Eigentlich ist die KunstArztPraxis ja immer unisono einer Meinung, aber bei Yayoi Kusama scheiden sich dann doch unsere drei Geister. Wir bringen deshalb anlässlich der Schau im Museum Ludwig einen Diptychon aus Lob & Tadel. Heute: Tadel, vom Trypophobiker KunstArzt3: dem Nörgler aus der Wissenschaft.

2022 stand die japanische Künstlerin Takako Saito (1929-2025) Im Vorfeld ihrer Performance im Klangkleid im Museum Ludwig vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ (1966) – einem der Gründungswerke des Museums vor genau 50 Jahren.* Ein guter Freund kann das bezeugen.

^{*die Retrospektive von Yayoi Kusama versteht
sich auch als Jubiläums-Ausstellung.}

In ihren frühen Jahren habe sie ebenfalls Punktebilder gemalt, sagte Takako Saito vor dem Zwangsmöbel-Stück: 1956 habe sie damit angefangen.

Dabei sei sie vom Meister-Maler Ei-Kyu beeinflusst worden, der seit den frühen Dreißigerjahren mit Punkten gearbeitet habe: genauso wie, man ahnt es längst – natürlich! Yayoi Kusama.

Wenn Punkte öde werden

Das wisse sie, weil sie und Kusama sich im New York der Sechzigerjahre ständig über den Weg gelaufen seien. Die Kunst-Welt dort war klein.

^{Bild oben: Das Universum in der Nusschale: Takako Saito, „Ohne Titel“ (1957)}

„Aber mir sind die Punkte nach ein paar Jahren langweilig geworden. 1963 habe ich deshalb damit aufgehört.“

Das hat Takako Saito laut besagtem Freund, mit dem auch wir von der KunstArztPraxis locker Freundschaft pflegen, vor Yayoi Kusamas „Compulsion Furniture“ im Museum Ludwig gesagt.

Yayoi habe wegen des Erfolgs trotzdem immer weiter gemacht. Und dann soll Takako Saito gesagt haben: „Bei den ‚Polka Dots‘ von Yayoi fällt alle Welt auf diese Krankheits-Geschichte herein.“

Die Punkte fluppen immer noch

Zur Erklärung: Laut Yayoi Kusama gehen ihre „Polka Dots“ auf Halluzinationen ihrer Kindheit zurück, in denen sich die Welt plötzlich mit Punkten überzog.

Bis heute hat sie nach eigener Aussage Ängste, lebt & malt freiwillig in einer Nervenklinik in Tokio.

Und: Offenbar hatte sie wirklich gute Berater aus dem Marketingeltangel! Nach über 60 Jahren unentwegtem Punkte-Malen ist Yayoi Kusama die berühmteste Künstlerin der Welt.

^{Foto oben: Takako Saito durchblättert in ihrem Atelier
ihre Punkt-Gesichter und Punkte-Himmelsscheiben. Düsseldorf 2024}

Zur New Yorker Kunstszene der Sechzigerjahre gehörten übrigens auch Yoko Ono und Mary Bauermeister.

Erstere schlägt, wie Yayoi Kusama, in den Instructions ihrer „Grapefruits“ (1964) die Brücke vom Punkt zur Unendlichkeit, letztere auf ihren Bildern auch. 

Die Amnesie der Kunstgeschichte

ALLE Künstlerinnen haben in New York damals Punkte gemalt, das war meditative Praxis. Und ALLE haben zum Punkten damals von Love, Peace und Universe gesprochen.

Nur hat die Kunstgeschichte das vergessen. Sind ja zur Hälfte tote Frauen. Da kriegt die Kunstgeschichte bekanntlich gerne Amnesie.

^{Foto oben: Punkte-Bilder aus dem New York der Sechzigerjahre
in Mary Bauermeisters Atelier-Haus, Rösrath 2015}

Egal. Wichtig ist, dass Yayoi Kusama mit dem Punktieren der Welt immer weiter gemacht – und den Punkt irgendwie zur künstlerischen Eigenmarke entwickelt hat. Deshalb glauben heute alle, der Punkt gehöre ihr alleine.

Aber man ist ja nicht deshalb einmalig, weil man immer dasselbe macht. Das, was man macht, sollte auch schon einmalig SEIN.

Punkte, Performance, Klamotten, Schachspiel

Tatsache ist, dass sich die Werke von Yayoi Kusama, Takako Saito und Yoko Ono – Dots, Performance, Klamotten, Schachspiel – in so vielen Punkten ähneln.*

^{*Sogar den Kürbis-Fetisch teilte sich Yayoi Kusama mit Takako Saito! Ständig hat sie
Kürbisse gemalt! Aber eben nur eine Zeit lang. Dann wurde es ihr öde.}

Was wissen denn wir?

Kann es also sein, dass Yayoi Kusama deshalb zur berühmtesten Künstlerin der Welt avancierte, weil wir so wenig über das New York der Sechzigerjahre und die künstlerischen Traditionen Japans* wissen?

^{*das mit den „Traditionen Japans“ gilt ja wohl
eher für die Instructions von Yoko Ono
und Takako Saito, KunstArzt3, oder?!?}

Und: Ist ein bescheidenes, individuelles Klangkleid von Takako Saito nicht viel sympathischer als Yayoi Kusamas 450-teilige Überpunktungs-Kollektion – Taschen-Punkte! Turnschuh-Punkte! Luxus-Punkte! – für Louis Vuilleton?*

^{*auch das sehen wir anders! Siehe die
tollen 1968er-Kleider auf dem Foto!}

^{Foto oben: „Yayoi Kusama“, Ausstellungsansicht,
Museum Ludwig, Köln 2026. Tolle Kleider. Von 1968. Aus New York!}

Das ist gar nicht der Punkt!

Aber das ist gar nicht der Punkt. Auch sonst kann ich mit dem „Polka Dot“ von Yoyomi Kusama nämlich nicht viel anfangen.

Ich habe einfach kein Auge dafür – gerade dort nicht, wo er das Ding millionenfach übertüncht. Oder den Raum. Denn dieses heute so beliebte „Immersive“ liegt mir fern.

Das liegt aber vielleicht auch daran, dass ich von Kunst nicht überwältigt werden will. Kunst soll mich nicht an die Hand nehmen. Ich hätte gern, wenn sie auf Distanz bleibt zu mir.

Das hat auch etwas mit Respekt mir als Betrachter gegenüber zu tun. Alles andere ist Penetranz.

^{Foto oben: Wirkt wie Kunst der Aborigines. Ist aber Yayoi Kusamas
„Every Day I Pray For Love“ (2023), Museum Ludwig, Köln 2026}

Aber das sehen die beiden anderen KunstÄrzte vielleicht anders.*

^{*nö, lieber KunstArzt3: Mit DIESEM Punkt sind wir dann doch d’accord.
Haben wir aber auch schon SO oft drüber gesprochen zusammen!
Schöne Grüße!!! Deine KunstÄrzte1&2}

Nichts gegen Konzept-Kunst!

Nichts gegen Konzept-Kunst, die immer das Gleiche macht. Peter Dreher, On Kawara, Erwin Hapke: alles tolle Sachen. Weil sie mein Denken animieren, das Denken mit dem Knie.

Hier aber sehe ich nur Überreizung. Effekt. Ich kann mir da nicht helfen, aber für mich ist Yoyomi Kusamas punktuelles Grenzen-Überschreiten Mode-Trip.

Für mich schaffen Yoyomi Kusamas „Polka Docs“ aalglatte Oberflächen, sind Punkte-Fashion ohne Reibungspunkte, Pop-Art-Deko. Sie führen trotz vermeintlich poetischer Titel nicht zu poetischer Erkenntnis, sondern von der Ausstellung direkt in den Museums-Shop.

^{Foto oben: Museums-Shop in der Buchhandlung König
im Museum Ludwig, Köln 2026. Fürs Kusama-Mechantising
gibt’s extra zusätzlich noch einen Sonder-Stand im Foyer.}

Einfach nur Wow!

Die Grenzen zwischen Körper und Raum auflösen, Grenzen überschreiten, das wollen ja Viele. Das man das will, das kann man lernen. Es ist doch immer noch die Frage, wie man es macht.

Und die Inbesitznahme der Welt durch Kunst ist in meinen Augen beispielsweise Günther Uecker mit seinen Nägeln viel besser geglückt. Und Louise Bourgeois das mit der Angst.

Was soll’s. Die Massen werden ins Museum strömen – vermutlich auch die jungen Massen, die sonst nicht ins Museum gehen. Niederschwellig ist das, was Yoyomi Kusama macht, ja auf jeden Fall. Besucher-Rekorde sind vorprogrammiert.

Diese jungen Massen werden dann Yayoi Kusamas immersive Räume stürmen und sie als Staffage für ihre Selfies per Film & Foto auf Insta & TikTok ins mediale Universum spülen, während sich das echte Universum ganz klein fühlt dabei.

Denn so sehr Yayoi Kusama das Publikum auch einlädt, das eigene Ego dank Dots im Kosmos aufzulösen: Ihr Werk wird von einer Generation Z konsumiert, die nurmehr das eigene Ich, wenn’s hochkommt, im Raster ihrer Punkte ins Unendliche vergrößert.

^{Foto oben: Yayoi Kusama, „Infinity Mirrored Room – Illusion Inside the Heart“ (2025),
Herz-Innenansicht, Museum Ludwig, Köln 2026}

Ein Werk wird Inszenierungskunst für Social Media – und das Museum zur Personenkultstätte für narzisstische Influencer. So gesehen: doch wieder analoger Spiegelsaal der Gegenwart.

Von Berufswegen sympathisch

Ach ja: Yayoi Kusamas Gedanke, dass Kunst heilen könne, ist mir als KunstArzt schon von Berufswegen sehr sympathisch – und wenn ich das richtig sehe, dann hat es bei Yayoi Kusama selbst, zumindest um zu überleben, ja auch ganz gut geklappt.

Allerdings sind Yayoi Kusamas „Polka Docs“ nicht die Art von Kunst, die mich persönlich heilen könnte. Punkt und Aus. (15.03.2026)

<sup>„Yayoi Kusama“ läuft noch bis zum 2. August 2026 im Museum Ludwig in Köln; es muss online ein Zeitfenster-Ticket gebucht werden, denn es wird, da muss man kein Prophet sein, voll.

Man kann das Ganze nämlich auch ganz anders sehen als unser ansonsten hochgeschützter KunstArzt3-Kollege in seinem trypophobischen Wahn! Und natürlich sind bei den über 300 Arbeiten – von der ersten Zeichnung Mitte der Dreißigerjahre bis zu heutigen Werken – weitaus mehr als Punkte zu sehen. Und auch die Ausstellungs-Architektur ist richtig klasse – wie man hoffentlich an den Fotos von KunstArzt1 erkennen kann!

Dazu aber wie oben schon versprochen übernächste Woche mehr.</sup>

Das Museum Ludwig in der KunstArztPraxis:
Die Alchemist*in: Ursula im Museum Ludwig
Aus dem Erzähl-Automaten: Francis Alÿs in Köln
Sommerloch-Porträts 2: Pierre Huyghes Hund
Kasper König: Porträt der Schenkung als ihr Schenker
Gerhard Richter Retro: „Neue Bilder“ in Köln (2017)

Zur Entfremdung bei der Kunstbetrachtung:
Der Herr im Kunstpalast. „Elias Sime. Echo“

Homepage des Museums Ludwig

Der Beitrag Pro & Contra Yayoi Kusama 1: Die Punkte nerven! erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Indem sie ihre farbliche Abstraktionen als Körper in die Ausstellungsräume wachsen lässter, weckt Kerstin Brätsch die an sich ja platte Malerei mit „MƎTAATEM“ im Kunstmuseum Bonn zum Leben. Neben Neuproduktionen sind über 100 Werke der letzten 15 Jahre zu sehen. Die Arrangements sind pure Alchemie.

Die Älteren werden sich erinnern: Der letzte Marta-Preis der Wemhöner-Stiftung ging an Lena Henke, und wir Drei von der KunstArztPraxis hatten der Jury Lena Henke auf Einladung des Marta Herford höchstpersönlich vorgeschlagen! Darauf sind wir bis heute mächtig stolz. 

Ende 2026 wird Kerstin Brätsch der aktuelle Marta-Preis überreicht, und wir können uns keine würdigere Nachfolgerin für Lena Henke denken. Denn Kerstin Brätsch macht tolle Kunst, die die – ihrem Wesen nach ja eigentlich fast platte – Malerei in Raum & Körper(n) weiterdenkt.

Dieses Fast-Platte-Malerei-in-Raum-&-Körper-Weiterdenken ist bei Kerstin Brätsch immer geistig ebenso sauber grundiert wie äußerst sinnlich ausgeführt.

Grandios pulsierend umgesetzt

Und ist im Kunstmuseum Bonn jetzt auch kuratorisch grandios pulsierend umgesetzt (Danke, Friederike Fast!).

In „MƎTAATEM“ kann man auf Bildern sitzen und durch Bilder gehen wie durch Zimmer. Da gibt es Malerei, die als Tapete mit abstrakten Felsen, Wolken und Gesichtern die hohen Wände symmetrisch überwuchert, wie eine zweite Haut.

Es gibt Malerei, die Schatten wirft. Die anderer Malerei als Sockel dient. Die Wege versperrt, Perspektiven öffnet oder monstergleich auch noch den kleinsten Zwischenraum beherrscht.

Andernorts gefriert Malerei zur abstrakten Landschaft: So wie bei „Fossil Psychics for Christa“, die Kerstin Brätsch mit Unterstützung des Stukkateurs Walter Cipriani geschaffen hat: „versteinerte skulpturale Pinselstriche“, wie Brätsch das nennt.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Für Brätsch ist die „Fossil Psychics“-Serie auch eine Hommage an Steine: „ihre Präsenz, ihre Stille und ihre Fähigkeit, die Zeit zu konservieren.“ Wie der polierte Querschnitt durch Achate. Auch Natur ist Teil des malerischen Körpers.

Das hat eine visuelle Schönheit, die gerade dank der Abstraktionen Assoziationen weckt – und gleichzeitig beim betrachtenden Durchwandern über- und unterschwellig zu Reflexionen über sich selbst als Kunstwerk animiert.

Denken mit dem Knie in Reinkultur. Hach. So etwas gefällt uns Dreien von der KunstArztPraxis ja bekanntlich immer ganz besonders gut.

Ein Glück: Der Raum ist da

Beim betrachtenden Durchwandern von „MƎTAATEM“ jedenfalls war uns, als habe Kerstin Brätsch einen künstlerischen Kernspin-Tomographen mitsamt Sonar und Röntgenröhre angeworfen:

Auf dass wir staunenden Auges hineinschauen könnten in Herz & Lunge – ach, was sagen wir: in alle nur ERDENKLICHEN Organe der abstrakten Malerei.

Während die Bilder in großer Geste atmeten, pulsten und pochten, und zwar, ja: GANZHEITLICH. So zumindest erschien es uns.

Zum Glück ist Raum zum ganzheitlichen Atmen, Pulsen, Pochen dieser Werke im Kunstmuseum Bonn gegeben.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „Atem“ (2024/2025),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Mit „MƎTAATEM“ ist Kerstin Brätsch unserer Meinung nach etwas ganz Zauberhaftes gelungen: Sie hat dem Museums-Körper mit Farbe Leben eingehaucht wie Rabbi Löw dem Lehm.* Wobei ihr Golem klug ist und in Bildern zu uns spricht.

^{*dass dies bei den architektonisch doch recht dominanten Räumen
des Kunstmuseums Bonn in dieser Form nicht ganz einfach ist,
wollen wir zumindest kurz erwähnen.}

Wir müssen das alchemistisch nennen

Wir können das nicht anders als alchemistisch nennen. Was ganz im Sinne Kerstin Brätschs sein sollte. Denn als eine Art Alchemistin versteht sich die Künstlerin offenbar auch.

Da nimmt es kaum Wunder, dass der von uns ja so geliebte objektive Zufall Kerstin Brätsch in einer Glaswerkstatt Restbestände einer Arbeit in die Hände spielte, die ein anderer Alchemist der Malerei 2009 für die Buntglasfenster des Großmünsters in Zürich schuf. Natürlich: Sigmar Polke. 

„Ich habe seine Rest-Achate in meine eigenen Glasarbeiten eingebettet, wie eine Katze, die einen Teller sauber leckt“, sagt Brätsch. Allein für diese schöne Formulierung hat sich die Erwähnung der Anekdote schon gelohnt.

Auch Polke war ein Zauberer, der mit Malerei Räume füllte und Pavillons zu lebendigen Körpern machte! Wir wollten das als kleinen Exkurs aus gegebenem Anlass hier nur kurz ins Gedächtnis rufen.

Die Alchemie muss aber stimmen!

Zur Alchemie des Atmens, Pulsens & Pochens von Kerstin Brätschs Werken gehört nicht nur, dass sie ihren Malerinnen-Körper in gewisser Weise dadurch erweitert, dass sie mit anderen Künstler*innen oder Kunsthandwerkern kollaboriert.

Dazu gehört auch, dass Brätsch selbst nicht immer weiß, wohin der Prozess der – am Ende allerdings dann doch wieder bewusst gelenkten – Bildfindung führt.

Deutlich wird das bei den „Marmorierungen“, bei denen Kerstin Brätsch den gestischen Pinselstrich gegen übers Blatt laufende Tusche eingetauscht hat. Die Blätter bewegt sie mit dem Marmorier-Meister Dirk Lange gemeinsam hin und her.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Für Brätsch ist dies vor allem eine Arbeit physikalischer Kräfte wie „Schwerkraft, Abstoßung und Anziehung“: eine Arbeit, die zudem von den Eigenschaften der verwendeten Materialien bestimmt wird.

Lang lebe Subjektivität & Autorschaft!

Dass da ja wohl einmal mehr die Frage nach Autorschaft und Subjektivität von der Künstlerin aufgeworfen werde:

Dieser Gedanke geistert da fast schon automatisch durch unsere drei Gehirne, wird aber gleich wieder – Pfft, pfft, Gedanke! – erfolgreich daraus verscheucht.

WIR glauben nämlich noch an Subjektivität & Autorschaft. Und zwar UNISONO.

^{Foto oben: Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Wilder Tango für vier Arme?

Wir stellen uns das Procedere lieber als wilden Tango für vier Arme vor, bei dem Papier & Tusche jene Körper sind, die von besagten Armen im Rhythmus bewegt & tänzerisch verschmolzen werden wollen. Und wo vielleicht mal das eine und mal das andere Hand-Paar führt. Bis die Vorlage steht für das – nach dem Tanzen wie gesagt noch nachbereitete – endgültige Werk.

Bei DIESEM alchemistischen Werden würden wir im Atelier gerne einmal Mäuschen spielen.

Wenn nichts dazwischenkommt, dann wird Kerstin Brätsch den mit 25.000 Euro dotierten Marta-Preis Im November 2026 bei einem Festakt im Marta Herford offiziell entgegennehmen; damit verbunden ist eine Einzelausstellung in der dortigen Lippold-Galerie.

Hoch & weit vs. niedrig & Schlauch

Wir sind schon sehr gespannt, wie ihre skulpturale Malerei dort atmen, pulsen oder pochen kann. Nur eins ist klar:

Es wird ein anderes Atmen, Pulsen oder Pochen sein. Denn so viel wunderbaren Platz zum Atmen, Pulsen oder Pochen wie im Kunstmuseum Bonn werden Kerstin Brätschs Bilder in der eher schlauchig & niedrig ausgeformten Lippold-Galerie nicht haben.

^{Foto oben: Selbst zum Raum-Verstellen braucht man Raum!
Kerstin Brätsch, „MƎTAATEM“ (Installationsansicht),
Kunstmuseum Bonn, 2025}

Wir werden auf jeden Fall im November nach Herford reisen. Und vielleicht werden wir sogar berichten.

Aber vorher werden wir sicher noch einige Male staunenden Auges und denkenden Knies durch Kerstin Brätschs hypnotische Bonner Farb-Körper wandern, die auf sehr wundersame Weise Reflexionen über ungeahnte malerische Möglichkeiten mit deren sinnlicher Präsenz in Raum & Körper lebendig verknüpft.

MƎTAATEM eben. (08.02.2026)

^{Kerstin Brätsch. MƎTAATEM“ ist noch bis zum 12. April 2026 im Kunstmuseum Bonn zu sehen.}

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
Der Schatten seiner selbst in Bonn: „From Dawn Till Dusk“
Blick durchs Schaufenster. Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Der brennende Dornbusch. Katharina Grosse in Bonn (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn

Homepage des Kunstmuseums Bonn

Der Beitrag Atmen. Pulsen. Pochen. Kerstin Brätsch in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

In Siegen setzt das Museum für Gegenwartskunst (MGK) über 80 Stillleben und Landschaften von Giorgio Morandi mit den Werken anderer Künstler in Dialog. Bei uns hat die fulminante Schau die Erinnerung an ein vergessenes Stillleben ausgelöst, das wir über die Jahre mit Morandi verbunden haben. Auch eine Detektiv-Geschichte.

Als wir für unser Hexenbuch durch die Jahre ein- und ausgingen in Mary Bauermeisters Rösrather Märchenreich, da sahen wir immer wieder durchs Fenster ins Arbeitszimmer auf ein Gemälde mit verstaubten Flaschen.

Dieses Stillleben hat KunstArzt1 immer wieder aus dieser Durchblicks-Perspektive fotografieren müssen, wie unter Zwang: Es gibt durch die Jahre unzählige Fotos davon, die zeitlich nur dank Erinnerungen (und Dateinamen) zuzuordnen sind.

Natürlich dachten wir, der uns (damals) unbekannte Maler habe jene Flaschen abgemalt, die Mary Bauermeister unter seinem Stillleben arrangiert hatte. Aber dann erzählte uns Mary Bauermeister, sie habe die realen Flaschen aufgrund von Ähnlichkeiten nachgesammelt. 

Erst Kunst, dann Wirklichkeit

Demnach war zuerst die Realität der Kunst, und DANN erst eine sich ihr annähernde Form der Wirklichkeit.

Wegen ihrer magnetischen Ruhe waren die gemalten Flaschen, trotz aller Unterschiede auch in der sinnlichen Qualität, in unseren Augen unmittelbar mit Giorgio Morandi verbunden: Morandi musste ihr Vorbild sein.

Vor allem aber schien uns die erzählte Aktion Mary Bauermeisters, dieses Reenactment der Wirklichkeit nach künstlerischer Maßgabe noch besser zu Morandi Werk zu passen als zum Flaschen-Bild an ihrer Wand, ja: fast schon sinnbildlich für unsere Wahrnehmung davon zu sein.

Wie wir das meinen, können wir gut an der Morandi-Schau im MGK Siegen illustrieren, wo neben Landschaften imposant viele seiner Stillleben: Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle und Grafiken, versammelt sind.

^{Foto oben: Giorgio Morandi, „Natura Morta“ (1959. Detail),
Museum für Gegenwartskunst, Siegen 2025}

Denn: Wenn wir die Flaschen Morandis sehen, dann sehen wir Einmaligkeiten aus purer Malerei, die nur vorgeben, Abbild zu sein. Was für Flaschen sollten das auch gewesen sein, die Morandi zum Vorbild hätte nehmen können? Das wäre viel zu profan gedacht.

Der Staub der Ewigkeit

Bei Morandi hat sich ja nichts weniger als die Ewigkeit wie Staub über einen sanften Körper aus Farbe gelegt. Wenn dabei irgend etwas abgebildet sein sollte, dann die Stille der Welt.

Und trotzdem ist beim Betrachten halt immer auch eine Sehnsucht da, die nicht existenten Flaschen Ähnlichkeiten außerhalb des stillen Bildes zu finden. Wie bei Mary Bauermeister.

^{Foto oben: Giorgio Morandi, „Natura Morta“ (1945/1946. Detail),
Museum für Gegenwartskunst, Siegen 2025}

Und mit diesen Ähnlichkeiten vielleicht so etwas wie Seelenruhe.

Im Grunde möchten wir wider besseren Wissens einfach nicht GLAUBEN, dass es zu Morandis Flaschen, Krügen, Schüsseln, Vasen, Schachteln vom Frühwerk der 1920er bis in die 1960er Jahre in Siegen Realitäten gäbe – auch wenn vor allem Luigi Ghirris nahezu kongeniale Fotos aus Morandis Atelier in Genua dies vorgeblich unumstößlich beweisen.

DIESE Illusion wollen wir uns tunlichst bewahren.*

^{*Wir werden Morandis Atelier aus diesem Grund auch
niemals betreten. KEINER von uns Dreien. Never ever.}

Es gibt in unseren Augen halt oft zwei Wahrheiten in der Kunst, und die profanere ist uns immer ein bitzeli zu schal.

Und wo sind nun die echten Flaschen?

Durch die unserer Meinung nach nichts weniger als umwerfende Morandi-Schau in Siegen kam uns nach Jahren die verschüttete Erinnerung an das Flaschen-Bild in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer in Rösrath wieder in den Sinn.

Plötzlich erinnerten wir uns, dass Mary Bauermeister uns den Namen des Künstlers auf einen blauen Klebe-Zettel in den Dummy unseres Hexenbuchs geschrieben hatte! Wir sahen nach. Tatsächlich, da stand er: Josta Stapper.

Wir spürten Josta Stapper im Kunstzentrum Wachsfabrik auf: einer zauberhaften Künstlerkolonie bei Köln, in der auch Mary Bauermeister kurz ein Atelier bewohnte, bevor sie zurück ins Märchenreich nach Rösrath zog.

Unser Hexenbuch hatte sie Josta Stapper vor Jahren zugeschickt. Vor allem dies öffnete uns die Tür.

In Josta Stappers Badezimmer wurde einstmals das Paraffin für die Kerzen der Wachsfabrik geschmolzen: Die acyclischen Spritzer klebten noch auf der Wand hinter dem Spiegel. Verstaubte Flaschen wie die vom Gemälde in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer standen in den Regalen.

Die Zeit stand still. Auch hier.

^{Foto oben: Der Dummy unseres Hexenbuchs mit blauem Klebezettel
von Mary Bauermeister in Josta Stappers Atelier, Köln 2025}

Nein, Giorgio Morandi habe ihn nicht wirklich beeinflusst, so sehr er seine Bilder schätze, sagt Josta Stapper: „Ich bin ja Realist“.

Vielmehr sei er eines Tages ganz profan in den Keller der einstigen Wachsfabrik gestiegen, und da lagen diese Apotheker-Flaschen mit Chemikalien aus den alten Beständen. Die habe er dann mitgenommen in sein Atelier. 

Wie unter Zwang?

Ihr Alter habe ihn fasziniert, die Form, der (echte) Staub, sagt Josta Stapper. In immer neuen Konstellationen habe er sie immer wieder malen müssen – bis heute.

Wie unter Zwang, Herr Stapper? Wir haben nicht gefragt.

^{Foto oben: Unvollendetes Flaschen-Bild
in Josta Stappers Atelier, Köln 2025}

Egal. Wir denken uns dieses Malen des immergleichen Variierten als eine Form meditativer Einkehr, als Zur-Ruhe-Kommen im Prozess des Schaffens. Quasi als Heilung von der Wirklichkeit. Die magnetische Ruhe: Das ist des Profanen andere Seite.

Wie bei Erwin Hapke. Oder bei Peter Dreher, dessen Tag- und Nachtgläser in Siegen vis-à-vis zu Gemälden Giorgio Morandis hängen. Ein bisschen auch wie bei uns, beim Fotografieren von Josta Stappers Flaschen-Stillleben: durch all die Jahre aus der immergleichen Durchblicks-Perspektive in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer.

Und eben, dann doch wieder ähnlich & viel mehr noch als bei uns, trotz aller Unterschiede auch in der sinnlichen Qualität: wie bei Giorgio Morandi selbst.

Stappers Erinnerung geht anders

Das Flaschen-Bild habe Mary Bauermeister ihm Anfang der 1990er Jahre abgekauft, als sie noch Nachbarin und Nachbar waren, sagt Stapper – ein Zehntel ihrer Einkünfte floss ja Zeit ihres Lebens in Werke von Künstler*innen, die knapper bei Kasse waren. 

Ob Mary Bauermeister Flaschen nach dem Abbild seines Bildes zusammengesammelt habe, um sie darunter zu drapieren? Von diesem Reenactment der Wirklichkeit nach seiner künstlerischen Vorgabe will Stapper nichts wissen. Seine Erinnerung geht anders.

Tatsächlich habe er Bauermeister die Vorbilds-Flaschen aus dem Wachsfabrik-Keller mitsamt dem Gemälde überlassen. Sie habe es sich so gewünscht.

^{Foto oben: Perspektiven-Variante, aber immer noch
durch’s Fenster: Josta Stappers Flaschen-Stilleben in
Mary Bauermeisters Arbeitszimmer, Rösrath 2019}

Zwei mögliche Wahrheiten, eine ist profaner, die andere womöglich Illusion. Wie bei den Flaschen von Giorgio Morandi.

Wir wissen nicht, welche Geschichte stimmt – die von Mary Bauermeister oder die von Josta Stapper. UND wir wissen nicht, welches die echten Flaschen sind, die in Mary Bauermeisters Arbeitszimmer oder die in Josta Stappers Atelier. Aber eines wissen wir: WIR haben die echten Flaschen, WO auch immer, gesehen.

Was sollen wir sagen, Herr Stapper?

Was sollen wir also sagen, Herr Stapper? Wir finden, dass Ihre Kunst mehr mit Giorgio Morandi zu tun hat als Sie denken. Da gibt es viele Resonanzen, zumindest unserer bescheidenen Meinung nach. Wir haben versucht, das aufzuzeigen. Und wir empfehlen Ihnen sehr, nach Siegen zu fahren, ins MGK, um diese Resonanzen mit eigenen Augen zu entdecken. Andere zu sehen gibt es auch.

Darüber hinaus: SO viele grandiose Stillleben mit Flaschen, Krügen, Schüsseln, Vasen, Schachteln – womöglich OHNE reale Flaschen, Krüge, Schüsseln, Vasen, Schachteln – also: So viel wundervoll pure Malerei bekommen Sie so schnell sicher nicht mehr zu sehen.

Dies zumindest ist eine – keineswegs profane – Wahrheit, auf die man sich, trotz deri unterschiedlichsten Erinnerungen im Hintergrund, einigen kann. (25.01.2026)

^{„Giorgio Morandi, Resonanzen“ ist noch bis zum 22. März 2026 im Museum für Gegenwartskunst (MGK) in Siegen zu sehen, das in diesem Jahr zudem sein 25-jähriges Bestehen feiert. Nochmal: Unbedingt hingehen, Josta Stapper!}

^{Anmerkung: Als wir Josta Stapper die Geschichte von den nachgesammelten Flaschen Mary Bauermeisters bei unserem ersten Besuch im Atelier erzählten, da sagte er noch, davon habe er nichts gewusst: „Aber das erfüllt mich mit Stolz“. Das wollen wir Illusionisten von der KunstArztPraxis an dieser Stelle nicht verschweigen – dass auf MBs Flaschen im Märchenreich kein Staub war ebensowenig! Ob danach die Erinnerung daran zurückkam, wie es wirklich war, wie er uns später schrieb? Wir haben Josta Stapper nicht gefragt, auch hierzu nicht. Manche Wahrheit darf in der Kunst getrost im Dunklen bleiben.}

Das MGK Siegen in der KunstArztPraxis:
„Meine Juden“: Miriam Cahn im MGK Siegen
Katja Novitskova: Die glücksberaubten Pinguine
Mariana Castillo Deball: Im Museum der Zukunft
Mehr als heiße Luft: „Die Wolken und die Wolke“ in Siegen
Die Wachstumskurven der Katja Novitskova
Schach in der Mausefalle: Zum Tod von Takako Saito

Homepage des MGK Siegen

Der Beitrag Wo sind die echten Flaschen? Giorgio Morandi in Siegen erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

In diesem Jahr feiern die vier Museen von Worpswede (fast) in den 150. Geburtstag von Paula Modersohn-Becker (08.02.2026) hinein: Zum Jubiläum gehen die Leihgaben an die großen Häuser. Für uns ein guter Grund, ins einstige Künstlerdorf zu fahren, zu Paula & Gefährtinnen. Für Einen von uns war es eine sentimental journey.

Vor 35 Jahren reiste Einer von uns nach Worpswede. Es ging um eine Frau, das auch. Vor allem aber ging es um die Birke. Unser Einer liebt die Birke, für ihn ist sie bis heute die Königin der Bäume. In seinen Augen kommt kein anderer Baum ihr an Anmut und Schönheit gleich.

Der Ruf der Birken von Worpswede war den Bäumen in Form von Kunst vorausgeeilt. Nun wollte unser Einer im Teufelsmoor unter dem unglaublich weiten Himmel des Nordens jene stolzen Bäume sehen, die er von den Bildern Paula Modersohn-Beckers her schon kannte.

Tot der Jugend lauschen

Mit besagter Frau kam unser Einer damals im Haus im Schluh unter, bei Heinrich Vogelers schon hoch betagter Tochter Mascha: Damals lebte sie noch. Im Frühstücksraum hing ein Gemälde, auf dem ihre Mutter Marta im Birkenhain den Vögeln, dem Frühling und der eigenen Jugend lauschte. Heinrich Vogeler hatte es gemalt.

Unser Einer schlief im sogenannten Rosenzimmer untern Reetdach, mit selbstgemachten Möbeln Heinrich Vogelers vom Barkenhoff. Er erinnert sich an herrliche Gespräche mit Mascha, auch über Kunst im Alltag. An himmlische Betten, an traurige Träume. Und an sehr unbequeme Stühle.

^{Foto oben: Heinrich Vogelers „Frühling“ (1897) im Haus im Schluh,
Worpswede 2025. Unser Einer hatte das Bild viel kleiner in Erinnerung.}

Von der Birke zum Porträt

So wundervoll unser Einer Vogelers Marta-Porträt in seiner natürlichen Umgebung damals fand, so ist für ihn bis heute Paula Modersohn-Becker die Malerin der Birke geblieben. Er verließ Worpswede aber auch mit der Erkenntnis, im Teufelsmoor keine der von ihr in ihrem „Lilienatelier“ vor Ort gemalten Birken gefunden zu haben.

Denn Paula Modersohns Birken, so hatte er schließlich begriffen, sind ja keine Bäume, sondern aus Farbe geformte, fast seidene Körper, wie Risse in der Leinwand schwebend vor ihrem grünbraun-erdenschweren Grund.

Und in ihrer Wesenheit und stillen Stärke von einer anderen, flächigen und eben nicht mehr vordergründig tiefen Wirklichkeit.

Später brauchte unser Einer noch eine Weile, um seinen Blick auf Modersohn-Beckers Werk von der dominanten Birke weg zu ihren Porträts hin zu öffnen, die ja irgendwie auch Landschaften sind. Zum Frauenporträt, um genau zu sein.

Zum Frauenselbstporträt, natürlich. Denn Paula Modersohn-Becker hat ja vor allem sich selbst gemalt.

Für Zwei von uns war es das erste Mal

Vor wenigen Wochen sind wir alle Drei gemeinsam nach Worpswede gereist. Für zwei von uns war es das erste Mal: Die Erzählungen des Einen, von der Birke & den Frauen, hatten den anderen Beiden keine Ruhe gelassen.

Ins Teufelsmoor stiefelten wir aber nicht: der verflossenen Jugend, sprich: der Knie wegen.

Stattdessen sind wir zu Paula Modersohn-Beckers Grab gepilgert und haben von der Orgelbühne aus ihre Blumenbilder in den Bögen der ungemein hübsch schlichten Moorbauern-Kirche betrachtet.

Der Überlieferung nach sind sie Teil einer gemeinsam mit der Bildhauerin Clara Rilke-Westhoff verfertigten Strafarbeit der damals 24-Jährigen: weil die Fräuleins in einem Anflug jugendlichen Leichtsinns die Kirchenglocken Sturm geläutet hatten – und das verärgerte Dorf in der irrigen Annahme herbeigeströmt war, es brenne.

In unseren drei Tagen Worpswede haben wir diese Geschichte vier Mal gehört. Und später in Bremen noch einmal.

^{Foto oben: Grab von Paula Modersohn-Becker (1876-1907) auf dem Friedhof der Zionskirche.
Die Mutter-Kind-Plastik des Bildhauers Bernhard Hoetger kam erst 1919 dazu.}

Egal. Jedenfalls sind diese Blumen-Zeichnungen die einzigen, im Übrigen ganz bezaubernd zarten Werke der Künstlerin, die man bis ans Ende aller Tage nur in Worpswede sehen kann.

Wenn es nicht WIRKLICH einmal brennt.

Wir schliefen nicht in Heinrich Vogelers Rosenzimmer im Haus im Schluh, das inzwischen ohnehin mit Bad und Küche zum Appartement „aufgetakelt“ wurde: Zweifelsfrei schön & bequemer, aber eben nicht mehr unseres Einen Erinnerungs-Ort.

Stattdessen bezogen wir in Paula Modersohn-Beckers berühmtem Lilienatelier im denkmalgeschützten Brünjeshof Quartier, in dem viele der von uns geschätzten Porträts und Birkenbilder entstanden. Für diese Reise war es ohnehin der stilvollere Rahmen.

Wenn Rauschen Rauschen übertönt

Im Atelier konnten wir zwar nicht wie Paula Modersohn-Becker „alles Eitle, was die Großstadt mit sich bringt“, abstreifen, um „ein wahrer Mensch und echte Seele zu werden“, das ist ja klar:

Dafür ist Worpswede längst Teil des touristischen Urbanen.

Bei uns kam deshalb auch nur bedingt das Künstlerinnen-Gefühl auf, dass vorm Fensterrahmen „draußen die Schöpfung leise rausche“:

Heute wird die Schöpfung vom Vorrüberrauschen der SUV und LKW auf der nahen Hauptstraße schnöde übertönt.

^{Foto oben: Durch diese Rahmen sah Paula Modersohn-Becker
draußen tagtäglich die Natur. Worpswede 2025}

Die Aura des konkreten Raums

Aber die sorgsam ausgesuchten Möbel gaben in unseren Augen das Flair der damaligen Einrichtung hinlänglich wieder. Und die Bemalung der Wände ist jener Farbigkeit nachempfunden, in der Paula* sie einstmals strich.

^{*In Worpswede werden die Künstler*innen der Moderne beim Vornamen
genannt: Paula, Ottilie, Martha, Clara, Heinrich, Otto usw. usf.
An diesen Marketingeltangel mussten wir uns erst gewöhnen.}

Vor allem aber sahen wir durch dasselbe Atelier-Fenster, durch das Paula Modersohn-Becker beim Malen zur Jahrhundertwende gesehen hatte – was ungeheuer inspirierend war!

Denn so, wie es eine Aura des Kunstwerks gibt, so gibt es ja auch – sogar jenseits originaler Möblierung – die Aura des konkreten Raums.

Die Malerin der Blicke

Momentan ist eine gute Zeit, um nach Worpswede zu fahren – vor allem, wenn man die hier tätig gewesenen Maler*innen der Künstlerkolonie nicht nur von der Birke, sondern auch vom Porträt her studieren will.

Im Vorjahr zu Paula Modersohn-Beckers 150. Geburtstag (08.02.2026) haben die vier Worpsweder Museen in einer konzertierten Aktion nämlich die Ausstellungs-Reihe „Der unteilbare Himmel“ ins Leben gerufen, die der Jubilarin und ihren künstlerischen Weggefährtinnen gewidmet ist.

Mit einem grafisch wie didaktisch gleichermaßen überzeugenden Konzept, dass die Häuser mit einem roten Faden wie von Geisterhand verbindet.

Für uns war dabei die – vor allem im Untergeschoss sensationelle – Schau „Frei und unabhängig. Ottilie Reylaender“ in der Worpsweder Kunsthalle einhellig die größte Entdeckung.

Von Reylaender, die mit ihrer Mitschülerin Paula Modersohn-Becker in der Klasse vom Mitbegründer der Worpsweder Künstlerkolonie Fritz Mackensen eng befreundet war, kannten wir zwar einiges.

Aber wir hatten diese großartige Malerin, deren Selbst- und Doppel-Bildnisse, Landschaften oder Mutter-Kind-Darstellungen im Dialog mit denen der Bald-Jubilarin gehängt sind, frevelhafter Weise viel zu wenig auf dem Schirm.

^{Foto oben: Dieses fulminante Gemälde zum Beispiel kannten wir schon:
Ottilie Reylaender, „Zwei Freundinnen“ (um 1900), Worpsweder Kunsthalle, 2025}

Nach Worpswede können wir nun aber unter anderem sagen, dass wir nur wenige Künstler*innen kennen, die mit so wenigen gezielten Pinsel-Strichen so viel Seele in die Blicke der von ihr Porträtierten legen konnten wie sie. So viel Melancholie: gerade in Kinderaugen.

Da arbeitet Modersohn-Becker beim gleichen Sujet – Augen & Blicke & Seelen bei Kindern – ganz klar verwaschener.

Die Große Kunstschau vis-à-vis verfolgt mit „Zukünftiges Schaffen“ das um 1900 nicht nur von Paula Modersohn-Becker anvisierte Ziel, Künstlerin zu werden, im Grunde bis in die Gegenwart – und konfrontiert den Wunsch nach kreativer Freiheit mit der damals gängigen – und heute von Rechtspopulisten wieder hervor gekramten – Rolle der Frau als Gattin und Mutter. 

Und im wundervollen Barkenhoff – dem Wohn- und Atelierhaus von Heinrich Vogeler, das inzwischen sein Museum ist – sucht die Ausstellung „Verwandte Seelen“ nach Bezügen zwischen der Malerei Modersohn-Beckers und den Porträt-Skulpturen Clara Rilke-Westhoffs, die wir ja schon aus der Sturmglocken-Anekdote weiter oben kennen.

^{Foto oben: Was für ein Aufgang! Barkenhoff, Worpswede 2025}

Und das Haus im Schluh?

Ach ja: Das Haus im Schluh. Dort sahen wir Maschas Mutter Martha wieder – nicht nur als lauschende Jugend im Birkenhain.

1919 wurde sie ja Heinrich Vogelers „Befreite Muse“: Als sie nach der Trennung mit den drei Töchtern, vielen Möbeln und Vogelers Frühwerk aus dem Barkenhoff auszog und dieses Anwesen, ein Dorf im Dorf, begründete.

Nicht zuletzt ermutigt durch Paula Modersohn-Becker, malte sie hier eigene Blumenbilder und begründete neben einem Heimatmuseum mit Bauernmöbeln 1938 auch eine Handweberei, die bis heute existiert.

Deshalb sind in „Befreite Muse“ viele Textilentwürfe und Textilien zu sehen. Auch jenes Kleid, das Martha Vogeler auf Heinrich Vogelers „Frühling“ trägt.

Da hat unser Einer sich gefreut.

^{Foto oben: Das Kleid, das Martha Vogeler 1897 für Heinrich Vogelers „Frühling“ trug,
Haus im Schluh, Worpswede 2025}

Wir gingen auch ins frühere Speisezimmer, sahen den inzwischen abgesperrten Tisch vorm „Frühling“, an dem unser Einer mit seiner Liebe beim Frühstück damals noch gesessen hatte.

In SEINER Jugend. IHRER Stimme lauschend. Noch ohne Wehmut. Und mit intakten Knien.

Ins Rosenzimmer gingen wir nicht

Wir setzten uns auch mehrmals auf Heinrich Vogelers Stühle. Wir fanden sie eigentlich ganz bequem, unser Einer auf seiner sentimental Journey plötzlich auch. Ins Rosenzimmer unterm Reetdach indes gingen wir nicht. Die Wehmut! Die Knie!! Die neuen Bewohner!!!

Wir schauten nur von draußen ins Fenster.

Im Haus im Schluh sprachen wir lange mit einer der jetzigen Besitzerinnen, die letzten der Familie. Was kommt danach?

Und in der Handweberei, am Webstuhl, trafen wir eine alte Weberin. Sie arbeitete schon vor 35 Jahren hier: schon zu Mascha Vogelers Zeiten, als unser Einer mit besagter Frau das Rosenzimmer unterm Reetdach bezog.

An unseren Einen und seine Liebe konnte sie sich natürlich nicht erinnern, verflossen ist verflossen. Außer in der Kunst. (12.10.2025)

^{Die Vierfach-Ausstellung „Paula Modersohn-Becker und ihre Weggefährtinnen. Der unteilbare Himmel“ ist noch bis zum 18. Januar 2026 in den Worpsweder Museen zu sehen. Hier im Abspann noch ein paar fotografische Vorgeschmäcke, in the order of apperance oben. Voilà:}

„Frei und unabhängig“, Worpsweder Kunsthalle, 2025

„Zukünftiges schaffen“, Große Kunstschau, Worpswede 2025

„Verwandte Seelen“, Barkenhoff, Worpswede 2025

„Befreite Muse“, Haus im Schluh, Worpswede 2025

<sup>Und dann zeigt das Paula Modersohn-Becker Museum in Bremen ebenfalls noch bis zum 18. Januar 2026 unter dem Titel „Paula Modersohn-Becker: Short Stories“ Werke aus der eigenen Sammlung. Da waren wir nach Worpswede auch noch.

Neben einem großartigen Bildnis der Freundin und Konzertpianistin „Lee Hoetger vor Blumengrund“ (1906) ist auch das „Selbstbildnis am 6. Hochzeitstag“ (1906) der Künstlerin mit vorgewölbtem Bauch unter den Werken.

In seiner Flächigkeit verweist es auf die andere Tiefe einer Seelenlandschaft. Denn schwanger – das ist so eine Short Story – war Paula Modersohn-Becker damals nicht.</sup>

^{Aber auch die anderen in Bremen gezeigten Werke sind zum Gutteil faszinierend. Kostprobe gefällig? Voilà nochmal:}

Bonus-Track 1: „Paula Modersohn-Becker: Short Stories“, Bremen 2025

^{Und dann gab es 2022 noch die Ausstellung „Das sind meine modernen Frauen“ mit Leihgaben aus dem Paula Modersohn-Becker Museum im Arp Museum in Remagen, deren Farbgebung Paulas berühmtem Lilienatelier in Worpswede nachempfunden war. Nicht nur deshalb wollen wir an sie erinnern. Voilà:}

Bonus-Track 2: „Das sind meine modernen Frauen“, Arp Museum, Remagen 2022

^{Anmerkung: Die geneigten Lesenden müssen jetzt sehr stark sein, den wir haben im Text oben einen Kunst-Fehler gemacht. Entlarvt wurde er so:}

^{Kurz nach der Veröffentlichung unseres Beitrags am Sonntag (12.10.2025) meldete sich Leserin Frau sa_mit_bine, weil sie doch tatsächlich am Montag das Rosenzimmer im Haus im Schluh bezog (siehe Kommentare unten)! Und weil sich unser Einer plötzlich nicht mehr sicher war, ob es sich bei dem von uns abfotografierten – und vielleicht etwas großen? – Fenster tatsächlich um das des Rosenzimmers handelt, haben wir Frau sa_mit_bine kurzerhand gebeten, doch noch einmal nachzusehen.}

^{Und, was sollen wir sagen, was bringt uns Frau sa_mit_bine am Sonntag (19.10.2025) als Nachricht mit aus Worpswede?: „In der Tat handelt es sich bei den von Ihnen fotografierten Fenster um die des ‚Blauen Zimmers‘, vor dem auch die Trauerweide des Gartens thront“. Danke, liebe Frau sa_mit_bine. Wie schade.}

^{Wir haben unterm falschen Fenster gestanden! Was für ein trauriges Ende der Geschichte.}

^{Ihre KunstArztPraxis (19.10.2025)}

Weitere Kunst-Anamnesen in der KunstArztPraxis:
Gegen.Bilder.Terror, 1989: Richters „18. Oktober 1977„
Lebenslanges Türenöffnen: Tomi Ungerer zum 90.
Korrekt performen: Marina Abramović zum 75.
Mehr Licht (2): 450 Jahre Caravaggio (*1571)
Sommerloch-Porträts (3): Robert Wilsons Mund
Sommerloch-Porträts (2): Pierre Huyghes Hund
Sommerloch-Porträts (1): Tim Burtons Hand

Homepage der Worpsweder Museen
Homepage des Hauses im Schluh

Der Beitrag Wohnen bei Paula: Unsere Reise nach Worpswede erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Im Kosmos Eckart Hahns wimmelt es nur so vor meisterlich gemalten Tieren in surrealem Ambiente. Und oft sind die gemalten Tiere aus Papier. „Papiertiger“ in der Villa Zanders trägt sie aus aller Welt zusammen. Ein täuschend echtes Spiel mit unserer wankelmütigen Wahrnehmung. Voller tiefsinniger Fragen an Ich & Welt.

In Bergisch Gladbach gibt es ein Gemälde, dass wir aus bestimmten Gründen ganz besonders mögen. Dabei kommt es oberflächlich betrachtet eher unscheinbar daher.

„Creation“ (2024) zeigt nicht mehr als ein erigiertes Streichholz-Männchen auf zwei gefalteten Papierfiguren ihn einem sanft beschatteten leeren Raum: ein Einhorn und ein Huhn. 

Hahn hat die unscheinbaren Drei aufeinander drapiert wie dezimierte Bremer Stadtmusikanten – und damit zeitliche Abfolge ins räumlich Vertikale verschoben. Denn die Figuren entstammen nicht dem Märchen, sondern einem Sciencefiction-Film, der in unseren Augen – neben „Flucht ins 23. Jahrhundert“ (1976) und „Terminator“ (1982) – einer der hellsichtigsten aller Zeiten ist.

Wir meinen natürlich Ridley Scotts „Blade Runner“ (1982), in dem ein zwielichtiger Typ namens Gaff mit seiner Origami-Kunst nach und nach auch das Leben des Helden Rick Deckard kommentiert.

Im Film hat Deckard im futuristischen Los Angeles des Jahres 2019 den Beruf, gegen ihr Sklaven-Dasein rebellierende Adroiden – sogenannte Replikanten – per Empathie-Test zu entlarven und zu eliminieren.

Am Ende des Films gibt Gaff Deckard mit seinem Papier-Einhorn den Hinweis, dass der Replikanten-Jäger selbst Replikant sein könnte. Denn es verweist auf einen Traum Deckards, von dem Gaff nichts wissen kann: es sei denn, der Traum wurde Deckards Hirn digital implantiert.

^{Eckart Hahn, „Creation“ (2024); © für alle Gemälde: VG Bild-Kunst 2025}

Vordergründig betrachtet zeigt „Creation“ nur drei ins Riesenhafte aufgeblähte Profan-Skulpturen aus Holz & Papier in einem Hierarchie-Gefüge.

Aber mit „Blade Runner“ im Rücken ist dieses Abbild (Gemälde) des Abbilds (Film) des Abbilds (Origami) eines nicht mal real existentierenden Originals (Einhorn) auf eine herrlich unaufdringliche und dennoch verschachtelte Art aufgeladen mit den sozialen & existentiellen Fragen unserer Zeit.

Wann ist der Mensch ein Mensch?

Fragen nach Identität & Selbstbewusstsein zum Beispiel, nach Wahrheit & Täuschung, nach Autonomie & Unterdrückung, Macht & Überwachung, Kaltherzigkeit & großer Liebe, Leben & Imitat, KI & Vergänglichkeit.

Damit ist „Creation“ mal wieder so ein gutes Beispiel dafür, dass Kunst selbst unter ihrer schönsten glatten Oberfläche Reflexionsräume öffnen kann. Auch für Dinge, über die der oder die Betrachter*in sonst vielleicht im Traum nicht nachgedacht hätte.

Und das kann eben auch gute Kunst aus und auf – und über – Papier.

Bekanntlich war die Villa Zanders bisher eher auf gute Kunst aus und auf, nicht aber über Papier abonniert. Insofern ist Eckart Hahns Meta-Papier-Ausstellung, die in Form einer käuflichen Edition nur eine einzige leibhaftige Zellulose-Arbeit präsentiert, ein Novum. Und damit eine in unseren Augen gut genutzte Chance für das Kunstmuseum zur kuratorischen Erweiterung des eigenen Portfolios.

Die rund 50 Exponate der Ausstellung decken nämlich auf, wie stark sich Hahn bei seinen fotorealistischen Werken in Acryl und Aluminium (es gibt auch fünf Skulpturen) immer wieder mit dem Motiv auseinandergesetzt hat, um das Fragile der in unserem Bewusstsein individuell zusammengefalteten Welt ebenso darzustellen wie das Herumlavieren unserer wankelmütigen Wahrnehmung.

Von daher passt Hahn & Zanders wie Deckel auf Topf.

Bei Eckart Hahn sei das gemalte Papier „Metapher für die Konstruktion von Wirklichkeit“, sagt Museums-Direktorin Ina Dinter.

„Es ist alltäglich und unscheinbar, aber zugleich Träger von Ideen, Geschichten und Identitäten. Papier kann täuschen, verbergen, verwandeln. Es eignet sich daher ideal, um die Unsicherheit und Mehrdeutigkeit unserer Wahrnehmung zu inszenieren.“

Besser hätten wir das auch nicht sagen können. Deshalb schmücken wir uns ausnahmsweise mal mit fremden Federn wie manche von Eckart Hahns Vögeln und zitieren etwas länger als sonst.

^{Wenn Konstruktion von Wirklichkeit misslingt, kann man Papier auch zerknüddeln
und frustriert zu Boden werfen! Dieses Papier hier ist allerdings aus Aluminium. Und eine
ziemlich gute Idee. Eckart Hahn, „Cloud II“ (2025), Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2025}

Und noch etwas kam uns in der thematischen Zusammenschau der Werke, die zum Gutteil aus Privatsammlungen aus aller Welt nach Bergisch Gladbach gereist sind, erstaunlich vor:

Uns erschien es beim Betrachten nämlich fast schon so, als würde Eckart Hahn beim Komponieren und beim Malen seiner Bilder sogar papiern DENKEN.

In Kartenhäusern, Papp-Aufstellern, Tapeten und Puzzles nämlich. In Collagen – und in Décollagen, wie ein Affichist: Einer, der seine Farbschichten wie Plakat-Blätter übereinanderlegt, um dann einen Teil wieder herauszureißen. 

^{Kunst kann man sich nicht aus den Rippen schneiden. Aber aus dem
papierenen Bauchraum reißen. Um sich besser kennenzulernen vielleicht? Weiterzuentwickeln?
Quasi plico, ergo sum. Eckart Hahn, „Character“ (2023)}

Deshalb ist die Illusion von Eckart Hahns Bühnenräumen und Arrangements selten perspektivisch tief, sondern bleibt immer irgendwie flächig. Das Bild tut nicht so, als sei es Raum. Und wenn die Gefahr besteht, findet sich irgendwo eine plakative Abriss-Kante. 

Ganz anders als beim ECHTEN Origami, dass wir seit Erwin Hapke lieben.*

^{*Im echten Origami wird ja auch nicht gerissen. Wölfe reißen.}

Darf man sich bei Kunst an Kunst erinnert fühlen?

Eigentlich schreiben wir äußerst ungern, dass uns Kunst an andere Kunst erinnert hat, denn das ist ja oft nur ein einstudierter Taschenspielertrick studierter Kunstgeschichtler, der kaum Erkenntnis bringt. Oft will man damit nur zum Ausdruck bringen, dass man sich auskennt auf dem weiten Feld, das man beackert hat. 

Wir schreiben trotzdem, dass uns Eckart Hahns Kunst ein wenig an die von Michael Sowa erinnert, dessen Ausstellung „Fragile Idyllen“ momentan noch bis zum 9. November 2025 im Caricatura Museum Frankfurt läuft.

Es geht uns dabei nämlich darum, auf unterschiedliche Facetten von Humor aufmerksam zu machen, über die wir in Bergisch Gladbach mit Eckart Hahn gesprochen haben. Da haben wir es aber ziemlich schlecht erklärt. Entschuldigung, Herr Hahn.

Neuer Versuch: Auch bei Sowa gibt es diesen altmeisterlich-surrealen Umgang mit einer fabelhaften Tierwelt. Aber bei Sowa ist es schwerpunktmäßig eher Komik. Und bei Eckart Hahn ist es schwerpunktmäßig eher Witz. 

^{Auch Hängung kann witzig sein! Eckart Hahn, „Parrot“ (2016),
Villa Zanders, Bergisch Gladbach 2025}

Aber Witz nicht im Sinne von lachhafter Flachwitz, sondern im Sinne von augenzwinkernder Esprit. Im Sinne von: Verstand, kluger Einfall, List, Reife, Einsicht, Erkenntnis. SO steht es, hier zusammengedampft, im „Grimmschem Wörterbuch“, wir haben extra nochmal nachgeschaut. Und SO denken wir uns das eben auch bei Eckart Hahn.

Und noch ein letztes: Die Werke Eckart Hahns sahen wir zum ersten Mal in der leider kurz vor Corona insolvent gegangenen Galerie Wagner & Partner in Berlin. Das ist jetzt knapp ein Dutzend Jahre her. So lange sind wir schon am Künstler dran.

Galerie mit Stasi-Abhör-Keller

Die Räume der Galerie lagen am Strausberger Platz, direkt neben der für Militärparaden ausgelegten Karl-Marx-Allee in Berlin-Friedrichshain, genauer: im ehemaligen Interflug-Reisebüro aus dem nicht mal real existierenden Sozialismus von Erich Honneckers DDR. Die Türen waren faltbar wie Origami. Im Keller gab es noch die Stasi-Lauschanlage. 

Wer ausreisen wollte, wurde in der DDR eben mit Argusohren überwacht – und gegebenenfalls in die Falle gelockt & verhaftet: wie heute beim Einreiseversuch in die dystopischen USA des kopf- und rückgratlosen Papiertigers Donald Trump.*

^{*Tja, mit DIESEM Satz können WIR uns unsere USA-Reise
schon mal abschminken! Feind liest schließlich mit.
Und nach Trump kommt JD Vance: noch schlimmer.
So sad.}

Das wird im autokratieverliebten Teil von Deutschland momentan ja wieder gern vergessen.

Ein Ort der Illusion & Täuschung, von gewünschter Freiheit & realer Unterdrückung, willkürlicher Macht & komplexer Überwachung sind diese Galerie-Räume einmal gewesen. Wären die Bilder von „Papiertiger“ – sagen wir: 1984 – im Interflug-Reisebüro aus den Privat-Sammlungen der Welt zusammengekommen und nicht heute in Bergisch Gladbach, sie hätten sich sicher auch dort nicht als deplatziert empfunden.

Honecker ist Geschichte, aber die Putins und Trumps und Musks und Zuckerbergs und Thiels gibt es halt immer noch. Die Schönheit dieser Welt bleibt brüchig. Und unter der Haut jedes Schweins lauert das nächste.

Auch das kann man auf Eckart Hahns Gemälden in der Villa Zanders entdecken: als Haltung zur Welt. Also unbedingt hingehen & genau hinsehen! Und nachdenken! Und danach zuhause mal wieder Ridley Scotts „Blade Runner“ in den Video-Rekorder schieben. (27.07.2025)

^{„Eckart Hahn. Papiertiger“ ist noch bis zum 1. Februar 2026 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen. Auf den Katalog, der bald erscheinen soll, freuen wir uns schon.}

^{Anmerkung1: In diesem zu Ehren des Künstlers diesmal eher collagehaften Text haben wir mehr Sciencefiction-Klassiker versteckt als Eckart Hahn in seinen Bildern! Findet Ihr sie alle?}

^{Anmerkung2: „In ‚Blade Runner‘ verwendet Deckard den Voight-Kampff-Test, um festzustellen, ob eine Person ein Replikant ist oder nicht. Dieser Test basiert auf der Analyse von emotionalen Reaktionen auf bestimmte Fragen und Situationen, die einem Replikanten schwerer fallen würden als einem Menschen“ (Erklärung der Google-KI). Es geht im Grunde um Empathie, wir würden noch hinzufügen wollen: Selbstreflektiertheit und Humor. Von daher sind wir ziemlich sicher: Weder Wladimir Putin noch Donald Trump noch Alice Weidel hätten den Voight-Kampff-Test bestanden, wenn es ihn denn gäbe. Vermutlich also Replikanten.}  

Kunstmuseum Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
Traum hinter Geste: Ruth Marten in der Villa Zanders
Mehr Babel war nie! Jenny Michel in Bergisch Gladbach (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Wie sagen wir’s den Bienen? “HONIG” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
In Brüchen denken: “Martin Noël – Otto Freundlich” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
33 Malantworten: Rolf Rose in der Villa Zanders
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
“Bibliomania” in Bergisch Gladbach: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Der Beitrag Papiertiger aus Acryl. Eckart Hahn in der Villa Zanders  erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Als Sichtbarkeits-Fanatiker kramen wir beständig in unserem Bild-Gedächtnis. Zum 250. Geburtstag von William Turner (23.04.2025) können wir deshalb eine Schau erinnern, die das LWL-Museum für Kunst und Kultur in Münster 2019 für den begnadeten Romantiker ausgerichtet hat. Er hat es verdient. Sie auch.

Die Fotos haben wir mal für den WDR gemacht. Dort hat sie die Unsichtbarkeits-Maschine schon vor sechs Jahren verschlungen. Auch medialer Aktualitäts-Wahn und brachiale Archivierungs-Intoleranz sind ja zwei Klauen ihrer gnadenlos vielarmigen Anatomie.

Hier also exklusiv hervorgekramt – auf dass die schöne Ausstellung nie mehr vergessen werde:

Bitteschön. Dankeschön. Ihre KunstArztPraxis (23.04.2025)

Das LWL-Museum für Kunst und KulturMünster in der KunstArztPraxis:
Wir heben einen Schatz oder: Münster, kauf Tilo Keil!
Joseph Beuys und die Unsichtbarkeits-Maschine

Homepage des LWL-Museum für Kunst und Kultur Münster
Museumsseite zu Turner 2019. Immer noch sichtbar. Sensationell.

Der Beitrag Wider das Vergessen 1: William Turner zum 250. erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Über Bruno Gollers Sonderstellung in der Kunstgeschichte haben wir an anderer Stelle ja schon genug gesagt.

(22.12.2024)

^{„Bruno Goller. Retrospektive 1922-1992“ ist noch bis zum 19. Januar 2025 im Kunstmuseum Bonn zu sehen.}

Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
Blick durchs Schaufenster: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn
Der brennende Dornbusch. Katharina Grosse in Bonn
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Bonn

Der Beitrag Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

In unserer Sauerländer Kindheit sammelten wir eine Zeit lang Schrauben. Wir drehten sie aus Sperrmüll-Holz oder lasen sie vom Boden auf, irgendwo lag immer eine rum, und wenn wir eine Handvoll zusammen hatten, dann brachten wir sie zu Metallwaren Fritz Sondermann in die Bahnhofstraße.

Schon durch das Schaufenster sahen wir Herrn Sondermann in seinem blauen Arbeitskittel weißhaarig hinter seiner Theke stehen, den dünnen Körper mit gespreizten Fingern auf dem Tresen abgestützt: Er hatte uns erwartet. Und links und rechts und hinter ihm erhoben sich meterhohe Wände aus Tausenden von kleinen Fächern. 

Sobald Herr Sondermann unsere Ware abgewogen hatte, begann er mit der Professionalität des Eichhörnchens, die Einzelschrauben über eine hohe Leiter in die Fächer zu verteilen. Für jede gefundene Schraube gab es irgendwo ein Fach: Auf einem Bein tänzelnd fand Herr Sondermann immer auf Anhieb das richtige. Es war faszinierend anzusehen.

Bei krummen Schrauben indes zuckte Herr Sondermann nur mit den Achseln. Diese Schrauben-Unikate nahmen wir, beglückt von mulmigen Gefühlen, wieder mit nach Hause. Das Geld für den seriellen Rest investierten wir in Brausestangen.

Fach auf, Bild rein, Fach zu

Heute kommt uns die Kunstgeschichte bisweilen ein wenig wie der wunderliche Metallwaren-Laden des Herrn Sondermann in der Bahnhofstraße vor: nur eben mit sorgsam beschrifteten Fächern. „Surrealismus“ steht auf den Fächern, „Magischer Realismus“ oder „Neue Sachlichkeit“.

Kommt man mit einer Handvoll Bildern, dann öffnet irgendein weißhaariger Experte im blauen Arbeitskittel die entsprechenden Fächer, um sie mit der Professionalität des Eichhörnchens tänzelnd darin zu versenken. Immer findet er auf Anhieb das richtige.

Fach auf, Bild rein, Fach zu. Es ist faszinierend anzusehen.

Aber was passiert, wenn einmal ein krummes Bild kommt, so ein sperriges Schrauben-Unikat, das sich den Fächern standhaft widersetzt? Klar: Dann zuckt die dünne Kunstgeschichte mit den Achseln.

Das aber sind eben jene Bilder, die uns mulmig beglücken, die wir am liebsten mit nach Hause in die KunstArztPraxis nehmen, denn wir sind der Meinung, dass das Besondere, Einzigartige viel interessanter, viel berührender ist als die Gemeinsamkeit. Womit wir endlich bei Bruno Goller wären.

Wir könnten jetzt auch Fächer öffnen

Wir könnten natürlich jetzt auch Fächer öffnen: vor allem biografische. Wir könnten schreiben, dass Bruno Goller in seinem Geburtsort Gummersbach – also ganz in der Nähe unserer Sauerländer Jugend! – früh schon Schaufenster dekoriert hat. Dass er vielleicht so viele Hüte malte, weil seine Mutter Modistin war, dass er früher gerne mit der Sahnespritze des Konditors hantierte, was so manches Motiv und sein Faible für Bordüren erklären könnte. Dass ihn der Tod der Mutter noch mehr als der Tod des Vaters schmerzte.

Nur wären uns dann die Bilder schon entglitten: Wir würden sie von oben herab hilflos zu Boden schweben sehen wie Herbstlaub. Denn das Schwanken zwischen den Fächern auf unseren hohen Leitern hätte uns ganz schwindelig gemacht.

Wir müssen es uns eingestehen: Wesenhaftes schreiben über Bruno Gollers Bilder können wir nicht. Wir können eigentlich nur erzählen, wie wir mit fast schon schlechtem Gewissen versuchten, in diese unbekannte, fremde, sehr intime Ordnung einzutreten, uns in die freskenhafte Flächigkeit tief hineinzudrehen wie eine Schraube in edles Holz. Denn der Sog der Bilder war magisch.

Natürlich mussten wir scheitern: Es war immer ein feiner Schleier zwischen uns und Gollers flachen Räumen, ein augenbrennender Dunst wie vom verdünnten Dampf der Eisenbahn an Herbst- und Wintertagen. Oder, anders: Wir mussten mit gebührlichem Abstand vor Gollers zauberhaften Fenstern stehen bleiben.

Hineingelassen in seine Zimmer, seine Häuser, seine Bilder hat uns der Maler nicht.

Was wir hinter der Scheibe sahen

Natürlich können wir auch erzählen, was wir hinter der Scheibe sahen. Wir sahen die unheimliche Präsenz von etwas Verschwundenem, vielleicht nie Dagewesenem, das Vergehen einer Liebe, die unter Umständen nie begonnen hatte, ein Verticken von Zeit, die stehen geblieben war. Und all dies sahen wir durchweht von einem Farbe gewordenen Duft aus Fachwerk, Wolken, Rosen und Kaffee.

Es war eine Welt der verlorenen Ahnenbilder und plattgetrockneten Blumensträuße, der Zylinder und Regenschirme, der Ohren-Sessel, Schneider-Scheren und Kanapees, der fehlenden Porträts in blinden Spiegeln und der unsichtbaren Schatten junger Mädchenblüte, unerhört gerahmte Erinnerungen an nie gemachte Erlebnisse, es war verrückt! Und ein atemberaubender Blick in die betörenden Auslagen des Malerischen war es auch.

So irgendwie.

Nicht, dass wir uns missverstehen: Natürlich ist da auch ein Anhauch von „Surrealismus“ und „Magischem Realismus“ und „Neuer Sachlichkeit“ in Bruno Gollers Werk! Man malt ja nicht im Nirgendwo. Aber wenn, liebe Kunstgeschichte, dann gebührt einem wie Bruno Goller eben ein komplett eignes Fach.

Im Grunde ist es halt wie bei der Erklärung vom langen Bremsweg nach dem tödlichen Autounfall am Anfang von Robert Musils Roman „Der Mann ohne Eigenschaften“ (1930): Die technische Einordnung des Herrn wiegt die Dame in trügerischer Sicherheit, nur: Das Unbestimmte, nicht Zuzuordnende bleibt ja trotzdem da! Selbst dann, wenn man das mulmige Gefühl in der Herz-Magengrube nicht mehr spürt.

Gerade dieses Mulmige aber haben wir in dieser grandiosen Goller-Retrospektive sehr stark empfunden. Selbst ein so professionelles Eichhörnchen wie Herr Sondermann nämlich hätte das Unbestimmte, nicht Zuzuordnende auf diesen Bildern in keinem Fach der Welt versenken können, so himmelhoch er in der Bahnhofstraße auch geklettert wäre. Das haben wir im Kunstmuseum Bonn begriffen.

Und als wir nach den Stunden staunender Betrachtung wieder gingen, da lag uns der saure Geschmack von Brausestangen noch melancholisch auf den Zungen. (27.10.2024)

^{„Bruno Goller. Retrospektive 1922–1992“ ist noch bis zum 19. Januar 2025 im Kunstmuseum Bonn zu sehen. 75 Gemälde und einige Zeichnungen sind versammelt, es gibt eine bewundernswerte Kontinuität, über die gesamten 70 Jahre. Auch so kann man Zeit und Raum verschwinden lassen. Das mussten wir dann doch noch sagen.}

^{Anmerkung 1: Bevor Beschwerden kommen: Na-TÜR-lich tun wir der Kunstgeschichte bitter unrecht – das ist ja unser Auftrag! Fächer HABEN ihren Sinn, lange Bremswege SIND Erklärungen. Nur eben nicht für uns. Wir möchten lieber in Metaphern sprechen, in teils biografischen Gleichnissen, literarisch quasi. Weil das den Bildern vielleicht näher kommen könnte. Punkt & Schluss.}

^{Anmerkung 2: Und hier noch das „Schreitende Mädchen“ in seiner natürlichen Umgebung im Rosa Haus des Museums Insel Hombroich, wohin es nach der Ausstellung sicher wieder wandert. In DIESES Haus durften wir nämlich vor ein, zwei Jahren mal hinein:}

Das Kunstmuseum Bonn in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn
Der brennende Dornbusch. Katharina Grosse in Bonn
An der Schnittstelle: Louisa Clement in Bonn
“Menschheitsdämmerung” in Bonn: Der Sturm ist da
Von den Dingen: Wiebke Siem im Kunstmuseum Bonn
Porno, Killer? Zum Lassnig-Bild-Verbot der DB in Bonn
Die Luft der Yoko Ono: “Welt in der Schwebe”
Im Ohr von Beethoven: “Sound and Silence” in Bonn
Gerhard Richter Retro: “Über Malen” in Bonn (2017)
Schönheits-OPs (1): Das Kunstmuseum Bonn

Homepage des Kunstmuseums Bonn

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Unser KunstArzt2 kommt ja bekanntlich aus der Literatur, und als er noch Professor werden wollte, hat er auch die Schriften des damals berühmten Wirklichkeitsforschers Raoul Tranchirer studiert. Der Mainzer Schriftsteller Ror Wolf gab sie, wie Jederman weiß, zeitlebens heraus. 

Plötzlich aber blieb Tranchirer über Jahre stumm, und unser besorgter KunstArzt erkundigte sich bei Ror Wolf nach dessen Schicksal. Darauf schickte Herausgeber Wolf einen Brief mit folgenden tröstlichen Zeilen nach Münster:

Der KunstArzt war beruhigt, wir anderen KunstÄrzte (wir kennen uns ja seit Kindertagen!) auch. Und tatsächlich tauchte Raoul Tranchirer kurze Zeit später aus den USA wieder auf. Auf Ror Wolf war halt Verlass.

Jetzt aber ist die ganze KunstArztPraxis in heller Aufregung!

Jetzt aber ist die ganze KunstArztPraxis in heller Aufregung, denn er berühmte New Yorker Maler Frans Roermond, zu dessen Graphic Novel „Play“ unser KunstArzt3 das Vorwort geschrieben hat, ist plötzlich – ebenfalls in den USA (ein objektiver Zufall?) –  verschwunden.

Aber damit nicht genug: Sein Kölner Galerist Franz Rudolf van der Grinten behauptet seitdem steif & fest, Franz Roermonds Werk gemacht zu haben, mit der Existenz Frans Roermonds identisch zu sein!

Und das ist ja nun wirklich skandalös.

Wir machen uns Sorgen, denn der 1967 in Suriname geborene Frans Roermond, der in jungen Jahren seine niederländischen Eltern bei einem Flugzeugabsturz überm Dschungel verlor und jahrzehntelang ehrenamtlich als Arzt in den Tropen tätig war, ist nicht nur ein guter Maler (und ein guter Mensch!), sondern war uns ja auch digital vertraut.

Unser KunstArzt3 hatte nämlich einen regen Mailverkehr mit Roermond über Fragen, die ihm WEDER Herr van der Grinten NOCH seine Frau, die Mit-Galeristin Nadja van der Grinten, zu beantworten wussten. Und stets mailte er mit stark niederländischen Akzent zurück.

Franz Rudolf van der Grinten indes stammt aus Kleve, wir haben das recherchiert. Und was liegt nachweislich (!) NICHT in den Niederlanden? Und WO liegt Roermond? Na, klingelt’s?!?

Als unumstößlichen Beweis wollen wir hier einfach einmal jene Mail abdrucken, die Frans Roermond unserem KunstArzt3 auf sein Vorwort hin schickte.

Und zwar von seiner EIGENEN Mailadresse aus den Vereinigten Staaten heraus (was die nächtliche Uhrzeit – wie sagen nur: Zeitverschiebung! – erklärbar macht):

Bis hierhin: noch Fragen?

Der größte Beweis für die Existenz Frans Roermonds aber sind natürlich Franz Roermonds Werke.

Werke, die ein als Tierpräparator ausgebildeter Galerist mit einem abgebrochenen (!) Kunststudium an der HdK Berlin – so steht es auf der Galerien-Website – niemals (!) würde malen können.

Das dürfte JEDEM*R klar sein.

Wann wird Herr van der Grinten Roy Mordechay?

Von der Qualität der Gemälde kann man sich gerade ausgerechnet in der Van der Grinten Galerie überzeugen: Vier von ihnen sind in der zugegebenermaßen sehr schönen Ausstellung „Aus der Zeit und aus dem Raum“ versammelt, die wundervolle Objekte außereuropäischer Kulturen mit Werken Roermonds und denen des 1976 in Haifa geborenen und heute in Düsseldorf lebenden Malers Roy Mordechay kombiniert.

Auch die Existenz von Roy Mordechay ist belegt. Und trotzdem ist es sicher nur noch eine Frage der Zeit, bis Roy Mordechay verschwindet und Herr van der Grinten behauptet, auch noch Roy Mordechay zu sein.

Warum, Herr van der Grinten??

Wir können also nur hoffen, dass Frans Roermond wie Raoul Tranchirer bald wieder in den USA (oder AUS den USA?) auftaucht und die Dinge richtigstellen kann! Vielleicht widmet er sich ja gerade in den Tropen als Arzt abermals der Verbesserung der Welt? Wer weiß das schon.

Auf jeden Fall aber raten wir ihm nach seiner Rückkehr dringend zu einem Wechsel der Galerie.

Wir appellieren: Seien Sie so ehrlich wie Ror Wolf!

Und an Roermonds Galeristen wollen wir eindringlich appellieren: Sagen Sie endlich, wo Frans Roermond steckt, Herr van der Grinten! Seien Sie so ehrlich wie Ror Wolf, schmücken Sie sich nicht mit fremden Federn.

Ansonsten können wir unsere vielen Leser nur dazu animieren, sich in „Aus der Zeit und aus dem Raum“ ein eigenes Bild zu machen. Die Ausstellung ist nämlich wirklich gut.

DAS, Herr van der Grinten, ist nämlich das, was Galeristen können sollten. (23.07.2024)

^{„Aus der Zeit und aus dem Raum“ ist noch bis zum 10. August 2024 in der Van der Grinten Galerie in Köln zu sehen.}

Instagram-Account von Frans Roermond (!)
Homepage der Kölner Van der Grinten Galerie

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Seit ein paar Jahren müssen wir Männer mal wieder sehr stark sein, denn alle Naslang zaubert von irgendwoher irgendeine Frau eine andere Frau aus dem Hut, die in der Kunstgeschichte schneller besser weiter war als wir.

Dass die gerade im K20 in Düsseldorf gezeigte – ähem: in unseren Augen eher blasse – Hilma af Klint das erste rein abstrakte Bild gemalt haben solle und nicht der – parallel gezeigte, im Übrigen viel bessere! – Kandinsky, konnten wir zum Glück durch eine Sèance mit der Malerin gerade nochmal widerlegen. 

Und den Kommentar unter unseren fünf Readymades für Marcel Duchamp, der doch glatt behauptet, wir würden „sexistische Geschichtsklitterung“ betreiben: schließlich habe nicht Duchamp das Readymade erfunden, sondern die Dada-Künstlerin Elsa von Freytag-Loringhoven, haben wir bis heute erfolgreich verdrängt. 

Aber gerade läuft im Arp Museum in Remagen eine erschreckend erfolgreiche Ausstellung, die illustriert, dass Frauen sogar im Mittelalter schon malen konnten! Und das können jetzt sogar wir drei alten weißen Männer von der KunstArztPraxis nicht mehr ignorieren.

Weil: Es gibt ja Beweise. Von 51 Malerinnen. Wir haben sie gesehen! Es macht uns sprachlos. Seufz.

Was sollen wir sagen?

Was sollen wir sagen? Wir sagen es natürlich äußerst ungern, aber es ist leider wahr: Es sind wundervolle Werke darunter. Da gibt es ein ganz zauberhaftes Miniatur-Selbstporträt von Sofonisba Anguissola, von der laut Vasari sogar Michelangelo begeistert war!

Man müsste schon die letzte echte Männlichkeitsdomäne besetzen, also: Papst sein*, um vor DIESER Autorität des Göttlichen nicht einzuknicken.

^{*also in diesem Fall: Julius II.}

Und auch die Stillleben von Giovanna Garzoni – diese Kirschen, diese Bienen! – oder von Rachel Ruysch stehen denen ihrer Kollegen blöderweise in nichts nach.

Ruyschs meisterliches Detail einer Echse, die ein Vogelei ausschlürft, hat uns besonders gut gefallen. Es erzählt von einem Augenblick, in dem das Leben in EINEM Atemzug sowohl bewahrt als auch vernichtet wird. Und sagt als Sinnbild damit mehr über die Natur, ihr Werden und Vergehen, als tausend Worte.

Das muss der Neid Rachel Ruysch lassen.

Vielleicht gibt es auf einem Teil der Bilder sogar so etwas wie einen „typisch weiblichen Blick“? Die Ausstellung lässt das offen, aber uns scheint es, als wäre das bei der innigen Versunkenheit von Marie-Louise Petiets „Wäscherinnen“ (1882) tatsächlich so.

Aber wir wollen uns natürlich auch nicht ins Fettnäpfchen setzen. Unsere geschlechtssensible Gegenwart ist da ja sehr empfindlich.

Auf jeden Fall rückt bei den Malerinnen des 19. Jahrhunderts neben diesem sozialen Fokus auf das Weibliche auch das Motiv der Mutterschaft viel stärker in den Fokus. Hat je ein Mann eine Frau, die keine angehimmelte Madonna war, derart zärtlich & intim & losgelöst von jedem Hintergrund stillend gemalt wie die – ausnahmsweise mal bis heute unvergessene – Impressionistin Mary Cassat ihre Freundin Louise Fissier de Fresnaux?

Und dann gibt es, zu allem Überfuss, auch noch eine hübsche kuratorischen Pointe – und zwar von einer Kuratorin: Über zwei Gemälden thront nämlich ein auf die Malerei bezogener Satz, den die Barockkünstlerin Artemisia Gentileschi an einen ihrer Mäzene schrieb: „Ich werde Ihnen zeigen, wozu eine Frau fähig ist“, steht da. 

Und darunter hängen zwei Gemälde aus dem 16. Jahrhundert – eines von Lavinia Fontana, das andere von Fede Galizia –, auf denen die alttestamentarische Heldin Judith mit dem gerade von ihr vom Rumpf getrennten Kopf des assyrischen Feldherrn Holofernes zu sehen ist. Vermutlich sind beides Selbstporträts, das spräche Bände.

Ja, auch DAZU sind die Frauen fähig, denkt man sich da als Männer. Und schluckt.

Was wir an dieser Stelle verschweigen wollen

Egal. Es ist trotzdem ein witziger Einfall, wir haben schmunzeln müssen, zefix! Es ist zum Mäusemelken.

Und dass Lavinia Fontana ihren Mann per Ehevertrag dazu verpflichtete, sich um den Haushalt und die Kindererziehung zu kümmern, während sie das Geld verdiente & überaus erfolgreich war, verschweigen wir an dieser Stelle lieber auch.

Natürlich bringen wir es trotz dieser Verführungskünste nicht übers Herz, „Maestras“ zu empfehlen. Wir sind ja schon für Emanzipation, aber das Geniale müssen wir nicht auch noch mit den Frauen teilen! SO stark muss man als Mann nun wirklich nicht sein.

Zum Glück läuft die Ausstellung nur noch eine Woche. Und die männlich dominierte Kunstgeschichte hat ja auch gezeigt, dass sie es versteht, selbst die zu Lebzeiten verehrten Malerinnen nach ihrem Tod systematisch zu vergessen. Die Ausstellungsgeschichte übrigens auch. Vor rund 50 Jahren gab es nämlich schon mal eine erschreckend erfolgreiche Schau, die ein ähnliches Thema hatte: „Women Artist: 1550-1950“, in Los Angeles. Und? Eben. Perdü.

So wird vermutlich auch die erschütternde Erkenntnis der leider tollen Schau „Maestras“ beruhigenderweise wieder im historischen Hut verschwinden. Dann kräht danach kein Hahn mehr. (09.06.2024)

<sup>Die von Susanne Blöcker kuratierte Ausstellung „Maestras. Malerinnen 1500-1900“ ist noch bis zum 16. Juni 2024 im Arp Museum Bahnhof Rolandseck in Remagen zu sehen. Aber, wie gesagt: nicht hingehen. Wir wiederholen: NICHT hingehen!!!

Anmerkung: Weil wir eben oben schon von der Dadaisten Elsa von Freytag-Loringhoven gesprochen haben: Vom 7. Juli 2024 bis 12. Januar 2025 läuft im Arp Museum die Ausstellung „der die DADA. Unordnung der Geschlechter“, die sich der bisher unterschätzten Rolle von Künstlerinnen in der Strömung verschrieben hat. Und natürlich spielt da auch Elsa von Freytag-Loringhoven eine tragende Rolle. Da können selbst wir dann nichts mehr verdrängen.</sup>

Das Arp Museum in der KunstArztPraxis:
Unser Totem: der Wolf. Kiki Smith in Remagen
Die Haut der Seele: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Was die Natur vergaß: Christiane Löhr in Remagen
Paula Modersohn-Becker in Remagen: Frau = Birke
Stella Hamberg: Kraft und Sinnlichkeit
Überall Tatoos: Franziska Nast in Remagen
Freiheit durch Weglassen: Rodin und Arp in Remagen
Wir sind geheilt! “Goldene Zeiten” in Remagen
Warum überflüssig? “Luxus und Glamour” in Remagen

Homepage des Arp Museums Bahnhof Rolandseck

^{Anmerkung: Zum Schluss sei noch gesagt: Als Frau war Artemesia Gentileschi zu noch mehr fähig als Lavinia Fontana und Fede Galizia. Während auf deren in „Maestras“ gezeigten Judith-Porträts weibliche Grausamkeit in Grazie & Anmut etwas untergeht, ist Gentileschis zweite Version von „Judith und Holofernes“ ein dramatisches Abschlachtgemälde. Da spritzt das Blut wie beim (im Übrigen lange Zeit ebenfalls vergessenen!) Caravaggio. Schluck.}

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