Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte. Vor allem dann, wenn eine Ausstellung ihre eigene Gattung der Zeichner*innen-Skulptur kreiert – wie bei „Zeichenräume“ in der Villa Zanders geschehen. Lassen wir in guter alter Tradition also wieder einmal einfach nur die Fotos sprechen.

Darüber, wie wir das mit der eigenen Gattung meinen, haben wir andernorts ja eh schon sinniert.

(07.06.2026)

^{„Zeichenräume“ ist noch bis zum 16. August 2026 im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach zu sehen.}

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
„Zeichenräume“ in der Villa Zanders: Eigene Gattung!
Reine Bildgebung 39: „Antike reloaded“ in Neuss
Reine Bildgebung 38: Günther Uecker in Remagen
Reine Bildgebung 37: Kerstin Brätsch in Bonn
Reine Bildgebung 36: William Kentridge in Essen
Reine Bildgebung 35: Eckart Hahn in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 34: „Before the Wind“ in Paderborn
Reine Bildgebung 33: „Teilweise möbliert“ in Krefeld
Reine Bildgebung 32: Elias Sime in Düsseldorf
Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguley in Duisburg
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Das Kunstmuseum Villa Zanders in der KunstArztPraxis:
„Zeichenräume“ in der Villa Zanders: Eigene Gattung!
Papiertiger aus Acryl. Eckart Hahn in der Villa Zanders 
Traum hinter Geste: Ruth Marten in der Villa Zanders
Mehr Babel war nie! Jenny Michel in Bergisch Gladbach (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Wie sagen wir’s den Bienen? “HONIG” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
In Brüchen denken: “Martin Noël – Otto Freundlich” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
33 Malantworten: Rolf Rose in der Villa Zanders
Mechtild Frisch: Aufschein im Verschwinden (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Katharina Hinsberg: Making-of “Linie im Raum” (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung (8): “Still Lines” in der Villa Zanders (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Schönheits-OPs (3): Kunstmuseum Villa Zanders
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
“Bibliomania” in Bergisch Gladbach: Buch als Körper (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Hede Bühl: Mit Strichen modellieren (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Homepage des Kunstmuseums Villa Zanders

Der Beitrag Reine Bildgebung 40: „Zeichenräume“ erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Manchmal sagen Bilder mehr als tausend Worte. Vor allem dann, wenn eine Ausstellung derart amourös asterix daherkommt wie „Antike reloaded“ im Clemens Sels Museum Neuss! Lassen wir also einfach wieder einmal nur die Fotos sprechen. Weil silentium ja bekanntlich aurum est.

Zur Ausstellung selbst haben wir in unserem „Antike-Reloaded“-Quiz ohnehin schon hinreichend Verrätseltes gesagt.

(24.05.2026)

^{„Antike Reloaded. Von Asterix bis Amor“ ist nur noch bis zum 7. Juni 2026 im Clemens Sels Museum Neuss zu sehen Also unbedingt sputen.}

Reine Bildgebung in der KunstArztPraxis:
Reine Bildgebung 38: Günther Uecker in Remagen
Reine Bildgebung 37: Kerstin Brätsch in Bonn
Reine Bildgebung 36: William Kentridge in Essen
Reine Bildgebung 35: Eckart Hahn in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 34: „Before the Wind“ in Paderborn
Reine Bildgebung 33: „Teilweise möbliert“ in Krefeld
Reine Bildgebung 32: Elias Sime in Düsseldorf
Reine Bildgebung 31: Aeppli & Tinguley in Duisburg
(Fast) reine Bildgebung 30: „Im Fluss“ in Remagen
Reine Bildgebung 29: Yoko Ono im K20
Reine Bildgebung 28: Sheila Hicks in Düsseldorf (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 27: Mark Dion in der Bundeskunsthalle
Reine Bildgebung 26: Bruno Goller in Bonn
Reine Bildgebung 25: Alberto Giacometti in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 24: Kiki Smith in Remagen
Reine Bildgebung 23: Katharina Grosse in Bonn (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung spezial: Hildegard & Erwin Heerich
Reine Bildgebung spezial: Graubner is Coming Home!
Reine Bildgebung 22: Klint & Kandinsky in Düsseldorf
Reine Bildgebung 21: Nevin Aladağ in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 20: Rolf Rose in Bergisch Gladbach
Reine Bildgebung 19: Alicja Kwade in Duisburg
Reine Bildgebung 18: “Menscheitsdämmerung” in Bonn
Reine Bildgebung 17: Chaim Soutine in Düsseldorf
Reine Bildgebung 16: “spielzeit” in Morsbroich (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 15: Ernsthaft?! in Bonn
Reine Bildgebung 14: “Gormley / Lehmbruck” in Duisburg
Reine Bildgebung 13: Berlinde De Bruyckere in Remagen
Reine Bildgebung spezial: Art Cologne 2022
Reine Bildgebung 12: Wie das Marta sammelt
Reine Bildgebung 11: Andreas Schmitten in Wuppertal
Reine Bildgebung 10: “Im Augenblick” in Brühl (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 9: “Marta Maps” in Herford
Reine Bildgebung 8: “Still Lines” in der Villa Zanders (leider: Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 7: Polke & Co in Düsseldorf (ohne Polke wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Reine Bildgebung 6: Neue Sammlung im Museum Küppersmühle Duisburg
Reine Bildgebung 5: “Das Ensemble spielt das Stück” im Museum Morsbroich
Reine Bildgebung 4: Lanigan-Schmidt bei Kaps
Reine Bildgebung 3: Marcus Neufanger
Reine Bildgebung 2: Brigitte Waldach in Herford
Reine Bildgebung 1: Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)

Unsere Quizze mit dem Clemens Sels Museum*:
Beim Teutates, oder?!? Das „Antike Reloaded“-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Das Foto-Kunst-Foto-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Voll verrätselt – das Symbolismus-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)

^{*danke, Clemens Sels Museum!}

Homepage des Clemens Sels Museums Neuss

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Was morgens vier Beine hat und mittags zwei und abends drei – das wissen Sie als Ödipus*si bestimmt. Aber wissen Sie auch, wie die Kunst bis ins 19. Jahrhundert Alltag & Mythen der Antike adaptierte? Testen Sie’s aus: Es winken Gewinn-Pakete zu „Antike Reloaded“ und  „Novaesium„ in Neuss!

Es geht um drei mal je einen Katalog zur brandneuen Dauer-Ausstellung „Novaesium“* nebst je 2 Eintrittskarten fürs Clemens Sels Museum Neuss, also für BEIDE Schauen!

^{*zu „Antike Reloaded“ gibt es leider keinen Katalog.}

Die Gewinn-Pakete hat uns das Clemens Sels Museum Neuss persönlich zur Verfügung gestellt. Danke, Clemens Sels Museum Neuss!

Beim Mitmachen besteht übrigens keine Gefahr, dass Sie durch die 30 falschen Antworten von uns KunstArzt-Sphinxen ein Orakel-Debakel erleben: wahrscheinlicher ist, dass Ihnen der Himmel auf den Kopf fällt! Gewinnen kann nämlich Jede*r – egal, wie schlecht oder gut das Quiz-Ergebnis ausfällt.

Einsendeschluss: die Iden des März!

Bei uns also nix per aspera ad astra!* Sie müssen allerdings bis zu den Iden des März – für alle Nicht-Lateiner: bis zum 15.03.2026 – mitmachen. Und danach natürlich noch von unserer Fortuna-Fee mit der spitzen Fibel aus der Lostrommel gepickt werden.

^{*veni, vidi, vici wäre fürs eigene Ego natürlich trotzdem schick.}

Am Ende unseres „Antike-Reloaded“-Quizzes steht genauer, wie es geht. Wenn alea iacta est sozusagen.

Aber jetzt erstmal viel Spaß. Oder πολύς γελάω, wie wir Altgriechen sagen.

Ihre KunstArztPraxis

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(01.03.2026)

^{„Antike Reloaded“ ist noch bis zum 7. Juni 2026 im Clemens Sels Museum Neuss zu sehen.}

Die legendären KunstArztPraxis-Quizze:
Alles Paletti? Das Udo-Lindenberg-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Holleri du dödl di? Das Loriot-Gewinnspiel-Quiz! (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Das Foto-Kunst-Foto-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Hochromantisch! Das Caspar-David-Friedrich-Quiz
Voll verrätselt: Das Symbolismus-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Albrecht Dürer forever! Quiz zum 495. Todestag
Fit für Kippi? Das Martin-Kippenberger-Quiz
Pack’s aus! Das Christo-und-Jeanne-Claude-Quiz (leider gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine!)
Video, ergo sum: Das Nam-June-Paik-Birthday-Quiz
Das Gerhard-Richter-Geburtstags-Quiz
Funky Funky Funky: Das Kunstpalast-Electro-Quiz (leider kein Gewinnspiel mehr!)
Jeder Mensch ein Quizzer? Der Beuys-Jahr-Bio-Test
Lüster, Glaube und Verfall: Das Barock-Modern-Quiz

Homepage der Ludwiggalerie Schloss Oberhausen

Der Beitrag Beim Teutates, oder?!? Das „Antike Reloaded“-Quiz erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Am 26. November 1965 erklärte Joseph Beuys dem toten Hasen die Bilder. Aber wer um Himmels Willen erklärt dem toten Hasen Joseph Beuys? Wir Fluxusflüsterer von der KunstArztPraxis wagten schon 2021 während Corona* den Versuch. Per Offenem Brief an besagten Hasen. Zum 60. hier noch einmal.

^{*Was die Bebilderung erklärt. Historisch gewachsen!}

Köln, im November 2025

Lieber toter Hase,

seit 60 Jahren lebst du nun schon friedlich im Hasenhimmel, aber Du hast natürlich trotzdem immer noch allen Grund, Joseph Beuys auf ewig böse zu sein. Denn Beuys hat dir damals in der Galerie Schmela in Düsseldorf ohne Zweifel übel mitgespielt. Zumindest auf den ersten Blick.

Wir haben den Prank ja gesehen, er kursiert im Netz: Beuys führt Dir die Pfoten zu den Bildern wie einer Puppe. Um dich in Positur zu bringen, springt er derart ruppig mit Dir um, dass Dein Kopf immer wieder nach hinten und zur Seite kippt. Er steckt Deine Ohren in den Mund, um Dich, auf allen Vieren kriechend, verbissen über den Boden zu zerren. Und am Ende wiegt er Dich sogar noch wie ein Baby im Schoß.

Wir wollen gar nicht durch die Blume reden: Das wirkt hasenverachtend. Demütigend. Artungerecht. Auch der Gestank von Blattgold mit Honig muss für Deinen sensiblen Windfang bestialisch gewesen sein. Kurzum: Das macht man einfach nicht mit einem alten toten Hasen!

Da ist es sicher nur ein schwacher Trost, dass Beuys mit lebenden Kojoten, also Deinem Erzfeind auf Erden, genauso biologisch inkorrekt umgesprungen ist wie mit Dir.

Nach dem traumatischen Erlebnis wird es Dich sicher überraschen, wenn wir Dir sagen, dass Joseph Beuys die Hasen liebte! Mehr noch als die Schwäne, die Schafe, die Elche, die Bienen, die Fische, die Hirsche. Und mehr noch als die Kojoten natürlich. Das können wir dir garantieren.

Er wollte sogar eine „Liebesbeziehung“ zu Euch haben! Das sind nicht unsere, das sind seine Worte. Doch, doch, das ist wirklich wahr.

Kein Jaguar, ein Hase zierte den Kühler seiner Bentley-Limousine. Hasenbraten war eine seiner Lieblingsspeisen. Und in Ermangelung eines eigenen Fells trug er zur Wärmung seines Körpers ehrfurchtsvoll das Deiner Artgenossen. Wenn man bedenkt, wie wichtig Beuys Nahrung und Wärme waren, ist das ein Riesenkompliment.

Er hätte ja auch Filz tragen können. Oder Fett essen. Hat er früher auch getan, angeblich, bei den Tataren, aus Not. Aber eigentlich musste es später immer Hase sein.

Nun magst Du einwenden, dass jede Form der Fellaneignung als böser Akt evolutionärer Appropriation geächtet werden müsste, und vielleicht hast Du ja Recht. Und natürlich können wir auch verstehen, dass Hasenbraten für Dich nach Geschmäckle riecht.

Trotzdem glauben wir, dass Du Beuys da missverstehst. Wir glauben, dass Beuys sich in seiner Menschenhaut einfach nicht so richtig wohlgefühlt hat. Dass er viel lieber einer von Euch gewesen wäre. Das hat er ja auch selbst gesagt. Deshalb das Fell. Und deshalb die Speise. Als Zeichen der Ehrfurcht!

Ihr wart das Totem des Schamanen.

Wie sollen wir Dir das erklären? Wir versuchen es mal mit einem metaphorischen Hakenschlag: Vielleicht war das bei Beuys ein wenig so wie bei den Kannibalen, die ihre toten Ahnen essen, weil sie sie verehren. Oder damit ihre Weisheit auf sie übergeht. Ja, genau: Vielleicht hat Beuys dich nach der Bilderklärung sogar verspeist, um mehr über seine eigenen Bilder zu erfahren?

Auf das Gegessen-Werden sollen die Kannibalen-Ahnen übrigens mächtig stolz sein. Also: vor dem Essen. Auch wenn das zu verstehen Dir als veganem Säuger sicher schwerfällt.

Aber vielleicht macht es Dich zumindest stolz, wenn Du erfährst, warum Beuys Dich zur Bilderklärung ausgewählt hat. Na, eben: Weil Du ein Hase warst! Und offenbar sogar in seinen Augen ein ganz besonderer.

Du warst nicht bloß Ersatz wie bei der „Sibirischen Symphonie“, als Beuys 1964 noch einen Deiner Brüder nahm, weil gerade kein Hirsch zuhanden war. Du warst nicht nur der stumme Held wie deine beiden toten Kollegen bei „Der Chef“ in der Galerie René Block kurz drauf. Nein, nein: DU warst am 26. November 1965 als toter Hase, der du warst, der absolute Höhepunkt.

Als totem Hasen hat Beuys es Dir offensichtlich zugetraut, besser auf die Bilder schauen zu können als das komplette Geschlecht der Menschen. Ohne den Verstand, die Logik, das Wort als Hindernis. Ganz sinnlich, intuitiv, wie wir so sagen.

Mit Dir im Arm wollte Beuys den Menschen zeigen, dass sie ganz falsch zu Bildern stehen. Und DU warst dabei die fabelhafte Lehre.

DA liegt der Hase im Pfeffer.

Im Grunde hat Beuys Dir die Bilder erklärt, weil er Dich für klüger hielt als seine eigene Familie carnivorer Säuger! Aber klug auf eine ganz andere Weise. Klug irgendwie nicht im Kopf, sondern eher so im Bauch, in den Lenden, der Flanke, der Keule, dem Äser, der Kuppe. Oder, um es mit Beuys zu sagen: klug im Knie.

Deshalb hat Beuys Dir die Bilder eigentlich auch nicht erklärt. Er hat etwas viel Größeres getan: Er hat Dir die Bilder gezeigt – und dich mit deinen toten Sehern so zu einem magischen Seher seiner überirdischen Kunst gemacht. Während die Menschen leider draußen warten mussten wie beim Friseur und beim Metzger sonst nur die Hunde.

Aber es kommt noch besser! Denn Beuys hat Dich durch die Aktion für die vorm Fenster und später auch für die vorm Bildschirm selbst zum Bild gemacht. Und zwar zu einem, das man nicht mehr erklären kann! Das ein märchenhaftes Rätsel ist. Dessen Geheimnis man irgendwie fühlend erfassen muss.

Mit toten Pfoten vielleicht. Oder mit erschlafftem Hasenbart. So richtig wissen können wir das nicht.

Fest steht aber, dass Du dank dieses Bilds nicht nur im Hasenhimmel, sondern symbolisch auch auf Erden weiterlebst. Das, finden wir, hat Joseph Beuys so richtig gut gemacht. Beleidigt sein dürfen da eigentlich nur die Menschen, diese Hasenfüße. Die dummen Tiere.

Den dummen Tieren hat Beuys später dann doch noch wortreich erklärt, warum er Dir die Bilder hat zeigen müssen und nicht ihnen; er konnte eben auch nicht raus aus seiner Haut. Er habe Dich ausgewählt, hat er gesagt, weil Du ein Opfer seist all jener ökologischen Schäden, die Menschen anrichten würden auf der Welt.

„Sie töten Hasen“, hat er gesagt. „Sie töten aber auch Böden. Sie töten die Wälder. Sie vernichten die Lebenslinien der Natur generell.“ Letztlich töten sie mit Dir also auch sich selbst.

Heute soll es sogar Menschen geben, die das verstehen können. Aber es hat dazu ja inzwischen aus viel eindeutigere und klarere Bilder gegeben als das von Dir.

Egal. All das jedenfalls hat Beuys schon 1965 im Bild vom Erklären der Bilder mitgedacht. Aber sinnlich eben, wir können das nicht besser sagen. Sagen können wir dir aber, dass es also auch um Dich geht in Beuys‘ Bild! Beuys hat das alles vor allem auch für Dich getan, für Deinesgleichen, für das Überleben DEINER Hasenkinder (wir hoffen, Du hattest schon welch?)! Ist das denn nicht ein nobler Zug?

Wir finden schon.

Wir können Dir natürlich mit Worten Deinen Zorn nicht nehmen. Und auch wir werden manchmal beim Sinnieren das Gefühl nicht los, dass Du vor 56 Jahren im Grunde stellvertretend sterben musstest für einen, den andere – heute, zu seinem Jubiläum, wieder – den Erlöser nennen.

Und es stimmt natürlich auch, dass Beuys selbst Hasen getötet hat: Im Grunde hat er ja auch Dich getötet, indem er dich beim Jäger in Auftrag gab. Auch ist nicht auszuschließen, dass einer deiner Artgenossen auf freier Wildbahn auf einer von Beuys‘ Ausflugsfahrten bei seinem Bentley unter die Räder: also unter den Hasen-Totem-Kühler, kam.

Die Luft verpestet und ein bisschen Eure Wälder und Eure Böden getötet hat Beuys mit seinem Schlitten auf jeden Fall.

Aber bedenke: Beuys war auch nur ein Mensch! Er war kein Hase!!! Er wäre nur allzu gerne einer gewesen. Doch diese Entwicklungsstufe blieb ihm verwehrt.

Für vieles würden auch wir Beuys heute noch persönlich die Ohren langziehen, das kannst du uns glauben. Aber Beuys hat die Löffel ja schon abgegeben. Während Du im Hasenhimmel immer noch ein Leben führst in Saus und Braus. Und ohne Joseph Beuys auf Erden längst vergessen wärst.

Denk doch bitte auch darüber noch einmal nach. Nicht immer nur an Dich.

Mit vielen Grüßen von der üsseligen Erde,

i. A. Deine KunstArztPraxis (23.11.2025 / 22.11.2021)

^{P.S.: Wir hätten jetzt natürlich auch noch gern gewusst, ob Du die Bilder, die Beuys Dir 1965 erklärt hat, im oben näher ausgeführten Sinn „verstanden“ hast? Wir haben auch schon Joseph Beuys gefragt, aber leider bisher keine Antwort erhalten.}

^{Willst Du drüber reden? Kannst Du überhaupt reden? Kannst Du wenigstens LESEN? Gibt es Internet im Hasenhimmel? Egal. Melde Dich doch bitte einfach beizeiten mal bei uns, notfalls per Taubenpost. Wir können auch ein bisschen Pfotensprache und würden uns sehr freuen.}

Unser Titelmotiv mit einem neidisch in den Hasenhimmel lugenden Beuys – unsere Interpretation! – stammt vom wundervollen Fotografen Peter Sevriens, der sich bis heute heldenhaft der Unsichtbarkeits-Maschine widersetzt wie der Heilige Georg dem Drachen. Auf seine Bilder durften wir schon mehrfach zurückgreifen. Dankedankedanke!

Dieses Bild zeigen wir sogar exklusiv, sprich: zum allerersten Mal öffentlich! Hach. Schön.

In seinen digitalen Besitz kamen wir mit folgenden Worten: „Genauso wie Albrecht Dürer den Hasen als Kunstobjekt eingesetzt hat, hat auch Joseph Beuys seinen Hasen erfolgreich in der Kunst demonstriert. Beide wussten, wie der Hase läuft! Und wir jetzt auch, machen wir etwas daraus. Liebe Grüße, Peter Sevriens.“

Wir haben es versucht.

^{Anmerkung 1: Nicht nur wegen der Unsichtbarkeits-Maschine, sondern auch aus Respekt vor dem echten toten Hasen zeigen unsere Fotos ausschließlich die falschen.}

^{Anmerkung 2: Die Beuys-Masken (mit Sevriens-Foto!) wurden den Tieren freundlicherweise von der Kölner Galerie van der Grinten zur Verfügung gestellt. Wir danken herzlich im Namen der Tiere.}

100 Jahre Joseph Beuys in der KunstArztPraxis:
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
Beuys, der Schüler. „Alles ist Skulptur“ in Duisburg
Reine Bildgebung (1): Joseph Beuys im Skulpturenpark Waldfrieden (leider schon gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)
Joseph Beuys und die Unsichtbarkeits-Maschine
Joseph Beuys reloaded (I): Der Mensch
Joseph Beuys reloaded (II): Jeder Mensch ein Künstler?
Joseph Beuys reloaded (III): Der Lehrer
Joseph Beuys reloaded (IV): Der Zeichner
Joseph Beuys reloaded (V): Beuys für Sammler
Joseph Beuys reloaded (VI): Warum Beuys heute noch?

WDR-Retro: Beuys und der tote Hase – Kunstperformance in der Galerie Schmela (27.11.1965)
Homepage von beuys2021 (schon kurz nach dem 100. Beuys-Geburtstag gefressen von der Unsichtbarkeits-Maschine)

Der Beitrag Wie man dem toten Hasen Joseph Beuys erklärt erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Was zeitgenössische Kunst anging, verlebten wir Drei von der KunstArztpraxis unsere Kindheit im Tal der Ahnungslosen. Manchmal schwappte aber doch etwas davon über die verschneiten Kuppen des Lands der tausend Berge: mit dem „Sauerländischen Volksblatt“, später: der „Westfalenpost“. Oder mit dem WDR oder der „Tagesschau“.

Das hatte dann aber immer etwas mit Skandal zu tun. Und, unserer Erinnerung gemäß, mit dem Dreigestirn skandalöser Aufmüpfigkeit: Joseph Beuys, Harald Naegeli – und Luigi Colani.

Der Skandal um Joseph Beuys, das war vor allem seine Hausbesetzung der Düsseldorfer Kunstakademie, der Skandal um Harald Nägeli die spektakuläre Flucht des dann wegen Sachbeschädigung mit internationalem Haftbefehl gesuchten „Sprayers von Zürich“ ins Rheinland. 

An Luigi Colani war einfach alles ein Skandal

Luigi Colani wohnte protzig im Münsterland im SCHLOSS. Er war auf großspurige Art & Weise arrogant. Er lebte hedonistisch in Saus und Braus. Er hatte Jünger (und Affären?). Und sein Rundes, das war Waldorf.

Kurzum hatte sich Luigi Colani wie Joseph Beuys zur eigenen Marke gemacht, die medial unseren Neidmuskel zu aktivieren verstand. Nur eben nicht mit Hut und Multifunktionsjacke, sondern mit Schnurrbart, Zigarre und weißem Rollkragenpullover. 

Beziehungsweise, hier wieder ganz bei Joseph Beuys: mit seiner Signatur.

Poltern in der Eiche-Schrankwand

Wenn Luigi Colani nicht gerade mit seinen Jüngern auf einem Styropor-Floß durch den Schlossgraben seiner „Designfactory“ (Andy Warhol? Nein: Luigi Colani!) schipperte, wenn er nicht unseres Erachtens schnödweiße Wandfarbe mittels seiner Unterschrift hokuspokus in „Colani-Weiß“ verwandelte oder in irgendeiner Wüste Gobi in Geschwindigkeitsräusche verfiel:

Dann saß Luigi Colani in Talkshows und krakeelte aus den in den rustikalen Schrankwänden unserer elterlichen Wohnzimmer versenkbaren Fernsehern polternd und mit einer Zigarre oder einem Weinglas in den Händen wild gestikulierend über diese „Idioten“ (Luigi Colani) der Möbel- und Autoindustrie. 

Und weil die von ihm gescholtenen Möbelhersteller und Autoindustriellen seine Genialität partout nicht erkennen wollten, zog Luigi Colani vor laufender Kamera tödlich beleidigt & schmollend als Guru nach Japan.

Das war im Tal der Ahnungslosen so unser Bild. Und: Wir sind uns ziemlich sicher, dass das ganze Sauerland das damals genauso sah.

Bitte Abstand halten!

Auch als wir das Tal der Ahnungslosen Richtung weite Welt verließen, blieb Luigi Colani für uns der Klaus Kinski des Gestaltens.

Dann geriet er in der KunstArztPraxis sogar gänzlich in Vergessenheit.

Was aber Luigi Colani als Kreativ-Krakeeler seit den Siebzigerjahren tatsächlich Neues, Revolutionäres, selbst nach 50 Jahren immer noch erstaunlich innovativ Wirkendes mit seinen „Formen der Zukunft“ vollbracht hat, ist uns erst kürzlich im Marta Herford aufgegangen. 

Das müssen wir zu unserer Schande gestehen.

Das ist vom Menschen und den Formen der Natur her gedachtes, teils auch nachhaltiges, ressourcenschonendes, gegen den damals gängigen geraden Bauhaus-Strich gebürstetes „Bio-Design“ (Luigi Colani).

Aus einer Zeit natürlich, die im Plastik bis zur Ölkrise etwas verblendet nur die unbegrenzten Möglichkeiten sah.*

^{*Im Zuge der Ölkrise schwenkte Luigi Colani dann
aber ohnehin um zum Holz.}

Dass Luigi Colani eine Ausbildung als Bildhauer und als Aerodynamiker in Personalunion genoss: Beides sieht man seinen Entwürfen und Produkten an. Es sind nämlich Formen, die ihrer Funktion im Alltag folgen sollen – und trotzdem das Zeug haben zur Skulptur.

Dass Luigi Colani zudem soziale Ideen hatte, die das menschliche Zusammenleben vom Tiny House bis hin zu einer – als Körper durchgestylten – Wissenschaftsstadt samt „grüner Lunge“ und Verkehrs-Adern überspannten, dass er die Gesellschaft mit Dein offenbar verändern wollte:

Das verbindet ihn mit den urbanen Visionären der Moderne ebenso wie mit einem Akademiebesetzer wie Joseph Beuys. 

Dass Luigi Colanis ergonomische Skulpturen in Form von Möbeln nachhaltig mit Kindern mitwuchsen, dass sie als Autos teils auf Elektromotoren fußten oder Geschwindigkeits- ebenso wie Spritspar-Rekorde brachen – und dass die Möbelhersteller und Autoindustriellen dieser Erde dies so arrogant ignorierten (übrigens: ebenso wie die idiotischen Politiker, die sich um geringere Mineralölsteuer-Einnahmen wegen stromlinienförmiger Lkw Sorgen machten):

Dass all dies Luigi Colani zur Weißglut brachte, das können wir inzwischen gut verstehen. Und dass er als Prophet deshalb aus dem eigenen Lande zum Berg – vulgo: zum Fuji – ging, inzwischen auch.

Im Grunde arbeitete Luigi Colani ja auch gar nicht an Produkten: Luigi Colani arbeitete an einem aus Produkten bestehenden Gesamtkunstwerk. Luigi Colani wollte eine perfekte Umwelt für die Menschheit erschaffen, eine zweite, neue, lebenswertere Erde aus Kunststoff, Holz, Keramik.

Und zwar ganz bodenständig auf der guten alten Erde selbst. Terraforming zuhause – und nicht, wie all die rechtspopulistischen aktuellen Visionäre mit ihren vollgestopften Hosen, auf dem Mars. 

Er hätte sie mit seinem Rauch signiert

Ach ja: Wenn Luigi Colani das Gesamtkunstwerk gelungen wäre, und wenn all die Autoindustriellen und Möbelhersteller und Politiker sich geweigert hätten, Idioten zu sein: Dann hätte Luigi Colani diese seine zweite Erde mit dem Rauch seiner Zigarre im Himmel qua seiner wolkigen, nein, besser: kondenzstreifigen Unterschrift großflächigst signiert.

Daumen hoch für Weißburgunder?

Rund 200 Design-Objekte, Zeichnungen, Fotos und Dokumente von Luigi Colani trägt die Schau in Herford zusammen.* Bis heute scheinen uns einige davon dann doch allzu verwegen, vielleicht auch etwas protzig.

Wir müssen unsere Daumen nicht in ein ergonomisch neu geblasenes Weinglas stecken, um unseren Weißburgunder noch vollmundiger im Abgang zu genießen – uns reicht die Jahrtausende alte, bewährte, klassische Variante.

Und in die rollende Männer-Phantasie „Pierce Arrow“, deren einziger Prototyp ebenfalls in Herford zu sehen ist, wären wir vielleicht erst gar nicht eingestiegen. 

^{*uns fehlte eigentlich nur der von Prince gekaufte „Pegasus“-Flügel.}

Aber dass Luigi Colani sogar über so etwas jahrhundertealt Bewährtes nachgedacht hat wie Weingläser, dass er alles schon einmal Gestaltete infrage stellte, umgestalten, verbessern wollte, das imponiert uns schon.

Wie gesagt haben wir dies alles erst in Herford begriffen. Aber für Luigi Colanis „Formen der Zukunft“ ist das ja noch nicht zu spät. (19.01.2025)

^{„Luigi Colani. Formen der Zukunft“ ist noch bis zum 23. März 2025 im Museum Marta Herford zu sehen. Parallel dazu läuft, diesmal ebenfalls in den Gehry-Galerien, die Schau zum 11. RecyclingDesignpreis, die wie eine Fortsetzung der Colani-Ausstellung angelegt ist: ein ebenso simpler wie großartiger Einfall. Chapeau.}

^{Anmerkung: Wir sollen schön grüßen von KunstArzt1! Und noch etwas sagen, nämlich: 1986 designte Luigi Colani die Spiegelreflexkamera Canon T90 – unser erster KunstArzt hatte damals selber ein Exemplar davon. Dass diese T90 das Kamera-Design in seiner Haptik bis heute nachhaltig revolutionierte, dass sich die meisten Kameras daran orientieren – das kann nun wirklich niemand mehr bestreiten. Nichtmals im Tal der Ahnungslosen.}

Das Marta in der KunstArztPraxis:
Als Trialog: „Das reisende Auge“ im Marta. Und bei uns!
Wie wir „Das reisende Auge“ gesehen haben. Teil 1
Wie wir „Das reisende Auge“ gesehen haben. Teil 2
Ein gut bestelltes Haus? Rodney McMillian im Marta
Die Kunst der Stanze: “Annem işçi” im Marta
Cage als Motor: “Long Gone, Still Here” im Marta Herford
Kein Pferdefuß? Lena Henke im Marta
Mit Arnies Augen: “SHIFT” im Marta Herford
“Das sind meine Freunde!” Annette Frick im Marta (leider Opfer der Unsichtbarkeit-Maschine)
Sei Werkzeug deiner selbst! Cinthia Marcelle im Marta
Überall “Dark Data”: Tobias Zielony im Marta Herford
“Sichtbar Unsichtbar”: Ein Gang durchs Marta-Depot
Marta reloaded: Inventur und Vision in Herford
Reine Bildgebung (12): Wie das Marta sammelt
So geht soziale Plastik! Pedro Reyes im Marta
Neue Routen durch die Sammlung: “Marta Maps”
Reine Bildgebung (9): “Marta Maps” in Herford
Eine echte Schau: “Look!” im Marta Herford
+++ Eil +++ Eil +++ Eil +++ Piraten entern Marta!
Katz im Marta: “Sie werden überrascht sein!”
Fotos malen? Trügerische Bilder im Marta

Homepage des Marta Herford

Der Beitrag Der Kreativ-Krakeeler. Luigi Colani im Marta  erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

An Marcel Duchamp lieben wir so einiges. Seinen Witz zum Beispiel, seinen Hang zum Wort- und Schachspiel. Seine irrationale Logik, seine künstlerische Intelligenz (KI). Sein Überschreiten von Grenzen. Seine Langeweile, die die Kunstgeschichte weitergebracht hat. Und dass wir uns am „Großen Glas“ bis heute hirnlich die Zähne ausbeißen, das lieben wir auch.

Was wir an Marcel Duchamp aber am meisten lieben, sind seine Readymades – wobei wir aber a) eigentlich nur das Pissoir, den Flaschentrockner, die Garderobe und die Schneeschaufel so richtig gelten lassen wollen und b) auch finden, dass es Duchamp seinen Epigonen auf dem Kunstmarkt mit seiner Erfindung leider etwas leicht gemacht hat. Egal. Die Idee des Readymades ist als Grundidee genial. Eben deshalb, weil sie dem Geniebegriff den Garaus macht.

Aber: Es gibt im Reich der Kunst ja noch viel mehr Genies als Marcel Duchamp – nicht nur, BEVOR Marcel Duchamp dem Geniebegriff den Garaus machte, sondern auch noch DANACH! Was wäre denn gewesen, wenn DIE das Readymade erfunden hätten? Was hätten DIE erwählt?

Wir haben das nachfolgend einfach einmal mit irrationaler Logik in fünf Zügen imaginierend durchgespielt. Denn: Wat R. Mutt, dat R. Mutt, wie wir Duchampianer sagen.

„Träumender Sklave“ von Michelangelo

Wie Jede*r weiß, war Michelangelo ein großer Plato-Fan: Platos Lehre, die die Welt der Dinge zum profanen Abklatsch der Ideen macht, hatte es ihm angetan.

Auf die beliebte Journalistenfrage bei Pressekonferenzen: „Herr Buonarroti, wie haben sie das gemacht?“, senkte Michelangelo gern betont bescheiden den Kopf und gab retour: „Ach, kaum der Rede wert!“. Die Idee zur Figur habe ja schon im Stein verborgen geschlummert; er habe er sie mit Hammer & Meißel nurmehr banal daraus erweckt.

Mit dieser platonischen Liebe zur Idee wäre Michelangelo für die Erfindung des Readymades also mental eigentlich prädestiniert gewesen. Von daher ist es leicht, sich vorzustellen, was der Künstler 1917 im Schweiße seines Angesichts statt eines schnöden Pissoirs von Florenz zu den Independent Artists nach New York hinter sich hergezogen hätte. Na, können Sie’s sich denken?

Richtig: Natürlich einen UNBEHAUENEN Carrara-Marmorblock direkt vom Steinbruch! Dann nämlich hätte sich jede*r Betrachtende selbst erwecken müssen, was im konkreten Stein so schlummert. Und das ist schließlich eine ganze Menge.

Durch diese interaktive Komponente wäre Michelangelo dann auch noch die erste bewegliche Skulptur gelungen. Wie später Duchamp mit seinem „Fahrrad-Rad“ (1913) – nur eben nicht plump mechanisch, sondern anmutig zerebral, rein geistig, durch animierte Kapriolen der Synapsen. Wow, Michelangelo! Poetischer als ein Sonett.

Leider gilt Michelangelos potentielles Readymade heute als verschollen. Vermutlich hat der Künstler es in einem Anflug von Vandalismus selbst zerstört, um daraus ganz profan seinen David zu erwecken. Es gibt nur noch unautorisierte Nachbauten, so einen – viel kleineren – Marmorblock von 1874, der für den Transport per Eisenbahn zwischen Weltausstellungen gedacht war.

Von der unvorstellbaren Größe des Originals – es hatte eine gedankliche Höhe von über 40 Metern! – vermittelt unser Symbolfoto natürlich nur noch eine winzige Idee.

„Betende Hände (A.D.)“ von Albrecht Dürer

Albrecht Dürer steht für das neue Selbstbewusstsein des Künstlers in der Renaissance nördlich der Alpen. Das ist richtig & gut, aber aus heutiger Sicht kommt er in unseren Augen dabei trotzdem etwas schnöselig daher. Man muss sich ja nur mal das berühmte „Selbstbildnis im Pelzrock“ aus dem Jahre 1500 anschauen, in dem sich der Künstler mit unnatürlicher Fingerhaltung als Christus stilisiert. Aus jeder Minipli-Locke, aus jedem Pelz-Haar schreit es förmlich ICH ICH ICH.

Deshalb hätte Albrecht Dürer bestimmt ein Merchandising-Produkt seiner eigenen Werke zum ersten Readymade bestimmt. Und da vermutlich das, das seinen Ruhm quantitativ am aufdringlichsten in die Welt getragen hat, sprich: bis heute wohl am häufigsten reproduziert worden ist. Die „Betenden Hände“ von 1508 also. Wegen der Nähe von Dürer und Beten zur erleuchtenden Göttlichkeit am besten als Kerze.

Für seine serielle Selbstbeweihräucherung hätte Dürer nicht mal zu den Oberammergauer Herrgottschnitzern pilgern müssen wie weiland Jeff Koons mit Ciccolina. Er hätte in den Sechzigerjahren einfach in einen x-beliebigen Laden für religiösen Dekorationsbedarf gehen können wie Duchamp für seine Readymades ins ordinäre Garderoben- oder Schneeschaufel-Fachgeschäft. Unsere Eltern haben das gemacht.

Nichtmals signieren hätte Dürer sein Readymade müssen: Sein weltbekanntes AD stünde ja schon drauf. Readymadiger geht es also nicht.

Als Albrecht Dürers Readymade ist Albrecht Dürers Kerze jene Skulptur von Abrecht Dürer, die Albrecht Dürer nie geschaffen hat. Sie verwandelt die Weißhöhungen von Albrecht Dürers anbetungswürdiger Zeichnung in das echte Relief einer wächsernen Oberfläche. Sie ist kitschig & retro, sprich: modern & trendy. Und sie bleibt doch hohe Gießkunst, kommt also immer noch von Können.

Das war dem selbstbewussten Albrecht Dürer ja dann doch sehr wichtig.

Vor allem passt Albrecht Dürers Kerzen-Readymade denkbar gut zu Albrecht Dürers „Selbstbildnis im Pelzrock“, denn das Beten hier ist das Malen dort. Auch der Fromme will ja gesehen & für seine Tat bewundert werden. Auch beten war & ist nicht selten ein Frömmeln mit unnatürlicher Fingerhaltung zu Selbstdarstellungszwecken. Und aus jedem zweiten Bittgebet schreit es förmlich Richtung Himmel ICH ICH ICH.

Deshalb wünschen wir uns Albrecht Dürers betende Kerze vor Albrecht Dürers „Selbstbildnis im Pelzrock“ in die Alte Pinakothek nach München. Sie würde den Ausstellungsraum erst richtig zum Altarraum machen, das hätte Albrecht Dürer bestimmt gefallen! Und sie müsste angezündet werden! Sie wäre dann ein ewiges Licht, denn natürlich würde die Flamme die Kerze nicht verbrennen.

Dafür wäre ihre Ehrfurcht vor Albrecht Dürer viel zu groß.

Albrecht Dürer in der KunstArztPraxis:
Albrecht Dürer forever! Unser Quiz zum 495. Todestag

„Papperlapapp-Loplop (Gartenscheren-Hausgeist)“ von Max Ernst

Max Ernst war ein großer Gartenfreund. Der Garten diente ihm nicht zuletzt als Hommage an die Frau, deren Nacktheit ihm bekanntlich weiser als die Lehre der Philosophen war. Um diese Nacktheit (etwa die der Nymphe Ancolie) im surrealen Dickicht sichtbar zu machen, erschuf Max Ernst den schönen Gärtner. Nacktheit, die man nicht sieht, ist ja nicht weise.

Wir malen uns gerne aus, mit welchem Instrument der schöne Gärtner diese nackte Weisheit aus der Natur wohl freigeschnitten hätte. Wir denken, dass eine ganz gemeine Gartenschere das Mittel seiner Wahl gewesen sein müsste. Und zwar eine ziemlich kleine: Weil sie vom surrealen Dickicht nicht mehr als nötig wegstutzt. Für uns wäre die Gartenschere aus diesem Grund auch das erste möglichen Readymade aus dem magischen Instrumentenkasten von Max Ernst gewesen. Aber noch aus einem anderen:

Schließlich wohnt der Gartenschere ja ein schauderhafter Zauber inne. Sie trägt in ihrer Brust zwei Wesen, die zumindest in unseren von Ernst – und von Humor! – geprägten Hirnen gleichberechtigt nebeneinanderstehen:

Geschlossen starrt uns das eine Wesen der Gartenschere an wie ein halb irrer Vogel, dessen Flügel jederzeit gefährlich auseinanderschnappen könnten. Noch ist der Irrsinn gezähmt wie ein Dschinn in der Flasche. Aber der Wissende weiß: Er ist da. Und er kann jederzeit ausbrechen.

Schappen die Flügel – und mit ihnen irrwitzigerweise immer auch der Schnabel! – aber einmal auseinander, dann offenbart die Gartenschere ihr zweites Wesen. Dann wird sie zum tobenden Hausgeist, der Jedem, der in den Untiefen seiner oralen Seele noch am Daumen lutscht, diesen Daumen abzuschneiden droht. In etwa so wie im „Struwwelpeter“ beim anti-ödipalen Konrad der Schneider.

Vermutlich hätte Max Ernst den in jeder Gartenschere gut sichtbaren Irrsinn im gazähmten Zustand, also mit geschlossenen Flügeln und geschlossenem Schnabel, ins Museum gestellt: Der Gartenscherenvogel soll ja möglichst sanft unser Unbewusstes massieren, sein Anblick möglichst unaufdringlich Urängste in uns wachrufen wie ein Traum. Und der Werktitel soll dem Ich dieselben Ängste in Dada-Manier wieder nehmen.

Für die Arbeit der Gartenschere im Dickicht des Gehirns bedeutet dies: 1. Unbewusste Angst im Mandelkern aufgeklappt. 2. unbewusste Angst im Sprachzentrum wieder zugeklappt. Ergo: Papperlapappt.

Für unser Symbolbild, das ja immer nur den Typ von erdachten Readymades wiedergeben kann, haben wir die Sache natürlich im Sinne ihrer mentalen Wirkung etwas dramatisieren müssen und den surrealen Dschinn entfesselt. Aber: Keine Angst! Es kann nichts passieren! Trauen Sie sich hinzuschauen! UNSER Gartenscheren-Hausgeist tobt hinter einer Scheibe aus bissfestem Glas.

^{Anmerkung: Wir entschuldigen uns ausdrücklich dafür, dass die am Anfang herbeizititierte Weisheit der Frauen am Ende unseres Textes keine Rolle mehr spielt. Die Schere zwischen unseren Ansprüchen und unseren Fähigkeiten geht leider beizeiten sehr stark auseinander.}

Max Ernst in der KunstArztPraxis:
Wer war Max Ernst? “Image” in Brühl. Ein Steckbrief

„Lego Toilet Terracotta Warrior“ von Ai Weiwei

Ai Weiwei ist in Lego nachgerade schockverliebt. Kürzlich erst hat er für eine Ausstellung in Berlin Gemäldeklassiker von Leonardo da Vincis „Abendmal“ bis zu Claude Monets „Seerosen“ aus Fantastilliarden dieser kleinen Noppen-Steine nachgebaut. Für uns gibt es daher keine Zweifel: Ai Weiwei hätte ein Lego-Toiletten-Häuschen zum ersten Readymade gemacht.

Vor allem auch wegen des Bezugs zu Duchamps Fontäne, die es laut unseres Gedankenspiels ja gar nicht gegeben hätte! Wie genial ist das denn.

Wir stellen uns ein flächendeckendes Meer aus 580.000 blauen Lego-Toiletten-Häuschen vor, die auf dem Boden, sagen wir: der Turbinenhalle der Londoner Tate Modern wie chinesische Terrakotta-Krieger aufgereiht worden sind. Und durch dieses Meer schlängelt sich ein Band von 120.000 roten Lego-Toiletten-Häuschen, die den Verlauf der Chinesischen Mauer aus der Drohnenperspektive im Maßstab 1:700.000 imitieren.

Ein subtiler Verweis Ai Weiweis auf die von Tod und Ausbeutung begleitete Baugeschichte dieses zu militärischen Zwecken in seiner einstigen Heimat errichteten, Migration verhindernden Monuments.

Ach, Ai Weiweis riesige Installation in der Tate Modern ist gar kein echtes Readymade mehr, sagen Sie? Ja, stimmt, jetzt, wo Sie es sagen, sehen wir es auch! Wie wäre es denn dann mit einer Künstler-Edition von Lego-Toiletten-Häuschen direkt aus dem Spielwarenladen? In einer Auflage von – sagen wir: 750 Exemplaren, die auf einem in die Verpackungsschachtel geschobenen Zertifikat nummeriert und drucksigniert sind, für – sagen wir: 1.750 Euro?

Ja, das ginge. Sogar nach strengsten Readymade-Kriterien.

Uns ist ohnehin ein ganz anderer Aspekt am Werk von Ai Weiwei wichtig, der natürlich bombastischer in der Installation, aber genausogut in der bescheidenen Readymade-Edition rüberkommt:

Denn das Motiv des – von allen Geschlechtern gleichermaßen jederzeit kostenlos nutzbaren – Toiletten-Häuschens verweist auch auf die Kommerzialisierung und Kriminalisierung der Notdurft im öffentlichen Raum: auf deutschen Autobahnen (1 Euro!) ebenso wie im urbanen Milieu (50 Cent für Nicht-Kunden!). Dabei ist freie Notdurft jederzeit und allenorts ein Menschenrecht!

Kein Kneipenbesitzer sollte Irgendjemandem hartherzig die Toilette verweigern dürfen, nur weil er/sie kein*e Konsument*in ist! In jeder Metzgerei und jeder Boutique sollte ein stilles Örtchen auf uns warten, so, wie es früher, wenn wir uns recht erinnern, einmal war! Nieder mit Sanifair, es lebe Dixi und Toi Toi!

Auch das musste endlich einmal gesagt werden. Und zwar mit einem politisch anklagenden, fundamental sozialkritischen, in seiner vermeindlichen Schlichtheit doch derart tiefgründigen und schon alleine von seinem obszönen Kaufpreis her ungemein provokanten Werk wie diesem. Danke, Ai Weiwei.

Ai Weiwei in der KunstArztPraxis.
Zum 65.: Drei Geschenk-Ideen für Ai Weiwei
Sommerloch-Porträts (5): Ai Weiweis Kern

„Dr. Duchamps gesammeltes Schweigen“ von Joseph Beuys

Na, das ist am Ende jetzt mal fast ZU einfach. Wir sind uns nämlich sicher, dass Joseph Beuys die ganze Welt zu seinem ersten Readymade hätte machen wollen! Und zwar, genauso wie Duchamp, nur qua der Zaubermacht seiner Unterschrift. Und zwar, natürlich, in seinem Falle, kicher, kicher, Zwinker-Smiley, mit einem FILZ-Stift.

Auf diese Weise hätte sich Joseph Beuys quasi alles kosmisch einverleibt: Tempo-Erbsen und Rodelschlitten, Reclam-Bändchen und Maggi-Flaschen, Badewannen und Fettecken, Rosen und Reagenzgläser, Hopfen-Perlen und Klaviere – und Geldscheine! Ja, vor allem Geldscheine! Also den Ausdruck jenes geheimnisvollen, Kapitalismus genannten Erzählkonstrukts, das die Welt, die doch eigentlich durch das Erzählkonstrukt der Kunst im Innersten zusammengehalten werden sollte, im Innersten zusammenhält.

Wie? Was? Das alles hat Joseph Beuys tatsächlich genauso gemacht, sogar mit Tempo-Erbsen und Geldscheinen und Reclam-Bändchen? Hm, dann ist das für ein erstes Readymade wohl keine ganz so gute Idee von uns. Was machen wir denn da? Ah, wie es der Zufall will, haben wir zum Glück ganz spontan einen Ersatz-Einfall! Etwas kleiner zwar, aber als Ersatz-Einfall müsste es funktionieren.

Also: Dann mutmaßen wir mal, dass Joseph Beuys Marcel Duchamps Schweigen zu seinem ersten Readymade gemacht hätte! Vielleicht das gesammelte, also lebenslange Schweigen, vielleicht aber auch nur, sagen wir: 50 Kubikzentimeter davon. Letzteres wäre dann so etwas wie Duchamps „Pariser Luft“ von 1919, nur ohne Flakon – also ungleich radikaler! Und in dieser ungeheuerlichen Radikalität mit den bescheidenen Mitteln unserer Bildgebungs-Verfahren hier leider nicht mehr darstellbar.

Da schließt sich dann der ganz große Kreis: Chapeau, Herr Beuys! Ihr Genie wird eben immer noch unterschätzt.

Joseph Beuys in der KunstArztPraxis:
Joseph Beuys und die Sichtbarkeits-Maschinen
Wie man dem toten Hasen Joseph Beuys erklärt
100 Fragen an Joseph Beuys
Reine Bildgebung (1): Joseph Beuys in Wuppertal (leider Opfer der Unsichtbarkeits-Maschine)
Joseph Beuys und die Unsichtbarkeits-Maschine
Staeck & Beuys: “Ziel war maximale Öffentlichkeit”
Jeder Mensch ein Quizzer? Der Beuys-Jahr-Bio-Test
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht
Joseph Beuys: Krise & Heilung
Joseph Beuys reloaded (1-6)

Bitteschön. Dankeschön. Ihre KunstArztPraxis. (01.10.2023)

^{Anmerkung: Kurz nach Erscheinen dieses Beitrags erhielten wir von einer Leserin oder einem Leser namens „Uhrvogel“ den wichtigen Hinweis, das vielleicht nicht Marcel Duchamp, sondern die Dada-Künstlerin Elsa von Freytag-Loringhoven die Erfinderin des Readymades gewesen sein könnte, weil sie Duchamp (so steht es wohl auch in einem seiner Briefe an seine Schwester) das später zur „Fountain“ deklarierte Pissoir zugeschickt habe (der Kommentar stammt vom 02.10.2023, wir haben mit dieser Anmerkung reagiert, ihn aber aus aktuellem Anlass am 01.06,2024 unten nochmal komplett freigeschaltet). Wir hatten das mit Frau von Freytag-Loringhausen auch schon mal gehört, aber (Asche auf unsere drei Häupter!) tatsächlich wieder vergessen. Wir haben aber nochmal recherchiert. Bezüglich der „Fountain“ ist uns die Geschichte noch nicht ganz schlüssig, aber wegen eines früher entstandenen Eisenrings werden wir weiter recherchieren. Vielen Dank, Herr/Frau Uhrvogel! Und, nein: wir betreiben keine „sexistische Geschichtsklitterung“. Nichts läge uns ferner.}

Der Beitrag 55 Jahre 68 : 5 Readymades für Marcel Duchamp erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Die so genannten Klimakleber haben es uns auf der Straße in den letzten Monaten deutlich vor Augen geführt: Um Menschen so richtig auf die Barrikaden zu treiben, muss man ihrem alltäglichen Handeln Grenzen setzen – zum Beispiel mit einer Barrikade.

Da wurden die festgeklebten Hände der meist jungen Menschen von vor Wut rasenden, da zum Stillstand gebrachten Autofahrern vom Asphalt gerissen, einem Aktivisten sogar über den Fuß gebrettert. Es war Einigen halt wichtiger, möglichst schnell ans Ziel zu kommen, sprich: ein Stück näher an den Weltuntergang, als über eingefahrene Gewohnheiten nachzudenken.

Bei Grün rot sehen

Ein ähnliches, wenn auch weniger brutales Spiel aus Aktion und Reaktion kann man momentan im Marta Herford verfolgen. Wenn man Cinthia Marcelles Videoarbeit „Confronto“ (2005) betrachtet, könnte man fast meinen, die „Letzte Generation“ hätte sich ihre Störungstaten bei der brasilianischen Künstlerin abgeschaut. Und das Ganze in Aufwand und Botschaft dabei natürlich deutlich reduziert.

Bei „Confronto“ sind es Jongleur*innen mit Feuerfackeln, die sich zu den Rotphasen einer Ampel jeweils in Zweier-, Vierer-, Sechser- und Achtergruppen auf einer Kreuzung positionieren. Wenn alle acht Artist*innen auf der Kreuzung stehen, jonglieren sie auch während der Grünphase weiter. Der Zorn der blockierten Autofahrer entlädt sich hier in einem Hubkonzert.

Dort blanke Verzweiflung, hier reflexive Kunst

Den Aktionen der Aktivist*innen und der Artist*innen ist gemeinsam, dass bei den Ausgebremsten vor Ort der Verstand eher aussetzte: Denken entsteht, im Idealfall, eben oft erst in der Nachbetrachtung der Bilder von eher Unbeteiligten in einem meinungsneutralen Reflexionsraum – in der „Tagesschau“, oder eben, noch viel besser, im Museum.

Wobei die „Botschaft“ von Cinthia Marcelle natürlich eine viel abstraktere ist. Schließlich handelt es sich bei „Confronto“ nicht um blanke Verzweiflung angesichts der Klimakatastrophe, sondern um doppelbödige Kunst.

Es geht viel um Be- und Entgrenzungen bei Cinthia Marcelle, um das Hinterfragen sozialer Gewohnheiten, hierarchischer Strukturen, von Normen, etablierten Mustern und erstarrten Ordnungen. Und es geht darum, wie sich all dies mit den Mitteln der Kunst – durchaus auch als Modell für kollektives, aber auch für individuelles Handeln – hinterfragen lässt.

So wie in der Videoarbeit „Nau/Now“ (2017) zum Beispiel: eine Gemeinschaftsproduktion mit dem Künstler Tiago Mata Machado für den brasilianischen Pavillon der 57. Biennale von Venedig, in der Bauarbeiter*innen ein Dach gemeinsam abdecken – und damit nicht nur unsere Sehgewohnheiten irritieren, sondern auch ihr eigentliches Tun durch „sinnfreie“ Taten ad absurdum führen.

Zumindest für uns auch ein subtiler Hinweis darauf, dass das Haus unserer Demokratie vom Keller bis zum Dach nur durch die kluge (und möglichst gleichberechtigte) Arbeit Aller funktionieren kann.

Am Eindringlichsten und Gewaltigsten gelingt Marcelles Plan mit der Installation „A família em desordem“ (2023), die aus zwei Teilen besteht. Im ersten Teil versperrt eine akkurat gestapelte Barrikade aus Ziegeln, mit Erde gefüllten Fässern, Tafelkreide, Steinen, Kreppband, Baumwollstoff, Schnürsenkeln und Streichholzschachteln den Besucher*innen den Durchgang durch einen Raum.

Im zweiten Teil, im hohen Dom des Marta, hat sich die Ordnung in vermeintliches Chaos aufgelöst.

Ein bisschen sind wir neidisch

Es ist das Ergebnis eines Experiments, bei dem Kunstvermittler*innen und Mitarbeiter*innen des Museums aufgefordert waren, die exakt gleich aufgebaute (und auf einem Teppich mit den Maßen des anderen Raums drapierte) Barrikade über die Dauer von sechs Tagen aufzulösen und den Dom mit besagten Materialien – ohne Einflussnahme der Künstlerin und ohne Werkzeuge – in Besitz zu nehmen.

Wobei Mancher der Beteiligten offenbar ungeahnte Fähigkeiten – zum Beispiel als Lassowerfer – entwickelt haben muss: Das Werk wächst nämlich meterhoch in die Lüfte, und Leitern oder Hebebühnen waren ja niemandem erlaubt.

Es muss eine grandiose, teils kollektive, teils auch einsame Erfahrung gewesen sein. Ein bisschen sind wir Drei von der KunstArztPraxis darauf neidisch.

Nirgends ist alles im Lot

Für uns ergab sich beim Durchschreiten dieses Raumerlebnisses immerhin ein bemerkenswerter Effekt: Überall stießen wir auf kleine, neue Ordnungen, ja: Wir suchten schließlich intensiv danach. Und wir waren überrascht, wie viel Unordentliches unsere sensibilisierten Augen schließlich selbst in der intakten Barrikade entdeckten.

Es ist halt auch in einer scheinbar perfekten Stapelung oder Faltung wie der von „A família em desordem“ nicht immer alles im Lot. Das gilt sogar für soziale Gefüge wie Demokratien. Oder eben für Familien.

Für all diese in „Ungehorsame Werkzeuge“ transportierten Ideen finden sich in der Schau im Marta zwei zauberhafte, da in ihrer Poesie sofort einleuchtende, Skulptur gewordene Bilder:

„Zaun Trugbild (300 Pfähle)“ (2005/2023) besteht aus umgedrehten und an ihrer Spitze mit Erde versehenen Palisaden, die vielleicht einmal einen – jetzt befreiten – Raum umgrenzt haben könnten. Aber wie war der wohl beschaffen? Bei uns jedenfalls lief die Denkmaschine beim Anblick auf Hochtouren.

Wozu Schraubenzieher, Hämmer, Hacken?

Und für „in-zwischen-für-uns“ (2015/2023) hat Marcelle Werkzeuge mit Bandagen aus Schnürsenkeln gerastert in den neuen Rahmen ihrer Kunst überführt. Bei dem, worum es ihr geht, sind halt die Menschen nicht zuletzt die Werkzeuge, die Materialien ihrer selbst. Wozu da noch Schraubenzieher, Hämmer oder Hacken?

So jedenfalls haben wir uns das gedacht. Aber man kann es natürlich auch ganz anders sehen. Wie? Bitte finden Sie es selbst heraus.

Es ist ein hübscher kuratorischer Einfall, Marcelles trügerisches Zaunbild justament an jener Stelle an die von Frank Gehry gebogene Wand zu lehnen, an der Pedro Reyes im letzten Jahr seine “Palas por Pistolas” (2008ff.) platziert hatte: Um dieses Werk zu vollenden, hatte der Mexikaner Landsleute zum Tausch ihrer Waffen gegen Haushaltsgeräte aufgerufen – und aus jeder der 1.527 dergestalt zusammengesammelten Waffen das Metallblatt einer Schaufel gießen lassen, mit denen dann vor Schulen und Museen 1.527 Bäume gepflanzt worden sind.

Im Grunde geht es nämlich sowohl Marcelle als auch Reyes darum, dem Kunstwerk als Soziale Plastik™ wieder Bedeutung für ein neues Miteinander zu verleihen. Reyes wie Marcelle haben hierfür auf ihre ganz eigene Weise wundervolle Bilder gefunden. Joseph Beuys hätte das sicher gelikt.

Poesie des Perspektivenwechsels

Wir können „Ungehorsame Werkzeuge“ also rundherum empfehlen. Unserer Meinung nach sollte Jedermann die Ausstellung zudem als Denksportaufgabe begreifen, um eigene eingefahrene Handlungsmuster zu hinterfragen und einfach mal die Perspektive zu wechseln.

So wie bei den Aktionen der so genannten Klimakleber im Grunde auch. (13.03.2023)

^{„Cinthia Marcelle. Ungehorsame Werkzeuge“ ist noch bis zum 29. Mai 2023 im Marta Herford zu sehen.}

Das Marta in der KunstArztPraxis:
Überall “Dark Data”: Tobias Zielony im Marta Herford
“Sichtbar Unsichtbar”: Ein Gang durchs Marta-Depot
Marta reloaded: Inventur und Vision in Herford
Reine Bildgebung (12): Wie das Marta sammelt
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+++ Eil +++ Eil +++ Eil +++ Piraten entern Marta!
Katz im Marta: “Sie werden überrascht sein!”
Fotos malen? Trügerische Bilder im Marta

Joseph Beuys in der KunstArztPraxis:
Jeder Mensch ein Quizzer? Der Beuys-Jahr-Abschluss-Test
Wie man dem toten Hasen Joseph Beuys erklärt
Intuition statt Kochbuch. Ein Editionsgedicht (Bilder weg wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Beuys, der Schüler. “Alles ist Skulptur” in Duisburg (Bilder weg wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Joseph Beuys im Skulpturenpark Waldfrieden (komplett weg wegen Unsichtbarkeits-Maschine)
Staeck & Beuys: “Ziel war maximale Öffentlichkeit”
Joseph Beuys und die Unsichtbarkeits-Maschine
Joseph Beuys reloaded (I): Der Mensch
Joseph Beuys reloaded (II): Jeder Mensch ein Künstler?
Joseph Beuys reloaded (III): Der Lehrer
Joseph Beuys reloaded (IV): Der Zeichner
Joseph Beuys reloaded (V): Beuys für Sammler
Joseph Beuys reloaded (VI): Warum Beuys heute noch?

Website des Marta Herford

Der Beitrag Sei Werkzeug Deiner selbst! Cinthia Marcelle im Marta erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

Die Älteren unter uns werden sich erinnern: 2021 war Beuys-Jahr und wir haben mitgemacht.

Wir haben Joseph Beuys zum 100. Geburtstag unser Eröffnungsplädoyer gewidmet, ihm auf unserer Couch 100 Fragen gestellt, der interessierten Öffentlichkeit Bastelanleitungen für DIY-Editionen seiner Werke offeriert. Wir haben für den WDR mit seinen Schüler*innen gesprochen, ein mehrteiliges Interview mit seinem ersten Sammler gebracht, ein Quiz veranstaltet und ein Intuitions-Gedicht für ihn geschrieben – ja: Wir haben sogar dem toten Hasen Joseph Beuys erklärt. Kurzum: Wir haben uns echt ins Zeug gelegt.

Genützt hat das Beuys wenig. Er ist wieder komplett in der Versenkung verschwunden, so wie in den 30 Jahren nach seinem Tod. Es war ein Blitz mit kurzem Donner. Aber auch das hatten wir damals schon vorausgesagt.

Schuld daran ist ein Phänomen, für das wir 2021 den Begriff der Unsichtbarkeits-Maschine erfunden haben. Bei Beuys hat diese Maschine besonders viele, besonders scharfe Krallen.

Aber es gibt einen Mann, der sich der Unsichtbarkeits-Maschine hartnäckig widersetzt. 1981 ist er zu Beuys ins Atelier gefahren und hat dort Fotos gemacht, die sich ihrem verschlingenden Einfluss heldenhaft entziehen.

Peter Sevriens heißt dieser Mann. Inzwischen ist er 80. Mit seiner Frau Karin wohnt er in einem ehemaligen Bahnhof in Meinerzhagen im Sauerland. Aber eigentlich wohnt er in seinem eigenen Gesamtkunstwerk, das der Welt seinerseits bisher weitgehend verborgen geblieben ist.

In unseren Augen ist auch dieses Gesamtkunstwerk zur Unsichtbarkeits-Maschine ein Kontrapunkt.

Aus Tausenden gesammelter Kameras, Uhren und Feuerzeuge, aber auch mit Hilfe vieler anderer gefundener Objekte hat Peter Sevriens nämlich unzählige Sichtbarkeits-Maschinen gebastelt, die in ebenso witziger wie kritischer Manier verborgene Bezüge zwischen den Dingen und den Wörtern aufdecken – oder eben erst kreieren. Und in deren collagierten Facettenaugen blitzt immer wieder auch Joseph Beuys.

Etwas Beuys, viel Ungerer

Schon im Beuys-Jahr hatte uns Peter Sevriens des Öfteren per Mail mit Bildmaterial ausgeholfen, um der Unsichtbarkeits-Maschine ein Schnippchen zu schlagen (vielen Dank noch einmal hierfür, Peter Sevriens!). Jetzt haben wir dem Künstler rechtzeitig zum 37. Todestag von Joseph Beuys endlich einmal einen Hausbesuch abgestattet.

Wir haben uns im Zigarettenrauch (war da nicht auch der Duft von Räucherstäbchen?) äußerst gut & äußerst lange unterhalten. Wir haben Blues-Musik (und Trip Hop?) gehört. Und wir haben von Karin Sevriens gebackenen Kuchen gegessen (Danke auch hierfür, Karin Sevriens!).

Was für sympathische Menschen.

Vor allem aber haben wir uns überwältigen lassen von dieser ganz eigenen Kunst, der ungeheuerlichen Fülle, die wir zum ersten Mal sehen durften – und die sicher das Einfache der Materialien mit Beuys‘ Werk gemein hat, vom Denken und von der Energie her aber vielleicht der Skulpturen-Kunst Tomi Ungerers näher steht.

Auf unseren Streifzügen durch das Labyrinth des Bahnhofs haben wir überall natürlich auch Joseph Beuys entdeckt: nicht nur seinen Geist, der das Haus durchweht, sondern auch sein von der Unsichtbarkeits-Maschine andernorts so sorgsam verhindertes Gesicht.

Auf alten Aktien. Auf Collagen aus Geldscheinen und Taschenuhrwerken. Auf Staffeleien. In einem Hausaltar mit Walkie-Talkie-Flügeln. Oder als Negativ mit stechenden Insektenaugen im tragbaren Rahmen. (Und das ein oder andere für uns ausgepackte Foto haben wir für die Fotostrecke unten offen gestanden auch arrangiert.)

Chemie und Überredungskunst

Lange habe es damals gedauert, bis Beuys ans Telefon gegangen sei, erzählte uns Sevriens: „Er war ja ständig unterwegs und Jeder wollte mit ihm reden.“ Uns als er dann endlich mit einem Assistenten im Düsseldorfer Atelier stand, habe sich Beuys erstmal ein wenig geziert. Aber die Chemie sei da schon da gewesen. Und Sevriens‘ Überredungskunst war groß.

Die rund 30-40 Fotos, die Sevriens in der Dunkelkammer teils stark verfremdete, mystisch neblig machte, haben Beuys gefallen: vielleicht auch wegen des Blicks des Fotografen nicht nur auf ihn, den Star, sondern auch auf das scheinbar Unscheinbare seiner Materialien & Utensilien im Atelier. Spontan habe Beuys einige dieser Fotos signiert: zum Entsetzen von Eva Beuys, aber zur Freude von Sevriens selbst.

Beuys habe ihm damit eine Art Zeugnis ausgestellt, sagt Sevriens, und als der gar nicht mehr so junge Niederländer anmerkte, jetzt Kunst studieren zu wollen, habe der Niederrheinländer gesagt: „Wozu? Sie sind doch schon ein Künstler!“

Die von Beuys signierten Fotos jedenfalls haben die Qualität holländischer Stillleben.

Wenn Beuys der Hut hochgeht

Einige Werke, die Beuys Sevriens damals geschenkt hat (und die wir wegen der Unsichtbarkeits-Maschine hier leider nicht zeigen dürfen), hängen ebenfalls an der Sauerländer Bahnhofswand. Und es gibt eine angedachte Zippo-Edition mit dem Konterfei des Jahrhundertkünstlers, deren Prototyp wir hier erstmals präsentieren dürfen: Klappt man den Hut hoch, entzündet Beuys loderndes Gehirn Zigaretten, Räucherstäbchen, Joints – oder die eigene (hoffentlich beuysgerechte) Feuerstätte.

„Hüte die Flamme“, um es (etwas kalauernd abgewandelt) mit dem letzten hehren Fremd-Zitat zu sagen, die Beuys vor seinem Tod in der Öffentlichkeit gesprochen hat.*

^{*“Schütze die Flamme“, aus einem Gedicht von Pietro Trapassi, gesprochen im Lehmbruck-Museum in Duisburg am 12.1.1986, seiner letzten Rede. „Hüte die Flamme“ wäre aber auch eine mögliche Übersetzung gewesen.}

Als Joseph Beuys am 23. Januar 1986 in Düsseldorf gestorben sei, habe er die Tageszeitung mit der Schlagzeile „Der Mann mit dem Filzhut ist tot“ in den Schnee gesteckt und abfotografiert, sagt Sevriens. Es war halt ein frostiger, trauriger Tag. Aus diesem Foto ist eine Collage entstanden, die ebenfalls im Sauerländer Bahnhof hängt.

Sie hat die Form eines Auges, ja: eines Auges! Auch das wollen wir Sichtbarkeits-Fanatiker von der KunstArztPraxis am 37. Todestag von Joseph Beuys zumindest kurz erwähnen.

Nimm das, Unsichtbarkeits-Maschine. (23.01.2023)

Appendix: Peter Sevriens und die drei Baustellen

Wir haben uns wie gesagt äußerst lange & äußerst gut mit Peter Sevrines unterhalten. Eine dabei zum Vorschein gekommene Anekdote scheint uns (wie auch dem Künstler) grundlegend für sein Werk. Sie reicht mehr als sieben Jahrzehnte zurück in die Kindheit in Venlo, und sie könnte (weitaus pathetischer) von Thomas Mann oder (in ungleich ekligerer Form) von Quentin Tarantino stammen. Aber sie ist von Sevrins selbsterlebt. Voilà:

„Ich weiß es noch genau, ich war vielleicht dreieinhalb, vier Jahre, ich bin ja 1942 geboren, das war kurz nach dem Krieg, da habe ich im Wald einen alten Karabiner gefunden, den ein Soldat weggeschmissen hatte. Mit dem bin ich nach Hause, und mein Opa wollte mir das Ding abnehmen, aber ich wollte nicht. Mein Opa hatte immer so eine goldene Taschenuhr in der Hosentasche, auf die ich ganz scharf war, deshalb hat er gesagt: Wenn du mir das Ding gibst, kriegst du die Uhr.

Natürlich habe ich die Uhr nicht gekriegt, das Ding war weg, das habe ich im Unterbewusstsein behalten. Deshalb sind in meinen Objekten so viele Uhren und Waffen eingebaut. Diese Sachen haben mich geprägt. Wie Beuys. Der Krieg. Filz und Fett. Ob man mit Filz und Fett arbeitet oder mit alten Uhren oder abgesägten Karabinern, ist ja egal. Mit Kunst kann man sich heilen von diesem Trauma, das ich das Ding nicht behalten durfte und die Uhr nicht bekam.“

Es sind also auch diese Wunden reißenden Baustellen der eigenen Kindheit, die Sevriens zu humorvoll-doppelbödigen Collagen verarbeitet hat. Aber es sind auch die ansatzweise miterlebten historischen Baustellen der Menschheit, die durchscheinen – zum Beispiel in Form einer groszartigen Tyrannen-Collage, die aus einem halben Dosendeckel Schweinskopf-Sülze, einem Dolchstoß-Messer, einem Fotoapparat und dem mikrigen Stürmer-Star-Schnitt Adolf Hitlers in Nazi-Uniform besteht. Also aus jener Melange von Medien, Mett und Mythen, aus denen bis heute die klebrige Masse größenwahnsinniger Diktatoren zusammengekleistert ist.

Aber es sind auch die Baustellen einer Religion, bei der ein neutestamentarischer Sohn ja irgendwie auch für die bösen Patzer der Schöpfung seines alttestamentarischen Vaters hat büßen müssen (unsere Meinung, nicht die von Augustinus!). Sevrins selbst war als Kind bei den Brüdern im Internat und hat deren sexuelle Übergriffe im Waschraum beobachten müssen. Da fehlte zur Beweisaufnahme irgendwie eine Kamera. Das sind auch so Anekdoten, die prägen.

Gesammelte Rosenkränze und Kruzifixe jedenfalls finden sich zuhauf in Sevriens Bahnhof, nackte Puppen oder eine Penis-Guillotine, aber auch ein Werk, das wir in seiner hintergründigen Schlichtheit bestechend finden – und das gleichzeitig ungemein aktuell geblieben ist. Es besteht aus einer Silbertafel, auf der, fast schon in Beuys-Manier, ein leeres Kupferkreuz klebt. Darunter prangt ein Baustellenschild, auf dem der Künstler die Schuld-Sühne-Problematik auch im Sinne heutiger Umweltkatastrophen oder anderer Generationenkonflikte moralinfrei komisch umgedreht hat:

„Kinder haften für ihre Eltern.“

Joseph Beuys und die Unsichtbarkeits-Maschine
Joseph Beuys in der KunstArztPraxis (Überblicksseite)

Schütze die Flamme.
Denn schützt man die Flamme nicht,
ach eh‘ man’s erachtet,
löscht leicht der Wind das Licht,
das er entfachte.

Brich dann Du
ganz erbärmlich Herz
stumm vor Schmerz.

Pietro Trapassi  (1698-1782)

^{Anmerkung: Auf die Beantwortung unserer 100 Fragen warten wir übrigens immer noch, Herr Beuys! Herr Beuys????}

Der Beitrag Joseph Beuys und die Sichtbarkeits-Maschinen erschien zuerst auf KunstArztPraxis.

An dieser Stelle müssen wir erst einmal ein Geheimnis loswerden, das wir noch Niemandem verraten haben: Einer von uns KunstArztPraxisÄrzten hat sich beim Gang durch „Sociatry“ bei einem blasphemischen Gedanken ertappt!

„Eigentlich hätte Joseph Beuys seinen ollen Filzhut an den Nagel hängen sollen“, hat besagter Einer nämlich gedacht. „Viel besser wäre es gewesen, mit einem Kollektivsombrero durch die Welt zu balancieren, wie Pedro Reyes ihn erfunden hat. Dann hätten ihn viele Menschen sicher besser verstanden.“

Tatsächlich scheint uns der „Collective Hat“ (2004) aus gepressten Palmblättern das kopfbedeckende Sinnbild jener sozialen Plastik zu sein, die Beuys sich in seiner Filzhuteinsamkeit ausgedacht hat:

Wärmend und schützend verbindet er die Hirne und Köper von Menschen, die dank ihm nun freiwillig gezwungen sind, in einem kreativen Prozess in dieselbe Richtung zu gehen, also ein gemeinsames Ziel zu verfolgen. Wobei Jeder beim Vorwärtsschreiten ganz demokratisch auf die Taktung der Anderen Rücksicht nehmen muss.

Der Hut bringt also eine Gesellschaft im schulenden Prozess ganz konkret mittels Kunst voran. Wie toll ist bitte das.

Pedro Reyes hat offenbar einiges gelernt von Joseph Beuys, und zwar, wenn wir das richtig sehen, vor allem das Sympathische. Nicht nur das mit der sozialen Plastik, sondern auch das ganz speziell Poetische und das mit dem Augenzwinkern.

Den Hang zur politischen Aktion, vor allem im öffentlichen Raum. Die Beschäftigung mit den drängenden Zukunftsfragen der Menschheit. Oder den Gedanken, dass Kunst in gewisser Weise heilen – also für den Einzelnen wie für die Gemeinschaft kathartisch wirken – kann.

Und die Vorstellung, dass dafür unbedingt der Austausch mit dem Publikum nötig ist: das Gespräch, das dem Gegenüber hilft, seine Erkenntnisse durch eigenständiges Denken selbst zu gewinnen. Aber das hatte Beuys ja seinerseits schon beim platonischen Sokrates abgeguckt.

Und vieles in unseren Augen eher nicht so Sympathische fehlt bei Reyes. Die erdenschwere Ernsthaftigkeit zum Beispiel, auf die seine Jünger Beuys heutzutage gerne reduzieren. Das esoterische Heilige. Die hohe Schwelle. Stattdessen, bei Reyes: zumeist spielerische, einleuchtende Leichtigkeit.

Da sollte man sich vom Ausstellungstitel „Sociatry“, der das Gemeinschaftliche („socius“) und das Heilende („iatreia“) ebenso wie Latein und Griechisch etwas kryptisch verbindet, nicht abschrecken lassen.

Drinnen warten ohnehin Helfer in blauen Kitteln darauf, Besucher*innen mit Kunst zur Selbst- und Fremderkenntnis zu führen. Denn im Marta-Dom hat Reyes inmitten seiner Schau mit insgesamt rund 50 Zeichnungen, Skulpturen und Videos einen Parcours aus mehreren „Behandlungswegen“ abgesteckt, wo Jeder und Jede sich und sein/ihr soziales Verhalten hinterfragen kann.

Und das klingt hier didaktischer, als es an Ort und Stelle praktisch ist.

Die Geburt der Antwort aus dem Geist des Orakels

Im „Philosophical Casino“ zum Beispiel kann man sich Zitate großer Geister erwürfeln (oder erkreiseln), die mit dem Charme eines mäeutischen Orakels zur Selbstbeantwortung eigener, zuvor auf einem Zettel notierter Schicksalsfragen dienlich sind. Und das sind sie wirklich! Bei uns jedenfalls hat es funktioniert.

Und dank der „Goodoo“-Puppen ist es möglich, mittels angehängter Symbole über gute Wünsche quasi telepathisch und sehr positiv mit anderen Menschen in Verbindung zu treten. Wobei die Gute-Wunsch-Figuren an der Wand wiederum ein Sinnbild der sozialen Plastik ergeben.

Das ausgestellte Leben

Ein „Museum of Hypothetical Lifetimes“ animiert Besucher*innen, ihr Leben in den Räumen eines Miniatur-Modells über eine Riesenauswahl angebotener Objekte kuratorisch neu zu sortieren, um aus der erfrischend anderen Perspektive einer ganz persönliche Ausstellung über ihre Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft – oder verpasste Lebensläufe – nachzudenken.

Wenn man denn mag. Denn auch das ist anders als bei Beuys: Wer nicht denken will, fliegt trotzdem nicht raus.

Wegen seiner schlichten Raffinesse hat uns von allen therapeutischen Kunstbehandlungen „Citileaks“ besonders gut gefallen: ein vernetztes Flaschenpost-System, bei dem man sein eigenes Geheimnis auf einem zusammengerollten Papier an einem Seil in eine Flasche versenken kann und im Gegenzug ein anderes umseiltes Geheimnis aus einer anderen Flasche herausfischen darf.

Was wir uns noch nie verraten haben

Hätte also der eine KunstArztPraxisArzt seine Filzhut-Blasphemie in „Citileaks“ getaucht, statt sie hier vorschnell öffentlich auszuposaunen, dann hätte er vielleicht von einem anderen KunstArztPraxisArzt ein anderes Geheimnis erfahren.

Zum Beispiel, dass besagter anderer KunstArztPraxisArzt Pedro Reys‘ Aktion „Palas por Pistolas“ von ihrer entwaffnenden Idee her fast noch stärker findet als Beuys‘ „7000 Eichen“. So, jetzt ist auch das noch raus.

Schusswaffen zu Schaufelblättern

Für „Palas por Pistolas“ hat Reyes in einem mexikanischen TV-Sender Bürger*innen in drei Werbespots dazu aufgerufen, ihre Waffen gegen Haushaltsgeräte einzutauschen – und aus jeder der 1.527 so zusammengesammelten Waffen das Metallblatt einer Schaufel gießen lassen, mit denen dann vor Schulen und Museen 1.527 Bäume gepflanzt worden sind.

Auch in Herford soll im Sommer ein Reyes-Baum gepflanzt werden. Spätestens dann wollen wir wiederkommen. Vor allem auch, um die „Citileaks“-Flaschen mit echten, also sehr persönlichen KunstArztPraxis-Geheimnissen aufzufüllen.

Da fallen uns nämlich ganz spontan ein paar ein, die wir unheimlich gerne heimlich verraten würden. (11.04.2022)

^{„Pedro Reyes. Sociatry“ ist noch bis zum 14. August 2022 im Marta Herford zu sehen.}

^{Anmerkung 1: Vielleicht kommen wir im Sommer nicht nur ins Marta, sondern hier auch nochmal auf die Ausstellung zurück. Zu ihr gehört nämlich auch noch eine erwähnenswerte Installation aus Jeanshosenwippen des tschechischen Künstlers Robert Barta, der schon oft im Marta zu Gast war und den vor ein paar Ausstellungen entwickelten „Insel“-Gedanken fortschreibt. Zudem hat Pedro Reyes der italienisch-brasilianischen Architektin Lina Bo Bardi (1914-1992) eine Bühne bereitet, die für ihre wegweisenden Entwürfe zum demokratischen Bauen 2021 posthum den Goldenen Löwen der ansonsten leider etwas uninspirierten 17. Architekturbiennale von Venedig erhalten hat. Wir waren da & sehr enttäuscht. (Aber Venedig war natürlich klasse.)}

^{Anmerkung 2: Es gibt noch ein zweites Lieblingwerk von Pedro Reyes, das ebenfalls mit der Transformation von roher Gewalt in friedlich mahnende Kunst zu tun hat: „Disarm (Mechanized) II“ von 2014, bei dem sechs Musiker*innen im Verbund mit drei Schmieden zwei Wochen lang aus Waffen Musikinstrumente bauten. Alle 30 Minuten füllt sich das Marta mit ihrer Musik und erinnert so an die erschossenen Opfer. Beuys hätte auch das sicher gefallen.}

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Anmerkung: Wie im KunstArztPraxisbereich schon mehrfach ausgeführt, unterliegt die Sichtbarmachung von Joseph Beuys den Gesetzen der Unsichtbarkeits-Maschine. Alle Bilder dieses Quizzes wurden deshalb von einem Playmobil-Double nachgestellt.

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