), sehr gut heraus.

Im Übrigen: Warum darf Kunst nicht einfach auch mal schön & poetisch & fotogen sein?

Und:

Und: Dass die Menschen im Museum nichtmals mehr das Bild des Abbilds der Idee, sondern nurmehr das Bild des Bildes des Abbilds der Idee betrachten können: Das ist zwar auch für uns beiden Anderen die platonische Hölle, aber doch der Künstlerin nicht vorzuwerfen! 

SO viel Reflexion hätten wir dir dann schon noch zugetraut.

^{Foto oben: Doch doch: Es gibt auch Menschen, die hinschauen!
„Yoyoi Kusama“, Ausstellungsansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Wir bitten dich also hiermit höflichst, noch einmal über deine Kritik an Yayoi Kusama nachzudenken.

Wir zeigen, wie sie keiner sieht!

Ansonsten lassen wir lieber mal die Bilder der Bilder der Abbilder der Ideen sprechen, die bekanntlich mehr als 1.000 Worte sagen.*

^{*zumal: mehr als 1.000 BÖSE Worte, KunstArzt3!*
*hört endlich auf mit eurem Nachtreten.
Das nervt total!}

Und zeigen die tolle Ausstellung so, wie sie wahrscheinlich keiner sehen wird, wie man sie aber am besten genießen sollte.

Nämlich, bis auf wenige Aus- und Aufnahmen: menschenleer. 

^{Foto oben: DIESE Hängung finden wir kuratorisch übrigens fast schon
hypnotisch. Nobles Understatement. Chapeau. „Yoyoi Kusama“,
Ausstellungsansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Wir durften nämlich vor den Massen rein. Danke sehr, Museum Ludwig! Und: Entschuldigung für unseren Kollegen, lieber Kurator Stephan Diederich! Er ist & bleibt halt ein notorischer Nörgler.

Und hat ihre Schau vermutlich nichtmals gesehen.*

^{*ja und?}

Voilà:

^{„Yoyoi Kusama“ in 111 Ausstellungsansichten, Museum Ludwig, Köln 2026}

Bitteschön. Dankeschön, KunstArzt3. Ach ja: Wir können ja trotzdem Freunde bleiben.*

^{*schaun wir mal.}

Deine Kollegen aus der KunstArztPraxis.

(22.03.2026)

^{„Yayoi Kusama“ läuft noch bis zum 2. August 2026 im Museum Ludwig in Köln. Und, noch einmal: Wir anderen beiden aus der KunstArztPraxis sind hellauf begeistert!}

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven!
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln
Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund
Kasper König: Porträt der Schenkung als ihr Schenker
Gerhard Richter Retro: „Neue Bilder“ in Köln (2017)

Der Beitrag Pro & Contra Yayoi Kusama 2: Mehr als Punkte!! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Eigentlich ist die KunstArztPraxis ja immer unisono einer Meinung, aber bei Yayoi Kusama scheiden sich dann doch unsere drei Geister. Wir bringen deshalb anlässlich der Schau im Museum Ludwig einen Diptychon aus Lob & Tadel. Heute: Tadel, vom Trypophobiker KunstArzt3: dem Nörgler aus der Wissenschaft.

2022 stand die japanische Künstlerin Takako Saito (1929-2025) Im Vorfeld ihrer Performance im Klangkleid im Museum Ludwig vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ (1966) – einem der Gründungswerke des Museums vor genau 50 Jahren.* Ein guter Freund kann das bezeugen.

^{*die Retrospektive von Yayoi Kusama versteht
sich auch als Jubiläums-Ausstellung.}

In ihren frühen Jahren habe sie ebenfalls Punktebilder gemalt, sagte Takako Saito vor dem Zwangsmöbel-Stück: 1956 habe sie damit angefangen.

Dabei sei sie vom Meister-Maler Ei-Kyu beeinflusst worden, der seit den frühen Dreißigerjahren mit Punkten gearbeitet habe: genauso wie, man ahnt es längst – natürlich! Yayoi Kusama.

Wenn Punkte öde werden

Das wisse sie, weil sie und Kusama sich im New York der Sechzigerjahre ständig über den Weg gelaufen seien. Die Kunst-Welt dort war klein.

^{Bild oben: Das Universum in der Nusschale: Takako Saito, „Ohne Titel“ (1957)}

„Aber mir sind die Punkte nach ein paar Jahren langweilig geworden. 1963 habe ich deshalb damit aufgehört.“

Das hat Takako Saito laut besagtem Freund, mit dem auch wir von der KunstArztPraxis locker Freundschaft pflegen, vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ im Museum Ludwig gesagt.

Yayoi habe wegen des Erfolgs trotzdem immer weiter gemacht. Und dann soll Takako Saito gesagt haben: „Bei den ‚Polka Dots‘ von Yayoi fällt alle Welt auf diese Krankheits-Geschichte herein.“

Die Punkte fluppen immer noch

Zur Erklärung: Laut Yayoi Kusama gehen ihre „Polka Dots“ auf Halluzinationen ihrer Kindheit zurück, in denen sich die Welt plötzlich mit Punkten überzog.

Bis heute hat sie nach eigener Aussage Ängste, lebt & malt freiwillig in einer Nervenklinik in Tokio.

Und: Offenbar hatte sie wirklich gute Berater aus dem Marketingeltangel! Nach über 60 Jahren unentwegtem Punkte-Malen ist Yayoi Kusama die berühmteste Künstlerin der Welt.

^{Foto oben: Takako Saito durchblättert in ihrem Atelier
ihre Punkt-Gesichter und Punkte-Himmelsscheiben. Düsseldorf 2024}

Zur New Yorker Kunstszene der Sechzigerjahre gehörten übrigens auch Yoko Ono und Mary Bauermeister.

Erstere schlägt, wie Yayoi Kusama, in den Instructions ihrer „Grapefruits“ (1964) die Brücke vom Punkt zur Unendlichkeit, letztere auf ihren Bildern auch. 

Die Amnesie der Kunstgeschichte

ALLE Künstlerinnen haben in New York damals Punkte gemalt, das war meditative Praxis. Und ALLE haben zum Punkten damals von Love, Peace und Universe gesprochen.

Nur hat die Kunstgeschichte das vergessen. Sind ja zur Hälfte tote Frauen. Da kriegt die Kunstgeschichte bekanntlich gerne Amnesie.

^{Foto oben: Punkte-Bilder aus dem New York der Sechzigerjahre
in Mary Bauermeisters Atelier-Haus, Rösrath 2015}

Egal. Wichtig ist, dass Yayoi Kusama mit dem Punktieren der Welt immer weiter gemacht – und den Punkt irgendwie zur künstlerischen Eigenmarke entwickelt hat. Deshalb glauben heute alle, der Punkt gehöre ihr alleine.

Aber man ist ja nicht deshalb einmalig, weil man immer dasselbe macht. Das, was man macht, sollte auch schon einmalig SEIN.

Punkte, Performance, Klamotten, Schachspiel

Tatsache ist, dass sich die Werke von Yayoi Kusama, Takako Saito und Yoko Ono – Dots, Performance, Klamotten, Schachspiel – in so vielen Punkten ähneln.*

^{*Sogar den Kürbis-Fetisch teilte sich Yayoi Kusama mit Takako Saito! Ständig hat sie
Kürbisse gemalt! Aber eben nur eine Zeit lang. Dann wurde es ihr öde.}

Was wissen denn wir?

Kann es also sein, dass Yayoi Kusama deshalb zur berühmtesten Künstlerin der Welt avancierte, weil wir so wenig über das New York der Sechzigerjahre und die künstlerischen Traditionen Japans* wissen?

^{*das mit den „Traditionen Japans“ gilt ja wohl
eher für die Instructions von Yoko Ono
und Takako Saito, KunstArzt3, oder?!?}

Und: Ist ein bescheidenes, individuelles Klangkleid von Takako Saito nicht viel sympathischer als Yayoi Kusamas 450-teilige Überpunktungs-Kollektion – Taschen-Punkte! Turnschuh-Punkte! Luxus-Punkte! – für Louis Vuilleton?*

^{*auch das sehen wir anders! Siehe die
tollen 1968er-Kleider auf dem Foto!}

^{Foto oben: „Yayoi Kusama“, Ausstellungsansicht,
Museum Ludwig, Köln 2026. Tolle Kleider. Von 1968. Aus New York!}

Das ist gar nicht der Punkt!

Aber das ist gar nicht der Punkt. Auch sonst kann ich mit dem „Polka Dot“ von Yoyomi Kusama nämlich nicht viel anfangen.

Ich habe einfach kein Auge dafür – gerade dort nicht, wo er das Ding millionenfach übertüncht. Oder den Raum. Denn dieses heute so beliebte „Immersive“ liegt mir fern.

Das liegt aber vielleicht auch daran, dass ich von Kunst nicht überwältigt werden will. Kunst soll mich nicht an die Hand nehmen. Ich hätte gern, wenn sie auf Distanz bleibt zu mir.

Das hat auch etwas mit Respekt mir als Betrachter gegenüber zu tun. Alles andere ist Penetranz.

^{Foto oben: Wirkt wie Kunst der Aborigines. Ist aber Yayoi Kusamas
„Every Day I Pray For Love“ (2023), Museum Ludwig, Köln 2026}

Aber das sehen die beiden anderen KunstÄrzte vielleicht anders.*

^{*nö, lieber KunstArzt3: Mit DIESEM Punkt sind wir dann doch d’accord.
Haben wir aber auch schon SO oft drüber gesprochen zusammen!
Schöne Grüße!!! Deine KunstÄrzte1&2}

Nichts gegen Konzept-Kunst!

Nichts gegen Konzept-Kunst, die immer das Gleiche macht. Peter Dreher, On Kawara, Erwin Hapke: alles tolle Sachen. Weil sie mein Denken animieren, das Denken mit dem Knie.

Hier aber sehe ich nur Überreizung. Effekt. Ich kann mir da nicht helfen, aber für mich ist Yoyomi Kusamas punktuelles Grenzen-Überschreiten Mode-Trip.

Für mich schaffen Yoyomi Kusamas „Polka Docs“ aalglatte Oberflächen, sind Punkte-Fashion ohne Reibungspunkte, Pop-Art-Deko. Sie führen trotz vermeintlich poetischer Titel nicht zu poetischer Erkenntnis, sondern von der Ausstellung direkt in den Museums-Shop.

^{Foto oben: Museums-Shop in der Buchhandlung König
im Museum Ludwig, Köln 2026. Fürs Kusama-Mechantising
gibt’s extra zusätzlich noch einen Sonder-Stand im Foyer.}

Einfach nur Wow!

Die Grenzen zwischen Körper und Raum auflösen, Grenzen überschreiten, das wollen ja Viele. Das man das will, das kann man lernen. Es ist doch immer noch die Frage, wie man es macht.

Und die Inbesitznahme der Welt durch Kunst ist in meinen Augen beispielsweise Günther Uecker mit seinen Nägeln viel besser geglückt. Und Louise Bourgeois das mit der Angst.

Was soll’s. Die Massen werden ins Museum strömen – vermutlich auch die jungen Massen, die sonst nicht ins Museum gehen. Niederschwellig ist das, was Yoyomi Kusama macht, ja auf jeden Fall.

Diese jungen Massen werden dann Yayoi Kusamas immersive Räume stürmen und sie als Staffage für ihre Selfies per Film & Foto auf Insta & TikTok ins mediale Universum spülen, während sich das echte Universum ganz klein fühlt dabei.

Denn so sehr Yayoi Kusama das Publikum auch einlädt, das eigene Ego dank Dots im Kosmos aufzulösen: Ihr Werk wird von einer Generation Z konsumiert, die nurmehr das eigene Ich, wenn’s hochkommt, im Raster ihrer Punkte ins Unendliche vergrößert.

^{Foto oben: Yayoi Kusama, „Infinity Mirrored Room – Illusion Inside the Heart“ (2025),
Herz-Innenansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Ein Werk wird Inszenierungskunst für Social Media – und das Museum zur Personenkultstätte für narzisstische Influencer. So gesehen: doch wieder analoger Spiegelsaal der Gegenwart.

Von Berufswegen sympathisch

Ach ja: Yayoi Kusamas Gedanke, dass Kunst heilen könne, ist mir als KunstArzt schon von Berufswegen sehr sympathisch – und wenn ich das richtig sehe, dann hat es bei Yayoi Kusama selbst, zumindest um zu überleben, ja auch ganz gut geklappt.

Allerdings sind Yayoi Kusamas „Polka Docs“ nicht die Art von Kunst, die mich persönlich heilen könnte. Punkt und Aus. (15.03.2026)

<sup>„Yayoi Kusama“ läuft noch bis zum 2. August 2026 im Museum Ludwig in Köln; es muss online ein Zeitfenster-Ticket gebucht werden, denn es wird, da muss man kein Prophet sein, voll.

Man kann das Ganze nämlich auch ganz anders sehen als unser ansonsten hochgeschützter KunstArzt3-Kollege in seinem trypophobischen Wahn! Und natürlich sind bei den über 300 Arbeiten – von der ersten Zeichnung Mitte der Dreißigerjahre bis zu heutigen Werken – weitaus mehr als Punkte zu sehen. Und auch die Ausstellungs-Architektur ist richtig klasse – wie man hoffentlich an den Fotos von KunstArzt1 erkennen kann!

Dazu aber wie oben schon versprochen übernächste Woche mehr.</sup>

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln
Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund
Kasper König: Porträt der Schenkung als ihr Schenker
Gerhard Richter Retro: „Neue Bilder“ in Köln (2017)

Zur Entfremdung bei der Kunstbetrachtung:
Der Herr im Kunstpalast. „Elias Sime. Echo“

Homepage des Museums Ludwig

Der Beitrag Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Am Dienstag (03.03.2026) starb der niederländische Künstler Peter Sevriens in Meinerzhagen: ein großartiger Mensch. Ihm zu Ehren präsentieren wir hier exklusiv seine phantastischen Fotos von Konrad Klapheck, die Konrad Klapheck zu Recht zu den besten zählte, die je von ihm gemacht worden sind.

Wir haben den Sichtbarkeits-Maschinen von Peter Sevriens mal einen Beitrag gewidmet, und einmal haben wir seiner Kunst sogar das Leben gerettet. Dafür hat Peter Sevriens uns mit tollen Gesprächen, guter Musik und unglaublichen Entdeckungen belohnt.

Sein Kunst-Bahnhof in Meinerzhagen, dieses Gesamtkunstwerk, war die größte davon.

Aber Peter Sevriens hat in jüngeren Jahren auch Kollegen fotografiert: Joseph Beuys, Konrad Klappheck und Wolf Vostell.

Die Fotos von Joseph Beuys sind uns seit Längerem bekannt. Die Fotos von Konrad Klapheck allerdings haben wir erst bei unserem Besuch bei Peter Sevriens vor knapp einem Jahr gesehen: die letzte Entdeckung.

Wir sind sehr stolz, die Porträts hier erstmals überhaupt präsentieren zu dürfen – zusammen mit der von Peter Sevriens persönlich erzählten Geschichte ihrer Entstehung.

Volià:

^{Foto oben: Peter Sevriens, „Joseph Beuys“ (1981)}

„Ich bin ein Freund von Gegensätzen. Aber von Gegensätzen, die auf den zweiten Blick sehr gut zusammenpassen, auch wenn man das auf den ersten Blick nicht glauben kann. Jeder Koch weiß, was ich meine. Da neue Kombinationen zu finden ist schön. Das habe ich Anfang der Achtzigerjahre, als ich die Künstler fotografierte, auch versucht. 

Vor Konrad Klapheck bin ich bei Joseph Beuys gewesen. Beuys war ein Chaot in seiner Kunst, das kann man schon so sagen. Bei der Suche nach dem Gegensatz stieß ich auf Konrad Klapheck. Der Klapheck hat ja auch total verrückte Sachen gemacht, aber eben mit so einer irren Ordnung, das hat mich nach Beuys wahnsinnig angezogen. 

Es war nicht einfach, an Klapheck heranzukommen

Es war nicht ganz einfach, an Konrad Klapheck heranzukommen. Ich musste mehrmals anrufen, er war damals sehr viel unterwegs oder in der Akademie. Aber irgendwann hat es geklappt. 

Er sah wie ein Hausmeister aus

Wir haben dann einen Termin gefunden, an dem er im Atelier in Düsseldorf malen wollte und ich mit ihm allein sein konnte.

Er hat mir dann die Tür geöffnet und sah in seinem Kittel wie ein Hausmeister aus. Und so war er in gewisser Weise auch: also menschlich im besten Sinne einfach, ohne Allüren. Das hat mir sehr gefallen.

Ich war trotzdem relativ nervös, weil es im Atelier so unheimlich ordentlich wie auf den Bildern war und überall diese imposanten riesigen Leinwände standen.

An diesen Leinwänden ist Konrad Klapheck dann immer wieder vorbeigelaufen; wie ein Architekt. Ein Ingenieur.

^{Foto oben: Konrad Klapheck, fotografiert von Peter Sevriens,
Meinerzhagen 2025}

Aber er hat mich schnell beruhigt und wir waren dann auf einer Ebene. Die Wellenlänge hat sofort gestimmt zwischen uns beiden. Bekloppte Leute finden ja schnell zusammen. 

Wir haben sehr viel Spaß gehabt

Dann habe ich mit dem Fotografieren begonnen.

Am Anfang hatte ich den Eindruck, dass Klapheck nicht besonders fröhlich zu Werke ging.

Es wirkte so, als ob er das Malen, das bei ihm ja eine sehr penible Arbeit war, machen müsse, wie unter Zwang. Aber das ist bei anderen Künstlern ja ähnlich. 

Er hat aber trotzdem alles mitgemacht: auch als ich ihn bat, sich mit dem Drahtauslöser im Spiegel zwischen den Rädern seines Motorrads selbst zu porträtieren.

Wir haben beide sehr viel Spaß gehabt. Und es war sehr schön, ihm bei dieser peniblen Form des Malens, mit Zirkel, mit Lineal, zuzusehen.

^{Foto oben: Konrad Klapheck, fotografiert von Peter Sevriens,
Meinerzhagen 2025}

Da fehlt mir etwas

Ich bin den ganzen Nachmittag bei Konrad Klapheck im Atelier gewesen, sicher fünf, sechs Stunden lang. Wir haben viel miteinander gesprochen, worüber, weiß ich nicht mehr. Aber es war eine wunderschöne Begegnung.

Zuhause habe ich die Bilder dann entwickelt, damit war die Sache für mich abgeschlossen. Ich habe gar nicht erst versucht, sie zu Geld zu machen oder in einer Ausstellung zu zeigen, wie Konrad Klapheck es mir später vorgeschlagen hat.

Da fehlt mir etwas, ich weiß aber nicht was. Selbstbewusstsein ist es nicht. Etwas anderes. Aber ich habe die Fotos ja ohnehin vor allem für mich gemacht.

^{Foto oben: Konrad Klapheck, fotografiert von Peter Sevriens,
Meinerzhagen 2025}

Ein wenig bereue ich nur, dass ich die Fotos nicht mehr persönlich bei Konrad Klapheck vorbeigebracht habe, so wie bei Joseph Beuys. Meine Frau Karin hat sie ihm nach Düsseldorf geschickt. 

Das war ein Riesenkompliment

Ich habe dann noch ein paar Mal mit Klapheck telefoniert, und er hat uns auch noch zwei Mal geschrieben. Er war sehr begeistert von meinen Fotos.

Kurz vor mir war wohl ein Star-Fotograf der renommierten Zeitschrift „stern“ bei ihm im Atelier gewesen, aber meine Fotos fand er besser. Das war natürlich ein Riesenkompliment.

Nach Konrad Klapheck bin ich wieder auf die Suche nach einem Gegensatz gegangen, den habe ich dann im Fluxus-Künstler Wolf Vostell gefunden. Das war aber wieder eine ganz andere Geschichte. 

^{Foto oben: Brief von Konrad Klapheck
an Peter Sevriens, Meinerzhagen 1985}

Ich will mich auf keinen Fall mit Beuys, Klapheck oder Vostell vergleichen, aber von allen diesen Künstlern, von all den Gegensätzen habe ich ein wenig auch in mir.

Bei Konrad Klapheck ist es die Liebe für Technik, für Motorräder, Schreib- und Nähmaschinen. Diese Verfremdung, dieses Neubeleben, das habe ich ja auch gemacht. Wenn auch ganz anders.“ (08.03.2026)

Peter Sevriens in der KunstArztPraxis:
Wie wir der Kunst einmal das Leben retteten
Erste Hilfe: Darf die DB Kunst zerstören?
Joseph Beuys und die Sichtbarkeits-Maschinen
Wie man dem toten Hasen Joseph Beuys erklärt

Der Beitrag Statt Nachruf: Peter Sevriens fotografiert K. Klapheck erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Was morgens vier Beine hat und mittags zwei und abends drei – das wissen Sie als Ödipus*si bestimmt. Aber wissen Sie auch, wie die Kunst bis ins 19. Jahrhundert Alltag & Mythen der Antike adaptierte? Testen Sie’s aus: Es winken Gewinn-Pakete zu „Antike Reloaded“ und  „Novaesium„ in Neuss!

Es geht um drei mal je einen Katalog zur brandneuen Dauer-Ausstellung „Novaesium“* nebst je 2 Eintrittskarten fürs Clemens Sels Museum Neuss, also für BEIDE Schauen!

^{*zu „Antike Reloaded“ gibt es leider keinen Katalog.}

Die Gewinn-Pakete hat uns das Clemens Sels Museum Neuss persönlich zur Verfügung gestellt. Danke, Clemens Sels Museum Neuss!

Beim Mitmachen besteht übrigens keine Gefahr, dass Sie durch die 30 falschen Antworten von uns KunstArzt-Sphinxen ein Orakel-Debakel erleben: wahrscheinlicher ist, dass Ihnen der Himmel auf den Kopf fällt! Gewinnen kann nämlich Jede*r – egal, wie schlecht oder gut das Quiz-Ergebnis ausfällt.

Einsendeschluss: die Iden des März!

Bei uns also nix per aspera ad astra!* Sie müssen allerdings bis zu den Iden des März – für alle Nicht-Lateiner: bis zum 15.03.2026 – mitmachen. Und danach natürlich noch von unserer Fortuna-Fee mit der spitzen Fibel aus der Lostrommel gepickt werden.

^{*veni, vidi, vici wäre fürs eigene Ego natürlich trotzdem schick.}

Am Ende unseres „Antike-Reloaded“-Quizzes steht genauer, wie es geht. Wenn alea iacta est sozusagen.

Aber jetzt erstmal viel Spaß. Oder πολύς γελάω, wie wir Altgriechen sagen.

Ihre KunstArztPraxis

Das „Antike Reloaded“-Quiz

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(01.03.2026)

^{„Antike Reloaded“ ist noch bis zum 7. Juni 2026 im Clemens Sels Museum Neuss zu sehen.}

Die legendären KunstArztPraxis-Quizze:
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Das Foto-Kunst-Foto-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Hochromantisch! Das Caspar-David-Friedrich-Quiz
Voll verrätselt: Das Symbolismus-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Albrecht Dürer forever! Quiz zum 495. Todestag
Fit für Kippi? Das Martin-Kippenberger-Quiz
Pack’s aus! Das Christo-und-Jeanne-Claude-Quiz (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine!)
Video, ergo sum: Das Nam-June-Paik-Birthday-Quiz
Das Gerhard-Richter-Geburtstags-Quiz
Funky Funky Funky: Das Kunstpalast-Electro-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Jeder Mensch ein Quizzer? Der Beuys-Jahr-Bio-Test
Lüster, Glaube und Verfall: Das Barock-Modern-Quiz

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Der Beitrag Beim Teutates, oder?!? Das „Antike Reloaded“-Quiz erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

In einer fulminanten Schau im Arp Museum Bahnhof Rolandseck zeigen rund 50 Arbeiten von Günther Uecker (1930-2025), dass der rote Faden im Werk des Künstlers keineswegs der Nagel ist. Nein, weit gefehlt! Der rote Faden ist die Transformation von Welt & Wirklichkeit in Kunst. Also von Banalität & Grausamkeit in Poesie.

Im Tagebuch von Hermann Melville haben wir eine Lieblingsstelle. Sie stammt aus einer Zeit, in der sich der Autor auf seine Farm „Arrowhead“ in Massachusetts verkrochen hatte, um „Moby Dick“ (1851) zu schreiben.

„Jetzt, da alles mit Schnee bedeckt ist, habe ich hier auf dem Lande das Gefühl, als wäre ich auf hoher See“, heißt es dort. „Morgens, wenn ich aufstehe, schaue ich aus dem Fenster wie aus dem Bullauge eines Schiffs auf dem Atlantik.“

Wintergerste, Wind und Wellen

Wir mögen die Vorstellung, dass sich die Aggregatzustände der Welt im Blick des Betrachters poetisch verwandeln können. Dass sich etwas wie Schnee in Meer transformieren kann für den, der eine Sehnsucht in sich trägt.

Eine Sehnsucht nach Heimat zum Beispiel, in Form von Erinnerung. Und, ja: Uns geht es bei den poetischen Nagelfeldern von Günther Uecker ganz ähnlich.

Wenn wir an denen vorüberziehen, dann ist uns, als sähen wir plötzlich die Wintergerste unserer Kindheit im Sauerland wieder: aus der Luft, wie weiße Vögel.

Wogend als Wellen im Wind. Und im Licht.

^{Foto oben: Günther Uecker, „Weisser Vogel (1-5)“ (2000, Detail), in Japan
entstanden. Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen 2026.
Ach ja. Auch über Günther Ueckers Reisen ließe sich viel sagen.}

Der Vater! Der Krieg! Die Russen!

Wie wir vermuten, wird es beim Vorüberziehen an Ueckers Nagelfeldern einigen so ergehen.

Selbst Günther Uecker erging es, als er 1957 in Düsseldorf erstmals Nägel in eine gleißend weiße Leinwand schlug, im Hinblick auf seine Bauernhofs-Kindheit auf der Halbinsel Wustrow in der Mecklenburger Bucht, mit Wind & Licht & Ähren transformatorisch vorm fertigen Bild nach eigener Aussage ebenso.

Auch wenn diese Kindheit – Der Vater! Der Krieg! Die Russen! – schön gar nicht war.

Auch in Remagen wehte für uns einmal mehr die Wintergerste.

Wir schritten staunend durch einen kleinen Wald aus Totholz-Stämmen, die Ueckers Nagel-Kronen zum Blühen brachten.

Vom Konsum- zum Nagel-Fetisch

Wir haben zu einer wundervollen, federleichten „Weiße Kugel“ (1961) hinaufgeschaut: ein Miniatur-Planet, um den für uns ein ganzer Kosmos kreist.

Und wir blickten bewundernd auf „TV auf Tisch“ (1963), mit dem Günther Uecker einen Banalitäts-Fetisch in einen einmaligen, spezifisch westlichen Nagel-Fetisch verwandelt hat.

Wie Voodoo mit Nadeln eben. Nur ganz anders.

^{Foto oben: Günther Uecker, „TV auf Tisch“ (1963),
Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen 2026}

Der durch seine zweite Haut mittels Zerstörungs- UND Schöpfungsenergie in Personal-Union zu einem halbbarocken Irokesen-Faszinosum geworden ist.

Poetische Transformation in einen neuen Aggregatzustand. Schnee und Meer. Siehe Melville.

Verletzungen – Verbindungen

Es gibt also auch in Remagen viele Nägel. Aber es gibt auch eine Leinwand, die Günther Uecker mit Pfeilen durchbohrt hat wie die numidische Bogenschützen dem Heiligen Sebastian die Haut.

„Arrowhead“! Capisce?

Und es gibt Tucharbeiten, deren zerrissene Grundlage Uecker mit Holz-Prothesen neu verknotet hat: „Verletzungen – Verbindungen“ (1982), Textile Transformationen, die den Ausstellungs-Titel: „Verletzlichkeit der Welt“, mindestens eben so gut illustrieren wie die brutaleren Nägel.

Und die zeigen, wie vielseitig Günther Ueckers Kunst im Grunde war. 

^{Foto oben: Weltpremiere! Günther Ueckers „Tanzende Nadel für Pina Bausch“ (2019) ist im
Arp Museum erstmals im Einsatz. Die Nähmaschine nähte früher
tatsächlich die Kleider für Pina Bauschs Tänzerinnen.}

Eins haben wir in Remagen gelernt: Die Nägel sind gar nicht der rote Faden in Günther Ueckers Werk! Sie sind nur EIN – wenn auch zentrales – Mittel zur Verwandlung von Welt & Wirklichkeit.

Einer Verwandlung übrigens, die 1964 auch den Bahnhof Rolandseck mit einband: nämlich, als Ueckers Freund Johannes Wachsmuth beschloss, aus dem ruinösen Gemäuer einen Künstlertreff zu machen.

Inbesitznahme durch Umformung

Damals nahm Uecker das Haus mit einer Nagel-Spur in Besitz, die sich vom Vorplatz des spätklassizistischen Gebäudes durch den innenliegenden Treppen-Turm bis ins oberste Stockwerk zog: die Aneignung des Raums mit Hilfe der Kunst für die Künste.

So schließt sich am Rolandseck der Kreis.

Vorm Aufzug, der zur Ausstellung nach oben in den Meier-Neubau führt, läuft der Schwarz-Weiß-Film „Die Treppe“, der die Aktion von damals dokumentiert und dabei zeigt, wie beeindruckend schnell & stilsicher Ueckers Inbesitznahme verlief.

Am Himmel flirrt die Wolke

Und im Zentrum der Schau selbst steht Günther Ueckers „Bett zum Aufwachen“ (1965), das der Künstler Herrn Wachsmuth baute, als im Bahnhof noch die Ratten wohnten.

An seinem Himmel flirrt eine Wolke aus Nägeln, die Johannes Wachsmuth beim Erwachen sah. Und die sich, bis zu den Augen, am Scheitel verlängert.

Erzeugter Widerstand gegen den Schutt der Realität am Boden.

^{Foto oben: Man muss die Matratze mitdenken!
Günther Uecker, „Bett zum Aufwachen“ (1965),
Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen 2026}

Günther Uecker hat einmal gesagt, er habe der grausamen Absurdität der Welt – Der Vater! Der Krieg! Die Russen! – die Sinnlosigkeit der Kunst entgegenstellen wollen: Noch so eine Transformation ins Poetische, die ihm gelungen ist. 

Bestes Sinnbild hierfür ist in unseren Augen die „Sandmühle“ (1969/2014), die im Arp Museum jetzt ihre Furchen durch einen fruchtlosen Rund-Acker aus Mineralkörnern zieht – ganz ohne Esel oder vielleicht ja sogar glücklichen Sisyphos. Sehr reiche arte povera.

Mal melancholisch, mal Humor

Dass diese Sinnlosigkeit nicht immer derart melancholisch ein muss, sondern bei Uecker oftmals mit Humor einhergeht, kann man am besten an seinen Krachmaschinen sehen, die lauter gegen die Phrasendresch-Apparaturen der Macht anschreien als ihre oftmals pompöseren Pendants bei Jean Tinguely*.

^{*auch dazu hatten wir schonmal etwas in der KunstArztPraxis.
Aber dann kam die Unsichtbarkeits-Maschine und hat es gefressen.}

Wie Humor beim Künstler selber aussah, durften wir bei einem Foto-Shooting zur großen Retrospektive 2015 im K20 in Düsseldorf hautnah erleben.

Für uns machte Guenther Uecker sich unterm Toupet einer übermannshohen Rasenmäher-Dame unsichtbar. Er spielte über Kopf die eher sanft gestimmte Massage-Schreibmaschine wie Mozart hinterrücks Klavier.

Er dirigierte seine Plastik „New York Tänzerin“ (1962), deren – natürlich von einem Nagel! – auf dem Motoren-Sockel gehaltenes Tuch per Fußdruck wirbelnd in die Lüfte abhob wie ein Derwisch.

Und er hatte, immer & immer wieder, eine unbändige Freude daran.

Auch diese unbändige Freude dachten wir bei unserem Besuch im Arp Museum selbst dort noch mit, wo es dank der zumeist dann doch mit hämmernder Schlagkraft erzeugten Transformationen zauberhaft leise war.

Und mit jedem Verstummen einer zuvor von Irgendjemand in Gang gesetzten Krachmaschine – in Remagen steht mit Ueckers „Dynamischem Paar“ (1965) ein gleich doppelt lautes Exemplar! – noch ein bisschen zauberhafter leiser wurde.

Ein Schraubstock aus Zeichnung

Und dann gibt es in Remagen auch noch Günter Ueckers riesige Zeichnungen.

In Düsseldorf schwebten sie 2015 in Bahnen von der Decke, man konnte sich zwischen ihnen vollends verlieren. Im Arp Museum bilden zwei von ihnen an den Wänden eine Schneise wie die offenen Backen eines Schaubstocks. 

„Brief an Peking“ (1994), mit der Günther Uecker halb unter Farbe verborgene Worte der Menschenrechtserklärung per Ausstellung trojanergleich nach China schmuggelte.

Und „Große Zeichnung“, an der er im selben Jahr, wie immer in weißer Latzhose und ohne Oberteil, mit Finger-Pinseln gewerkelt hat (auch der Künstler-Körper lässt sich transformieren).

^{Foto oben: „Brief an Peking (Menschenrechte)“ (1994, hinten),
hier: Kunstsammlung NRW, Düsseldorf 2015} 

Hätte Herman Melville von der Erde abheben können wie Günther Ueckers New Yorker Tänzerin, damals, im Winter, im Bett beim Aufwachen, als er auf seiner Farm „Arrowhead“ an „Moby Dick“ geschrieben hat – und hätte er vom Himmel hinab auf die zum Meer verschneiten Felder geschaut wie durch das Bullauge eines Schiffs:

Genau so wie auf Günther Ueckers „Großer Zeichnung“, da sind wir uns sicher: Genau SO wirbelnd & wehend hätte der Atlantik von Massachusetts dann in seiner poetischen Verwandlung aus der Vogelperspektive ausgesehen.

(22.02.2026)

^{„Günther Uecker. Die Verletzlichkeit der Welt“ ist noch bis zum 14. Juni 2026 im Arp Museum Bahnhof Rolandseck zu sehen. Es ist die letzte Schau, an der der Künstler noch mitarbeiten konnte. Und es ist die letzte Schau von Kuratorin Jutta Mattern, die uns viele schöne Ausstellungen geschenkt hat. Danke, Jutta Mattern! Den umwerfend schöne Katalog, zu dem wir auch ein Porträt-Foto von Günther Uecker beisteuern durften, hat übrigens Franziska Nast gestaltet, die in den selben Räumen wie jetzt Uecker 2023 auch eine Ausstellung hatte. Wow.! Noch so ein am Rolandseck sich gerade schließender Kreis.}

Bonus-Track: „Günther Uecker“, Kunstsammlung NRW, Düsseldorf 2015

Das Arp Museum in der KunstArztPraxis:
Romantik in cold blood. Hausbesuch bei Axel Hütte
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith im Arp Museum
Unser Totem: der Wolf. Kiki Smith in Remagen
Was die Natur vergaß: Christiane Löhr in Remagen
Die Haut der Seele: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Stella Hamberg: Kraft und Sinnlichkeit
Überall Tatoos: Franziska Nast in Remagen
Freiheit durch Weglassen: Rodin und Arp in Remagen
Wir sind geheilt! “Goldene Zeiten” in Remagen
Paula Modersohn-Becker in Remagen: Frau = Birke
Warum überflüssig? “Luxus und Glamour” in Remagen

Homepage des Arp Museums Bahnhof Rolandseck in Remagen

Der Beitrag Der Transformator. Günther Uecker in Remagen erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Indem sie ihre farbliche Abstraktionen als Körper in die Ausstellungsräume wachsen lässter, weckt Kerstin Brätsch die an sich ja platte Malerei mit „MƎTAATEM“ im Kunstmuseum Bonn zum Leben. Neben Neuproduktionen sind über 100 Werke der letzten 15 Jahre zu sehen. Die Arrangements sind pure Alchemie.

Die Älteren werden sich erinnern: Der letzte Marta-Preis der Wemhöner-Stiftung ging an Lena Henke, und wir Drei von der KunstArztPraxis hatten der Jury Lena Henke auf Einladung des Marta Herford höchstpersönlich vorgeschlagen! Darauf sind wir bis heute mächtig stolz. 

Ende 2026 wird Kerstin Brätsch der aktuelle Marta-Preis überreicht, und wir können uns keine würdigere Nachfolgerin für Lena Henke denken. Denn Kerstin Brätsch macht tolle Kunst, die die – ihrem Wesen nach ja eigentlich fast platte – Malerei in Raum & Körper(n) weiterdenkt.

Dieses Fast-Platte-Malerei-in-Raum-&-Körper-Weiterdenken ist bei Kerstin Brätsch immer geistig ebenso sauber grundiert wie äußerst sinnlich ausgeführt.

Grandios pulsierend umgesetzt

Und ist im Kunstmuseum Bonn jetzt auch kuratorisch grandios pulsierend umgesetzt (Danke, Friederike Fast!).

In „MƎTAATEM“ kann man auf Bildern sitzen und durch Bilder gehen wie durch Zimmer. Da gibt es Malerei, die als Tapete mit abstrakten Felsen, Wolken und Gesichtern die hohen Wände symmetrisch überwuchert, wie eine zweite Haut.

Es gibt Malerei, die Schatten wirft. Die anderer Malerei als Sockel dient. Die Wege versperrt, Perspektiven öffnet oder monstergleich auch noch den kleinsten Zwischenraum beherrscht.

Andernorts gefriert Malerei zur abstrakten Landschaft: So wie bei „Fossil Psychics for Christa“, die Kerstin Brätsch mit Unterstützung des Stukkateurs Walter Cipriani geschaffen hat: „versteinerte skulpturale Pinselstriche“, wie Brätsch das nennt.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Für Brätsch ist die „Fossil Psychics“-Serie auch eine Hommage an Steine: „ihre Präsenz, ihre Stille und ihre Fähigkeit, die Zeit zu konservieren.“ Wie der polierte Querschnitt durch Achate. Auch Natur ist Teil des malerischen Körpers.

Das hat eine visuelle Schönheit, die gerade dank der Abstraktionen Assoziationen weckt – und gleichzeitig beim betrachtenden Durchwandern über- und unterschwellig zu Reflexionen über sich selbst als Kunstwerk animiert.

Denken mit dem Knie in Reinkultur. Hach. So etwas gefällt uns Dreien von der KunstArztPraxis ja bekanntlich immer ganz besonders gut.

Ein Glück: Der Raum ist da

Beim betrachtenden Durchwandern von „MƎTAATEM“ jedenfalls war uns, als habe Kerstin Brätsch einen künstlerischen Kernspin-Tomographen mitsamt Sonar und Röntgenröhre angeworfen:

Auf dass wir staunenden Auges hineinschauen könnten in Herz & Lunge – ach, was sagen wir: in alle nur ERDENKLICHEN Organe der abstrakten Malerei.

Während die Bilder in großer Geste atmeten, pulsten und pochten, und zwar, ja: GANZHEITLICH. So zumindest erschien es uns.

Zum Glück ist Raum zum ganzheitlichen Atmen, Pulsen, Pochen dieser Werke im Kunstmuseum Bonn gegeben.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „Atem“ (2024/2025),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Mit „MƎTAATEM“ ist Kerstin Brätsch unserer Meinung nach etwas ganz Zauberhaftes gelungen: Sie hat dem Museums-Körper mit Farbe Leben eingehaucht wie Rabbi Löw dem Lehm.* Wobei ihr Golem klug ist und in Bildern zu uns spricht.

^{*dass dies bei den architektonisch doch recht dominanten Räumen
des Kunstmuseums Bonn in dieser Form nicht ganz einfach ist,
wollen wir zumindest kurz erwähnen.}

Wir müssen das alchemistisch nennen

Wir können das nicht anders als alchemistisch nennen. Was ganz im Sinne Kerstin Brätschs sein sollte. Denn als eine Art Alchemistin versteht sich die Künstlerin offenbar auch.

Da nimmt es kaum Wunder, dass der von uns ja so geliebte objektive Zufall Kerstin Brätsch in einer Glaswerkstatt Restbestände einer Arbeit in die Hände spielte, die ein anderer Alchemist der Malerei 2009 für die Buntglasfenster des Großmünsters in Zürich schuf. Natürlich: Sigmar Polke. 

„Ich habe seine Rest-Achate in meine eigenen Glasarbeiten eingebettet, wie eine Katze, die einen Teller sauber leckt“, sagt Brätsch. Allein für diese schöne Formulierung hat sich die Erwähnung der Anekdote schon gelohnt.

Auch Polke war ein Zauberer, der mit Malerei Räume füllte und Pavillons zu lebendigen Körpern machte! Wir wollten das als kleinen Exkurs aus gegebenem Anlass hier nur kurz ins Gedächtnis rufen.

Die Alchemie muss aber stimmen!

Zur Alchemie des Atmens, Pulsens & Pochens von Kerstin Brätschs Werken gehört nicht nur, dass sie ihren Malerinnen-Körper in gewisser Weise dadurch erweitert, dass sie mit anderen Künstler*innen oder Kunsthandwerkern kollaboriert.

Dazu gehört auch, dass Brätsch selbst nicht immer weiß, wohin der Prozess der – am Ende allerdings dann doch wieder bewusst gelenkten – Bildfindung führt.

Deutlich wird das bei den „Marmorierungen“, bei denen Kerstin Brätsch den gestischen Pinselstrich gegen übers Blatt laufende Tusche eingetauscht hat. Die Blätter bewegt sie mit dem Marmorier-Meister Dirk Lange gemeinsam hin und her.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Für Brätsch ist dies vor allem eine Arbeit physikalischer Kräfte wie „Schwerkraft, Abstoßung und Anziehung“: eine Arbeit, die zudem von den Eigenschaften der verwendeten Materialien bestimmt wird.

Lang lebe Subjektivität & Autorschaft!

Dass da ja wohl einmal mehr die Frage nach Autorschaft und Subjektivität von der Künstlerin aufgeworfen werde:

Dieser Gedanke geistert da fast schon automatisch durch unsere drei Gehirne, wird aber gleich wieder – Pfft, pfft, Gedanke! – erfolgreich daraus verscheucht.

WIR glauben nämlich noch an Subjektivität & Autorschaft. Und zwar UNISONO.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Wilder Tango für vier Arme?

Wir stellen uns das Procedere lieber als wilden Tango für vier Arme vor, bei dem Papier & Tusche jene Körper sind, die von besagten Armen im Rhythmus bewegt & tänzerisch verschmolzen werden wollen. Und wo vielleicht mal das eine und mal das andere Hand-Paar führt. Bis die Vorlage steht für das – nach dem Tanzen wie gesagt noch nachbereitete – endgültige Werk.

Bei DIESEM alchemistischen Werden würden wir im Atelier gerne einmal Mäuschen spielen.

Wenn nichts dazwischenkommt, dann wird Kerstin Brätsch den mit 25.000 Euro dotierten Marta-Preis Im November 2026 bei einem Festakt im Marta Herford offiziell entgegennehmen; damit verbunden ist eine Einzelausstellung in der dortigen Lippold-Galerie.

Hoch & weit vs. niedrig & Schlauch

Wir sind schon sehr gespannt, wie ihre skulpturale Malerei dort atmen, pulsen oder pochen kann. Nur eins ist klar:

Es wird ein anderes Atmen, Pulsen oder Pochen sein. Denn so viel wunderbaren Platz zum Atmen, Pulsen oder Pochen wie im Kunstmuseum Bonn werden Kerstin Brätschs Bilder in der eher schlauchig & niedrig ausgeformten Lippold-Galerie nicht haben.

^{Foto oben: Selbst zum Raum-Verstellen braucht man Raum!
Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Wir werden auf jeden Fall im November nach Herford reisen. Und vielleicht werden wir sogar berichten.

Aber vorher werden wir sicher noch einige Male staunenden Auges und denkenden Knies durch Kerstin Brätschs hypnotische Bonner Farb-Körper wandern, die auf sehr wundersame Weise Reflexionen über ungeahnte malerische Möglichkeiten mit deren sinnlicher Präsenz in Raum & Körper lebendig verknüpft.

MƎTAATEM eben. (08.02.2026)

^{Kerstin Brätsch. MƎTAATEM“ ist noch bis zum 12. April 2026 im Kunstmuseum Bonn zu sehen.}

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
Der Schatten seiner selbst in Bonn: „From Dawn Till Dusk“
Blick durchs Schaufenster. Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Der brennende Dornbusch. Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn

Homepage des Kunstmuseums Bonn

Der Beitrag Atmen. Pulsen. Pochen. Kerstin Brätsch in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Am 26. November 1965 erklärte Joseph Beuys dem toten Hasen die Bilder. Aber wer um Himmels Willen erklärt dem toten Hasen Joseph Beuys? Wir Fluxusflüsterer von der KunstArztPraxis wagten schon 2021 während Corona* den Versuch. Per Offenem Brief an besagten Hasen. Zum 60. hier noch einmal.

^{*Was die Bebilderung erklärt. Historisch gewachsen!}

Köln, im November 2025

Lieber toter Hase,

seit 60 Jahren lebst du nun schon friedlich im Hasenhimmel, aber Du hast natürlich trotzdem immer noch allen Grund, Joseph Beuys auf ewig böse zu sein. Denn Beuys hat dir damals in der Galerie Schmela in Düsseldorf ohne Zweifel übel mitgespielt. Zumindest auf den ersten Blick.

Wir haben den Prank ja gesehen, er kursiert im Netz: Beuys führt Dir die Pfoten zu den Bildern wie einer Puppe. Um dich in Positur zu bringen, springt er derart ruppig mit Dir um, dass Dein Kopf immer wieder nach hinten und zur Seite kippt. Er steckt Deine Ohren in den Mund, um Dich, auf allen Vieren kriechend, verbissen über den Boden zu zerren. Und am Ende wiegt er Dich sogar noch wie ein Baby im Schoß.

Wir wollen gar nicht durch die Blume reden: Das wirkt hasenverachtend. Demütigend. Artungerecht. Auch der Gestank von Blattgold mit Honig muss für Deinen sensiblen Windfang bestialisch gewesen sein. Kurzum: Das macht man einfach nicht mit einem alten toten Hasen!

Da ist es sicher nur ein schwacher Trost, dass Beuys mit lebenden Kojoten, also Deinem Erzfeind auf Erden, genauso biologisch inkorrekt umgesprungen ist wie mit Dir.

Nach dem traumatischen Erlebnis wird es Dich sicher überraschen, wenn wir Dir sagen, dass Joseph Beuys die Hasen liebte! Mehr noch als die Schwäne, die Schafe, die Elche, die Bienen, die Fische, die Hirsche. Und mehr noch als die Kojoten natürlich. Das können wir dir garantieren.

Er wollte sogar eine „Liebesbeziehung“ zu Euch haben! Das sind nicht unsere, das sind seine Worte. Doch, doch, das ist wirklich wahr.

Kein Jaguar, ein Hase zierte den Kühler seiner Bentley-Limousine. Hasenbraten war eine seiner Lieblingsspeisen. Und in Ermangelung eines eigenen Fells trug er zur Wärmung seines Körpers ehrfurchtsvoll das Deiner Artgenossen. Wenn man bedenkt, wie wichtig Beuys Nahrung und Wärme waren, ist das ein Riesenkompliment.

Er hätte ja auch Filz tragen können. Oder Fett essen. Hat er früher auch getan, angeblich, bei den Tataren, aus Not. Aber eigentlich musste es später immer Hase sein.

Nun magst Du einwenden, dass jede Form der Fellaneignung als böser Akt evolutionärer Appropriation geächtet werden müsste, und vielleicht hast Du ja Recht. Und natürlich können wir auch verstehen, dass Hasenbraten für Dich nach Geschmäckle riecht.

Trotzdem glauben wir, dass Du Beuys da missverstehst. Wir glauben, dass Beuys sich in seiner Menschenhaut einfach nicht so richtig wohlgefühlt hat. Dass er viel lieber einer von Euch gewesen wäre. Das hat er ja auch selbst gesagt. Deshalb das Fell. Und deshalb die Speise. Als Zeichen der Ehrfurcht!

Ihr wart das Totem des Schamanen.

Wie sollen wir Dir das erklären? Wir versuchen es mal mit einem metaphorischen Hakenschlag: Vielleicht war das bei Beuys ein wenig so wie bei den Kannibalen, die ihre toten Ahnen essen, weil sie sie verehren. Oder damit ihre Weisheit auf sie übergeht. Ja, genau: Vielleicht hat Beuys dich nach der Bilderklärung sogar verspeist, um mehr über seine eigenen Bilder zu erfahren?

Auf das Gegessen-Werden sollen die Kannibalen-Ahnen übrigens mächtig stolz sein. Also: vor dem Essen. Auch wenn das zu verstehen Dir als veganem Säuger sicher schwerfällt.

Aber vielleicht macht es Dich zumindest stolz, wenn Du erfährst, warum Beuys Dich zur Bilderklärung ausgewählt hat. Na, eben: Weil Du ein Hase warst! Und offenbar sogar in seinen Augen ein ganz besonderer.

Du warst nicht bloß Ersatz wie bei der „Sibirischen Symphonie“, als Beuys 1964 noch einen Deiner Brüder nahm, weil gerade kein Hirsch zuhanden war. Du warst nicht nur der stumme Held wie deine beiden toten Kollegen bei „Der Chef“ in der Galerie René Block kurz drauf. Nein, nein: DU warst am 26. November 1965 als toter Hase, der du warst, der absolute Höhepunkt.

Als totem Hasen hat Beuys es Dir offensichtlich zugetraut, besser auf die Bilder schauen zu können als das komplette Geschlecht der Menschen. Ohne den Verstand, die Logik, das Wort als Hindernis. Ganz sinnlich, intuitiv, wie wir so sagen.

Mit Dir im Arm wollte Beuys den Menschen zeigen, dass sie ganz falsch zu Bildern stehen. Und DU warst dabei die fabelhafte Lehre.

DA liegt der Hase im Pfeffer.

Im Grunde hat Beuys Dir die Bilder erklärt, weil er Dich für klüger hielt als seine eigene Familie carnivorer Säuger! Aber klug auf eine ganz andere Weise. Klug irgendwie nicht im Kopf, sondern eher so im Bauch, in den Lenden, der Flanke, der Keule, dem Äser, der Kuppe. Oder, um es mit Beuys zu sagen: klug im Knie.

Deshalb hat Beuys Dir die Bilder eigentlich auch nicht erklärt. Er hat etwas viel Größeres getan: Er hat Dir die Bilder gezeigt – und dich mit deinen toten Sehern so zu einem magischen Seher seiner überirdischen Kunst gemacht. Während die Menschen leider draußen warten mussten wie beim Friseur und beim Metzger sonst nur die Hunde.

Aber es kommt noch besser! Denn Beuys hat Dich durch die Aktion für die vorm Fenster und später auch für die vorm Bildschirm selbst zum Bild gemacht. Und zwar zu einem, das man nicht mehr erklären kann! Das ein märchenhaftes Rätsel ist. Dessen Geheimnis man irgendwie fühlend erfassen muss.

Mit toten Pfoten vielleicht. Oder mit erschlafftem Hasenbart. So richtig wissen können wir das nicht.

Fest steht aber, dass Du dank dieses Bilds nicht nur im Hasenhimmel, sondern symbolisch auch auf Erden weiterlebst. Das, finden wir, hat Joseph Beuys so richtig gut gemacht. Beleidigt sein dürfen da eigentlich nur die Menschen, diese Hasenfüße. Die dummen Tiere.

Den dummen Tieren hat Beuys später dann doch noch wortreich erklärt, warum er Dir die Bilder hat zeigen müssen und nicht ihnen; er konnte eben auch nicht raus aus seiner Haut. Er habe Dich ausgewählt, hat er gesagt, weil Du ein Opfer seist all jener ökologischen Schäden, die Menschen anrichten würden auf der Welt.

„Sie töten Hasen“, hat er gesagt. „Sie töten aber auch Böden. Sie töten die Wälder. Sie vernichten die Lebenslinien der Natur generell.“ Letztlich töten sie mit Dir also auch sich selbst.

Heute soll es sogar Menschen geben, die das verstehen können. Aber es hat dazu ja inzwischen aus viel eindeutigere und klarere Bilder gegeben als das von Dir.

Egal. All das jedenfalls hat Beuys schon 1965 im Bild vom Erklären der Bilder mitgedacht. Aber sinnlich eben, wir können das nicht besser sagen. Sagen können wir dir aber, dass es also auch um Dich geht in Beuys‘ Bild! Beuys hat das alles vor allem auch für Dich getan, für Deinesgleichen, für das Überleben DEINER Hasenkinder (wir hoffen, Du hattest schon welch?)! Ist das denn nicht ein nobler Zug?

Wir finden schon.

Wir können Dir natürlich mit Worten Deinen Zorn nicht nehmen. Und auch wir werden manchmal beim Sinnieren das Gefühl nicht los, dass Du vor 56 Jahren im Grunde stellvertretend sterben musstest für einen, den andere – heute, zu seinem Jubiläum, wieder – den Erlöser nennen.

Und es stimmt natürlich auch, dass Beuys selbst Hasen getötet hat: Im Grunde hat er ja auch Dich getötet, indem er dich beim Jäger in Auftrag gab. Auch ist nicht auszuschließen, dass einer deiner Artgenossen auf freier Wildbahn auf einer von Beuys‘ Ausflugsfahrten bei seinem Bentley unter die Räder: also unter den Hasen-Totem-Kühler, kam.

Die Luft verpestet und ein bisschen Eure Wälder und Eure Böden getötet hat Beuys mit seinem Schlitten auf jeden Fall.

Aber bedenke: Beuys war auch nur ein Mensch! Er war kein Hase!!! Er wäre nur allzu gerne einer gewesen. Doch diese Entwicklungsstufe blieb ihm verwehrt.

Für vieles würden auch wir Beuys heute noch persönlich die Ohren langziehen, das kannst du uns glauben. Aber Beuys hat die Löffel ja schon abgegeben. Während Du im Hasenhimmel immer noch ein Leben führst in Saus und Braus. Und ohne Joseph Beuys auf Erden längst vergessen wärst.

Denk doch bitte auch darüber noch einmal nach. Nicht immer nur an Dich.

Mit vielen Grüßen von der üsseligen Erde,

i. A. Deine KunstArztPraxis (23.11.2025 / 22.11.2021)

^{P.S.: Wir hätten jetzt natürlich auch noch gern gewusst, ob Du die Bilder, die Beuys Dir 1965 erklärt hat, im oben näher ausgeführten Sinn „verstanden“ hast? Wir haben auch schon Joseph Beuys gefragt, aber leider bisher keine Antwort erhalten.}

^{Willst Du drüber reden? Kannst Du überhaupt reden? Kannst Du wenigstens LESEN? Gibt es Internet im Hasenhimmel? Egal. Melde Dich doch bitte einfach beizeiten mal bei uns, notfalls per Taubenpost. Wir können auch ein bisschen Pfotensprache und würden uns sehr freuen.}

Unser Titelmotiv mit einem neidisch in den Hasenhimmel lugenden Beuys – unsere Interpretation! – stammt vom wundervollen Fotografen Peter Sevriens, der sich bis heute heldenhaft der Unsichtbarkeits-Maschine widersetzt wie der Heilige Georg dem Drachen. Auf seine Bilder durften wir schon mehrfach zurückgreifen. Dankedankedanke!

Dieses Bild zeigen wir sogar exklusiv, sprich: zum allerersten Mal öffentlich! Hach. Schön.

In seinen digitalen Besitz kamen wir mit folgenden Worten: „Genauso wie Albrecht Dürer den Hasen als Kunstobjekt eingesetzt hat, hat auch Joseph Beuys seinen Hasen erfolgreich in der Kunst demonstriert. Beide wussten, wie der Hase läuft! Und wir jetzt auch, machen wir etwas daraus. Liebe Grüße, Peter Sevriens.“

Wir haben es versucht.

^{Anmerkung 1: Nicht nur wegen der Unsichtbarkeits-Maschine, sondern auch aus Respekt vor dem echten toten Hasen zeigen unsere Fotos ausschließlich die falschen.}

^{Anmerkung 2: Die Beuys-Masken (mit Sevriens-Foto!) wurden den Tieren freundlicherweise von der Kölner Galerie van der Grinten zur Verfügung gestellt. Wir danken herzlich im Namen der Tiere.}

100 Jahre Joseph Beuys in der KunstArztPraxis:
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
Beuys, der Schüler. „Alles ist Skulptur“ in Duisburg
Reine Bildgebung (1): Joseph Beuys im Skulpturenpark Waldfrieden (leider schon gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Joseph Beuys und die Unsichtbarkeits-Maschine
Joseph Beuys reloaded (I): Der Mensch
Joseph Beuys reloaded (II): Jeder Mensch ein Künstler?
Joseph Beuys reloaded (III): Der Lehrer
Joseph Beuys reloaded (IV): Der Zeichner
Joseph Beuys reloaded (V): Beuys für Sammler
Joseph Beuys reloaded (VI): Warum Beuys heute noch?

WDR-Retro: Beuys und der tote Hase – Kunstperformance in der Galerie Schmela (27.11.1965)
Homepage von beuys2021 (schon kurz nach dem 100. Beuys-Geburtstag gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)

Der Beitrag Wie man dem toten Hasen Joseph Beuys erklärt erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Marina Abramović verdanken wir das wohl verstörendste Erlebnis unserer bisherigen KunstArztPraxis: eine Performance, die gar keine war. Die Verleihung des Praemium Imperiale am 22. Oktober 2025 ist uns Anlass, über „echte“ und „falsche“ Abramović-Performances nachzudenken.

Wir Drei von der KunstArztPraxis sind oft ganz allein im Museum. Wir haben nämlich das wundervolle Privileg, in Ausstellungen gehen zu dürfen, die noch gar nicht eröffnet sind. Und da sind dann oft allenfalls ein paar Künstler*innen oder Kurator*innen oder Haustechniker da.

Bei Marina Abramovićs „The Cleaner“ in der Bonner Bundeskunsthalle war das 2018 aber grundlegend anders.

Da waren wir zum Fotoshooting mit Abramović verabredet, aber die Künstlerin war noch nicht present. Stattdessen füllten gefühlt 50 junge Menschen den Raum.

Das war ungewöhnlich, aber noch kein Grund, nervös zu werden. Auch das Aufblitzen einer Handvoll behaarter Beine unter weißen Laborkitteln brachte uns noch nicht ins Schwitzen.

Unruhig wurden wir erst, als besagte junge Menschen plötzlich auf irgendein für uns komplett unverständliches Kommando hin begannen, sich vor unseren Augen auszuziehen.

Allein unter Nackten

Nicht, dass wir uns falsch verstehen: Es war nicht so wie auf der Bühne in der Striptease-Bar. Es war eher so wie in der Umkleidekabine des örtlichen Hallenschwimmbads. Nur, dass wir eben nicht im Schwimmbad waren, sondern im Museum. Und dass am Ende weder Bikini-Oberteile noch Badehosen am Körper blieben.

Ehe wir uns versahen, waren wir allein unter Nackten – ein Zustand, der uns bis dahin im Museum so auch noch nicht untergekommen war.

In der Folge gruppierten sich raumfüllend nackte Zweiergruppen und schauten einander unverwandt in die Augen. Nackte standen sich in schmalen Nischen gegenüber, Nackte saßen auf den Knien am Museumsboden, Nackte besetzten hölzerne Bistro-Stühle, Nackte hingen mit gespreizten Armen und gespreizten Beinen im gleißenden Scheinwerferlicht auf Fahrradsätteln an der Wand.

Kraftvoll und transformierend

Das alles geschah derart überraschend, spontan und mit einer für uns nonchalant provokanten choreographischen Logik, dass wir kurz die Contenance verloren: Wir zogen wenn schon nicht physisch, so doch mental blank.

Es war das mit Abstand verstörendste Ereignis unserer bisherigen KunstArztPraxis. Mit anderen Worten: Genau so hatten wir uns immer die perfekte Performance vorgestellt. Unerwartet, kraftvoll und transformierend, auf die eine oder andere Weise.

Nur, dass es eben gar keine Performance war.

Wie wir später erfuhren, waren die jungen Menschen in der Bundeskunsthalle zusammengekommen, um etwas zu proben, was Abramović „Re-Performance“ nennt: Wiederaufführungen ihrer berühmten Aktionen, die diese nacherlebbar – und vielleicht auch kommerzialisierbar? – machen sollen.

In dem von uns erwischten Augenblick der Probe ging es für die Beteiligten offenbar erst einmal darum, die eigene Nacktheit und die fremden Blicke auszuhalten.

Auf dem Damenfahrradsattel

Während der Laufzeit von „The Cleaner“ konnte man sich später dienstags bis sonntags von 11 bis 19 Uhr zwischen zwei Nischennackten hindurchzwängen wie 1977 zwischen Abramović und Ulay in „Imponderabilia“ – oder anderen sonntags zwischen 13 bis 15 Uhr mehreren Akteurinnen beim Kopfhautblutigkämmen zusehen wie 1975 bei Abramovićs „Art must be beautiful, artist must be beautiful“.

Am Eröffnungswochenende und während dreier Mittwochabende war zudem der Damenfahrradsattel nackt besetzt.

Auch wir haben uns zwischen Abramović-Ulay-Doublen durchgezwängt. Wir sahen einer jungen Dame beim re-inszenierten Sattelschweben zu und einer anderen jungen Dame beim nachgespielten Haarekämmen.

Wir haben wohl auch nackte Haut touchiert, aber keinen Tropfen Blut gesehen.

Ruhe ja, Wallung nein

Beim Reiskorn-Sortieren nach der Abramović-Methode kamen wir in der Bundeskunsthalle tatsächlich wie gewünscht etwas zur Ruhe, bei den Re-Performances hingegen nicht ansatzweise in Wallung. Übergesprungen ist der Funke nicht.

Und wir glauben auch zu wissen warum.

Wir glauben nämlich, dass eine echte Abramović-Performance nur von Abramović ausgeführt werden kann. In unseren Augen sind ihre kathartischen Rituale nicht übertragbar. Sie sind biografisch gewachsen, ans Urheberrecht und die Urheberpflicht gebunden. Und sie sind für den Moment, in dem sie einst entstanden.

Es ist Abramovićs Schmerz, der durch ihre Performances durchscheint. Es ist ihre Angst vor Leid, vor Tod, vor Scham. Es sind die Dämonen ihres gefühlskalt gewalttätigen Elternhauses, die mit jeder Aktion natürlich nur aus ihrem Körper ausgetrieben, herausgepeitscht, herausgeschnitten, herausgekämmt werden können.

Das Schweigen Marina Abramovićs wird unterbewertet

Es ist Abramovićs Erfahrung von Titos Totalitarismus, aus dem sich die 1946 in Belgrad geborene Künstlerin durch die totale Freiheit des Willens und der Selbstbeherrschung zeit ihres Lebens zu lösen suchte. Und es ist ihr Bewusstseinszustand, der sich im Idealfall in gewünschter Weise auf das Publikum überträgt.

Vielleicht muss man sogar über Jahrzehnte unter Aborigines, Schamanen und Mönchen in Australien, Brasilien und Tibet gelebt haben, um so sitzen oder schweigen zu können wie Marina Abramović. Um ausgerechnet meditierend sein Leben zu riskieren. Oder derart telepathisch mit dem Publikum verbunden zu sein. Sie hat das ja in ihrer Autobiografie beschrieben.

Alles andere ist nicht Performance, sondern Theater. Also im besten Fall nicht Abramović, sondern Robert Wilson. So irgendwie.

Abramovićs stärkste, provokanteste, poetischste Performances sind ohnehin nicht wiederholbar, wohl nicht einmal von ihr selbst. Mit der Erfahrung von „Rhythm 0“ 1974 in der Galerie Morro in Neapel im Nacken kann niemand mehr dem Publikum sechs Stunden lang gestatten, ihn je nach Gusto zu füttern, zu schmücken, mit Rasierklingen zu ritzen oder mit dem Revolver zu erschießen.

Nicht auf Null zurückzudrehen

„Rhythm 0“ hat nämlich vor allem das Publikum für immer verändert. Sehend gemacht. Vielleicht menschlicher werden lassen. Zumindest aber vorsichtiger, kontrollierter. Dieser Transformationsprozess ist nicht auf Null zurückzudrehen. Inzwischen weiß man ja, was einen so erwartet.

Und kein Paar wird sich jemals wieder auch nur annähernd so anrührend auf der Chinesischen Mauer entgegengehen können, wie Abramović und Ulay dies 1988 in „The Lovers – The Great Wall Walk“ gelang. Die ganze große, ganz und gar einmalige Liebes- und Trennungsgeschichte der beiden Künstler ging in den 90 Tagen damals ja auf allen 4.000 Kilometern mit.

Es gibt Fotos. Es gibt Filme. Es gibt Geschichten

Deshalb halten wir Abramovićs Re-Performances für überschätzt. Wir halten uns lieber an die starken Bilder, mit denen sich die Originale in uns eingebrannt haben. Und an das, was sie uns über den Menschen, über seine niederen Instinkte und seine großen Gefühle, über Gewalt und Schmerz, die Liebe und den Tod erzählen.

Da brauchen wir keinen Performance-Aufguss. Es gibt ja Fotos. Es gibt Filme. Und es gibt Geschichten. Nacherlebbar ist das nicht.

Vor einiger Zeit haben wir versucht, unsere Haltung jenem toten Hasen zu erklären, dem Joseph Beuys 1965 seine Bilder erklärt hat. SEIN starkes Bild von damals jedenfalls ist immer noch unauslöschbar drin in unseren Köpfen, auch nach fast 60 Jahren – allen Löschungsversuchen der Unsichtbarkeits-Maschine zum Trotz.

Dass Abramović Beuys‘ Hasenperformance 2005 im New Yorker Guggenheim interpretatorisch re-performt hat, haben wir hingegen schon fast wieder vergessen. Dazu existiert kein Film in unseren Köpfen.

Zu einer unserer liebsten Performances ever – „The Artist is Present“ 2010 im New Yorker MoMa – gibt es sogar einen realen Film. Und der macht Abramovićs unglaubliche, bis zur Totalerschöpfung sich verausgabende Präsenz während der 736 Stunden oder drei Monate Langzeitperformance auf ergreifende Weise sichtbar – ebenso wie die nur durch Schweigen und Blicken im jeweiligen Gegenüber ausgelösten Emotionen.

Natürlich wäre es ergreifender gewesen, 2010 mit dabei zu sein. Wir bedauern unsere Abwesenheit damals sehr. Aber einer Schauspielerin im roten Abramović-Kleid gegenübersitzen wollen wir trotzdem nicht.

Wenn Marina Abramović am 22. Oktober 2025 den Praemium Imperiale entgegennehmen darf, dann hat sie ihn wegen ihrer Original-Performances tatsächlich redlich verdient. Alles andere ist Schau. (05.10.2025 / 03.11.2021)

^{Anmerkung 1: Von Abramovićs „The Cleaner“ 2018 in der Bonner Bundeskunsthalle haben wir viele Fotos gemacht, die wir hier gern gezeigt hätten. Es war nämlich eine großartige Retrospektive. Aber auch hier sagt die Unsichtbarkeits-Maschine Pustekuchen.}

^{Anmerkung 2: Eines der stärksten Bilder, die wir aus der Kunstgeschichte kennen, ist das von „Rest Energy“ (1980): Abramović und Ulay stehen sich im Film gegenüber, sie hält einen Bogen, er spannt die Sehne mit dem Pfeil. Und der zielt auf ihr Herz. Liebe und Tod, Gefahr und restloses Vertrauen bedingen sich. Und zwar in einer so unerträglich spannenden Weise, dass uns heute noch den Schauer über den Rücken läuft, wenn wir nur daran denken.}

Die Bundeskunsthalle in der KunstArztPraxis:
Der will nur spielen!?! Mark Dion in Bonn
Vom Schlafschaf. Kant und seine Fragen in Bonn
Echt? Peinlich? “Ernsthaft?!” in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung (15): “Ernsthaft?!” in Bonn

Homepage der Bundeskunsthalle Bonn

Der Beitrag Marina Abramović zum Praemium Imperiale erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Gestern (30.09.2025) starb mit Takako Saito eine der letzten großen Fluxus-Künstlerinnen. Wir lernten sie leider erst mit 88 kennen und begegneten ihr nur sporadisch. Aber 2024 durften wir in ihr Wohn-Atelier in Düsseldorf. Wir sind sehr froh, dass dies dank hartnäckiger Fürsprecher noch möglich war.

Als wir Takako Saito 2017 im Museum für Gegenwartskunst (MGK) in Siegen zum ersten Mal sahen, stellte sie gerade eine Mausefalle samt integrierter Schach-Schule als Köder auf einen Ausstellungstisch.

Sie zögerte keine Sekunde, als wir sie baten, sich für ein Porträt dahinter zu platzieren. Und dann spielte sie mit trippelnden Fingern & unbändiger Heiterkeit für unsere Kamera graues Mäuschen.

Wir begriffen das erst später, aber auch die Fotos, die wir davon machten, entstanden im Rahmen von Takako Saitos dialogischem Kunst-Konzept: Ihr Posieren war ein Spiel, eine wortlose Kommunikation mit uns als agierenden & reagierenden Betrachtern. Mit öffnendem Lachen gefangen nehmen für etwas, das im Idealfall Zug um Zug entsteht: Das war ihr „You & Me“.

Unsere Reaktion auf die trippelnden Finger jedenfalls war, in die Hocke zu gehen und nicht auf die Künstlerin im Hintergrund, sondern auf die Schach-Schule für Mäuse vorne zu fokussieren: Unser Gegenzug zu Takako Saitos fulminanter japanischer Eröffnung. 

Das Foto-Schach geht weiter

In Siegen ging ihr Foto-Schach für uns weiter: Für unsere Fotos eröffnete Takako Saito eines ihrer legendären interaktiven Verkaufsstand-Objekte. Sie schlüpfte bereitwillig abwechselnd in eines ihrer Klang- und ihrer Bücherkleider. Und dann spielte sie auch noch auf einer Kunstrasen-Decke und einem Gesichts-Spielfeld mit uns Foto-Murmel-Schach. 

Es endete unentschieden, im Murmelschach ist sowas gang & gäbe. Denn die Regeln entwickeln die Spieler während des Spielens, man kann sich nicht hinter Vorgaben verstecken. Man ist gezwungen, die Phantasie mitziehen zu lassen wie die Wolken am Firmament. Alles entsteht als Vereinbarung im Augenblick.

Das ist die eigentliche verführerische Falle, in die man bei Takako Saitos heiteren Kunst-Ködern unentwegt tappt. Das lernt man wie die Mäuse in ihrer Schach-Schule allerdings erst, wenn man schon in der Falle sitzt.

^{Takako Saito. You and Me, Museum für Gegenwartskunst, Siegen 2017}

Danach begegneten wir Takako Saito jahrelang nur über Bande, teils über Spuren. Einmal kaufte das Kunstmuseum Bochum ein Porträtfoto an, das wir in Siegen von ihr im (ebenfalls vom Museum angekauften) Klang-Kleid gemacht hatten, ein andermal lag auf dem Schreibtisch von Mary Bauermeister in Rösrath neben einem alten Ausstellungs-Flyer einer ihrer vielen Briefe.

Mary Bauermeisters Anschrift steckte in den vier Mägen eines gutmütigen Nutztiers.

Schon wieder in der Mausefalle!

Und als wir 2023 im Wohn-Atelier des kurz zuvor verstorbenen Künstlers Eduard „Edi“ Roijen in Düsseldorf Knochenwesen für ein Foto-Buch fotografierten, lag da ein Kunstwerk, das Takato Saito ihm gewidmet hatte: „Drei Töne Musik für Edi“ von 1999 – ein halbdurchsichtiger weißer Stoffsack mit rotem Band, der mit Takato Saitos typischen Papierwürfeln gefüllt war.

Wir machten sofort Musik damit, es war zu verlockend: Es raschelte köstlich. Unser kleines Requiem für Eduard Roijen, gespielt auf Takako Saitos Instrument. 

Schon wieder in der Mausefalle.

2022 kam eine Museumsdirektorin auf die Idee uns vorzuschlagen, im Wohn-Atelier von Takako Saito zu fotografieren: Wie Mary Bauermeisters Märchenreich, so sei auch dies ein zauberhafter Ort – wenn auch auf ganz andere Art und Weise! Also fragten wir, neugierig geworden, über Bande bei Takako Saito an.

Sie fand die Fotos schön

Im Grunde war Takako Saito nicht abgeneigt. Mary Bauermeister hatte ihr unser Hexenbuch von ihrem Märchenreich geschickt, sie fand die Fotos schön. Aber sie wollte ihr Atelier für uns erst noch herausputzen, auch die japanische Gastfreundschaft stand lange im Weg: Um uns in ihren Augen angemessen empfangen zu können, hörte man immer wieder aus Düsseldorf & Köln, fehle ihr leider die Kraft.

Aber wir hatten unter ihren Vertrauten geduldige Fürsprecher. Nach etwas mehr als zwei Jahren hatten sie Takako Saito überzeugt – oder überredet? –, uns zu empfangen. Es waren eben dickere Bretter zu bohren gewesen als die, die wir kurz darauf überall in ihrem Atelier auf dem Boden und in der Ecke stehen sahen.

2024 also sahen wir Takako Saito in ihrem Wohn-Atelier in Düsseldorf wieder, das in einem etwas abgelegen, nur über Trampelpfade zu erreichenden Atelierhaus des Kulturamts Düsseldorf angesiedelt war.

Schon mäuseklein geschrumpft

Takako Saito saß versunken auf ihrem Sofa, jetzt war sie fast schon mäuseklein geschrumpft, gefangen im Käfig ihres schwachen Körpers. Sie sprach inzwischen besser Deutsch als Englisch, ihr Gehirn hatte irgendeinen Sprach-Schalter umgelegt. Die Heiterkeit war noch vorhanden, aber eher gedämpft als unbändig. Es war ein Leben in den vorvorletzten Zügen.

Wir erinnern uns noch an ihre Trippelschnitte im Flur des Ateliers – keine Trippelfinger mehr wie vor sieben Jahren im MGK: jetzt Trippelfüße –, als sie uns mit ihrem primitiven Rollator entgegenkam. An ihre pumpende Gymnastik, um den heruntergefahrenen Kreislauf wieder in die Gänge zu bekommen. 

Auch hier die große Disziplin, die bei aller spielerischen Freude aus Takako Saitos Werken spricht. Das Leben als Summe aus Kunst UND Arbeit.

Wie viel Arbeit in den Werken von Takako Saito steckt, begriffen wir eigentlich erst bei unserem Besuch im Atelier. Denn die sieben Räume, aus denen es bestand, waren vollgefüllt mit Handwerkszeug.

Eine Ständerbohrmaschine und ein Bandschleifer war darunter, eine elektrische Dekoupier- und eine Tischkreissäge, aber das beschreibt nicht im Ansatz die Fülle im Atelier, die hoffentlich unsere Bilder vermitteln. Denn Takako Saito hatte alles selbst gemacht.

Nicht nur die teils ungeheuer filigranen Schachspiele, Holzfiguren, Leitern, Kleider, Skulpturen, Fluxus-Kästen, Spielköpfe, Verkaufsstände, Spezialbücher, Papierwürfel-Kosmen für Performances: auch die Möbel in ihrer Wohnung: die Tische, die Couch, das Bett, die Küche, den Holzfußboden.

Alles DIY einer Selfmade-Frau, mit selbst beigebrachter, durch Talent & Phantasie durch die Jahrzehnte perfektionierter Technik.

Inklusive fast wissenschaftlicher Experimente mit Lacken, Orangen-Schalen, Pfirsich-Kernen, Stempel-Farben, Tusche, Tinte, Pflanzen-Säften, Bügeleisen, Pergament-Papier.

Als wir später erfuhren, dass Takako Saito auch ein Farbmischverfahren entwickelt hat, das von einer Kunstdruckerei übernommen worden ist, wunderte uns das nicht einmal ansatzweise.

Praktizierter Fluxus at ist best

Kunst & Leben, Werk & Gebrauchsgegenstand gingen in diesem Wohnatelier ohnehin ineinander über. In DIESER riesigen Mausefalle hatte Takako Saito mit sich selbst Schach gespielt. Im Grunde praktizierter Fluxus at ist best.

Und hier noch unsere Besuchs-Impressionen vom Werkstatt-Atelier (die Kunst, die vorher in der großen Ausstellung in Bochum war, war allerdings noch größtenteils verpackt):

In diesem Sinn: Leb wohl, Takato Saito, im Diesseits ist der letzte Zug getan.

Und mache dort, wo du jetzt bist, unbedingt wieder einen hippen You-&-Me-Laden auf! Mit Phantasie-Schach und Mausefallen, in die man sicher auch da, wo du jetzt bist, allzu gerne tappt. (01.10.2025)

Appendix: Wie wir einmal Takako Saitos Wohn-Atelier (kurzzeitig) erhalten halfen

Wir haben es bisher verschwiegen, aber ein wichtiger Grund für den schlechten Allgemeinzustand Takako Saitos bei unserem Wiedersehen im April 2024 war das Kulturamt der Stadt Düsseldorf. 

Kurz vorher hatte die Institution zur Förderung der Künstler*innen in der Landeshauptstadt nämlich beschlossen, das Atelierhaus, dessen Vermieterin es war, aus denselben niederen Rentabilitätsantrieben abreißen zu wollen, aus denen gemeinhin der kulturlose Immobilienspekulant agiert. Takako Saito hatte man fristlos gekündigt. Die Künstlerin saß in einer ganz anderen Mausefalle fest als jene, die sie zur Freude Aller im Wohn-Atelier gebaut & gebastelt hatte.

Niemand war vor Ort

Nach langem, unter anderem durch Visa-Probleme provoziertem Nomadenleben in teils überaus prekären Verhältnissen sollte Takako Saito, die vor ihrer Künstlerlaufbahn Putzfrau, Köchin, Kindermädchen, Erzieherin und Verkäuferin war, ihre erste jahrzehntelange Heimstatt, in der sie über drei Jahrzehnte lang ihre Kunst geschaffen hatte, wieder genommen werden: mit 95 Jahren. Ohnehin hatte man ihr, wie den anderen Künstler*innen im Hause, das Wohnen und Arbeiten in der Manier des der kulturlosen Immobilienspekulanten schon ziemlich unangenehm gemacht. Als wir kamen, hatte sie aus Sorge schon viele Nächte lang nicht mehr geschlafen.

Zum Glück hatte Takako Saito viele Freund*innen & Fürsprecher*innen – darunter auch jene, die sich über zwei Jahre für unseren Fotobesuch bei ihr stark gemacht hatten. Der engste Kreis dieser Freund*innen & Fürsprecher*innen hatte eine Anhörung im Kulturamt erwirkt, um das Ruder vielleicht doch noch einmal herumzureißen. Wenige Tage nach unserem Besuch begab sich eine Delegation zum Zollhof 13 in den schnieken, aufwändig sanierten Medienhafen. Mit im Gepäck waren unsere Fotos: Die wollte man dem Kulturamt zeigen, um sie zum Erhalt des Ensembles zu bewegen.

Offenbar hatte es niemand für nötig befunden, sich das einfach einmal vor Ort anzusehen.

Was sollen wir sagen?

Was sollen wir sagen: Die Anhörung klappte! Das Kulturamt setzte Takako Saitos Kündigung zumindest aus. Auch wenn man sich in der materialistischen Logik des kulturlosen Immobilienbesitzers weiterhin weigerte, das marode Gebäude zu renovieren oder auch nur instand zu halten, durfte Takako Saito doch immerhin dort wohnen bleiben. Das Aufatmen der Delegation im Zollhof 13 war bis nach Köln zu hören.

Zudem versprach das Kulturamt, mit nach einer Lösung zu suchen, um Takako Saitos Wohn-Atelier in irgendeiner Form zu erhalten! Wir konnten ja nicht Mäuschen spielen, aber wenn wir der Delegation, die uns im Nachhinein berichtete, Glauben schenken dürfen, dann waren unsere Fotos für dieses Versprechen des Kulturamts entscheidend.

Darauf waren wir, leider nur kurzzeitig, mächtig stolz.  

Dann brach ein Rohr im maroden Haus, das Wasser fraß sich durch die Wand, erzeugte Schimmel, der auch die Kunst befiel. Takako Saito musste ausziehen, das Kulturamt Düsseldorf hatte gewonnen. Darüber sind wir dem Kulturamt Düsseldorf bis heute mächtig böse.

Takako Saito starb wohl in der Nacht vom 29. auf den 30. September 2025 in einem Altersheim. Wir sind sehr traurig. Führen insgeheim Deine stille Musik auf. Und spielen beizeiten gern mit Deinem Totenhemd. Deine KunstArztPraxis

^{Anmerkung: Um 20:35 Uhr erfuhren wir vom Tod Takako Saitos. An diesem Nachruf haben wir bis heute 4 Uhr morgens geschrieben, es war uns wichtig. Diese eine Nacht-Aktion waren wir Takako Saito schuldig. Nochmals, von allen Drei: leb wohl.}

Mary Bauermeister: Begräbnis mit Feldsalat

„Takako Saito. You and Me“ im Archiv des MGK Siegen

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Bekannt wurde William Kendridge mit Trickfilmen aus Kohlezeichnungen, die sich vor allem mit (kolonialer) Unterdrückung befassen. Zum 70. Geburtstag widmen ihm die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden und das Folkwang Museum eine Doppel-Schau. Letztere ist phantastisch. Und für uns ein Echo.

Wir kennen einen rechten Spießer, der wollte von Beruf unbedingt Tyrann werden. Hat er auch geschafft.

Dieser Spießer hat das Gemüt eines psychopatischen Kleinkinds, ist vulgär, verlogen, herzlos, raffgierig, größenirre, böse, trotzig, feige, menschenverachtend, rücksichtslos, narzisstisch, dumm – und sadistisch gegenüber Schwächeren ist er auch. 

Und keiner hält ihn auf!

Gleich in den ersten Tagen seiner Regentschaft eliminiert er die andersdenkende Elite nebst zwei Ministerien, bevor er sich an den Ärmsten vergreift, die ihm zuvor verehrungsblind zugejubelt hatten.

Und alle knicken ein. Und keiner hält ihn auf.

Der geneigte Lesende hat es natürlich längst erkannt: Beim „dicken Hampelmann“ – O-Ton Gattin –, diesem „dicken Hanswurst“ – nochmal O-Ton Gattin – handelt es sich NICHT um Donald Trump, sondern um Père Ubu, um den herum der gerade einmal 15-jährige Schüler Alfred Jarry 1888 seine gleichnamige Marionetten-Posse schrieb.

Und dessen Theater-Fassung „Ubu roi“ (1896) Dadaisten und Surrealisten gleichermaßen verehrten. 

Sonst wünschte sich der „rechte Lumpensack“ – nochmal O-Ton Gattin – ja keinen „großen Kalabreserhut“ wie Père Ubu, sondern ein albernes rotes Baseball-Käppi mit Pop-Prop-Sprüchen zum öden blauen Maßanzug.

Aber wenn Donald Trump Père Ubu wäre, dann würde er in Grönland und Kanada statt in Russland einmarschieren.

Er würde das Bildungsministerium auflösen. Der Wissenschaft die Autonomie rauben. Statistiken fälschen. Die Meinungsfreiheit abschaffen. Die Justiz unterminieren. Das Militär aufs eigene Volk hetzen. Frieden schaffen, um den Friedens-Nobelpreis zu bekommen. Lügen & betrügen ohne Ende.

Kurzum: Regieren wie ein Horror-Clown.

^{Foto oben: Auch auf diesem Tisch liegen ein paar Tyrannenköpfe! William Kentridge,“
Portraits for Shostakovich Symphony No. 10″ (2022), Museum Folkwang, Essen 2025}

Und er würde in einer Umkehrung historischer Tatsachen rotzfrech behaupten, dass in Südafrika die Schwarzen an den Weißen Genozid begängen, Kotzdonner Schreiße noch einmal.*

^{*O-Ton Père Ubu, natürlich! Donald Trump würde niemals so
f**king fluchen. Und Hassrede beherrscht er ja schon gar nicht.}

Vom üblen Echo der Geschichte

Wie gut, dass es da Künstler wie William Kentridge gibt! Der hat die ebenso grausamen wie absurden Strukturen der Macht nämlich genau studiert: anhand der in seiner Heimat Südafrika bis in die Neunzigerjahre gegen die Schwarzen gerichteten Apartheid, aber auch anhand von Alfred Jarrys „Ubu Roi“.

Eines seiner in Essen gezeigten Videos – „Ubu tells the Truth“ – trägt den Namen des banalen Autokraten im ironischen Titel. Es könnte aber auch, nach einem dieser Pop-Prop-Sprüche auf albernen Baseball-Käppis, „Trump was right about everything“ heißen.

Das üble Echo der Geschichte ist in der Essener Retrospektive – rund 320 Zeichnungen, Grafiken, Tapisserien und Film-Installationen aus fünf Jahrzehnten – nämlich überall zu hören.

^{Foto oben: William Kentridge, „Drawing For the Head & the Load
(O, The Trumpets We Used to Blow)“ (2018), Museum Folkwang, Essen 2025}

Bekanntlich sind wir keine Freunde biografischer Werkdeutung, aber wir möchten dennoch aus guten Gründen betonen, dass William Kentridge als privilegiertes Kind der weißen Oberschicht – und später als privilegierter Erwachsener – in Johannesburg trotzdem der Versuchung widerstand, überheblich zu werden.

Sonst neigen ja vor allem Erben von Wohlstand & Ansehen zu einem gerüttelt Maß an Arroganz.

Bei William Kentridge mag das damit zusammenhängen, dass sein Vater neben anderen Apartheids-Gegnern 1959 auch Nelson Mandela im so genannten Landesverratsprozess verteidigt hatte. Die Mutter war ebenfalls regimekritische Rechtsanwältin.

^{Foto oben: William Kentridge, „Oh the Believe in Another World“ (2022),
Museum Folkwang, Essen 2025}

Auch der Wunsch nach Gerechtigkeit & Gleichberechtigung ist bisweilen vererbbar.

35 Jahre lebte Kendridge im Netz der Apartheid, die Hälfte seines Lebens; sein künstlerischer Erfolg begann – schon wieder einer dieser von uns so geliebten objektiven Zufälle! – fast gleichzeitig zu ihrem Zusammenbruch und dem demokratischen Neuanfang unter Präsident Mandela.

Und was sagt William Kentridge?

Und was sagt William Kentridge? „Mit diesem Gefühl, mit Privilegien aufgewachsen zu sein, geht eine große Verantwortung einher“, sagt William Kentridge! Merkt euch das, ihr Ubus dieser Erde.

Tatsächlich führt uns William Kentridge auch in Essen auf höchst poetische Weise vor Augen, wie Politik in der Geschichte jenseits aller „alternativen Fakten“ von Rechtspopulisten aus künstlerischer Perspektive wirklich funktioniert & war.

Und wir werden gewahr, wie diese Vergangenheit in der gesellschaftlichen & politischen Gegenwart nachklingt.

Die wahre „White Men’s Burden“

Wie bei „KABOOM!“, das mit historischen Dokumenten und den für Kendridge typischen animierten Kohle-Zeichnungen an die rund 1,5 Millionen zwangsrekrutierten afrikanischen Männer, Frauen und Kinder erinnert, die im Ersten Weltkrieg den europäischen Kolonialmächten die Lasten tragen mussten.

Neben literarischen Texten und Musik sind dabei auch Tonaufnahmen zu hören, die von afrikanischen Gefangenen in Deutschland gemacht wurden. Die Bürde des Krieges auf den Schultern der Schwachen: DAS ist die wahre „White Men’s Burden“, Rudyard Kipling!

Oder beim mechanischen Multimedia-Miniatur-Theater „Black Box / Chambre Noire“, das der Niederschlagung des Aufstands der Herero 1904 in Deutsch-Südwestafrika (Namibia) gewidmet ist: mit geschätzten 80.000 Toten der wohl erste Genozid des 20. Jahrhunderts.*

Das das Louisiana Museum of Modern Art die filigrane Arbeit – in unseren Augen eines der großartigsten Werke des Künstlers – nach Essen ausgeliehen hat, ist eine kleine Sensation.

^{*Nur der Vollständigkeit halber möchten wir daran erinnern, dass von 1885 bis 1908, als der „Kongo-Freistaat“ Privat(!)-Kolonie des belgischen Ubus Leopold II. war, um die zehn Millionen Bewohner*innen von den Besatzern ermordet wurden. Vom systematischen Hände-Abhacken wollen wir hier gar nicht reden.} 

^{Foto oben: William Kentridge, „Black Box / Chambre Noire“ (2005),
Museum Folkwang, Essen 2025}

Die andere Hälfte der Miete

Aber Herrschaftskritik ist in der Kunst natürlich nur die halbe Miete. Stillose Verantwortung ist bestenfalls gut gemeinte, platte Botschaft nah am Kitsch.

Das ist bei William Kentridges einzigartigen, mit einer Prise Hoffnung auf eine bessere Welt versetzten Erzählungen über die immergleichen Herrschafts-Typen und die sich ständig wiederholenden Mechanismen der Macht zum Glück anders.

Denn die sind, wir hatten es weiter oben schon einmal angedeutet, visuelle & akustische & verbale Poesie, die sich langsam entfaltet. Mit einer formal unverwechselbaren Sprache.

^{Foto oben: Auch Parolen, aber anders! William Kentridge, „Oh the Believe
in Another World“ (2022, Detail), Museum Folkwang, Essen 2025}

Dabei wird Kunst als Prozess verstanden, bei der Rezeption wie beim Entstehen. Deshalb hat man in Essen auch die Anmutung von Kentridges Studios in Johannisburg nachgebaut, in der man dem Künstler im Nachhinein quasi beim Schaffen zuschauen können.

Und wie ambivalent ist dieser künstlerische Schaffens-Prozess! Ganz anders als das Schwarz & Weiß der Werke suggeriert.

Das zeigt auch die während der Corona-Pandemie entstandene neunteilige Film-Reihe „Self-Porträt as a Coffee Pot“ (2020), in der Kentridge in Ermangelung eines kollaborativen Gegenübers im Studio mit sich selbst in einen widersprüchlichen Dialog tritt: bisweilen sogar in vierfacher Ausführung. 

^{Foto oben: Nachgemachte Wand aus William Kentridges Studio,
Museum Folkwang, Essen 2025}

Dabei geht es um den Zufall und das Schicksal, das Un-Sinnhafte von Ich & Welt – und um die Zweischneidigkeit gesellschaftliche Utopien.

Das widersprüchliche Megaphon

Um diese Ambivalenz des Innen und des Außen aufzuzeigen, greift William Hendridge immer wieder auch auf die „realistische“ Abbildung konkreter Dinge zurück. Die Menschen bleiben bei ihm ja meist nur Schatten ihrer selbst.

Neben einer ziemlich altertümlichen Schreibmaschine und der Espressokanne im berühmten Bialetti-Design ist dabei vor allem das Megaphon das Symbol seiner Wahl.

Ein Instrument für die Propaganda aller Ubus dieser Erde, aber auch für den Widerstand gegen sie. Ein Instrument, mit dem sich die oftmals viel zu leise Wahrheit in die Welt hinausposaunen – und gleichzeitig mit Lügen und Hassrede überschrei(b)en lässt.

^{Foto oben: William Kentridge, „Oh the Believe in Another World (Studio Still Life)“
(2022, Detail), Museum Folkwang, Essen 2025}

Auf jeden Fall sind Kentridges Megaphone laut genug, um uns sogar körperlich zu durchpulsen, im Idealfall ein Echo auszulösen in unseren Seelen & unseren Gehirnen: das innere Echo einer Welt, von der wir eigentlich nur die Schatten sehen.

Das ist William Kentridges brandaktuell bleibende Antwort auf jene immergleiche, grausam-absurde Marionetten-Posse, die man gemeinhin „Welt“ und „Leben“ nennt. In der immer mehr Ubus regieren. Und auf die man am besten mit Kunst reagiert. (28.09.2025) 

^{„William Kentridge. Listen to the Echo“ ist noch bis zum 18. Januar 2026 im Museum Folkwang in Essen zu sehen. Die parallelen Ausstellungen in den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden enden zwischen dem 4. Januar und dem 28. Juni 2026. Vielleicht fahren wir da auch noch hin.}

<sup>Anmerkung: Natürlich geht es in „Listen to the Echo“ nicht nur um Afrika und die menschenunwürdige Arbeit der Schwarzen in den Minen weißer Besitzer. Es geht auch um die Flucht von 350 Menschen vor den Nazis 1941 von Marseille in die Karibik, darunter Künstler und Intellektuelle wie André Breton, Claude Levi-Strauss oder Germaine Krull.

Es geht um Gogols von Schostakowitsch vertonter „Nase“, die ihrem ehemaligen Besitzer, dem ranghohen Beamten Major Kowalew, ranghöher auf dem Kopf herumtanzt. Oder um „Faust“ und die „Zauberflöte“. Aber es geht halt trotzdem immer um Macht und ihren Missbrauch, um Unterdrückung, die Unterminierung von Wahrheit & Gerechtigkeit. Um die Beziehung von Gesellschaft & Individuum. Ums Echo. Und um Poesie.</sup>

Das Museum Folkwang in der KunstArztPraxis:
Lebenslanges Türenöffnen: Tomi Ungerer zum 90.
„Kippenbergers Kosmos steckt im ‚Kafka'“
Kunst für alle: Keith Haring in Essen

Homepage des Museums Folkwang Essen

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